miércoles, 30 de octubre de 2024

Cíclope 3.0 - 29-10-24 - Especial Siouxsie and The Banshees # 2

 



Cíclope 3.0 del martes 29 de octubre de 2024.  En la foto de cabecera de esta entrada, Siouxsie Sioux abriendo una ventana por donde dejar pasar las imágenes y el sonido de su mundo, hoy en la segunda entrega del Especial Siouxsie and The Banshees.


Como es habitual comenzamos donde terminamos la edición anterior del formato Especial Discografía, en este caso, la entrega número 1 de S & T B terminaba con el LP Join Hands, de 1979.  Hoy empezamos con ese disco, con el corte Icon para pasar a The Lord's Prayer, el tema que interpretaron en su presentación a finales de 1976 en el Punk Festival celebrado en el 100 Club de Londres.  Fue lo único que interpretaron, una versión salvaje de 20 minutos con la formación original de la banda, formación no definitiva, con Steven Severin en la guitarra bajo, el guitarrista Marco Pirroni y el bayería John Simon Ritchie, que poco después asumiría el nombre de Sid Vicious.  La versión que aparece en el segundo LP de Siouxsie and The Banshees, Join Hands, es menos abrasiva que la que hicieron en vivo en su presentación.  Sí es larga pero no llega a los 20 minutos y pico de aquella noche, se queda en 14 minutos.  Y con este Padre Nuestro dejamos Join Hands.
El grupo va trabajando en discos de estudio con una cadencia de disco por año.  Desde 1978, primero, The Scream, después Join Hands, 1979.  Los dos primeros LPs con la misma formación (de izquierda a derecha):


Kenny Morris, batería, John McKay, guitarra, Siouxsie Sioux, voz y Steven Severin, bajo.
La labor de las mezclas y arreglos, así como la producción del primer disco, recae sobre la figura de Steve Lillywhite, con la colaboración del grupo.  El segundo LP tiene como productor a Nils Stevenson (1953-2002) que realizaría la labor con la coparticipación del ingeniero de sonido encargado de las mezclas Mike Stavrou.  En este trabajo, Siouxsie Sioux además de cantar toca el piano.
Llega 1980 y en la discografía de la banda se abre un arco iris sin necesidad de lluvia previa, un álbum cuyo contenido es un fiel reflejo de su título: Kaleidoscope.



¿Qué sucede inmediatamente antes de la grabación y aparición del disco?  Que dos miembros se separan de forma un tanto abrupta, el guitarra John McKay y el batería Kenny Morris.  Tocaba buscar sustitutos ya, de manera urgente.

Viviendo en Londres en pleno apogeo del movimiento Punk, los músicos se conocían entre ellos y ellas.  A poco que se movieran, se encontraban con un vecino, como le ocurría a Siouxsie, que compartía vecindad de barrios cercanos con el guitarra bajo Steven Severin.  Y no eran vecinos pero sí que se conocían, ella y el hombre que le acompaña en la foto: Robert Smith.  Estaba un tanto libre, con proyectos que no cuajaban así que se unió a la banda de ella, al menos por un tiempo.  No llegó a intervenir en ninguna grabación porque antes de que ocurriera eso, el proyecto en el que estaba Smith invirtiendo tiempo, ilusión y ganas, adquirió realidad: The Cure proyectó una presencia certera, y la formación momentánea en la que militaron Siouxsie, Severin, Smith en la guitarra y en la batería Peter Edward Clarke, alias Budgie, se desintegró...bueno, desintegrarse es sinónimo de desaparecer, y en realidad no fue así.  Robert Smith se marchó para liderar a The Cure y Siouxsie and The Banshees se quedó como trío, expectante ante la llegada de un guitarrista.
Mientras esto sucedía, haciendo un poco de biografía de uno de los miembros nuevos, el batería Budgie, músico, batería británico original de la localidad de St. Helens, venía de haber pertenecido a la banda británica de punk feminista The Slits (Las Rajas) formado en 1976.  

Entre sus cuatro miembros estaba una mujer original de Melilla, Paloma Romero, alias Palmolive (primera por la derecha), batería, que una vez dejó a The Slits pasó a formar parte del grupo también íntegramente femenino The Raincoats.  Durante un tiempo fue compañera sentimental de Joe Strummer.
Cuando abandona el seno de The Slits, el cuarteto se ve reducido a trío con la necesidad de encontrar a alguien que sustituya a Palmolive en la batería y en su lugar entra Peter Clarke, alias Budgie.
El primer álbum de la banda The Slits se publica en 1979 con el título Cut.  En la portada aparecen las tres mujeres que quedan del cuarteto original.  El LP se publicó en su día sin censura, tal que así:


 
Hoy en día ha sido censurado y en las bases de datos de discos la carpeta aparece censurada aunque no en todas.
De ahí llegó el batería Budgie a Siouxsie and The Banshees, para quedarse en el grupo.  Se casó con Susan Ballion, (recuerda, Siouxsie Sioux), y estuvieron formando pareja sentimental entre 1991 a 2007.  Juntos formaron The Creatures, un proyecto que estuvo vigente de forma paralela al grupo entre 1981 a 2004.  
Quedaba por cubrir el puesto de guitarrista.  

