jueves, 30 de marzo de 2023

Cíclope 3.0 - 28-03-23 - Especial Joe Jackson # 1

 


Joe Jackson 


Cíclope 3.0 del martes 28 de marzo de 2023.  Inauguramos nuevo Especial Discografía en la edición del último martes de cada mes y a partir de hoy empezamos a escuchar la producción de ese hombre de la foto, David Ian Jackson, conocido popularmente por su alias artístico, Joe Jackson.

Nacía nuestro protagonista el 11 de agosto de 1954 en Burton-on-Trent, Staffordshire, Inglaterra.  Su padre, enrolado en la Marina, conoció a su madre cuando esta trabajaba en el pub de su familia en Portsmouth, en la costa sur de Inglaterra.  En principio la pareja se estableció en la ciudad natal del marido, Swadlincote, en la frontera entre Staffordshire y Derbyshire, allí nació el futuro cantante, instrumentista y compositor bautizado con los nombres de David e Ian.

Cuando la criatura cumplió un año de edad la familia se trasladó a Portsmouth, la ciudad natal de la madre.  El padre encontró trabajo como yesero y el hecho determinó que el núcleo familiar se asentara en el lugar, cerca de Gosport.  David Ian creció en el ambiente pobre de la clase trabajadora luchando contra el asma que le diagnosticaron cuando tenía tres años de edad.  Los ataques le duraron hasta los veinte años.  Así que estando afectado por la ínclita enfermedad se le cerraba la puerta para poder desarrollar cualquier actividad deportiva por lo que se volcó primero en los libros y, finalmente, en la música.  Con 11 años dio los primeros pasos en el universo musical comenzando por tomar clases de violín en la escuela, clases a las que le siguieron los estudios de timbales y oboe.  Como el tema de la música no tenía pinta de ser algo fortuito, sus padres le compraron un piano de segunda mano cuando el muchacho se sitúa en el umbral de la adolescencia.  Empieza a recibir lecciones y fue precisamente el aprendizaje del piano lo que determina su vocación: cuando fuese mayor quería ser compositor.

Por el momento tocaba la percusión en una orquesta local de estudiantes.  Cuando cumple los 16 años empieza a sentir la llamada del Jazz.  Lo descubre y rápidamente forma un trío con él sentado al piano.  Encuentra trabajo en un pub precisamente tocando su instrumento, el piano, y logra lo que se podría denominar su primera actuación profesional.

A principios de los años 70, nuestro hombre se vuelve un oyente fanático de las formas progresivas del Rock: le llama la atención todo lo que está relacionado con el conocido como Sonido Canterbury y, Soft Machine, sería una de sus bandas favoritas.  Por aquellos años, en concreto en 1972, aprueba un examen avanzado de música de nivel S que le valió una beca para estudiar en la Royal Academy of Music de Londres.  En lugar de mudarse a la gran ciudad se gasta el dinero de la subvención en equipos e instrumentos y viaja varios días a la semana para asistir a clase mientras sigue viviendo en casa de sus padres y tocando música popular en locales de su ciudad.  Deja de escribir partituras de composiciones típicamente clásicas y se pasa al mundo de la música Pop.  Se une a una banda ya establecida, Misty Set, donde ejerce de cantante en las actuaciones en vivo del grupo.  Esta es la época en la que adquiere su apodo artístico de Joe ya que los compañeros de la banda dicen que se parece al protagonista de la serie de televisión Joe 90

 


Joe 90
fue una serie televisiva británica de ciencia-ficción realizada con marionetas emitida entre 1968 y 1969.  Era de la familia de otras series como Thunderbirds o El Capitán Marte, las tres de los mismos creadores.



Los miembros de Misty Set decían que David Ian se parecía muchísimo a la marioneta  protagonista y desde entonces David Ian Jackson sería conocido internacionalmente como Joe Jackson.

Misty Set, renombrados como Edward Bear, actúan en vivo, pero no tienen expectativas de grabar ningún disco, por lo que el compromiso de cantar en la banda lo puede alternar con su formación académica.  Jackson sigue asistiendo a la Royal Academy of Music donde estudia composición, orquestación y aumenta sus conocimientos sobre el piano.  Se especializa en percusión y, ocasionalmente, toca el piano en la National Youth Jazz Orchestra.  Al cabo de tres años se gradúa en la Academia de Música y por esa fecha, año 1975, la banda Edward Bear se ven forzados a cambiar de nombre ya que existe otro grupo, de origen canadiense, que tiene registrado el nombre desde hace bastante tiempo.  Los Edward Bear británicos se ven forzados a rebautizarse y en esta ocasión escogen el nombre de Edwin Bear.  Iba a durar poco el cambio porque de nuevo van a buscar otra forma de denominar el proyecto y finalmente escogerían Arms & Legs como identidad definitiva.  Tuvieron una existencia corta, de 1976 a 1977, no grabaron ningún larga duración pero sí tres singles, dos en 1976 y uno en 1977.


El segundo Single aparecía en el mes de abril de 1976 con Janie, cara A, original del guitarrista Mark Andrews y cantada por él (en la foto de portada del sencillo, el que sostiene la pierna); en la cara B She'll Surprise You, original de Joe Jackson y cantada por él (esquina inferior derecha).  Los Singles siguientes no llegaron a cubrir un mínimo de popularidad y Jackson  dejaba el grupo en octubre de 1976, sin perder el contacto con el guitarrista Mark Andrews.

