jueves, 27 de febrero de 2020

Cíclope 3.0 - 25-02-20







Cíclope 3.0 del martes 25 de febrero de 2020.  En la edición de hoy, la mitad del programa está dedicado a música de Cine.  Comenzamos pero al revés, por el final, con algunas canciones que suenan mientras están desfilando los títulos de créditos, canciones que, a veces, no están incluidas en el disco que recoge la banda sonora original de la cinta porque no está compuesta por la misma persona que se ha encargado de firmar el score original.  Ese es, precisamente, el primer caso que nos ocupa.



Crash (Colisión), dirigida por Paul Haggis en 2004, tiene un score original del trompetista norteamericano Mark Isham, reputado músico que comenzó en el mundo del Jazz mediada la década de los años 70 y que ha ido,  progresivamente, derivando hacia la música de Cine, componiendo bandas sonoras para documentales, series de televisión y películas de todos los géneros. 







Mark Isham


Cuando al final de la cinta comienzan a desfilar los títulos de crédito suena una canción que no es de Isham y que no va incluída en el disco original del Original Soundtrack.  El tema en cuestión, Maybe Tomorrow, es del cuarteto galés Stereophonics, activos desde 1990, originales de Cwmaman, en el sur de Gales, y pertenece a su disco del año 2003 titulado You Gotta Go There To Come Back.



Stereophonics















































Para salir de dudas, para sacar la información necesaria, tan solo hay que esperar al final del desfile de los ínclitos créditos, pero a veces pasan muy rápidos, o van a doble columna y no te da tiempo a descubrir el dato buscado sobre todo porque el público en una sala de proyección se levanta, te tienes que poner de pie para ver entre las cabezas, se te escapa...buscas en la Red en alguna base de datos pero no se recogen algunos matices...entonces, lo mejor es ver la película de nuevo en casa y darle a la pausa cuando se haga necesario.  Después te queda encontrar, si es posible, eso que tanto te ha gustado, a veces, hasta la obsesión.  Eso me ocurrió con la siguiente pieza musical que suena en los créditos finales de la película Speed del año 1994.


La película, dirigida por Jan de Bont, tiene un score original de Mark Mancina.  Pero la acción, trepidante, está trufada de canciones firmadas por The Plimsouls, Kiss, Pat Benatar, Rod Stweart, Rick Ocasek...  Ninguna está compuesta para la cinta, son canciones tomadas de la discografia de los diferentes intérpretes, excepto una, escrita específicamente para la ocasión: Speed.  La visión de la película te deja exhausto.  Vale que se han hecho segundas partes tal vez con más aceleración, que se han estrenado cintas más agitadas, pero cuando se vio por primera vez, el resultado final te dejaba vapuleado en el asiento.  Lo que te devolvía la energía era la música que sonaba durante los minutos finales, el tan traído y llevado desfile de créditos, una canción endiabladamente espídica que firman a medias Billy Idol y Steve Stevens.


Rubio como la cerveza y vestido de cuero negro como el café amargo, Billy Idol venía de capitanear la banda británica de Punk Generation X, que entre 1978 y 1981 dejaron una corta pero seminal discografía.  Tras la separación del grupo, Idol continuó en solitario, buscando siempre el referente de la guitarra de Steve Stevens.




Steve Stevens


Stevens, guitarrista originario de Brooklyn que casi nació con una guitarra entre las manos, ha estado formando parte de proyectos y capitaneando combos siempre con un perfil de Rock Duro.  La fusión entre ambos músicos, el Punk de Idol y el Rock Duro de Stevens, dieron buenos resultados.



