miércoles, 30 de marzo de 2022

Cíclope 3.0 - 29-03-22 - Especial The Jazz Butcher # 3

 


Patrick Huntrods
,  alias Pat Fish, alias Jazz Butcher


Cíclope 3.0 del martes 29  de marzo.  Último martes de mes y eso significa Especial Discografía, hoy con la tercera entrega del Especial The Jazz Butcher.

Terminamos la segunda edición de este Especial con el álbum Distressed Gentlefolk de 1986 que significó un punto y aparte en la estructura de la banda.  Entre 1986 y 1988, Jazz Butcher  publica, sólo y exclusivamente, discos recopilación de canciones caras A y B de Singles, versiones de temas ya grabados y alguna rareza más, pero nada nuevo.    El primer miembro que abandonó el grupo fue el guitarra bajo David J, que se fue para enrolarse en la nueva aventura Love & Rockets.    El que se marcha en 1986 es Max Eider,   la guitarra principal de   la banda,   el hombre de confianza de Pat Fish.    Hay rumores sobre una posible separación del proyecto, que se acabó El Carnicero del Jazz.      El tema  sobre la marcha de Eider  se convierte en monotema en cualquier entrevista que conceda Fish:  le pregunten lo que le pregunten siempre va a salir con  que Eider    ha dejado al grupo...porque, claro, como se ha marchado la guitarra principal, ahora...porque Eider  era fundamental, ¿sabe usted?, y como se ha ido...     Y vuelta a empezar.


Max Eider  (foto de la izquierda)  cuyo nombre real es Maximilian Theodor Eider,   estudió literatura inglesa en el University College de Oxford y se graduó en Trinity Term en 1980.    Tocó la guitarra con Pat Fish en la universidad en bandas como The Institution, Wow Federation y The Tonix.    No es de extrañar que fuese uno de los miembros originales del proyecto The Jazz Butcher  desde el comienzo, allá por 1982.    En 1986 ,   Fish y Eider,  después de una soberana bronca alimentada por el exceso de alcohol que habían trasegado entre ambos,  se rompe la libre asociación de los dos músicos y Eider  se marcha para iniciar una carrera en solitario.

Situados en ese año, 1986, fatídico para  Fish, iniciamos el desfile sonoro del programa de hoy que comienza precisamente  a finales de ese mismo año, cuando se publica Bloody Nonsense.

Este disco es una colección de canciones extraídas de álbumes como  A Scandal in Bohemia  de 1984 y Sex and Travel de 1985. La selección es  variada, no incluye nada nuevo excepto versiones mejor grabadas de canciones como Partytime  que    sirve para abrir la tercera entrega de este Especial.    Nada nuevo por descubrir para los seguidores de Fish y compañía, pero es una excelente introducción para aquellos que no están familiarizados con el trabajo de este talentoso Carnicero.

The Gift of Music era el título del primer disco recopilación de Singles y Caras B que realizó T.J.B.    Eso fue en 1984.  En 1987 aparecía  Big Questions, un larga duración subtitulado The Gift of Music Vol. 2, selección de Grandes Éxitos formada por  canciones grabadas entre 1985 y 1986, rarezas, cara B de Singles y temas en formato EP que no habían aparecido en otros LPs del grupo.    Es otra forma  de dar a conocer la producción de Fish como Jazz Butcher.    Las  primeras copias de   
Big Questions (The Gift of Music Vol. 2)  incluían un EP adicional con versiones de canciones de Bob Dylan y Lou Reed.   El disco es, de los álbumes recopilatorios, de los que tienen más interés por incluir algún corte de temas interpretados en vivo como es el caso de Death Dentist    (Dentista de la Muerte), perteneciente al trabajo grabado íntegramente en vivo Hamburg  de 1985, que recoge una actuación en la ciudad alemana del mismo nombre.

Firmado con el nombre de The Jazz Butcher and His  Sikkorskis From Hell, uno de los muchos y variados apodos del proyecto, es un disco raro  que se pudo adquirir en algunos países europeos.  Una vez que se agotó ni siquiera fue reeditado en CD.
Big Questions (The Gift of Music Vol. 2)  tiene también como aspecto interesante que es una selección amplia y variada de la producción de Jazz Butcher, con composiciones aceleradas y otras de perfil más melancólico.    Es el disco en el que más nos entretenemos en el programa de hoy.


