Cíclope 3.0 - 24-07-18

En la sintonía de Radio Tomares, Cíclope 3.0 del martes 24 de julio de 2018.  Entre otras manifestaciones de la Música, hoy traemos canciones para osos polares.

Snow Patrol

Y comenzamos con Snow Patrol, una banda cuyos miembros vienen de Irlanda del Norte y de Escocia.  El quinteto está capitaneado por el guitarrista y cantante Gary Lightbody.  El grupo se formó a mediados de la década de los 90 del siglo pasado (1994-1995) y comenzó a grabar en 1998.  Su intención fue bautizar la reunión de músicos con el nombre de Osos Polares, pero la coincidencia con el nombre de una banda neozelandesa de mismo nombre y otra norteamericana, les hizo desistir y optar por el nombre de Snow Patrol.

Gary Lightbody

El sonido, la forma de hacer música de Snow Patrol es una alternativa de la rama Pop-Rock de alta calidad.  Al principio del programa, el Cíclope escoge un tríptico de canciones pertenecientes a sus dos primeros álbumes y al último, editado éste año de 2018.

When It's All Over We Still Have a Clear Up - 2001

Wildness - 2018

Songs for Polar Bears - 1998

Un proyecto gestado durante tiempo por el guitarrista y cantante Gary Lightbody es la banda Tired Pony.  Su deseo por antonomasia era formar una banda de música country y así funda éste septeto. Dos álbumes entre 2010 y 2013 en los que se decanta por otras formas que no son precisamente el country que buscaba.  Como compañeros de aventuras un plantel amplio y variado de colaboradores entre los que se encuentran el guitarrista de R.E.M., Peter Buck (el que tocaba la mandolina en aquel soberbio Losing My Religio de Michael Stipe y compañía); miembros de Belle & Sebastian; Mogwai ... etc.

Tired Pony (Gary Lightbody en el centro; Peter Buck primero por la derecha)

Gary Lightbody, como buen creador inquieto, formó otro combo, otro proyecto que fue además anterior a Tired Pony, la banda The Reindeer Section, con una plantilla de colaboradores numéricamente superior a su aventura del Pony Cansado, con un sonido más acústico.

The Reindeer Section (Todos no son miembros de la banda.  Hay algún que otro amigo/a)

Grabaron dos discos entre 2001 y 2002.  Recuperamos el álbum del año 2002, Son of Evil Reindeer, y una canción acústica como Budapest.

Budapest, la capital de Hungría, sirve para enlazar, por similitud de título, con otra canción que, al igual que The Reindeer Section, también habla de esa ciudad.  En éste caso, Budapest contemplado desde un dirigible.  Quien nos hace la propuesta es el camaleónico Thomas Dolby.

Thomas Dolby

Su nombre real es Thomas Morgan Robertson y su profesión es la de músico, productor, intérprete, cantante...  Lo de Dolby lo tomó prestado después de trabajar con el famoso sistema de sonido, cosa que, a los directivos de la marca registrada, no les gustó ni un pelo.  Lo llevaron a juicio, por apropiación de un nombre registrado, pero llegaron a un acuerdo: lo podría utilizar siempre y cuando quedara como un pseudónimo, nunca como parte de su firma y rúbrica de su puño y letra.

Así que Thomas Dolby ha ido desgranando su ingenio en todo lo que está relacionado con sus funciones como músico o productor utilizando dicho apellido artístico.  En 1988 editó un disco que contenía esa visita aérea sobre Budapest: Budapest desde un dirigible.  Apareció en un álbum cuyo título y diseño de carpeta era un homenaje a las películas de Serie B: Aliens Ate My Buick.

Ya que hemos ascendido hasta el cielo, el Cíclope nos sube un poco más, hasta el Paraíso, recuperando un tema del año 1979: Heaven.  Lo firman, Talking Heads.

Talking Heads

Con producción del poliédrico Brian Eno, el álbum del año 1979 Fear of Music firmado por David Byrne y compañía, incluía pequeñas joyas como ese Heaven.

Desde lo más alto del firmamento, el Cíclope nos precipita en lo más profundo del océano con Explosions in the Sky, cuarteto de Texas, en concreto de Austin, dedicados a las buenas vibraciones instrumentales.  En el año 2003, grababan The Earth Is Not a Cold Dead Place donde incluían éste Seis Días en el fondo del Océano.

The Earth Is Not a Cold Dead Place - 2003

En la recta final del programa de hoy, sonidos eminentemente sin voz, instrumentales, como el que recuperamos de ésta banda originaria de Barcelona, Exxasens.

Exxasens

Exxasens llevan 11 años en el panorama musical, sembrando buena semilla, de calidad, con sus composiciones.  En principio fue un proyecto del compositor y guitarrista Jordi Ruiz, que un día consiguió reunir a tres músicos más para ampliar las posibilidades de ésta banda de la que recuperamos un tema, Casiopea, de su álbum del año 2011 Eleven Miles.

.Jordi Ruiz

Y terminamos con un quinteto de Akron, Ohio, también dedicados al Rock instrumental.  Ellos responden al nombre If These Trees Could Talk (Si estos árboles pudieran hablar)

If These Trees Could Talk

En el año 2016 entregaban un disco titulado The Bones of a Dying World (Los huesos de un mundo moribundo) donde incluían el tema The Giving Tree con el que se cierra ésta edición de Cíclope 3.0

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 17-07-18

Mariusz Duda

Con retraso aquí está la edición de Cíclope 3.0 de la semana pasada, martes 17 de julio de ésta año 2018.