Nuestro hombre encuentra un puesto de trabajo como pianista y director musical del Playboy Club en Portsmouth, decidido a ahorrar suficiente dinero como para poder grabar su propio álbum y publicarlo él mismo.  En agosto de 1977, con Mark Andrews en la guitarra eléctrica, Graham Maby en la guitarra bajo, el batería Dave Houghton y Jackson en el piano y otros instrumentos de teclas, además de voz principal, actúa por primera vez la Joe Jackson Band.  Nueva oferta de trabajo para él, que cambia de pianista y director musical del Playboy Club en Portsmouth, a pianista y director musical de un proyecto de cabaret llamado Koffee 'n' Kream, un grupo que comenzaba una gira nacional tras su triunfo en el programa de televisión Opportunity Knocks.  Mientras tanto la Joe Jackson Band continuaba actuando en vivo.  Primera baja: se marcha el guitarrista Mark Andrews y es reemplazado por Gary Sanford.

Jackson estuvo de gira con Koffee 'n' Kream desde el otoño de 1977 hasta la primavera de 1978.  Con el dinero ahorrado se traslada a vivir a Londres y comienza a grabar un álbum de estudio con los músicos de su banda.



Joe Jackson Band

Distribuye cintas con demos de la actividad musical del combo y una de esas cintas llega a caer en manos de David Kershenbaum.



Kershenbaum, en la foto de la derecha, productor, cazatalentos que trabajaba para el sello discográfico A&M Records, consiguió que Jackson firmara un contrato con la discográfica en agosto de 1978.  El disco que el músico estaba autogestionando se borró y se volvió a empezar, ahora con medios para que todo quedara como tenía que ser.  Se concretaron algunos detalles como el nombre del proyecto: de Joe Jackson Band se pasó a Joe Jackson, sólo, pero con los músicos con los que llevaba trabajando hacía ya un tiempo.  El disco se completó rápidamente y a finales del mes de agosto el proyecto emprendía una extensa gira nacional para promocionar el primer álbum de Joe Jackson titulado Look Sharp!.




La foto utilizada en la portada del álbum fue tomada por Brian Griffin en el South Bank de Londres, cerca de la estación Waterloo.  Al llegar al South Bank, Griffin notó que un rayo de luz incidía en el suelo y le pidió a Jackson que se parara allí, en ese punto.  Todo el proceso no tomó más de cinco minutos.  Según Griffin, Jackson odiaba la carátula del disco porque no aparecía su rostro y prometió no volver a trabajar con Griffin nunca más.  Sin embargo, la portada del disco se convirtió en uno de los nominados al Premio Grammy de 1980 en la categoría Mejor Cubierta, Portada de Disco.



Brian Griffin
, autorretrato


A pesar de su educación musical eminentemente academicista y su experiencia interpretando diferentes tipos y géneros musicales en pubs y clubes, principalmente música Pop, Jackson estaba entusiasmado con el Punk y la New Wave de finales de los años 70 en Inglaterra, se sentía cercano a la energía y sencillez de la música y al tono sincero de las letras.  No tuvo ningún problema en incorporar esos perfiles a sus composiciones y Look Sharp! sería y es un álbum de 11 canciones urgentes, cantadas con rabia y energía, con estructuras de música Pop y con un ritmo imperante en la Inglaterra de esos años, el Reggae.  Jackson entraba a formar parte de esa lista de músicos jóvenes (Elvis Costello, Graham Parker entre otros) que abordaban la música Pop con la actitud sarcástica y la energía tensa y agresiva del Punk.

Como tarjeta de presentación del primer álbum de Joe Jackson se publicó el sencillo Is She Really Going Out with Him?, una balada rítmica que con el tiempo se convertiría en un esquema de canción típicamente jacksoniana.  Hubo que esperar a que la audiencia se ampliara fuera del marco de Inglaterra y de Europa alcanzando América para que, tanto el LP como el Single, obtuvieran el reconocimiento de público y crítica.  En 1979 Jackson fue nominado a un premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Masculina de Rock por el sencillo Is She Really Going Out with Him? 

El primer LP de Joe Jackson aparecía en el mes de abril de 1979; el segundo, lo haría en octubre del mismo año.  Se puede pensar que es el colmo de la abundancia creativa porque después del álbum de presentación habían transcurrido tan solo cinco meses para que el segundo viera la luz.  Jackson no había escrito canciones para un disco, el material reciente y las composiciones guardadas formaban un stock numéricamente considerable así que, tras la promoción de Look Sharp!, sin posibilidad de continuidad, sencillamente porque sí, en octubre de 1979 veía la luz I'm The Man.