Uno que tenía muchas posibilidades era un escocés que venía de tocar en la banda Magazine, grupo respetado cuya puesta en escena levantaba admiración y respeto.  Se llamaba John McGeoch y, digamos que, a Siouxsie, le revoloteaban mariposas y murciélagos en su cabeza de suprema sacerdotisa del Punk Gótico.  Hizo un par de audiciones para el grupo y reconocieron que la segunda vez que McGeoch tocó para ellos fue para regodearse en la escucha y en la forma que tenía de tocar la guitarra.  Claro que entró a formar parte del grupo.  El batería de Banshees, Budgieescribió un texto en la web de la banda encomiando su labor.  Dijo algo así:
Sin faltarle el respeto a todos los demás guitarristas con los que hemos trabajado, ninguno tenía la maestría relajada y la profundidad de expresión de John McGeoch.  Analizando las cintas que recogen actuaciones en vivo del grupo, en ninguna se podía descubrir, revelar la sutil economía de técnica que hacía que una frase aparentemente compleja pareciera tan engañosamente simple.  Algunos guitarristas, exasperados, solían comentar que no sabían cómo lo hacía porque para colmo parecía que no movía las manos.

 Kaleidoscope fue, y es, un disco que cambió muchos aspectos de la música, entre otros motivos porque supuso una influencia bastante marcada para músicos de la época e inclusive posteriores.  El LP se publicaba el 1 de agosto de 1980 y con respecto a los dos LPs anteriores significaba un cambio en el sonido tanto en cuanto ampliaban la paleta de colores al incluir sintetizadores y cajas de ritmos por primera vez.  Experimentaron con la música electrónica.  El origen de las canciones tuvo algo de todo ese sonido electrónico porque surgieron como esqueletos con tan solo una guitarra bajo y un sintetizador tocados por Siouxsie y Steven Severin.  Fue lo que ambos grabaron en cintas Demo después de la gira de 1979 que finalizó con ella agotada,  guardando reposo durante un mes por prescripción médica.  Fue el prólogo de un tiempo que utilizó para aprender a tocar la guitarra y a perfeccionar los esquemas de su forma de componer música.  Todo ese caleidoscopio y más estuvo como paso anterior, preparatorio del disco Kaleidoscope, un álbum decisivo para Siouxsie and The Banshees.

La nueva formación supuso para ella el estar moviéndose dentro de un grupo que parecía completamente nuevo.  Eran los mismos, bueno, era la misma banda, con el mismo nombre, con casi los mismos miembros, pero con una sabia nueva que la hacía extraordinariamente atractiva, pertenecer, estar en ella, era algo increíblemente seductor.

Entraron en los estudios de grabación con aquellas canciones que habían ido elaborando entre el guitarra bajo, Severin, y ella, S. Sioux.  Al entrar en contacto con el resto de miembros del proyecto se vieron enriquecidas.  Las aportaciones de McGeoch, con la guitarra, saxofón, órgano Farfisa, sitar y sintetizador de cuerdas, Budgie en la batería y percusión, consiguieron que aquel material esquelético en el que habían trabajado el bajista y la cantante, se vieran ampliados, manifiestamente enriquecidos con Severin en la guitarra bajo, sintetizador, y Siouxsie Sioux en la voz, guitarra acústica y eléctrica y sintetizador.  Quedaba aún alguien por participar en todo el espectro del sonido del LP, el guitarrista Steve Jones, uno de los miembros fundadores de Sex Pistols.  Intervendría como guitarra de apoyo, guitarra invitado.  En los créditos del disco aparece un coro de voces llamado The Sirens, que está integrado por  Steven Severin, John McGeoch y Budgie.

Algo que es característico de Kaleidoscope y que seguirá existiendo en la música de Susan Janet Ballion, alias Siouxsie Sioux, será las fuentes de inspiración para escribir las letras de sus canciones y lo que de ellas se desprende musicalmente.  Las canciones de Siouxsie and The Banshees son canciones Pop, pero con un contenido nada habitual: Happy House se desarrolla en un manicomio; Christine habla sobre una muchacha de mente desdoblada en dos, un caso de esquizofrenia...  Susan consultaba publicaciones sensacionalistas como The Sun y conseguía un punto de fuga para sus historias leyendo sobre asesinos en serie, cuyas víctimas eran muchachas jóvenes con algún tipo de trastorno psíquico.  Leía noticias así o buscaba en su propia historia personal: la menor de tres hermanos, vivió sola desde muy pequeña, haciéndose ella misma la comida desde los 7 años.  Sus padres fueron una pareja mal avenida y ella para llamar la atención hacía ruido como si se hubiera caído por las escaleras.  Cuando la descubrían, inconsciente, desmadejada en el suelo, ocultaba en las manos un bote de pastillas vacío, dando a entender que había perdido el conocimiento por haber ingerido el contenido y se había precipitado escaleras abajo, etc.