En el mes de julio del año 2015, concretamente el martes día 7, el Cíclope realizó un Especial Polonia jugando con las dos orillas del río Vístula.  Hoy recuperamos algunos sonidos de aquel Especial, comenzando con la banda Riverside.

Riverside

Riverside es un cuarteto de músicos que se reunieron en Varsovia, Polonia, en el año 2001, unidos por la admiración que sentían hacia el Rock Progresivo y las maneras más heavys del Rock.  Aunque su fondo puede parecer en ocasiones ciertamente metálico, con una tendencia que parece escorar hacia lo duro, lo que en verdad hacen es utilizar ese fondo fuerte, metalero para explorar otras formas enclavadas en las estructuras amplias del Rock Progresivo.  Casi se podría hablar de composiciones de Rock Progresivo con un perfil metálico.  El encargado de capitanear las vibraciones de la banda es Mariusz Duda (segundo por la izquierda en la foto), guitarra bajo y vocalista.  El grupo, aunque se reúne en el año 2001, graba por primera vez en 2004.  Llevan, hasta el momento, 6 álbumes.

Mariusz Duda, como buen creador inquieto, crea otros proyectos paralelos al grupo Riverside como es el caso de Lunatic Soul.  Son prolíficos y Duda toca varios instrumentos (guitarra eléctrica, guitarra acústica, guitarra bajo y canta).  Comienzan en el año 2008 y llevan unos 6 discos incluído el grabado éste año 2018.  El Cíclope recupera el segundo álbum, grabado en el año 2010 y titulado Lunatic Soul II.

Lunatic Soul II

Casi se puede hablar de un proyecto en solitario por parte de éste músico polaco porque, exceptuando alguna colaboración, el resto (componer, cantar, tocar instrumentos) lo hace él solo: Mariusz Duda.

Mariusz Duda

Y un proyecto más por parte de Duda: Meller Golyzniak Duda.

El trío está bautizado con el apellido de cada uno de sus miembros: Maciej Meller, guitarra (izquierda en la foto); Maciej Golyzniak, batería (centro) y Mariusz Duda, guitarra bajo y vocalista (derecha).  No sé si será muy corriente en Polonia el nombre de Maciej, pero aquí coinciden dos, que ya vale la casualidad.  Tienen un álbum del año 2016.

Meller Golyzniak Duda

Cruzamos a la otra orilla del río Vístula y nos quedamos con una interesante banda: Light Coorporation (con 2 O, no es un error).

Light Coorporation es una banda formada en Polonia en el año 2007 por el compositor y productor Mariusz Sobanski.  La cosa va o de coincidencias o de nombres de pila habituales en Polonia porque de Mariusz Duda ahora nos encontramos con otro Mariusz, apellidado Sobanski.

El grupo realiza una música que fusiona el Jazz, el Rock Progresivo y el Rock Psicodélico.  Aunque se reúnen por primera vez en el año 2007 no sería hasta 2011 cuando grabarán su primer disco.

Los músicos querían conseguir la sensación de estar escuchando LPs de los años 60 y 70 del siglo 20, querían una grabación de sonido auténtico y natural.  Debido a eso, se decidió no editar diversos ruidos, zumbidos y traqueteos que se produjeron de forma inesperada durante las sesiones.  Este cuidado meticuloso para mejorar la calidad de sonido también marcaría sus futuros álbumes.  La banda continuará con su tradición de utilizar equipos de grabación antiguos, es decir, preamplificadores analógicos, compresores, amplificadores y una grabadora de cinta Studer A807, propiedad de la Radio Polaca.

La puesta en escena de Light Coorporation conlleva la utilización de material video-gráfico: fragmentos de películas, fotografías, documentales.  Los elementos visuales los utilizan en constante diálogo con la Música.  La formación, básicamente, es de quinteto, pero pueden llegar a ser hasta 12 miembros los que toquen juntos.  Ésta es una muestra del contenido de sus discos:

• 2011 – Rare Dialect – Formación de 7 músicos. (Con Mariusz Sobanski siempre en la guitarra).

• 2012 – Aliens from Planet Earth – Formación de 5 músicos para una obra fundamentalmente visual.

• 2013 – About - Formación de 12 músicos.

• 2014 – Chapter IV – Before the Murmur of Silence - Formación de 7 músicos.

Light Coorporation

Saltamos desde Polonia a Inglaterra.  Riversea es un dúo británico con dos álbumes en su haber.  Está formado por el teclista Brendan Eyre y el guitarrista-vocalista Marc Atkinson.  Paisajes interiores curiosos y muy interesantes.  Llevan dos álbumes hasta el momento y el Cíclope entresaca uno de cada disco.

Riversea (Brendan Eyre izquierda y Marc Atkinson derecha)

Y en los últimos minutos de ésta edición de Cíclope 3.0 vamos a recuperar el sonido de una guitarra cuyo arco gravitatorio de influencias se extiende a lo largo de finales del siglo XX y principios de éste siglo XXI.  Me refiero a la guitarra de David Gilmour, el guitarra de Pink Floyd.  Su sombra gravita sobre la guitarra de Porcupine Tree (sobre Steven Wilson especialmente), sobre el sonido de Riverside con los que hemos comenzado hoy el programa, sobre la guitarra de Marc Atkinson de Riversea...  Sobre muchísimos grupos y solistas, así que es momento de recuperar algo de su hacer como músico, aparte de su obra con Pink Floyd.  El Cíclope recupera dos temas de aquel Rattle That Lock del año 2015.