Exceptuando a los fotógrafos Bruce Rae y Sheila Rock, responsables él de la portada y ella del interior de la carpeta del disco, el resto de los créditos de este segundo álbum de Joe Jackson es o son los mismos que en el primero: repite David Kershenbaum en la producción y los músicos de la banda siguen siendo



 



Gary Sanford guitarra









Dave Houghton
batería y coros






Graham Maby

guitarra bajo y coros





Jackson escribe las canciones en letra y música, realiza los arreglos, toca el piano, la harmónica, canta y casi realiza un LP conceptual, irónicamente hablando porque en I'm the Man Jackson juega con el concepto del estraperlo y por lo tanto también juega con la figura del estraperlista, esa persona que, en el caso de ser un hombre, usualmente viste una corbata de lunares asquerosa y un bigotito fino y recto como un lápiz, tocado con un sombrero. Esa persona es la que se acerca en un bar, en un parque, se abre la gabardina o el tres cuartos y te muestra mercancía barata pero de alta calidad tal y como aparece en la cubierta del disco, e intentará colocarte lo que vende.  El juego lo hace Jackson vestido de spiv, la voz inglesa que en la jerga callejera significa estraperlista, uno que, para la ocasión, no vende relojes, pulseras...sino canciones, música, es decir, una especie de estraperlista del rock.  I'm the Man fue definido por Jackson como la segunda parte de aquel Look Sharp! de hacía cinco meses.  Casi el segundo disco de un posible LP doble.  Mantiene una línea donde se cruza el frenesí, la canción Pop de medio tiempo, la energía y el reggae.  I'm the Man expone en definitiva otra parte del comienzo de Joe Jackson, sus inicios, pero está claro que entre el primer y el segundo disco se está fortaleciendo  su talento y su particular encanto Pop.

De Look Sharp! escuchamos 6 cortes; de I'm the Man otros 6.  Para cerrar recuperamos el que fue cara B del Single Is She Really Going Out with Him?, el tema You Got the Fever.  Es, probablemente, la entrada más extensa en biografía de este blog en las referidas a Música, pero es que es necesario que se haya hecho esta semblanza ya que la producción de Joe Jackson va a ser tan poliédrica como su formación, oscilará entre la música académica (Sinfonía...), la música de ámbito popular (Pop, Rock...) y las formas libres del Jazz, también encausadas dentro del área de lo popular.  A medida que se vaya desenredando la serpentina del Especial Joe Jackson habrá que recurrir a recordar pasajes de su biografía cuando estudiaba música, donde están parte de las raíces de su creatividad.


Espero que te guste el programa.


Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-28-03-23




jueves, 16 de marzo de 2023

Cíclope 3.0 - 14-03-23



En la foto de cabecera para la entrada de hoy aparecen Tilda Swinton y Tom Hiddleston en un fotograma de la película del año 2013 Only Lovers Left Alive (Sólo los amantes sobreviven) escrita y dirigida por Jim Jarmusch.  Parte de la banda sonora aparece dándole contenido a la edición de Cíclope 3.0 del martes 14 de marzo, edición que comienza con un Jim Jarmusch joven tocando los teclados y cantando en la banda norteamericana llamada The Del-Byzanteens.



De izquierda a derecha Phil Kline, guitarra y voz,
Jim Jarmusch, teclados y voz, Josh Braun, percusión y batería,
Dan Braun, batería y percusión, Philippe Hagen, guitarra bajo 


Final de la década de los 70.  En Nueva York y alrededores, entre las bandas y solistas, hay un afán por evitar la imagen street punk dominante en la tradición musical de la ciudad.  Los nuevos neoyorquinos elaboran coros resonantes, exhalan un encanto vibrante, producen ritmos sonrientes y riffs de guitarras afilados.  En su determinación de alejarse de la imagen de bronca punky  se dirigieron directamente al pasado, saqueando el Pop y el R’n’B de los sesenta, pero olvidando peculiaridades esenciales: ¿Dónde puñetas estaba el presente?, ¿su aportación desde aquí y ahora?  Bienvenidas las influencias, por supuesto, todo es un devenir, pero ¿qué tenían ellos que añadir?  Algunos nombres pasaron como una exhalación como es el caso de The Del-ByzanteensPertenecieron al movimiento neoyorkino No Wave y estuvieron activos hasta principios de los años 80.  Su discografía no puede ser más escueta: un Single, un EP y un LP.  Llegaron, actuaron en vivo, grabaron un larga duración, Lies To Live By, que se publicaba en abril de 1982 y desaparecieron para inseminar otras ramas del árbol del Arte.  De la banda escuchamos un corte que nos sirve de umbral para entrar en la música en solitario de uno de sus miembros, Jim Jarmusch, del que se conoce una amplia gama de trabajos en diferentes disciplinas donde resalta la labor de guionista y director de cine pero sin olvidar su creación musical, como compositor e intérprete de la guitarra eléctrica.


En el plano de la música,
cuando 
Jarmusch sale o sencillamente se acaba la historia de The Del-Byzanteens, 
continúa con el proyecto Bad Rabbit creado para interpretar la partitura de su película Limits Of ControlBad Rabbit eran él, Carter Logan y Shane Stoneback.  La misma formación se bautizaría como SQÜRL, que de trío pasó a ser dúo: Jarmusch y Logan.  