Billy Idol
Ese enlace creativo dio lugar a temas donde Idol retorcía su voz entre los arabescos y riffs guitarreros de Stevens.  Hubo una serie de antecedentes antes de que en 1994 apareciera el Single Speed, compuesto por ambos y tema fundamental en la película del mismo nombre, aunque sonara al final.  Cuando lo escuché por primera vez, cuando la parte central ocupada por la elocuencia fuerte y dura de la guitarra de Stevens sonó en aquella sala de Cine, me quedé pegado a la butaca.  Desde entonces la búsqueda del disco con la banda sonora de la película en cuestión fue una meta que tardé en cubrir pero que conseguí, perseverando.  Primera frustración: el disco, el CD con la Original Soundtrack no incluía el tema en cuestión de Idol y es porque existía (existe) un CD con el título Speed donde aparece claramente especificado: Songs From and Inspired By The Motion Picture.  Ahí están todas las canciones que van trufando la acción del autobús endemoniado.





Fuera de nuestras fronteras, el tema Speed había aparecido en formato de Single y CD Maxi, con tres versionesdel tema original: versión Single, versión Extendida y versión Instrumental.







El CD de las canciones creadas e inspiradas por la película sí vio la luz en nuestra piel de toro, aunque costó trabajo dar con un ejemplar.  A mi me llevó un año completo, pero di con él.
Un tema más que suena durante los créditos finales de una película.  En esta ocasión La ciudad de los niños perdidos.





Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro, realizadores y guionistas franceses responsables de películas como Delicatessen, Amelie, Largo domingo de noviazgo o Micmacs, realizaron en 1995 la onírica película que anuncia la cartelera de la izquierda.









La banda sonora corrió a cargo de un compositor avezado en esto de levantar arquitecturas musicales para la pantalla, grande o chica, Angelo Badalamenti.




Angelo Badalamenti
Su reputación como músico y sobre todo, como compositor de bandas sonoras, le vino por ser responsable de aquella que oscilaba entre la ensoñación y lo oscuro como fue la del film Blue Velvet, dirigida por David Lynch.  Se volvieron cercanos, Lynch y Badalamenti, y no sería la única vez que trabajaran juntos.
La forma de componer de Badalamenti es reconocible no porque se repita, que un poco sí que lo hace, de acuerdo, pero básicamente es por la atmósfera onírica, evanescente con la que envuelve al oyente.  En La ciudad de los niños perdidos incluye uno de sus, probablemente, mejores momentos como compositor: el fragmento con el que se abre el score original, titulado Générique y subdividido en tres partes, Marcello, Who Will Take My Dreams Away? y Theme De La Cité Des Enfants Perdus.  La segunda parte, Who Will Take My Dreams Away?, está cantada por, nada más y nada menos, que Marianne Faithfull, y es precisamente lo que suena al final de la película, para ilustrar los ínclitos créditos.  También fue uno de esos momentos en los que me quedé de corcho blanco, aplastado en la butaca del Cine mientras sonaba la música.  Pensé que la canción interpretada por Faithfull habría que buscarla entre sus últimas grabaciones pero cuál fue mi sorpresa cuando tuve entre las manos el CD original de la banda sonora de Badalamenti y vi que comienza precisamente como termina la cinta, con ese fragmento de 7 minutos y pico que incluye la parte cantada.  Qué gozo, por Dios.  El Cíclope recupera la voz rota de Marianne Faithfull cantando ese momento.  Por cierto, que era lógica la intervención de ella por la estrecha colaboración que realizaron ella y Badalamenti en aquel álbum titulado A Secret Life, compuesto a medias entre ambos, con orquestación y arreglos del maestro.




Marianne Faithfull




















1995





























Dejamos el tema de la música que suena mientras desfilan los títulos de créditos de una película pero no abandonamos el Cine.



En el año 1999, Rupert Wainwright dirigía la película Stigmata, una cinta de terror, intriga y sustos que no cuajó ni entre el público cinéfilo ni el público amante de las cintas de miedo y, aún menos, entre la crítica cinematográfica que la puso a parir.  En el orden musical, el área que nos interesa, tiene una curiosa y extensa banda sonora formada por tres bloques: uno, con canciones ya existentes firmadas y cantadas por sus intérpretes originales entre los que se encuentran Chumbawamba, Björk, Massive Attack, David Bowie y Natalie Imbruglia; un segundo bloque con composiciones firmadas a medias por Billy Corgan y Mike Garson y el score original compuesto por Elia Cmiral.