Su padre murió de una cirrosis y su madre falleció poco después.  La desaparición de uno y otro no la conmovió lo más mínimo, según contó ella misma.

El disco está producido por Nigel Gray y el grupo.  Seis cortes de los once que conforman Kaleidoscope es lo que reseña el Cíclope en su selección del LP.  

El cuarto LP de la banda aparecía el 19 de junio de 1981 con el título Juju.



Juju, palabra que viene del francés y que hace alusión al significante Juguete, es el cuarto disco de Siouxsie and The Banshees.  Al igual que el LP anterior fue producido por la banda en colaboración con Nigel Gray.  Tras su anterior trabajo donde floreció un perfil de música con elementos electrónicos, la banda volvió al rock basado en la guitarra, motivado en parte por la presencia  del guitarrista John McGeoch.  Mirando hacia atrás, Juju se considera uno de los mejores discos del grupo y de hecho cuando se publicó fue un hito no solo en la discografía de S. and The B. sino en el género de lo conocido como Post-punk.  Y sí, el tiempo marcó la influencia de esas canciones cuando, en 2006, se incluyó el álbum en la lista de los 1001 discos que hay que oír antes de morir.

Volviendo a la guitarra en manos e influencia de McGeoch, utilizó para esta ocasión un dispositivo de efectos para guitarra eléctrica conocido como Gizmo, también llamado Gizmotron.  Acoplado o fijado permanentemente al cuerpo del instrumento, el Gizmotron utiliza unas ruedas pequeñas normalmente de plástico o caucho que hacen que las cuerdas vibren, produciendo sonidos resonantes, similares a los de un sintetizador.  Es un dispositivo  utilizado por músicos como Jimmy Page en partes del álbum de Led Zeppelin, In Through the Out Door.

Los álbumes Juju y Kaleidoscope consolidaron a Siouxsie and The Banshees no sólo entre la audiencia, crítica especializada o audiencia de a pie, sino también entre los músicos.  Cuando aparecieron los primeros Singles del LP Kaleidoscope, Happy House y ChristinePaul Weller de The Jam, afirmó que eran canciones con un sonido nada habitual.  La crítica especializada tildó la labor de McGeoch como guitarrista de maestro anónimo, no destacaba como líder sino como una pieza fundamental en la totalidad del resultado completo del sonido del grupo.  El arco de influencia de Kaleidoscope gravitó sobre músicos de la época como Robert Smith, que aseguró, años después, promocionando el álbum de 1985 The Head On The Door de The Cure, que le recordaba, por la variedad y el colorido, a aquel disco de S.  and The B.  Dos miembros de The Smiths, Johnny Marr y Morrisey, reconocieron su admiración por esos dos LPs de sus paisanos.  La lista de admiradores no sólo está entre los coetáneos de Siouxsie y compañía, por ejemplo avanzando en el tiempo, Thom Yorke y Ed O'Brien de Radiohead son unos reconocidos admiradores de la suprema sacerdotisa del Rock Gótico así como de la técnica guitarrera de John McGeoch.  Y la lista sigue.  

En 1981 sucedieron otros acontecimientos en el ámbito de nuestros protagonistas: 


Se publicó el LP titulado Once Upon A Time, la primera recopilación de Singles de la banda.

 

 


Siouxsie Sioux y Budgie se unen bajo el nombre 
The Creatures, un proyecto paralelo a Siouxsie and The Banshees, sin intención de abandonar la banda, sencillamente como un aspecto diferente, distinto del grupo motriz.  De hecho la idea primitiva fue hacer música basada en percusión y voz aunque, como toda idea que está viva, fue cambiando con el paso de los días.
Nos situamos en la recta final de esta edición de Cíclope 3.0 y nos quedamos con tres cortes del álbum Juju: Spellbound, Arabian Knights y Halloween.  Con Siouxsie volveremos el mes que viene, en noviembre.
Espero que te guste el programa de hoy.

Enlace:



jueves, 24 de octubre de 2024

Cíclope 3.0 - 22-10-24

 


Cíclope 3.0 del martes 22 de octubre de 2024.

La foto de cabecera sugiere una edición un tanto jazzificada, con alguna que otra canción desnuda.  En el comienzo, apoyo sobre una doble columna vertebral: David Bowie y Pat Metheny, This is not America.



El título original de la película es The falcon and the Snowman, traducida en España como El juego del halcón.  En Sudamérica se la conoce como La traición del halcón.  