SQÜRL se dedicarían a ponerle música a diferentes eventos, entre otros, bandas sonoras de películas dirigidas y escritas por Jarmusch como es el caso de la cinta Sólo los amantes sobreviven (Only Lovers Left Alive) de 2013.  Un año más tarde se publicaría el disco con el score original compuesto por
 Jozef van Wissem, músico holandés reconocido por las estructuras minimalistas de sus composiciones.  Su instrumento de base es el laúd.  Recibió, en el año 2013, el Premio a la Mejor Banda Sonora en el prestigioso Festival de Cine de Cannes por la partitura de la cinta.  El disco de la banda sonora original también incluye una serie de fragmentos de los que son responsables el dúo SQÜRL aunque mantienen un segundo plano ante la figura de Van Wissem.  Escriben a medias con él algunos cortes, otros los firman individuamente el compositor o el dúo.  Como refuerzo en el proyecto SQÜRL aparece la colaboración de Shane Stoneback, y así consiguen más multiplicidad para el score que está estructurado en dos bloques, Detroit y Tánger, los dos puntos geográficos en los que se desarrolla esta interesantísima película de vampiros.  Los dos cortes que escuchamos de la banda sonora tienen como protagonistas el sonido de SQÜRL.



Seguimos y no dejamos de alguna forma la sombra de Jim Jarmusch porque el músico que viene a continuación es amigo y colega del director de cine y, además de componer bandas sonoras para sus películas, ha trabajado como actor.  Ese músico en cuestión es John Lurie.

El músico, actor y pintor John Lurie nació en Minneapolis pero se crio en Worcester, Massachusetts.   Cuando era adolescente, tocaba la armónica, más tarde llegó el saxofón alto, y al mudarse a la ciudad de Nueva York, él y su hermano pianista Evan formaron el combo de jazz The Lounge Lizards en 1978.  En el ambiente neoyorkino de esos años, finales de los 70, era cuestión de tiempo que entraran en contacto artistas como Jarmusch y Lurie.  El primer fruto de esa amistad fue la banda sonora de la película Permanent Vacation, de 1980, compuesta a medias entre Jarmusch y Lurie, que se estrenó también como actor.  Después llegarían Stranger Than Paradise, Down By Law...películas en las que se encargaría no sólo de componer el score original sino también de protagonizarlas.  A partir de ese momento Lurie intervendría en un abanico amplio de cintas como Buscando a Susan desesperadamente, de Susan SeidelmanLa última tentación de Cristo, de Martin Scorsese o Corazón salvaje, de David Lynch.  De todas formas, la música seguirá siendo su vocación más inmediata y con las primeras muestras de su labor nos vamos a quedar.

La primera muestra de lo que eran capaces los hermanos Lurie fue el álbum de debut de The Lounge Lizards bautizado de forma homónima.  Empezaron como quinteto, con John en el saxo alto, Evan en el piano, Steve Piccolo en la guitarra bajo, Anton Fier en la batería y en la guitarra eléctrica Arto Lindsay (en la portada del disco, de pie, a la izquierda).  Nueva York de finales de los 70 y principios de los 80, cruce de caminos, escena No Wave, influencias de todos los estilos, todas las estéticas... The Lounge Lizards canalizan todo eso y asumen sombras de Punk, Funk, música de cine, novelas de detectives... crean un sonido de jazz irreverente y descarado que, con el tiempo, se despojó de su postura irónica para lograr una especie de genialidad trascendente.  The Lounge Lizards, el álbum de debut, es una declaración de principios que no repetiría la misma formación en su álbum siguiente ni en los demás que grabaron.  La guitarra peculiar de Arto Lindsay sería sustituida por otra guitarra singular, la de Marc Ribot.  Nos quedamos con un par de temas del álbum de debut de John Lurie y compañía.  A él lo recuperaremos al final del programa de hoy, por ahora volvemos a la figura de Arto Lindsay.

Digo que volvemos porque a Lindsay le dedicamos el Especial Discografía del primer martes de cada mes entre el 5 de septiembre y el 5 de diciembre del año 2017.  Su biografía y labor creativa están pues revisadas, hasta esa fecha.  Después Lindsay ha seguido trabajando.  Por recordar un poco algunos datos, nació en Richmond, Virginia, en 1953, y creció parcialmente en Brasil, por causas familiares ya que sus padres eran misioneros.  Al principio de su carrera musical, comenzó a fusionar la música pop brasileña de su juventud con la densidad sónica y los impulsos vanguardistas que perseguía como miembro de la escena del Noise Rock del Lower East Side.  Estuvo al frente del trío DNA, exponentes de lo que fue la No Wave; participó de la primera formación del grupo de los hermanos Lurie, The Lounge Lizards.  En solitario comenzó sobre 1983 liderando la banda Ambitious Lovers, creando un interesante crisol donde se mezclaba la atonalidad con la música Pop, desarrollando un pulso especial para mostrar una habilidad única en la búsqueda de metas en su aventura sonora.  

El primer álbum de Ambitious Lovers, Envy, publicado en 1984, contiene más de una disonancia y sigue sonando con interés y gancho.  Vamos a recuperar un par de cortes: Locus Coruleus y Dora.  Precisamente será esa canción, Dora, la que le sirve al Cíclope para seguir las formas musicales de Brasil y continuar asentados en esas amplias tierras con un hombre fundamental: Milton Nascimento.