Elia Cmiral

Elia Cmiral es un compositor checoslovaco emigrado a Suecia a principios de la década de los años 80 y desde 1989 residente en los Estados Unidos.
Lo suyo es componer música para el Cine y en su haber se cuentan scores como el compuesto para la película Ronin de 1998, dirigida por John Frankenheimer y protagonizada por Robert De Niro y Jean Reno entre otros.









Billy Corgan junto a James Iha fundarían en 1988 en Chicago la banda The Smashing Pumpkins, una alternativa en el Rock que se dio en llamar Rock Moderno (Modern Rock), mezcla de muchos estilos fuertes y contundentes y con una especial predilección por los amplificadores a toda pastilla.  Los comienzos de Smashing Pumpkins tuvieron buenos momentos sobre todo porque la guitarra de Iha recogía una cierta tradición guitarrera y...bueno, no sonaban mal como muestra el tema que el Cíclope recupera del primer disco de la banda, Gish.








The Smashing Pumpkins




Billy Corgan
 con pelo largo




Billy Corgan
 con su imagen habitual desde hace tiempo


Desenfrenado, de voz a veces incómoda, insolente, arrogante, Billy Corgan ha dado un giro de 360 grados a toda la música relacionada con él.  ¿Toda?  No.  Una parte, la que se corresponde con las atmósferas y paisajes sonoros basados en imágenes de Cine porque, por lo demás, sigue haciendo lo que ha hecho siempre con Smashing solo que en plan guitarra acústica al cuello y letras de canciones folkys como firma en su álbum en solitario del año 2005 TheFutureEmbrace.  Pero hay más.  The Smashing Pumpkins, que se habían disuelto como entidad musical en el año 2000, volvieron a reunirse en 2006, pero Corgan ya estaba barruntando algo.  Fue en el año 2017 cuando nos encontramos con que el muchacho aliviado de pelos ya no firma con el sencillo nombre y apellido de Billy Corgan sino con su nombre y apellido completo: William Patrick Corgan.  Y no lo pone fácil: utiliza el acrónimo WPC para firmar sus discos.  Para que te rompas la cabeza pensando quién será ese que canta como el vocalista de los Smashing Pumpkins pero en un tono menos agudo.  Así que, como tal William Patrick Corgan, publica Ogilala, en 2017.  Lo interesante es que en los créditos aparece él mismo desdoblado en dos: Billy Corgan y William Patrick Corgan.  Ambos tocando instrumentos, componiendo.
Año 2020, nuevo trabajo de WPC: Cotillions, que es precisamente el que reseña el Cíclope extrayendo un fragmento.





Billy Corgan lo hemos traído al programa de hoy por su intervención en la banda sonora de la película Stigmata.  Su labor  está conjuntada a medias con la de Mike Garson, un hombre del que ya hemos hablado en otras ocasiones por ser el responsable del piano en la mítica Aladdin Sane de David Bowie.





1973






























Mike Garson

¿Qué habría pasado si Mike Garson no hubiera tocado el piano en el tema Alladin Sane?  Pues que no habría sonado igual.  Porque las escalas, las fugas, los arabescos  con los que Garson decora la composición son suyos, vienen y son producto de su forma de tocar y conocer el piano.
Mike Garson es un veterano músico de Jazz cuyo instrumento por antonomasia es el piano.  Ha trabajado con David Bowie, Nine Inch Nails, Smashing Punpkins y, cómo no, con Billy Corgan.
En el año 2011 lanzaba The Bowie Variations for Piano donde interpreta con su instrumento un amplio repertorio del Duque Blanco: desde Space Oddity a Heroes, Ashes to Ashes, Let's Dance...
Para cerrar esta edición de hoy de Cíclope 3.0 recuperamos Aladdin Sane de Bowie, y de las variaciones para piano la versión que hace Garson de Life on Mars.