David Gilmour se ha tomado tranquilamente el hecho de grabar discos en solitario.  Comenzó en 1978, paralelamente a su labor en Pink Floyd, después ha ido desgranando sus trabajos tomándose su tiempo: seis años entre el primer disco y el segundo y 22 años con respecto a la aparición del tercero.  Ya en pleno siglo XXI la distancia entre disco y disco ha sido un poco más continua, pero así y todo, se lo toma con calma.  Éste que hoy recupera el Cíclope tiene colaboraciones tan prestigiosas como la de Phil Manzanera que toca los teclados, dejando la guitarra en un segundo plano.

Gilmour en los tiempos psicodélicos de aquel legendario Ummagumma de Pink Floyd

Gilmour en nuestros días

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 10-07-18

Fender Stratocaster Sunburst 1961 (herencia de Rory Gallagher)   

En la sintonia de Radio Tomares, Cíclope 3.0 del martes 10 de julio de 2018.  Ésta edición está caracterizada por un mismo denominador común, la guitarra eléctrica, tocada por manos diferentes.

Comenzamos con toda una leyenda que supo extraer toda la elocuencia que puede albergar un instrumento como éste.  Esa leyenda es Rory Gallagher.

Rory Gallagher (1948-1995)

Las Navidades del año 1995, el programa Metrópolis que emitía la 2 de TVE, hizo un resumen del año que terminaba.  Entre las noticias necrológicas nos enteramos del fallecimiento del irlandés Rory Gallagher, con tan solo 47 años de edad, víctima de un ataque al corazón.  Su Fender Stratocaster Sunburst 1961 se quedó huérfana.  Había sido su compañera durante, se puede decir, toda su vida: arañada, descascarillada, pero con una sabiduría expresada gracias a las manos de éste hombre, tímido, pero extraordinariamente elocuente con ella, su guitarra que, mientras más vieja, mejor sonaba.  Comenzamos recuperando un tema de 1973 de su álbum Blueprint.

Rory empezó a rular por el seno de bandas de Rock con 15 años de edad.  Su nombre se llegaría a convertir en un referente sin el cual no se entenderían un montón de páginas de la Enciclopedia del Rock & Roll.  Gallagher venía de una banda de finales de los 60 principios de los 70, un trío que practicaba Blues Rock, Rhythm & Blues y Rock, un trío formado por Richard McCracken en la guitarra bajo, John Wilson en la batería y Rory Gallagher en la guitarra eléctrica, harmónica, saxofón alto y vocal.  El nombre del grupo, Taste.

Taste (de izquierda a derecha: Richard McCracken, John Wilson y Rory Gallagher)

Tuvieron una corta y sin embargo sustanciosa discografía. El Cíclope rescata un tema del primer disco de la banda para pasar a Gallagher de nuevo en solitario.
Rory no abandonaría el formato de trío, aunque hubiera en alguna ocasión la presencia de un teclista (piano eléctrico, órgano) en sus grabaciones o en directo.  En 1978 apareció uno de los álbumes más preciado por sus seguidores, Photo-Finish.

Si tienes la versión en vinilo de éste disco no te deshagas jamás de esa copia, porque la remasterización en CD es una de las infamias más grandes que ha dado la Industria Fonográfica.  Ni siquiera la hipotética versión no-remasterizada suena bien.  ¿Qué han hecho, por Dios?  ¿Cómo y por qué?  No lo entiendo.  La calidad del LP, la presencia, la amplitud de sonido, las mezclas originales de los temas, nada se ha respetado.  La versión CD copia del máster original (AAD) no tiene ni punto de comparación con el máster del vinilo.  Y si hablamos de la remasterización, la ínclita versión, incluye temas que no están en el LP.  No es que sean Bonus Tracks, o pistas de regalo, es que sencillamente han cambiado canciones por otras.  La canción Shadow Play que abre la cara B del LP, en la copia remasteleches aparece grabada en vivo, no en estudio.  Shin Kicker suena sin fuerza.  Es un desastre.  Pero el disco original, no, no era ni es ningún desastre, es uno de esos discos que te hacen vibrar.  El Cíclope recupera aquel Overnight Bag.
En una ocasión le preguntaron a Jimi Hendrix qué se sentía siendo el mejor guitarrista del mundo y contestó: No sé, tío.  Pregúntale a Rory Gallagher. 

En Dublín, una calle dedicada a la memoria de Rory 

Si el programa tiene como protagonista a la guitarra eléctrica, no podía faltar él: Jimi Hendrix.