Milton Nascimento nacía el 26 de octubre de 1942 en Río de Janeiro.  Su madre era la sirvienta Maria do Carmo Nascimento que entregó a su hijo, siendo un recién nacido, a la pareja para la que trabajaba, Josino Brito Campos, empleado de banca, profesor de matemáticas y técnico electrónico, y Lília Silva Campos, profesora de música y corista.  Cuando tenía 18 meses, la madre biológica de Nascimento murió y él se mudó con sus padres adoptivos a la ciudad de Três Pontas, en el estado de Minas Gerais.  
DJ ocasional en una emisora de radio, Nascimento fue introduciéndose en el mundo de la música utilizando como tarjeta de presentación su voz, dotada de un falsete y una gama tonal fuera de lo común.  En las primeras etapas de su carrera tocó en dos grupos de samba: Evolussamba y Sambacana.  En 1963, se mudó a Belo Horizonte, donde su amistad con Lô Borges condujo al movimiento Clube da Esquina entre cuyos integrantes estuvieron nombres como Beto Guedes, Toninho Horta, Wagner Tiso y Flávio Venturini.  Compartieron composiciones y melodías, una de esas canciones, Canção do Sal, fue interpretada por primera vez por Elis Regina en 1966 y dio lugar a una aparición en televisión acompañada por Nascimento.  Su nombre y apellido comenzaron a tener eco y en 1967 aparecería el primer disco de una amplia y colorida discografía de la que el Cíclope extrae un corte de uno de sus álbumes más aclamados internacionalmente, Milton (Raça).

En 1976 se adentra en la industria fonográfica norteamericana con la publicación de su LP Milton, subtitulado Raça.  La brillante estrella de su voz, de sus formas de componer, ganó un lugar importante en la lista de nombres que llegaron de Brasil en aquellos años de la década de 1970.  No fue sólo Norteamérica, Europa también se vio beneficiada con el lanzamiento de este álbum firmado a medias entre él y el letrista brasileño Fernando Brant.

Si bien su reputación en Brasil se estableció firmemente con sus trabajos en el Clube da Esquina, el avance internacional de Nascimento se produce con su aparición en el álbum de 1974 Native Dancer del saxofonista de Jazz norteamericano Wayne Shorter.  Ahí Nascimento hizo de colaborador.  En 1986, doce años después, Shorter le devolvería la función de invitado, apareciendo como colaborador en el álbum A Barca Dos Amantes.



Wayne Shorter fue una de las principales figuras del Jazz de finales del siglo XX y principios del XXI como compositor y saxofonista.  Nacía el 25 de agosto de 1933 en Newark, New Jersey, y fallecía el 2 de marzo de este 2023, rozando los 90 años.  
Comenzó a tocar el clarinete a los 16 años y cambió rápidamente de instrumento asentándose en la interpretación del saxo tenor antes de entrar en la Universidad de Nueva York.  A mediados de los años cincuenta estaba practicando con John Coltrane.  Por aquellos años entra en contacto y milita en la banda del trompetista Maynard Ferguson, para pasar a formar parte de The Jazz Messengers, el combo liderado por el batería Art Blakey.  Sería en 1964 cuando Miles Davis le propuso entrar a formar parte de la segunda estructuración de su Quinteto que ocuparía el arco de tiempo entre 1964 y 1968 con Miles Davis en la trompeta, Herbie Hancock en el piano, Ron Carter al bajo, Tony Williams a la batería y Shorter en el saxo tenor.
Otro momento importante en la vida de nuestro protagonista fue cuando se reencuentra con un viejo colega y amigo, el teclista Joe Zawinul, que había sido pianista de la banda de Maynard Ferguson y con el que había coincidido.  Ambos, Zawinul y Shorter, fundaron en 1970 una banda tan importante como Weather Report.

Ahora que nos ha dejado, para mantener la memoria de su labor como compositor e intérprete, recuperamos un corte de uno de los álbumes de su discografía, Second Genesis, un disco en el que aparece esta composición suya, The Albatross.
Con el vuelo de ese albatros, capaz de cubrir largas distancias, nos acercamos al final de esta edición de Cíclope 3.0  El tiempo que nos queda lo vamos a ocupar con John Lurie en solitario, tal y como comenté al principio del programa que volveríamos a él.  

The Lounge Lizards existieron entre 1981 y 1988, aunque después aparecerían álbumes con grabaciones de conciertos en vivo y una especie de canto de cisne firmado en 1998 titulado Queen Of All Ears.  Pero desde los años 90, desde el comienzo de la década, Lurie ha estado embarcado en otros proyectos tanto musicales como cinematográficos.  

En cine, uno de los trabajos más aclamados ha sido la serie de televisión Fishing with John, de 1991, dirigida, escrita y protagonizada por él, que se encarga además de la banda sonora.
Fishing with John es un documental sobre el mundo de la pesca presentado y coordinado por Lurie que no sabe absolutamente nada del tema.  El documental, estructurado como una serie de televisión, presenta en cada episodio un paseo a los mares más exóticos de la Tierra para practicar la pesca.  Lurie está acompañado de varios ilustres invitados y amigos como Willem Dafoe, Matt Dillon, Dennis Hopper, Jim Jarmusch y Tom Waits.  - Con Jarmusch, Lurie pesca tiburones en Long Island; viaja con Dafoe más al norte, en Maine; Costa Rica con Dillon; Jamaica con Waits, y trata de encontrar el escurridizo calamar gigante en los mares de Tailandia en compañía de Dennis Hopper.
Esta serie documental data de 1991.  En 1992, Lurie estaba al frente del proyecto The John Lurie National Orchestra, una formación de trío con él en el saxo alto y saxo soprano y dos baterías percusionistas, Billy Martin y Calvin Weston.  Como tal proyecto dejaron una discografía de dos álbumes, Men With Sticks, 1993, y The Invention of Animals, publicado en 2014 que contiene cortes grabados en vivo y material utilizado como banda sonora de la serie Fishing with JohnLurie no disfruta de buena salud desde hace unos años, en concreto desde principios de este siglo.  Está afectado por lo que se conoce como Enfermedad de Lyme, una infección bacteriana producida por la picadura de una garrapata.  No presenta una gravedad extrema pero si no se trata bien puede derivar en complicaciones.  Lurie, desde que fue diagnosticado, no hace nada más que pintar.