El punto y final lo pone este excepcional pianista con un tema de su álbum Jazz Hat del año 2008, con Brian Bromberg en el contrabajo y Eric Marienthal al saxo.





Espero que te guste el programa.


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jueves, 20 de febrero de 2020

Cíclope 3.0 - 18-02-20 - Especial Mick Ronson




Mick Ronson
(1946-1993)


Cíclope 3.0 del martes 18 de febrero.  El espacio de hoy está ocupado íntegramente por la figura de un músico versátil, guitarrista, compositor, arreglista y cantante: Mick Ronson.





Michael Ronson, popularmente conocido como Mick Ronson, nacía en Inglaterra, en la localidad de Hull, Yorkshire, el 25 de mayo de 1946 y fallecía en Londres el 29 de abril de 1993.








Su carrera como músico conoció el esplendor de lo que se dio en llamar Glam Rock a principios de la década de los años 70, aunque la semilla venía de una década atrás.  Ronno, nombre cariñoso con el que se le conocía en ambiente familiar, desde niño mostró su inclinación por la música estudiando piano, violín y armonio antes de centrarse en la guitarra.  En noviembre del año 1963, con 17 años de edad, reune a su primera banda, The Mariners, de breve existencia.  Les siguió el proyecto The Crestas, a los que abandona en 1965 trasladándose a vivir y trabajar a Londres.  En la capital británica entra en el grupo The Voice con un síntoma: la amenaza de la brevedad, la certeza siniestra de que no iban a durar mucho tiempo en activo.  Poco tiempo después se cumplía la sospecha y Ronno forma otro combo, esta vez de perfil soulero: The Wanted.  La brevedad le persigue porque a los pocos meses de existencia, el grupo desaparece.  Se vuelve de Londres a su ciudad natal, Hull, y allí, indesmayable, mueve piezas imaginarias en una partida de ajedrez contra el Tiempo y se reúne con otros músicos bajo el nombre de The Rats.  Corría el año 1966 y dos años después, 1968, la banda se cambia el nombre por el de Treacle.
Sería en 1970 cuando un amigo suyo, John Cambridge, batería, sugiriese que formara parte de una banda llamada The Hype, conocida también como The David Bowie Band.




The David Bowie Band
David Bowie
 guitarra acústica de 12 cuerdas; en el bajo, Tony Visconti, que sería productor de un montón de discos de Bowie 
  
El 5 de febrero de 1970, Mick Ronson, tocando la guitarra eléctrica, actuó como miembro de The Hype, la banda que acompañaba a David Bowie.  Fue en el prestigioso programa de John Peel para la BBC, en la actuación de Bowie, donde Ronson sonaría por primera vez.  Quién le iba a decir que desde entonces y en adelante, sería una figura fundamental en lo que se dio en llamar Glam Rock.  Lentejuelas, zapatos de tacón alto, pelos largos coloridos...


Tras el bautizo en el programa Peel Sessions de la BBC, el nombre y apellido de Mick Ronson aparece asociado al de David Bowie por primera vez  en el álbum Space Oddity.  
Su actividad junto al Duque Blanco no consistió sólo y exclusivamente en ser el guitarra eléctrica que hacía resplandecer una canción, también se encargaba de los arreglos si no del disco completo sí de una serie de canciones como ocurrió con el tema Changes del LP Hunky Dory de 1971.  Es un misterio la cantidad de material de Bowie que Ronson escribió a cambio de aparecer en los créditos simplemente como arreglista.
La eclosión del llamado Glam Rock, apócope de la palabra glamour, fue un estilo visual dentro del género del Rock, género que había ido derivando de la frescura de la psicodelia hacia formas más elaboradas.  Una serie de músicos comenzaron una reconquista de la frescura del Rock 'N' Roll y lo hicieron acompañando su gesta de un bonito y floreado armario de modelos: boas de plumas, zapatos de tacón alto, lentejuelas, maquillaje exagerado, travestismo en las ropas.  Nombres como New York Dolls, Sweet, Gary Glitter, Roxy Music, Slade, Kiss...  Y sobrevolándolos a todos, un mito: Ziggy StardustZiggy no llegó solo, venía acompañado de Las Arañas de Marte.  Y llegaron para quedarse, para entablar una partida de Dominó con el Destino: seis en ambos extremos y en uno de los dos, seis doble.  Para continuar jugando ya sabes: o pones un seis o te retiras.  