La dirigió John Schlesinger en 1985 y el score original  está atribuido al grupo de  Pat Metheny pero en realidad quien se encargó de la composición fue el binomio formado por el teclista Lyle Mays y  Pat Metheny.  El Single de promoción de dicha banda sonora sería el tema This is not America, compuesta por el tándem Metheny/Mays más David Bowie, que pone la voz y además se encargó de la producción de ese corte específico.  De la producción del resto del álbum se encargaron Mays y Metheny.



David Bowie y Pat Metheny

Un comienzo como el de hoy no es gratuito: el Cíclope quería poner las últimas obras del guitarrista de Missouri, y mientras las escuchaba para seleccionar un par al menos tenía de fondo el tema en cuestión con el que hemos empezado.

  



Pat Metheny, guitarrista, compositor y director de orquesta, es el único artista que ha ganado 20 premios Grammy en diez categorías diferentes.  Su firma musical combina una sensación singular y eufórica de armonía con sonidos afrolatinos y brasileños, rock, funk, músicas folclóricas globales y, por supuesto, jazz.  Nacido en 1954 en Lee's Summit, Missouri, inicialmente tocaba la trompeta.  Después de caer bajo la influencia de los Beatles en 1964 se pasó a la guitarra cuando tenía 12 años.  Su talento se desarrolló rápidamente.  Siendo adolescente enseñó tanto en la Universidad de Miami como en Berklee.  Hizo su debut discográfico con Paul BleyJaco Pastorius en 1974.  Pasó un período importante entre 1974 y 1977 con el grupo de Gary Burton.  Conoció al teclista Lyle Mays y a finales de los años 70 formó su propio grupo, que incluía principalmente a Mays.  En poco tiempo, era el artista principal del sello discográfico ECM y uno de los jazzistas más populares.  Metheny ha evitado siempre tocar música predecible, por lo que sus proyectos independientes siempre han sido bastante interesantes.  No cesa de crear y estos dos últimos años, 2023 y 2024, ha publicado dos álbumes nuevos, uno por año.


En 2023 veía la luz Dream Box, que tiene un antecedente importante.  A lo largo del tiempo, Metheny  ha ido tomando ideas de manera informal, ideas que se han almacenado en un disco duro que recoge actuaciones en vivo de conciertos en solitario, él sólo con la guitarra acústica y eléctrica.  Ha mantenido esa costumbre de grabar lo que hace por escuchar después cómo quedaron las improvisaciones, los resultados finales de lo que tocó a lo largo de un centenar y pico de conciertos.  Cuando se encontraba solo en el hotel, entre actuación y actuación de la gira que tuviese entre manos, escuchaba los resultados: la gran mayoría de ocasiones no recordaba qué temas había improvisado y, por supuesto, qué había salido al final.  Un ejemplo de esto fueron los 160 conciertos que realizó en la gira internacional de 2022.  Al finalizar la jornada, en la intimidad de la habitación de su hotel, escuchaba las grabaciones del disco duro donde almacenaba un material variado, sin orden, y quedó bastante sorprendido por lo que contenía.  Los temas con los que comenzaba cada noche sus actuaciones eran escogidos al azar.  El programa tenía algunos puntos fijos, más o menos.  Pero las entradas, los comienzos, cada vez eran distintos y las improvisaciones no digamos.  Esos temas con los que entraba no los tocó nunca más de una vez.  La inmensa mayoría no los recordaba.  Así que las grabaciones del disco duro resultaron ser un testimonio de primera.  El material lo retomó y la compilación de parte de todas aquellas interpretaciones de los conciertos del año 2022, tocadas en estudio, aparecieron en 2023 con el título Dream Box.  Recibió una nominación al Mejor Álbum Instrumental de Jazz en la 66.ª edición de los Premios Grammy.  De este álbum firmado con su nombre y apellido donde realiza temas propios y versiones, nos quedamos con el corte I Fall In Love Too Easily.