En 2021 volvía a dirigir un documental escrito también por él, Painting with John, una especie de tutorial al mismo tiempo que soliloquio sobre el acto de pintar (acuarela) interpretado también por nuestro hombre.


Pero cerramos con su música, el álbum de 1993 firmado con el nombre John Lurie National Orchestra.


Calvin Weston
, John Lurie y Billy Martin

El disco está formado por tres composiciones de 34 minutos 20 segundos, 4 minutos 54 segundos y 10 minutos.  Las tres están compuestas por el trío y de las tres nos quedamos con Schnards Live Here, que es el punto y final por hoy.

Espero que te guste el programa.



jueves, 9 de marzo de 2023

Cíclope 3.0 - 07-03-23 - Especial Joni Mitchell # 1

 



Primer martes del mes de marzo y en Cíclope 3.0 inauguramos un nuevo Especial Discografía.  En esta ocasión el formato Especial va a estar ocupado por la mujer de la foto con guitarra acústica, una mujer bautizada con el nombre de Roberta Joan y el apellido Anderson aunque todos la conocemos por su alias artístico, Joni Mitchell.  


Nacía en Fort Macleod, Alberta, Canadá, el 7 de noviembre de 1943, eso significa que a finales de este año cumplirá los 80.  El origen de su forma de hacer música es de raíces Folk, hecho que estuvo condicionado por haber contraído con 9 años la polio.  Estuvo ingresada en un hospital infantil donde, mientras se recuperaba, cantaba, para espantar sus males como dice el refrán y también para los demás pacientes.  Aprendió a tocar la guitarra con la ayuda de un libro de instrucciones del gran Pete Seeger.  Y con la guitarra como único instrumento comenzó a dejar crecer su voz, rica en matices y capacidades, que fue desenredando la serpentina de su registro a medida que pisaba escenarios donde comenzó a actuar en vivo, desde el salón de actos de la Escuela de Arte en Alberta hasta los escenarios de Toronto, donde se trasladó sobre 1965.


De esa fecha, 1965, data su breve matrimonio con el cantante de folk norteamericano Chuck Mitchell, 1927-1992 (en la foto de la derecha).  De esa unión nacería una hija que daría en adopción, una decisión que mantuvo en secreto durante muchos años, especialmente durante esos primeros años cuando comienza a tomar impulso su figura.  A raíz de la unión con su marido adoptó el apellido para su alias artístico y aunque se separaron ella continuó manteniendo el apellido de casada, Mitchell.

El movimiento de cantautores emergente en aquellos tiempos, los que aparecen tras las huellas de Bob Dylan, realizan trabajos arquetípicos que enclavan el estilo folk dentro de unas coordenadas de intimidad y sencillez donde la base de las canciones es una trenza entre la guitarra acústica y la voz.  Casi todas las canciones que ha compuesto Joni Mitchell con su guitarra ha utilizado una afinación abierta, no estándar.  El uso de afinaciones alternativas permite una variedad mayor y una complejidad y riqueza de armonías que pueden ser producidas con la guitarra, sin la necesidad de combinación de acordes difíciles.  De hecho, muchas de sus composiciones usan combinaciones muy simples, pero su uso de afinaciones alternativas y su estilo de rasgueo altamente rítmico crea un sonido rico y único.  Y su voz, que cubre una gama alta y amplia de registros.  Con el material de su voz y su guitarra, y sus composiciones particularmente llamativas, empieza a ampliar el horizonte de sus actuaciones en vivo.  Se traslada a Nueva York, actúa en vivo, y en una de aquellas salas alguien pregunta por ella: quién es, cómo se llama...  Tiene interés en la figura de esa mujer fumadora empedernida (desde que le dio una calada a un cigarrillo, siendo aún niña, no ha dejado de fumar) y que, a pesar de ello, tiene una voz clara y limpia, y que hace unas armonías tan interesantes con la guitarra.  Quiere conocerla, se la presentan:...aquí Joni Mitchell, aquí David Crosby.


Sí, el David Crosby de los Byrds, no podría ser otro, el de Crosby, Stills & Nash...y después, también Young.  El hombre de sonrisa simpática que nacía en 1941 y fallecía hace unos meses, en enero de este 2023.  Tanto le interesó a Crosby que le consiguió un contrato para grabar un disco, el primer disco de Joni Mitchell que se publicaría en algunos países con el título homónimo de su nombre y apellido y en otros como Song to a Seagull.