 The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders from Mars, fechado en 1972, fue una de esas obras sin las cuales la Historia de la Música no habría sido lo que es hasta el momento.  Hasta el Punk lo llegó a recuperar como pieza de adoración.  Uno de los aspectos fundamentales de este trabajo fue y es el sonido, la forma, las maneras de la guitarra eléctrica tocada por Mick Ronson.  Fue el disco que lo definió como la mano derecha de Bowie.  En mi opinión fue más que la mano derecha: también la izquierda.  No sólo como guitarrista sino como compositor, como elemento químico que se activaba en el proceso creativo que se desarrolla a lo largo de la composición musical, ya sea una canción, un madrigal o una sinfonía.  Elemento fundamental porque aporta, porque contribuye, añade, incorpora, comparte.




Ziggy and The Spiders from Mars




Bowie
, Ronson en plena apoteósis sobre el escenario























Compartiendo miradas de complicidad


























Verdaderamente es un misterio la cantidad de material de Bowie que escribió Ronson a cambio de aparecer en los créditos simplemente como arreglista.  Había hecho mucho más que eso, había compuesto, y sin embargo no sé por qué extrañas razones no aparecía sino como un supervisor.  Se anteponía la figura del Duque Blanco.  Por ejemplo, en 1972, Ronson se une, momentáneamente, a la banda Mott the Hoople después de realizar los arreglos del álbum All the Young Dudes.  Algunas bases de datos en la Red resaltan la colaboración de Bowie en el disco como arreglista, productor y saxofonista, y se saltan a la torera la labor de Ronson como responsable de los arreglos tanto de cuerda como de metal.






Algo se estaba desvaneciendo en el brillo de las lentejuelas y en los colores vivos de la vestimenta del Glam Rock.  Llegó 1973 y con el año la que sería última colaboración estrecha en el tandem Bowie/Ronson, el álbum Pin Ups.



Mick Ronson se encargaría del piano y por supuesto de la guitarra eléctrica en éste disco de versiones/homenajes que Bowie grabó con autentico deleite y admiración hacia la década de los años 60.  Fue la última vez que ambos trabajaron juntos de forma sistemática porque volver a tocar juntos lo hicieron en alguna que otra ocasión.


De su colaboración con Mott the Hoople salió una banda capitaneada por Ian Hunter, Hunter Ronson Band.  Y en solitario, entre los años 1974 y 1975, Ronson publicaría dos álbumes en solitario: Slaughter on 10th Avenue y Play Don't Worry, que vio la luz también en España.





















































En el año 2017, con Ronson ya fallecido, se estrenó el documental Beside Bowie: The Mick Ronson Story, dirigido por Jon Brewer con guión de Scott Rowley.





El documental se montó antes de que Bowie falleciera y es él mismo el que pone la voz en off al principio, cuando bajo el título Ronno (el nombre familiar con el que se conocía al guitarrista) va introduciendo la biografía del protagonista.  No recibió buenas críticas, argumentando que se podía haber hecho algo mejor, pero la verdad es que no está mal.  Tuve oportunidad de verlo (me pasó el DVD original un amigo y fue lo que motivó que el Cíclope le dedicara este Especial) y es entretenido por la variedad de testimonios que recoge: Rick Wakeman, su viuda, el mismo Ronson hablando de la unión fructífera y creativa con Bowie.  En ese documental se recoge la actuación que una serie de amigos efectuaron en un homenaje en vida al guitarrista con la presencia en el escenario de Queen (ya sin Freddie Mercury), David Bowie, el mismo Ronson...  Hubo una edición en vinilo con 15 cortes correspondientes a dicho concierto donde aparecen Joe Elliott, vocalista de Def Leppard haciendo una versión del tema This is for You del álbum en solitario de Ronson Play Don't Worry