Vivió 28 años y fundamentalmente su Música se desarrolló a lo largo de cuatro años.  Nadie, en tan poco tiempo, ha llegado a significar tanto en el mundo de la música.  Zurdo divino, tocó muchas marcas diferentes de guitarra eléctrica.  En sus actuaciones en vivo solía utilizar una Fender Stratocaster.  En éste año 2018 el nombre y apellido de Jimi Hendrix vuelve a estar entre las Novedades de la Industria del Disco porque se editó, hace unos meses, Both Sides Of The Sky, la tercera entrega de una trilogía formada por los álbumes Valleys of Neptune aparecido en el año 2010 y People, Hell and Angels publicado en el año 2013.  Los tres discos tienen una meta, que es presentar las mejores y más significativas grabaciones de estudio no emitidas que quedan en el archivo de Hendrix.  Janie Hendrix, hermana menor de Jimi que contaba con 9 años de edad cuando su hermano murió, es la Presidenta de la Fundación Hendrix y se encarga de gestionar todas las grabaciones que se extraen de esos archivos donde se recogen demos, ensayos, todo lo que puede significar dinero.

Portada del disco Both Sides Of The Sky

El álbum recoge composiciones que forman parte de la discografía no oficial de Hendrix y sirve para volver a escuchar a una de las guitarras eléctricas más grande que ha existido.  El Cíclope viaja hacia atrás y de aquel álbum titulado War Heroes del año 1971 entresaca Highway Chile, con Jimi en la guitarra y voz, y sus inseparables Noel Redding en la guitarra bajo y Mitch Mitchell en la batería.

Dos formatos de trío: Jimi Hendrix y Rory Gallagher.  Ahora es el turno de guitarras eléctricas solitarias, aunque toquen más músicos con el guitarrista.  El primer caso es Steve Tibbetts.

Steve Tibbetts

Guitarrista y compositor estadounidense es capaz de hacer que la guitarra suene como una sierra o como un instrumento armónico y sereno.  Toca tanto la acústica como la eléctrica, siendo con la guitarra eléctrica con la que consigue atmósferas cercanas a la experimentación de Jimi Hendrix. 
El mismo Tibbetts define su música como post-moderna y neo-primitiva.  Probablemente definiciones que expresan un cierto cansancio en las entrevistas y que muestran su sentido del humor para hacer catarsis de cierto aburrimiento.  Lo importante es su brillantez como intérprete y músico.  El Cíclope reseña un disco suyo de 1986 y el que ha aparecido hace poco en este 2018 publicados, como es habitual, por el prestigioso sello discográfico ECM .




 

Exploded View - 1986

Life Of... - 2018

La última guitarra eléctrica que suena en ésta edición de Cíclope 3.0 es una guitarra tocada por unas manos veteranas y sabias, las de Terje Rypdal.

Terje Rypdal

Nacido en 1947 en Oslo, Noruega, Terje Rypdal es un guitarrista y compositor centrado en el mundo del Jazz y la música académica.  Aunque tuvo un comienzo donde ejerció de músico de rock, rock de vanguardia, experimental, en 1968 se acercó a las formas jazzísticas junto a un paisano suyo: el saxofonista Jan Garbarek.  Lo siguiente hizo que se afianzara más en el mundo del Jazz al unirse al sexteto de George Russell.  Y lo que supuso su confirmación fue la actuación en el Festival de Jazz de Baden-Baden, en Alemania, en 1969, cuando formó parte de la banda liderada por el trompetista Lester Bowie.
Para cerrar hemos escogido un álbum firmado por Rypdal en 1975, Odyssey, editado, como parte de su discografía, por el sello ECM.  Es un disco que combina largas y melancólicas reflexiones eléctricas de forma poderosa. 

Con dos composiciones de éste esplendido disco nos despedimos hasta la semana que viene.


Espero que te guste el programa.


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Elsa Morante

Elsa Morante (1912-1985)

Elsa Morante, fue una de las plumas más importantes a mediados del siglo XX en Italia.  Nació en Roma en 1912, donde falleció en 1985.
Sus primeras manifestaciones literarias se dieron a partir de 1933, cuando publicó en diferentes revistas cuentos y fábulas para niños, poesías y relatos.  En 1941, en plena Segunda Guerra Mundial, se editan una selección de sus cuentos para niños.  Un año después publicará otro volumen dedicado a la literatura infantil.
Mediada la década de los años 30, sobre 1936, Elsa Morante conoce a un paisano suyo con quien conecta espiritualmente de forma rápida: ese paisano fue el escritor Alberto Moravia.  Se casaron en 1941.  Uno se puede imaginar el café de sobremesa en la casa donde vivió el matrimonio, donde las conversaciones tenían que ser particularmente enriquecedoras máxime cuando en el círculo de amistades que se reunían alrededor de la pareja contaban con la estrecha amistad de figuras como Pier Paolo Pasolini.

Elsa Morante y Alberto Moravia

Pier Paolo Pasolini

Morante y Pasolini

La obra Le bellissime avventure di Caterì Dalla Trecciolina de 1942, fue editada en España por la editorial Gadir en 2005 como Las extraordinarias aventuras de Caterina.  La primera novela como tal que escribió Morante fue Menzogna e sortilegio (Mentira y Sortilegio), de 1948.  En el año 2012, la editorial Lumen la publicó en España, reedintándola en 2017.
L'isola di Arturo (La isla de Arturo), su siguiente novela se publicó en 1957 y en 1985 la publicó en español la editorial La Oveja Negra.  Después ha tenido dos reediciones más: en 2004 por Espasa y el año pasado, 2017, Lumen la publicaba también.
La década de los años 60 fue convulsa para la escritora.  Había contraído matrimonio con Moravia en 1941 y 20 años después, 1961, se separaron.  En dicha década de los 60 Morante piensa, reflexiona sobre sus escritos, su literatura, y destruye gran parte del material que tiene redactado hasta el momento.  En 1963 publica una selección de sus cuentos bajo el título Lo scialle andaluso (El chal andaluz) publicado en nuestro país por la editorial Cátedra en 2006.
En 1974 se edita La Storia (La Historia) que en nuestra piel de toro vería la luz en una edición inencontrable de Círculo de Lectores del año 1992.  Después, en 2008, la editorial Gadir la publicaría con traducción de Esther Benítez.  Si no conoces la literatura de Elsa Morante ésta es una puerta de acceso extraordinaria a su mundo narrativo.