El disco de debut de Joni Mitchell se publicaba en el mes de marzo de 1968.  El LP resultó ser un álbum conceptual con dos caras temáticamente diferenciadas: la cara A, subtitulada I Came to the City (Vine a la ciudad), tiene canciones sobre temas urbanos con un perfil introvertido; la cara B, Out of the City and Down to the Seaside (Fuera de la ciudad y hacia la costa) por el contrario es una celebración del campo abierto, de la naturaleza, con canciones de ámbito más extrovertido.  Lo que distingue a este lanzamiento de los de otros cantautores de estilo confesional de la época es la artesanía, la sutileza y el poder evocador del estilo armónico de Mitchell.  El diseño de la portada del disco se debe a ella misma, pintora no frustrada, pero cuya actividad creativa como tal quedó en un segundo plano, desarrollando la faceta de compositora/intérprete ante la primitiva vocación que le guio desde que tuvo uso de razón: quería ser pintora, pero las circunstancias hicieron que se desarrollara más un aspecto que el otro.  En este álbum de debut Mitchell compone tanto la música como la letra de las canciones, toca la guitarra acústica y el piano, y tiene como productor a David Crosby que consideró el incluir una guitarra de bajo para perfilar las canciones del LP.  Sería un amigo de Crosby el que le aseguró que tocaría el bajo aunque fuese gratis porque le entusiasmaba la idea de poder colaborar con esa mujer.


El amigo en cuestión era Stephen Stills que dejó momentáneamente la guitarra, acústica y eléctrica, para tomar el bajo y aparecer así en los créditos.

De ese Joni Mitchell o Song to a Seagull, dependiendo de la edición por el país donde vio la luz, de ese primer álbum, extraemos tres temas: Night in the City, Song to a Seagull y Cactus Tree.

Casi un año después, en el mes de mayo de 1969, aparecía el segundo LP de Joni Mitchell titulado Clouds.




De nuevo su actividad creativa como pintora sirve para ilustrar la carpeta del disco tanto en el autorretrato de la portada como en el paisaje de la contraportada




En este segundo trabajo la voz de Mitchell adquiere un notable y sutil nivel de expresividad con respecto a su primer LP.  Nos detenemos en dos cortes del trabajo: The Fiddle and the Drum, una canción protesta donde, imaginariamente, se compara al belicista gobierno estadounidense de la era Vietnam con un amigo amargo y tóxico, una composición resuelta a capela; la otra canción es Both Sides, Now.  Vuelve a colaborar Stephen Stills tocando la guitarra bajo.  Mitchell se encarga del resto de instrumentos, la guitarra acústica, piano, teclados en general...inclusive llega a producir el LP excepto el primer corte del que se encarga Paul A. Rothchild (1935-1995)


Rothchild, en la foto de la izquierda, fue un productor estadounidense activo en las décadas de los años 60 y 70 que comenzó su labor profesional en la escena folk de Boston, Massachusetts y en 1963 se convirtió en productor del sello Elektra Records.  Se le conoció básicamente por su labor de productor de los LPs de The Doors.

Pasamos al tercer LP de Mitchell, Ladies Of The Canyon.  De nuevo portada y contraportada diseñadas por nuestra protagonista.




  


















El título del disco, Ladies Of The Canyon, hace alusión al famoso barrio de Laurel Canyon en Hollywood Hills, Los Ángeles, un núcleo urbano en el que entre 1965 y 1975, una larguísima lista de figuras de la música Pop y Rock, adquirieron viviendas e hicieron vida social en uno de los centros neurálgicos donde convivieron músicos como Frank Zappa junto a The Byrds, Jim Morrison, Graham Nash y un larguísimo etcétera.

Ladies Of The Canyon veía la luz en abril de 1970.  El tercer LP de Mitchell es muy importante en su discografía y en su proceso creativo global: sigue enraizada en el Folk pero este trabajo presenta una paleta de colores que no estaba presente en los dos álbumes anteriores.  Las composiciones presentan guiños a otras formas de expresión musical: hay aromas jazzísticos, hay pasajes instrumentales que muestran un equilibrio entre la melodía que dibuja paisajes interiores y el verbo que se asienta en rincones donde calla y deja que la instrumentación muestre elocuencia.  La diversidad, la diversificación, se muestra por primera vez y ha llegado para quedarse.  Todo esto funciona y especialmente se ampliará en trabajos posteriores.  Mitchell se sigue encargando de la guitarra acústica, del piano.  Sigue cantando, escribiendo el texto de las composiciones entre las que firma una a medias con su paisano Leonard Cohen, la titulada The Priest.  El disco presenta una lista de colaboradores como no lo había hecho hasta el momento y entre otros están 



Don Bagley
(1927-2012) contrabajista
que trabajó aquí con Mitchell como arreglista de cuerda


Jim Horn, que toca el saxo, la flauta, el corno inglés, el oboe...en este álbum centrado en el saxo.


  



Teressa Adams, violonchelo






Paul Horn
(1930-2014)
saxo y flauta






Milt Holland (1917-2005) batería y percusionista





Los cuatro cortes que seleccionamos del álbum son Conversation, Rainy Night House y dos de las canciones más conocidas de Joni Mitchell, Big Yellow Taxi y Woodstock.