Joe Elliott

















Ian Hunter






Ian Hunter con Pain, del disco YUI Orta que grabó en 1989 con la guitarra de Ronson










Elton John
 allá por 1970,
con su pelo natural




Elton John haciendo una versión del tema Madman Acroos the Water de su trabajo de mismo nombre de 1971, cambiando los arreglos orquestales por fraseos ágiles y versátiles de la guitarra de Ronno








El Cíclope recupera también a la figura del cantautor británico y guitarrista nacido en Leeds, Michael Chapman, que en su disco de 1970 incluía un tema original de Ronson, Soulful Lady




Michael Chapman




























Beside Bowie: The Mick Ronson Story tuvo su versión en vinilo, negro, y después aparecería otra versión, Deluxe, con el vinilo en color rojo, una pieza apreciada por coleccionistas.





Tras su muerte aparecerían álbumes de recopilación con alguna que otra rareza como es el caso de Just Like This, que vio la luz en 1999, o Hard Life ya en pleno siglo XXI, en el año 2003.  También grabaciones en vivo con Ian Hunter y otras ediciones.
De él nos queda su música, los discos en solitario y los discos en los que colaboró.  Lo mejor que podemos hacer es seguir escuchándolo.







Espero que te guste el programa.


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jueves, 13 de febrero de 2020

Cíclope 3.0 - 11-02-20


Cíclope - Ben Singleton



Cíclope 3.0 del martes 11 de enero de 2020.  Con permiso del pintor Ben Singleton, como foto de cabecera utilizo la obra que servía como ilustración de la carpeta del disco Radical Action (To Unseat The Hold Of Monkey Mind del año 2016 de King Crimson para celebrar que Cíclope 3.0 cumple 6 años de vida en la sintonía de Radio Tomares.  Desde aquí quiero dar las gracias a los Especialistas de Sonido y Control, Pablo Franco y José Antonio Granero, por su estrecha colaboración para que este programa sea una realidad desde el 11 de febrero del año 2014.  Van ya 280 programas en antena y espero que siga.  Gracias a su magnífica labor profesional y a ti, a vosotros, que estáis ahí al otro lado del receptor con tan buenas vibraciones y con tan buena onda.
Y comenzamos con las vibraciones de hoy, con un tema instrumental a cargo de PiL, Public Image Ltd.


Formado por John Lydon (hasta el momento, principios del año 1978, conocido como Johnny Rotten), Public Image Ltd. fue un proyecto musical surgido en ese año, 1978, que fue cambiando de forma, al ritmo y antojo del bilioso cantante de Sex Pistols, según iba explorando sus ideas de manera intransigente.
La idea surge tras la separación de los Pistols, tres días después de su actuación el 14 de enero del 78 en su gira estadounidense.  En mayo de ese mismo año, en Londres, Lydon contacta con un viejo amigo, el guitarra bajo Jah Wobble, con la idea de formar una nueva banda.




John Lydon

















Jah Wobble




















Reclutaron a Keith Levene, guitarrista de The Clash




Keith Levene


y para cerrar la alineación le pidieron a Jim Walker que se sentara a la batería




Jim Walker


Comienzan a ensayar y en julio, Lydon incorpora Ltd. al nombre del grupo, quedando como Public Image Ltd., también conocidos por el acrónimo PiL.  En diciembre de 1978 y tras un single como tarjeta de presentación aparecería Public Image (First Issue).





Los primeros PiL.  De izquierda a derecha Levene, Wobble y Lydon.