En el mes de diciembre de 2023, Metheny entraba de nuevo en los estudios de grabación para realizar el segundo álbum consecutivo de guitarra solista.  Se publicaba el 26 de julio de 2024 y lleva por título MoonDial.  Lo de grabar un disco en solitario utilizando las guitarras acústicas y eléctricas venía de lejos.  La primera incursión en este campo la llevaba a cabo en 1979 con la grabación del LP  New Chautauqua.  Ahora en pleno siglo XXI divide los álbumes en categorías: guitarra eléctrica y guitarra acústica.  Dream Box es para guitarra eléctrica, así que MoonDial lo ejecuta con guitarra acústica.  Entre un trabajo y otro, Metheny reflexiona sobre las diversas diferencias, a veces profundas, entre sus grabaciones en solitario.  Quiere hacer algo distinto con la guitarra acústica, algo diferente.  Se puso en contacto con la luthier Linda Manzer, una amiga y colaboradora de muchos años, y le pidió que le construyera una guitarra acústica barítono que pudiera tocarse con cuerdas de nailon, en lugar de cuerdas de acero.  El desafío era encontrar cuerdas de nailon que pudieran soportar la presión de la afinación que quería usar, con un rango tonal que pudiera pasar de un bajo profundo resonante a un timbre agudo parecido a una campana.  La empresa argentina Magma fue la que cubrió las necesidades del músico.  Usó la guitarra en la gira de promoción del disco de 2023,Dream Box.  En la primera ocasión que tuvo, Metheny se llevó el instrumento al estudio de grabación.  Grabó melodías que compuso específicamente para el instrumento, revisó melodías anteriores y grabó varias versiones, entre otras un tema de los BeatlesHere, There and Everywhereuna lectura tierna y cadenciosa de una melodía que ha estado interpretando en vivo durante años.  MoonDial es el cuarto de una tetralogía conceptual instrumental que comenzó con New  Chautauqua en 1979, le siguió One Quiet Night de 2004 y continuó en What's It All About de 2011.  El sonido de MoonDial refleja la emblemática forma de tocar que tiene nuestro protagonista y aunque no tiene sobregrabaciones, por la forma de tocar de Metheny en esa afinación única, hace que parezca, que se aproxime al sonido de dos guitarras tocadas simultáneamente.
Seguimos con el sonido de guitarras pero ahora con otro intérprete, un músico nacido el Día de Navidad en 1987 en Santa Rosa, California, y que responde al nombre y apellido de  Julian Lage.


 Julian Lage aprendió a tocar el instrumento a la edad de cinco años y actuó en público un año después.  Fue el típico caso de niño prodigio porque con tan sólo 8 años de edad ya estaba tocando, en directo, con artistas tan reconocidos como Carlos Santana
Toots ThielemansKenny WernerDavid GrismanMartin Taylor o Pat Methenyentre otros.  Radicado en New York, es mundialmente aclamado como un prodigioso guitarrista, compositor y director de banda.  Cuenta con un largo currículum como acompañante deseado con artistas que van desde Gary Burton hasta John Zorn, por citar tan solo un par de nombres.  Es un músico igualmente versado en jazz, música académica, pop, folk y rock, y pasó la década de 2010 investigando la historia musical estadounidense.

Su primer trabajo grabado fue Sounding Point, publicado el 24 de marzo de 2009.  Ha pasado en alguna ocasión por aquí, por Cíclope 3.0, hoy lo recuperamos con dos temas de perfil diferente incluidos en su nuevo álbum, Speak to Me, aparecido el 1 de marzo de este año en curso, 2024.  Los temas son el que le da título al disco y Serenade.




En las primeras líneas del texto de esta entrada digo que el programa de hoy está un tanto jazzificado y que además va a sonar alguna que otra canción desnuda.  Ambiente de Club nocturno, atmósfera cargada por el humo del tabaco, canción con acompañamiento espartano: contrabajo, bongos y chasqueo de dedos.  La voz, inconfundible, la de él, el Rey.  La canción, Fever.  





Elvis is Back!
es el disco que incluía originalmente el tema Fever, cantado por Elvis.  El LP se publicaba en abril de 1960



La canción es original del tándem de músicos Eddie Cooley y  John Davenport.

Eddie Cooley (1933-2020), fue un compositor y cantante norteamericano que estuvo al frente vocal del grupo Eddie Cooley  And The Dimples en parte de la década de los 50.  Fue coautor de la canción Fever.


La otra mitad responsable de la autoría de la canción Fever recaía sobre  John Davenport, alias utilizado por el pianista, cantante y compositor estadounidense Otis Blackwell (1931-2002). Después dejaría de utilizar el alias artístico para firmar, con su nombre real, éxitos como Great Balls Of Fire (compuesto a medias con el cantante, compositor y pianista norteamericano  Jack Hammer (1925-2016) o Don't Be Cruel, también interpretada por Elvis que además coparticipó de la autoría del tema junto a Blackwell y al binomio de renombrados compositores  Jerry Leiber (1933.2011) y el longevo Mike Stoller (1933).
Del acompañamiento espartano de la canción interpretada por el Rey, a otra que también cuenta con una instrumentación mínima.  Es un tema compuesto por el guitarrista y cantante norteamericano Marvin Tarplin (1941-2011), el compositor, arreglista y cantante norteamericano Warren Moore (1939-2017) y Smokey Robinson, que por cierto llegó a interpretarla.  También hizo una versión Aretha Franklin, pero hoy la versión que recuperamos es de 1982 y está firmado por el trío Carmel.


De izquierda a derecha, Jim Paris, contrabajo, Carmel McCourt, voz y Gerry Darby, batería.
Escogieron el nombre de pila de su cantante para bautizar el proyecto, Carmel, formado en Manchester en 1981.  Ella es original de Scunthorpe, Lincolnshire, Inglaterra; los otros dos miembros paisanos ingleses de  Finchley, Londres.  Los tres separados por apenas dos años de nacimiento entre 1957 y 1959.