Las versiones que hicieron otros intérpretes de canciones originales de Mitchell sirvieron para que el brillo de mito y de culto de su figura adquiriese más amplitud.  Judy Collins realizó una versión del tema Both Sides, Now del segundo LP, Clouds, que escaló las listas de éxitos norteamericanas, antes de que fuese una composición famosa de la mismísima MitchellCollins tenía la virtud, el don de hacer una versión de una canción recién escrita y hacerla famosa.  Le sucedió con Leonard Cohen y su Suzanne.  Ella la cantó antes de que él la grabara y cuando lo hizo la audiencia esperaba expectante cómo sonaba en la voz de su creador.  Algo parecido sucedió con Woodstock, que se hizo popular por la versión que realizaron Crosby, Stills, Nash & Young.  Cuando Mitchell la interpretaba después era aplaudida y celebrada como una canción reconocida hacía tiempo.  Mitchell la escribió después de haberse perdido el Festival y escuchar comentarios entusiasmados que hablaban maravillas del evento.  Ella estaba incluida en el cartel, uno de los tres días, pero se canceló la actuación por consejo de su manager por miedo a perder una aparición en el prestigioso programa de entrevistas de televisión The Dick Cavett Show, en Nueva York, presentado por el cómico y escritor de comedias Dick Cavett entre 1968 y 1995.  Si tenías la oportunidad de aparecer en dicho espacio tenías una promoción extraordinaria de tu actividad creativa, ya te dedicaras a la disciplina del Arte a la que te dedicaras.  El agente de nuestra protagonista no lo dudó ni un instante y Mitchell se perdió el Festival de Woodstock.  Dese entonces siempre ha reconocido que, hacerle caso a su manager para esa cuestión, cancelar su actuación en el Festival, fue una de sus mayores, de las más graves equivocaciones.

Iniciábamos el programa de hoy con un tema del cuarto LP de Joni Mitchell, el álbum titulado Blue.  Digo además en la locución, al principio, que vamos a respetar la cronología de las grabaciones porque es lo mejor para apreciar la evolución creativa de esta compositora/intérprete, y voy y para empezar me salto a la torera todo el calendario porque Blue es de 1971 y ella comienza a grabar en 1968.  Tiene razón de ser un inicio así y no es porque me de la real gana sino porque va a ser el disco con el que cerremos la edición, es decir, una especie de broche de apertura y clausura para la primera edición del Especial Joni Mitchell.




Blue aparecía el 30 de junio de 1971 y supondría una pieza más que robustece el engranaje de una evolución clara, transparente y diáfana como la que se va llevando a cabo en nuestra protagonista.  El contenido del LP no tenía precedentes con respecto a lo que había hecho hasta el momento.  Mitchell se acerca a las formas más suaves de la música Pop y reúne un conjunto luminoso y claramente confesional de canciones escritas principalmente durante unas vacaciones en Europa.  Blue confirma firmemente a Mitchell como uno de los talentos más notables y perspicaces de la música.

La foto de la portada la realizó Tim Considine en la sala The Troubadour, en Los Ángeles, en 1968.



Tim Considine (1940-2022) fue actor, escritor, fotógrafo e historiador norteamericano.  A él se debe la foto de la portada del álbum Blue aunque realizó diferentes versiones con y sin micrófono, y en blanco y negro, como era en verdad el original.


Una de las versiones de la foto de portada de Blue,  en este caso sin micrófono, realizada por Tim Considine.  El micrófono está en el original pero el autor hizo una serie de versiones con y sin y aunque el original es en blanco y negro, 
Considine dejó el tono azul que hace mención al título del disco, que es una reflexión sobre la tristeza y una exploración de expresiones y emociones complejas.

Blue está escrito íntegramente por Joni Mitchell, de nuevo en la voz, en la guitarra acústica, en el piano.  Colaboran con ella en la guitarra bajo, de nuevo, Stephen Stills.
El batería americano, músico de sesión, Russ Kunkel


  
James Taylor en las guitarras



y específicamente, en la guitarra Pedal Steel, Sneaky Pete Kleinow,

cuyo nombre real era Peter E. Kleinow (1934-2007).  Fue conocido como miembro de la banda The Flying Burrito Brothers y también como músico de sesión en grabaciones de Joan Baez, Jackson Browne, The Byrds y un larguísimo etcétera.

De la discografía de Joni Mitchell, Blue es el álbum que, después de 50 años (52 en concreto por la fecha actual, 2023) sigue guardando una cohesión entre las canciones, las composiciones en sí y su voz, que no sólo es uno de sus discos más ricos sino que es una muestra de cómo hacer un magnífico álbum de música.  Sus canciones hablan de intimidad, relaciones de amor como la que mantenía con James Taylor, la que había tenido con Graham Nash, la que tuvo con su paisano Leonard Cohen.  Canciones que hablan de su hija, Little Green, la que entregó en adopción en un orfanato.  Canciones que radiografían la individualidad de una mujer que toma decisiones, que escoge una relación sentimental o la abandona, que busca un lugar para ser en un ambiente tan inhóspito para una mujer sola como el de la industria fonográfica.  
Hoy suenan cuatro cortes de este álbum, Blue, pero volveremos sobre él en próximas ediciones.  Acabamos de empezar el Especial Joni Mitchell, nos queda Tiempo.

Espero que te guste el programa.

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