Dependiendo del periodo que elijas, Public Image Ltd. pueden sonar como un trueno Post-Punk pesado, una fusión entre Krautrock y Dub, Rock Alternativo musculoso o Pop Pulido para las pistas de baile.  Con alguna que otra mirada oblicua por medio.  Cambiaron no sólo de estética, maneras y formas, sino también de miembros en la banda.  Las primeras sustituciones llegaron entre ese primer LP y el segundo, publicado en diciembre de 1979 con el título Metal Box, un curioso triple vinilo guardado en una caja metálica, como las antiguas que contenían películas de celuloide.  Tres discos masterizados a 45 r.p.m. 


Metal Box - 1979







Créditos de Metal Box














































Cuando la Warner Bros., el sello que publicaba sus discos en el continente americano, quiso repetir la edición que Virgin Records había hecho en Europa, se dieron cuenta del costo tan alto que suponía realizar una publicación de esas características y optaron por la edición de un LP doble, en carpeta de cartón, con el título Secon Edition, que es el disco que después se comercializó en el viejo continente incluyendo los temas de aquella Caja de Metal.  Y precisamente hoy Cíclope 3.0 comienza con uno de los temas de aquel disco, un tema instrumental titulado Radio 4 que sirve como enlace a los siguientes invitados, un quinteto original de Brooklyn, New York, que se bautizaron con el nombre de esa canción de PiL, Radio 4.




Radio 4


Comenzaron como trío para pasar a cuarteto para después, en nada de tiempo, convertirse definitivamente en quinteto.  Se reunieron en 1999 en su Brooklyn natal.  Se bautizaron con el título de la canción de Lydon y compañía como acto de reconocimiento a un sonido y una estética que les era muy querida y desde ese año punto de fuga no han dejado de proclamar a los cuatro vientos que la música de Radio 4 está hecha en New York, es música sobre New York y suena como New York.  Entre los años 2000 y 2006, 6 álbumes con muy buen sonido como el que recupera el Cíclope, un disco de reminiscencias batmanianas en el título: Gotham!.





Aromas de Post-Punk en la edición de hoy.  Para post-punkyanos este trío inglés que responden al nombre de The Wolfgang Press.






La Prensa de Wolfgango, aunque cuenta con una interesante lista de colaboradores, es fundamentalmente un trío inglés formado por los tres hombres de la foto anterior, a saber (de izquierda a derecha):

Mark Cox, Michael Allen y Andrew Gray.
The Wolfgang Press fue (creo que por el momento está disuelto el proyecto) una especie de laboratorio musical del que surgían éxtasis anímicos que se traducían o bien en enérgicos ejercicios de baile o en visiones de quietud y ensimismamiento.  Uno de los crisoles musicales más interesantes entre los años 1983 y 1995.
Michael Allen y Mark Cox llegaron juntos desde otro proyecto, Rema-Rema, banda inglesa de corta existencia, responsables de temas como Fond Affections que tendría una magnífica versión por parte de This Mortal Coil, el paraguas donde se protegían y colaboraban los músicos que grababan en el prestigioso sello independiente escocés 4AD, donde The Wolfgang Press publicaron todos sus discos, LPs o EPs, siempre con unos interesantes diseños de portada.






  


















En total 5 Lps, más unos 15 EPs y Maxi-Singles, conforman una discografía trufada de momentos espléndidos.  El Cíclope extrae tres maneras, tres formas de la música de la banda: una especialmente agitada y saltarina, Sweatbox, del álbum de 1985 The Legendary Wolfgang Press and other Tall Stories.
























Los otros dos temas pertenecen al álbum Standing Up Straight del año 1986 con dos vías de expresión distintas: un tema lento, My Life, y otro extasiado, I Am the Crime, con la colaboración especial de Elizabeth Fraser, de Cocteau Twins.






Y ya que se ha nombrado a los Gemelos Cocteau nos vamos a quedar no con uno de la pareja, sino el tercero en discordia aunque, en esta ocasión, encajó perfectamente entre Robin Guthrie y Elizabeth Fraser, el guitarra bajo Simon Raymonde.