En 1982 aparecía el single Storm incluido en el Mini-LP de presentación bautizado con el nombre del grupo, Carmel, seis canciones que ahondaron en una audiencia que valoraba la pasión y la sencillez con las que el trío interpretaba clásicos como Tracks of My Tears, un tema original de Smokey Robinson escrito a medias con dos miembros del grupo The Miracles, Warren Pete Moore y Marvin Tarplin.  La crítica especializada recibió al proyecto con las buenas perspectivas que dan ese apasionamiento que demostraron en su trabajo de presentación.  A lo largo de los años 80, Carmel fue capaz de alternar entre baladas conmovedoras, gospel, blues y jazz.
Recta final de esta edición de Cíclope 3.0  El tiempo que nos queda lo vamos a ocupar con una mujer que sonó por primera vez en el programa el pasado mes de julio, en concreto el martes 16.  Se llama Arooj Aftab y es de origen paquistaní.


De ella hay información ampliada en aquella entrada del blog, así que por lo menos un resumen de algunos datos biográficos para ubicar su figura.  Recordamos que es compositora, productora y cantante, Arooj Aftab nació en Arabia Saudita, donde habían emigrado sus padres.  Cuando tenía diez años, regresó a Lahore, Pakistán, donde comenzó a desarrollar su interés por la música.  Cantante y guitarrista autodidacta, sus primeras influencias abarcaron desde el Pop y el Jazz occidental (Jeff Buckley, Billie Holiday, Mariah Carey) hasta la música clásica paquistaní y del norte de la India.  Con poco acceso a las plataformas occidentales en línea, el conocimiento de Internet de Aftab la ayudó a convertirse en una especie de estrella en ascenso en su país, donde disfrutó de un éxito viral en la incipiente escena musical independiente de Pakistán.
En 2005, se mudó a los Estados Unidos y estudió una combinación de producción musical e ingeniería y composición de jazz en el famoso Berklee College of Music de Boston.  Después de graduarse, Aftab se asentó en Nueva York y participó activamente en la escena del jazz.  La inusual combinación de poesía sufí, tradiciones clásicas del sur de Asia, música electrónica y jazz había obtenido elogios de la crítica.
Comienza a publicar discos en el año 2014 y desde entonces hasta nuestros días no ha dejado de trabajar grabando con periodicidad. Hasta el momento lleva unos cinco álbumes, el último, Night ReignReinado de la noche, aparecía el 31 de mayo de 2024 y tiene temas como este que recuperamos titulado Bolo Na.

El 23 de abril de 2021 aparecía  Vulture Prince.  Era su tercer álbum y se convirtió en su lanzamiento de más alto perfil hasta el momento.  Obtuvo elogios por parte de la crítica especializada y consiguió una promoción plateada al aparecer en la lista de reproducción de Barack Obama.  En el año 2022  ganó el premio Grammy a la mejor interpretación musical global.  Dos cortes de este disco ponen el punto y final: Last Night  Suroor.

Espero que te guste el programa.

Enlace:





miércoles, 16 de octubre de 2024

Cíclope 3.0 - 15-10-24

 


Irlanda, Observatorio de la Tierra.
Imagen cortesía de Jacques Descloitres 

Irlanda, protagonista hoy de la edición de Cíclope 3.0 del martes 15 de octubre de 2024.  

No es la primera vez que la hermosa Éire ocupa el programa.  En el año 2015, el 15 de diciembre, el Cíclope realizó un Especial Irlanda que, sabiendo que se iba a quedar mucho material fuera de la hora de emisión, subtituló como # 1, prometiendo una segunda entrega que no tardó mucho ya que el Especial Irlanda # 2 fue a principios de 2016, en concreto el 26 de enero.  Hoy el Cíclope vuelve a girar sobre la sonoridad irlandesa al menos casi al completo, porque los tres últimos cortes no van a pertenecer a la isla de Irlanda, sino a Inglaterra.  Pero no voy a adelantar acontecimientos.  Lo que plantea el Cíclope en esta edición es un poco del sonido de ayer pero buscando principalmente qué es lo que se hace en la actualidad en Dublín y otros sitios en el país del gran Flann O´Brien.

Para comenzar, recuperamos la música de uno de los proyectos fundamentales de lo que sería la música irlandesa en las últimas décadas del siglo XX: U2.



  

El sonido de la banda estaba indudablemente en deuda con el Post-Punk, por lo que resulta llamativo y un tanto irónico que U2 se formara en 1976, antes de que el punk hubiera llegado a su ciudad natal, Dublín.  