El poder descriptivo que desarrolla y, sobre todo, la galería de personajes que habitan sus páginas hacen de la novela La Historia una de esas obras básicas en la literatura mundial.  Es una obra coral que denuncia la injusticia y la violencia de la Historia representada por la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto, encarnándose toda esa inmensidad del Horror a través de la vida cotidiana de gente común, anónima, que tan solo buscan expandir su deseo por el amor hacia la Vida.  Tiene La Historia esa estructura de novela clásica, de narración donde cada uno de los personajes son descritos uno a uno a través de un dibujo sabio de su forma, su psicología, su perfil humano.  Es una lectura fácil, fluida, que logra lo que su autora buscaba: llegar a un público lo más amplio posible para que su mensaje encontrara la mayor difusión posible.  Y lo consigue.  Vaya si lo consigue.
Antes, datada en los años 60, Morante escribió una obra que dejó incompleta, Senza i conforti della religione (Sin los consuelos de la religión).  Aracoeli (Araceli) del año 1982, su última novela, fue editada aquí en el año 2008 por Gadir.
El reconocimiento de su obra literaria lo avalan los diferentes premios que recibió en vida: Mentira y sortilegio recibió el Premio Viareggio; La isla de Arturo, Premio Strega; Araceli, Premio Médicis.  Incluso hay un Premio que lleva su nombre y apellido, galardón que han recibido, entre otros, autoras como Melania G. Mazzucco por su novela Limbo, editada por Anagrama en 2014.

Elsa Morante en los últimos años de vida

Morante

Tras una fractura de fémur, Morante enfermó gravemente.  Intentó suicidarse un año antes de morir.  Momentáneamente, animada por el Premio Médicis recibido en 1984 por su novela Araceli, tomó de nuevo el impulso hacia la vida, pero una segunda intervención quirúrgica propició que sufriera un ataque al corazón que le quitó la vida en Roma, en 1985.
La escritora norteamericana Lily Tuck publicaba en 2008 Woman of Rome: A Life of Elsa Morante traducida al español con el título Elsa Morante y editada por Circe.  Es una biografía de Morante, aquella mujer exigente y sincera tanto con el trabajo literario como con la vida que pretendía cambiar el Mundo con sus escritos, aun a sabiendas de que era un objetivo imposible.  Pero lo intentó y fue consecuente consigo misma.  Si lees sus novelas, sus libros, lo entenderás, además de enriquecerte.

Mario Brelich

Mario Brelich (1910-1982)

Mario Brelich nació en Budapest, en 1910 y falleció en Nepi, Roma, en 1982.  De padre italiano y madre húngara ejerció como periodista entre Hungría e Italia a lo largo de la década de los años 30 del siglo pasado.  Tras la Guerra, aproximadamente a finales de la década de los 40, se traslada a Italia, donde desarrolla una actividad relacionada con las Artes Plásticas: escultura, pintura y cerámica.  No sería hasta principios de los años 70 cuando Brelich comenzaría a dar a conocer sus textos literarios, a veces breves que, unidos, irían formando posteriormente la estructura de obras más extensas como sucedió con uno de sus títulos: El navegante del diluvio, sobre la figura de Noé.

Sus temas giraban alrededor de temas bíblicos, del Antiguo y del Nuevo Testamento.  Su hermano, tres años más jovén, Angelo Brelich, fue historiador de religiones y supuso un punto de apoyo para los estudios críticos de su hermano mayor, obras cuajadas de un sentido irónico pero jamás exentas de rigor en la información.  Dejó una bibliografía formada por cuatro títulos, dos de los cuales vieron la luz en España.  El primero que dio a conocer fue El abrazo sagrado, sobre la figura de Abraham y su esposa Sara, de la unión de ambos y del nacimiento de Isaac.  Junto con Judith, obra póstuma, son los dos libros que, por el momento, no se han traducido al español.  Los otros dos, sí, a saber: La ceremonia de la traición, de 1975, publicada aquí por la editorial Anagrama en 1982 y traducida por Joaquin Jordá.

¿Cómo se puede definir la estructura de las obras de Brelich?  Ensayo novelado.  O también, si se me permite la paradoja, novela ensayada.  Károly Kerényi, filólogo clásico, erudito húngaro y uno de los fundadores de los estudios modernos sobre mitología griega, denomina los escritos de Mario Brelich como ensayos novelados.  Brelich redescubre significados y significantes en el contenido de las historias bíblicas despojándolas de sus aspectos moralizantes.  La ceremonia de la traición tiene un prólogo firmado por nada más y nada menos que Giorgio Manganelli, autor italiano que pertenece a esa lista de escritores que parecen permanecer en un estado de gracia especial cuando escriben, sea lo que sea, relatos, novelas, ensayos, comentarios críticos de literatura o la lista de la compra a la hora de ir al supermercado.  Creo que merece la pena leer el prólogo que escribe a la obra de Brelich, es el siguiente:

Mario Brelich es un escritor singular, y hay más de una razón para sospechar que, en este caso, singular equivale a extraordinario.  Se reveló en 1972 con El abrazo sagrado, un "escrito", como lo definió él mismo, incapaz de decidir si era ensayo, novela o lo que fuera.  El tema era la relación amorosa y sagrada entre Abraham y Sara.  Sorprendía entonces en aquel "escrito" la capacidad de desarrollar un discurso rigurosamente trabado y a la vez fantástico, un razonamiento maniáticamente minucioso, un comentario sobre el texto bíblico que era a la vez externo e interno a la materia religiosa, en el cual al temblor por el contacto con el mito se añadía una especie de hilaridad solitaria y herética, como un Voltaire enredado en un mundo mitológico que tiene la misma honestidad e intensidad de su razón desacralizadora, y por ello mismo está contaminado de lo sagrado.  La alusión a Voltaire no es, en absoluto, una arbitrariedad cr´tica mía, sino que se refiere al capítulo Un poco de apologética de El abrazo sagrado, en el que Brelich resume, de manera tan racional como divertida, su intrincada relación con el mito, y, en especial, el mito bíblico.  

Ahora, con la misma irritante y desorientadora mezcla de juego, de rito, de solemnidad, de astucia, de temor, Brelich afronta, en esta Ceremonia de la traición, el mito de la traición de Judas.  Para indicar todavía más nítidamente su distancia y su enamoramiento racional y deductivo del tema, la contradictoria y cómplice pulsión de lo hilarante y de lo trágico que lo mueve, Brelich convierte su"escrito" en una investigación policíaca, un puro ejercicio nocturno de encadenamientos lógicos, confiado a una suma inteligencia de detective: nada menos que Dupin -la "momia real de Dupin"- a quien Edgar Allan Poe confió la solución del misterio de Marie Roget y el descubrimiento del asesinato de la Rue Morgue.  Ahora bien, Poe, con la absoluta diversidad de sus procedimientos fantásticos, tiene algo de ejemplar para un escritor como Brelich: la capacidad deductiva va acompañada de una hilaridad grotesca, ligeramente siniestra; y su recorrido intelectual, maniático e histérico, mezcla de leguleyo y de nigromante, aparentemente emotivo pero obstinadamente filosófico, le lleva por caminos indirectos al corazón de una revelación, una epifanía a la que ya no podemos llegar directamente: el itinerario abierto por la investigación de Dupin concluye con el desvelamiento del "Eureka".

Así pues, en una casa de París, cuyo inquilino vive una vida nocturna, o acaso una muerte reflexiva -"interesarse por las cosas en sí, es la única solución para quien es ajeno a la vida"-, se desarrolla un coloquio entre Dupin y su "viejo amigo", y el tema es precisamente por qué Judas llegó a traicionar a Jesús, y qué sentido posee este delito encajonado en el delito cósmico de la redención: "un exquisito pasatiempo para dos ancianos como nosotros... un argumento de sorprendente inactualidad".  Con una elegante y traumática coherencia, dignas de poner en crisis a un teólogo pasado por la Interpol, el discurso discurre a la vez límpido, tranquilo e inaferrable.  Hay algo de consolador en un libro que no se deja entender nada más abrir la página, sino que es al mismo tiempo oscuro y amable, tranquilamente metafísico -realmente inactual- y que nos depara la sensación del significado, la más alta de las sensaciones literarias, y que no coincide en modo alguno con el significado.  Lo que escribe Brelich no es filosofía, es literatura: y, en este caso, literatura mitológica.  El autor trata los relatos evangélicos como testimonios sobre el mito: de modo que también pudieran ser testimonios falsos, infundados, o, como máximo, histórica y psicológicamente verosímiles; en cualquier caso, esto carece de importancia.  En el discurso de Brelich, el mito se contrapone al documento, como la verdad a la realidad; pero en esta contraposición la realidad está desprovista de sentido, mientras el mito, receptáculo de todos los sentidos, se convierte en insondable, depósito de una felicidad infinita, y de una tranquila tragicidad.

Intrincados en el laberinto del mito, figuras de sagrados fantasmas, Jesús, Judas y el mismo Padre arrastran una extenuante interpretación de ellos mismos: y entre los puntos más intensos de la ficticia teología de este texto, así como en El abrazo sagrado, está precisamente este angustioso descubrimiento de que aquel Dios y Satanás están igualmente obligados por su condición de mito, de "verdaderos" pero no "reales".  Pero si Jesús y Judas pertenecen al mismo sistema mitológico, también son fatalmente solidarios, y cada cual posee el sentido del otro.  No, claro que no olvido que esto también es una novela policíaca, un giallo, del amarillo dorado de las aureolas y del amarillo fuego del infierno; por consiguiente, no pretendo contar uno de los libros menos explicables que he leído en mucho tiempo, pero que contiene, sin embargo, soluciones, descubrimientos, golpes de teatro.  Pero, a la vez, es un libro sin acontecimientos: todo ha ocurrido ya, o no ha ocurrido nunca; y sobre esta tragedia cósmica e irreal trabaja el secular detective Dupin, mítica momia nocturna en un inmóvil apartamento de París.