Cocteau Twins
 (Simon Raymonde a la izquierda)




Simon Raymonde
Simon Philip Raymonde, nacido Simon Philip Pomerance, es músico y productor inglés, conocido por haber sido guitarra bajo y teclista de Cocteau Twins desde 1984 hasta la disolución de la banda en 1997.  Entró en CT sustituyendo al también guitarra bajo Will Heggie, cofundador con Guthrie del proyecto Cocteau Twins.  
El mismo año que CT se separaban, Raymonde comenzaba su labor en solitario con un disco titulado Blade Someone Else.



Simon Raymonde canta, compone, toca instrumentos varios...pero la guitarra es de Robin Guthrie, y la voz que hace coros y demás es la de Elizabeth Fraser.  Para colmo, en temas técnicos de la grabación está Guthrie sugiriendo, poniendo, quitando...el resultado final es un disco que suena un poco a Cocteau Twins.


En pleno siglo XXI, en el año 2014, Raymonde forma el dúo Snowbird con la cantante, compositora y diseñadora de prendas de punto norteamericana Stephanie Dosen.  Graban un disco, Moon, que iba a la saga de lo que había hecho Raymonde en aquel álbum de presentación en solitario en el año 1997: sonido Cocteau Twins y estructuras de la misma índole porque Dosen canta como si fuera la doble de Elizabeth Fraser.



Stephanie Dosen


Estamos en la recta final del programa de hoy y de las vibraciones etéreas que dejan Snowbird a una banda que dejaban nuevo trabajo el pasado mes de octubre del año 2019: Elbow.



Elbow


La banda, original de Bury, Greater Manchester, en Inglaterra,  se comenzó a gestar allá por 1990.  Trabajaron ensayando a lo largo de varios años hasta dar la primera señal de vida en 1997.  El grupo se bautizó con el nombre de Mr. Soft, después se abrevió a Soft, y al final se pusieron Elbow.  La decisión la tomó el vocalista Guy Garvey después de ver en televisión un capítulo de la serie de la BBC The Singing Detective.  Un personaje afirma que la palabra codo, elbow, es la más sensual que existe en la lengua inglesa no por su significado, sino por lo que se siente al pronunciarla.  La afirmación va en consonancia con el contenido del guión, totalmente surrealista.
Como tales Elbow publican por primera vez en el año 2001 y desde entonces hasta la actualidad no han dejado de enredar en composiciones que merecen la pena, y mucho.  Lo último data del año pasado, cuando editaban Giants of All Sizes.



Elbow
 - 
Giants of All Sizes - 2019



Guy Garvey

El vocalista y también guitarra ocasional, Guy Garvey, presentó en solitario en el año 2015 un álbum titulado Courting the Squall.  No es lo único que ha hecho paralelamente a la existencia de Elbow.  En 2018 se estrenaba en Cines la película The More You Ignore Me, dirigida por el realizador británico Keith English con guión de Jo Brand basado en su novela homónima publicada en el año 2009.  La cinta narra la historia de una mujer cuya salud mental se va deteriorando progresivamente, obsesionada con un presentador de la televisión local.  Tendrá que ser internada en un Hospital Psiquiátrico y su hija crecerá con este problema.  Para intentar conectarse con su madre, para acceder a su mundo tabicado por el delirio obsesivo, la hija utilizará la música de The Smiths como refugio.  

Tanto el título de la novela como el de la película pertenecen a una canción de Morrisey: The More You Ignore Me, The Closer I Get, de su álbum Vauxhall and I, de 1993.

Precisamente con un fragmento de la banda sonora compuesta por Paul Saunderson y Guy Garvey nos acercamos al punto y final que, como no podía ser de otra forma por las alusiones recibidas, termina con Morrisey en solitario y el tema del que sale el título de la cinta.



1993


Espero que te guste el programa.


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