¿Cómo comenzó todo?  Larry Mullen, Jr. publicó un aviso en el tablón de anuncios del instituto pidiendo compañeros músicos interesados en formar una banda.  Paul Hewson, Dave Evans, Adam Clayton y Dick Evans respondieron al anuncio, y los adolescentes se juntaron para formar una banda que hacían versiones de los Beatles y los Rolling Stones.  El grupo se bautizó con el nombre de Feedback.  Después, en 1977, se rebautizaron como The Hype.  El quinteto, poco después, quedaría en cuarteto, cuando Dick Evans abandona el proyecto para formar otro, The Virgin Prunes.  Los cuatro miembros restantes entraron en zona de reformas, empezando por dos de ellos,  Paul Hewson Dave Evans, que adoptan seudónimos artísticos, Bono y The Edge, respectívamente.  Los otros dos se quedan como están, y el último cambio y definitivo, el nombre del grupo, que a partir de ese momento pasa a ser conocido como U2.



Los primerizos U2

Tocan en la calle, en salas independientes, se van construyendo un nombre que suena por todas partes, y en 1980 publican su primer LP, Boy.  


Le sigue October, en 1981, el primer disco que se publica en España de ellos.  La figura del productor, Steve Lillywhite, será fundamental en el desarrollo y crecimiento del proyecto.  La consagración del grupo llegaría un par de años después con War, de 1983, por supuesto con Lillywhite de nuevo en la producción.  Pero hoy recuperamos el sonido del segundo trabajo, October, con canciones como Gloria y la que le da título al trabajo, October.

Del ayer de la Irlanda del rock a la Irlanda de hoy en el campo del folk, un folk inspirado en un crisol de tendencias donde no deja nada a un lado como hace este hombre que responde al nombre y apellido de Conchúr White.



Originario del condado de Armagh, Conchúr White, que vive en Irlanda del Norte, crea un Pop brillante y poético con elementos folk y un tono ambiental.  Comenzó su labor musical en el seno de una banda llamada Silences mediada la década de los años 10 de este siglo XXI.  En solitario empezó a caminar sobre el año 2020 publicando en autoedición dos EPs: Bikini Crops y Dreamers, en 2020 y 2021 respectivamente.  En 2021 también vio la luz un larga duración, A Note of Joy, aún bajo las normas de la autoedición.  Poco tiempo después contacta con un sello discográfico, Bella Union, que se interesa por sus composiciones y por su forma de hacer música.  Firma contrato y sería en enero de este año 2024 cuando apareciese su debut oficial en el mundo discográfico con el álbum Swirling Violets, del que entresacamos dos cortes.  




Conchúr White y sus composiciones de líneas tranquilas.  En la Irlanda de hoy, otras bandas se mueven por vectores menos serenos como es el caso de esta que va a sonar.  Tiene formato de quinteto y responde al nombre de Silverbacks.



Se trata de una banda que combina un trabajo de guitarra áspera con opiniones mordaces sobre su cultura popular.  Originalmente se formó por los hermanos O'Kelly, Daniel y Kilian, ambos guitarristas y cantantes.  Cuando tuvieron claro que necesitaban de otros músicos para hacer realidad el proyecto de sus composiciones se buscaron la colaboración de tres miembros más: otro guitarra, Peader Kearney, guitarra bajo, Emma Hanlon, que además canta, y Gary Wickham, batería.  Todos proceden de Dublín.  Se estrenaron discográficamente sobre el año 2018 con dos singles: Dunkirk y Just in the Band.  Los vamos a recuperar escuchando un single y un corte de un larga duración.




El single, del año 2019, es el que lleva como tema estrella el titulado Sirens.





El larga duración aparecía en 2022, lleva por título Archive Material e incluye el corte A Job Worth Something.



Siguiendo en la Irlanda actual del siglo XXI nos quedamos ahora con un grupo de corta discografía, The Murder Capital.



El proyecto, con sede en Dublín, se formó en 2015.  A pesar de que cada miembro es originario de lugares de toda Irlanda, los cinco se conocieron mientras estudiaban en la escuela de música BIMM en Dublín y formaron una banda compuesta por el vocalista James McGovern y Damien Tuit, guitarra, Diarmuid Brennan,batería, Cathal Roper, guitarra y Gabriel Paschal Blake, bajo.  

Su discografía consiste en un puñado de singles y dos álbumes, el primero, el álbum de debut, vio la luz en 2019 bajo el título When I Have Fears.  El disco se centra en la pérdida de un amigo por suicidio.  Cuando se sentaron a escribir una continuación, la banda supo que tenían que evolucionar.  Después de un período de ocho meses, surgió una versión preliminar del disco, pero los resultados se consideraron demasiado deprimentes.


Se mudaron a Londres durante otros seis meses, y el cambio de aires dio como resultado Gigi's Recovery, el segundo larga duración de la banda que veía la luz en 2022 y que logró explorar una gama más amplia de emociones.  Dos cortes de este disco de The Murder Capital para tener una referencia clara de lo que hacen.