Giorgio Manganelli 

Manganelli ocupará una entrada en éste blog un día de estos.  Por ahora queda citado con esa entrada cuya lectura funciona como una seducción segura para que sientas las ganas de conocer los libros firmados por Brelich.
El segundo "escrito", como él llamaba las historias que escribía, que conocimos en España fue El navegante del diluvio, de 1979, publicada por la editorial Anagrama en 1983 traducida por Carmen Artal.  La obra, ese ensayo novelado, está dedicada Al autor de Tetralogía de José.  Es decir, a Thomas Mann, a quien admiraba.  Tiene una introducción escrita por el mismo Brelich que es clara, transparente y diáfana:

Desde las primeras clases de religión de nuestra infancia estamos acostumbrados a considerar la embriaguez de Noé como una simple ocasión para el ejemplar castigo de la irrespetuosidad filial de Cam.  Pero conviene recordar que la Biblia no estaba destinada únicamente a impartir enseñanzas morales a los colegiales.  De haber sido así, efectivamente, podría haber recurrido para el castigo de Cam a un pretexto más irreprochable que la memorable embriaguez de nuestro progenitor número dos en un momento poco decoroso de su existencia.

Las Sagradas Escrituras son sobre todo historia: lo que registran, de una u otra forma, en un sentido o en otro, ha ocurrido, y por tanto hay que admitir que el venerable anciano, de quien todos descendemos, en una determinada ocasión yació realmente desnudo y en actitud indecente en medio de la tienda, en estado de avanzada embriaguez.  No sin motivo se plantea pues el problema, con todo su emocionante interés, de por qué este elegido de Dios, el héroe del diluvio, se encontró envuelto en aquella singular situación.  ¿Por qué se emborrachó?  Aunque con menos impudicia que Cam, pero con algo más de curiosidad que Sem y Jafet, vamos a acercarnos también nosotros a echar una mirada sobre nuestro progenitor...

La risa, que no es sino una expresión, un síntoma, un diagnóstico, en Brelich se hace expresión de un sentimiento doble, casi contradictorio, de ahí todo lo que tiene de convulso.  Nunca jamás esa risa será irreverente, blasfema.  A la edad de 500 años, Noé es llamado por Dios para comunicarle sus planes de destruir el máximo exponente de Su Creación: la Humanidad.  Hay detalles memorables en la narración El navegante del diluvio como, por ejemplo, cuando comienza a llover, cuando se inicia el Diluvio como tal.  Hasta el momento, la familia de Noé (su esposa, sus tres hijos, sus nueras) han aceptado el delirio del anciano, achacándolo a su edad longeva: construir un arca, buscar parejas de animales para que entren en la gran barca...  Pero el día que el cielo se obscurece y Noé les indica que es momento de entrar ellos también porque va a empezar a llover, y mucho, entonces, la paciencia de los miembros de la familia estalla y la tolerancia brilla por su ausencia.  Observan con ojos atónitos cómo el patriarca sella la puerta de entrada a la nave con todos ellos dentro y comienzan a despotricar, a gritar que ya está bien, que una cosa es que hable con Dios y otra muy distinta que ellos tengan que dar por bueno y correcto toda la sarta de sandeces que se le ocurran.  ¡Que no, que no!  ¡Que abra la puerta porque ninguno va a continuar la pantomima de...!  Tac-tac-tac, Clic-clac-clic-clac...  Suenan las primeras gotas de lluvia sobre la poderosa estructura del arca, estallan los truenos, silva el viento,...y comienza a caer agua...y más, y más...  Esposa, nueras e hijos se quedan sin palabras, con la boca abierta.  Ha comenzado el Diluvio.

Hace años tenía la mala costumbre de prestar libros.  El ejemplar de El navegante del diluvio lo perdí, como perdí tantos libros que presté y que no he podido encontrar después.  Algunos sí los he recuperado porque los he conseguido en librerías de segunda mano como por ejemplo ésta obra, la segunda editada en España de Mario Brelich.  Llevan tiempo descatalogadas pero es fácil encontrarlas en el mercado del libro usado.  Seguro que en tu ciudad hay un montón de buenas librerías de libros usados y de ocasión donde puedes dar con ellas.  Si no, siempre te queda la opción de Internet.  Sea como sea, si te las encuentras, no las dejes escapar.  De verdad, merecen muchísimo la pena.

Mario Brelich en una de las pocos fotos que se guardan de él.  Fumador empedernido, siempre con un cigarrillo en las manos.

Cíclope 3.0 - 03-07-18 - Especial The Smithereens # 3

The Smithereens

En la sintonia de Radio Tomares, Cíclope 3.0 del martes 3 de julio de 2018.  Última entrega del Especial The Smithereens que comenzamos el pasado 1 de mayo.  El primer martes de estos tres últimos meses hemos ido escuchando la discografia de Pat DiNizio y compañía.  Hoy entramos en la tercera parte y final.
Comenzamos con toda la fuerza de la banda tocando en directo.  Es el aperitivo porque más adelante nos detendremos un poco más en lo que fue el sonido en vivo de la banda.  Entrando cronológicamente en la discografía del grupo, el Cíclope abre el álbum del año 2007, Christmas with The Smithereens.

Después de ocho años desde aquel God Save The Smithereens! del año 1999 y después de un disco como Meet The Smithereens! aparecido en el año 2007, ese mismo año ve la luz Navidades con The Smithereens.  La gran sorpresa es que DiNizio comparte el micrófono, el componente vocal, con sus compañeros de banda: el guitarrista Jim Babjak y el bateria Dennis Diken.
Ahora es cuando recuperamos el sonido y la fuerza del grupo actuando en vivo.