Hay un grupo irlandés del que somos particularmente devotos aquí en Cíclope 3.0 y lo somos porque desde que sacaron su primer disco es una banda que nos entusiasma.  La banda se llama Fontaines D.C. y sé que tú también consideras que es de lo mejor que suena en la actualidad.



Dentro de unos días tocan en Madrid, promocionando su nuevo álbum, Romance.  Fíjate lo que son las cosas, cuando aparece el disco y consigo escucharlo, este programa de hoy ya estaba hecho, por lo que no puede sonar.  Ya lo hará, no te preocupes, y haremos una audición detallada.  Por si no lo conoces, te anticipo que no suenan como en sus discos anteriores, el nuevo disco es diferente.  Pero ya lo escucharemos por aquí.


Hoy lo que recuperamos es su primer disco, Dogrel, de 2019, el disco que nos atrapó como a tantas personas, con canciones como The Lotts.



Para Grian Chatten, cantante de Fontaines D.C., Irlanda siempre ha sido el núcleo de su identidad como cantautor.  Creció en Skerries, al norte de Dublín, en una familia numerosa de  mentalidad musical: su padre era músico y sus cinco hermanos y su madre solían cantar para los demás y participar en actuaciones musicales.  No fue una sorpresa que Chatten comenzara a escribir su propia música a la edad de nueve años.  Del colegio pasó a la  escuela de música irlandesa BIMM, donde también estuvieron los miembros de The Murder Capital.  Allí contactó con sus compañeros de banda de Fontaines D.C., y con estos espíritus afines inició un proyecto que los mantiene unidos desde el año 2014.  Con el segundo y tercer álbum de la banda como eje de la gira que realizaba el grupo, Chatten estuvo dándole forma a un material propio en solitario.  Recorrió un paisaje interior en el que exploró diferentes avenidas sonoras y el resultado final fue el álbum Chaos for the Fly, por ahora la primera muestra en solitario del vocalista con alguna participación de compañeros del núcleo de Fontaines D.C., el batería Tom Coll.  Recuperamos un corte de este primer disco de Chatten, el tema I Am So Far.
Además de grabar en solitario, además de ser miembro activo del grupo Fontaines D.C. como compositor y cantante, Grian Chatten colabora con otros artistas como es el caso de la intervención que realizó en 2022 en el álbum The Line Is A Curve firmado por Kae Tempest.

Tempest es una personalidad del Hip Hop y la palabra hablada de nacionalidad británica que también se expresa en los campos de la narrativa, el teatro y la poesía.  Creció en Brockley, en el sureste de Londres, donde nació en 1985.  Tiene una trayectoria extraordinariamente amplia con un abanico variado en diferentes campos de la música y la literatura.  Siendo tan joven ya ha dejado una muestra rica de su saber hacer.  En 2014 recibió una nominación al Premio Mercury por su primer disco, Everybody Down, de 2014.  Como poeta, ha ganado el premio Ted Hughes por su innovación en poesía y la Poetry Society le considera como la nueva voz poética más relevante en inglés.  
En agosto del año 2020, Tempest anunció ser de género no binario y comenzó a usar los pronombres neutros, cambiando su nombre, hasta el momento Kate, a Kae.

The Line Is A Curve, por el momento el último trabajo que ha publicado, es probablemente el disco más rico en texturas, por la musicalidad, por la riqueza de matices tanto de instrumentos como por la utilización de la palabra, la manera que tiene de ensamblar la voz con la masa sonora.  Uno de esos temas es el que realiza a medias con 
Grian Chatten.

La música es un devenir, continuo, y Tempest sabe aplicarlo a su labor.  Tres años antes de ese último disco aparecía The Book of Traps And Lessons, firmado aún como Kate, un disco con canciones como Holy Elixir.
El final de esta edición de Cíclope 3.0 se sitúa fuera de Irlanda, con el arte de alguien que pertenece, geográfica y artísticamente, a Inglaterra, pero que esponja el buen hacer venga de donde venga.  Nos vamos conectando con el pasado, cuando Kate Tempest comienza a dar muestras de su labor musical y pone la voz en el trío Sound Of Rum.



Sound of Rum.  De izquierda a derecha, 
Ferry Lawrenson, batería, Kate Tempest, voz y Archie Marsh, guitarra


Sound of Rum se formó en el verano de 2008.  Ese mismo año publicaron en autoedición un EP bautizado con el nombre del trío.  En 2011 aparecía su álbum de debut Balance.  La vida del proyecto llegó hasta 2012.  Tras su ruptura, Kate Tempest se centró en su labor multidisciplinar y ya, hasta hoy.



El punto y final lo pone Sound of Rome y un corte de su álbum Balance, la canción Best Intentions.



Espero que te guste el programa.


Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-15-10-24