Live In Concert! con el subtítulo Greatest Hits and More aparecía en el año 2008.  Grabado en vivo en The Court Tavern, New Brunswick, New Jersey, entre las noches del 30 de enero y el 2 de febrero de 2008, es un álbum testimonio de cómo llegaron a sonar The Smithereens sobre un escenario.  La banda interpreta sus canciones más conocidas ante un público de fieles seguidores que aplaudieron entusiasmados versiones alargadas como es el caso de los diez minutos y pico que llega a durar un tema como House We Used to Live In.
Del directo, de nuevo a los estudios de grabación.  No es ningún secreto que The Smithereens tenían influencia de The Beatles, pero en lugar de absorber esa influencia de su música, que de alguna forma lo hicieron, Smithereens se empecinaron en tocar las canciones de Los 4 de Liverpool.  B Sides The Beatles, aparecido en el año 2008, es el segundo disco en dos años dedicado íntegramente a versionear a los Fabulosos 4.  Son versiones muy cercanas a los arreglos originales.  Éste B-Sides reúne una docena de canciones que aparecieron como Caras Bs de los éxitos de The Beatles en el continente americano.  Por supuesto son temas inmediatamente reconocibles para cualquiera que le guste el Rock and Roll beatlemaníaco.  Tal y como sucedía en Meet the Smithereens!, la banda toca estas canciones con habilidad y entusiasmo, pero poca imaginación.

Después de lanzar dos álbumes dedicados íntegramente a los Beatles, en el año 2009, The Smithereens se embarcan en una re-interpretación de un clásico de la Historia del Rock: la Ópera-Rock original de Pete Townshend, Tommy, titulando su versión como The Smithereens Play Tommy .  Grabada y editada por The Who por primera vez en 1969, adaptada al Cine, interpretada en directo e ilustrada, cantada, tocada por una larga lista de cantantes y músicos, Tommy cuenta la historia de un muchacho sordo, mudo y ciego, campeón de Pin-Ball y líder espiritual.  El original, estructurado en 24 cortes o canciones, se convierten en la versión de Pat DiNizio y compañía en unas 13 melodías, lo cual conlleva también un recorte de tiempo, quedándose al comprimir la obra en unos 41 minutos.  Uno se pregunta: de verdad, ¿era necesario?  El resultado es más que cuestionable, como lo es también esa repetición en el tema de hacer versiones de The Beatles.  El gas de la banda se estaba perdiendo.

Diseño de los dibujos de portada y contraportada originales de William Stout

Después de dos discos de versiones de The Beatles, otro con la versión adaptada de la Ópera-Rock Tommy de The Who, un álbum de Navidad y un disco en vivo, en 2011 Smithereens graban un disco completo con material nuevo y original por primera vez desde 1999.  El disco se tituló 2011 y es el séptimo álbum de la banda desde el año 2007.  Don Dixon, que produjo los dos primeros trabajos del grupo, el de 1986 Especially For You y el de 1988, Green Thoughts, regresó a la silla de productor para la ocasión.  Algunos podrían sugerir que 2011 es simplemente el trabajo de una banda tratando de recrear el sonido de su primer gran éxito, pero es más exacto decir que las canciones de éste disco reafirman los puntos fuertes de Smithereens, aquí están trabajando lo que mejor saben hacer y no lo han hecho desde hace tiempo: enfocar el sonido de una forma musculosa, cimbreante, latiendo a punto de estallar.  Fue como decir: hemos vuelto y estamos aquí para seguir haciendo lo que mejor conocemos, canciones con guitarras poderosas y ritmos subyugantes.  Nadie se pudo imaginar, en el momento que se editó el disco, que iba a ser el último.

En el año 2014 aparecerían dos álbumes más con material no original del grupo.  Uno, otro homenaje (¡¿otro?!) a The Beatles con el título The Smithereens Play The Beatles Washington, D.C. February 11, 1964 Concert reproduciendo el programa de mano de una de las actuaciones de Los 4 Fabulosos en norteamérica.  El segundo álbum también era de versiones pero de una larga lista de canciones favoritas e intérpretes admirados, entre otros Wayne Fontana & The Mindbenders, Sam The Sham & The Pharaohs, T. Rex, The Beach Boys, The Clash, Billie Holiday, The Kinks, Bruce Springsteen, The Who, Frank & Nancy Sinatra, Iggy Pop y, por supuesto, The Beatles.
Ninguno de estos dos discos los recoge el Cíclope por dificultades para encontrarlos a tiempo.  Cerramos con 2011, el último álbum de estudio de la banda con un alma-máter, Pat DiNizio, físicamente cambiado: más grueso pero con las mismas buenas vibraciones de siempre.  Nació el 12 de octubre de 1955 y fallecía el 12 de diciembre del año 2017.

Los dos guitarristas de The Smithereens: Jim Babjak izquierda; a la derecha, orondo, Pat DiNizio

  

Pat DiNizio, en otro tiempo

Hasta aquí la música de éste cuarteto.  Como decía el título de uno de sus discos, God Save The Smithereens.


Espero que te guste el programa.


Enlace para descargarlo y/o escucharlo:

http://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-03-07-18