 
Spooky  se publicaba en 1988, a mediados de ese año, y de nuevo nos encontramos con otro Grandes Éxitos del grupo, en este caso  regrabaciones de viejos temas y recuperación de otros donde aún estaba la presencia de Max Eider.    Aunque algunas versiones  se regraban entre mayo y junio de 1988 con el mínimo personal posible, no aporta ninguna   composición nueva.    Para eso, para escuchar nuevo material, habrá que esperar a finales de ese año 1988 cuando The Jazz Butcher  reaparece  con un nuevo LP y una formación renovada.




Por fin la banda capitaneada por Pat Fish  vuelve a los estudios de grabación en el mes de febrero de 1988 y da a luz Fishcotheque.     La marcha de Max Eider    supuso un mazazo   para Fish , cuya creatividad se resintió al faltarle su referente, la guitarra de Eider.    La historia debe continuar y la formación de Jazz Butcher   se renueva con músicos distintos a los que habían estado hasta el momento.    Dos miembros de la banda The Weather Prophets , Greenwood Goulding   y Dave Morgan, guitarra bajo y batería respectivamente, entran en los créditos.  


 

Greenwood Goulding 







        Dave Morgan






Kizzy O'Callaghan  (en la foto, a la derecha) sería el encargado de  la guitarra eléctrica.    Un músico, nacido en 1958, que supo conectar con Fish  y que  desgraciadamente fallecía en 1990 debido a un tumor cerebral.  


Alex Green, saxo, fue un elemento innovador en el sonido Jazz Butcher  de finales de los años 80.  Le daría un nuevo brío a las canciones que Fish   compone  a partir de ese momento.

Pero lo que parecía una formación ideada para permanecer no fue sino una alineación que duró tan solo un disco.  En algunas de las composiciones intervinieron otros músicos:  Laurence O'Keefe, guitarra bajo, Earl  Suleyman, guitarra bajo también,  el batería Blair MacDonald...participarían como miembros secundarios y, alguno de ellos, volverían a aparecer en otras grabaciones, más tarde, como es el caso de   Laurence O'Keefe.  Hay un coro de voces interpretado por los miembros del grupo francés The Perfect Disaster que intervienen en uno de los temas de este Fishcotheque, editado por el sello discográfico  Creation, propiedad del guitarrista   Alan McGee, el hombre que estuvo al frente de Biff Bang Pow!  
Fishcotheque está producido por Iain O'Higgins  y reúne un puñado de canciones pop de perfil a veces melancólico y otras de rock de pub de corte minimalista.   Hay curiosidades como la canción Looking for Lot 49, inspirada por la novela La subasta del lote 49  original del escritor norteamericano Thomas Pynchon, de 1966.  Creo que no hay otra alusión en el rock a la figura de Pynchon y a esta obra en concreto que, por cierto, te recomiendo su lectura encarecidamente .     
The Jazz Butcher  sigue siendo un poliedro musical al que merece la pena escuchar.  Volveremos con Fish y compañía el último martes del próximo mes de abril.
Espero que te guste el programa.




jueves, 24 de marzo de 2022

Cíclope 3.0 - 22-03-22

 


Night Garden
- Robert y Shana Parkeharrison

Cíclope 3.0 del martes 22 de marzo de 2022.

Comenzamos remontándonos en el Tiempo a los años de la década de los 80 con una banda que cultivó la categoría musical de "Quiet Pop" (Pop tranquilo).  Guitarra (eléctrica y acústica), guitarra bajo, trompeta y batería.  Tuvieron una corta existencia, dejaron dos LPs y un puñado de singles, y respondían al nombre de Pale Fountains.



Pale Fountains


Originarios de la ciudad musical de Liverpool, Pale Fountains se formaba a principios de los años 80, en 1981, capitaneados por el compositor, cantante y guitarrista Michael Head (en la foto).


En 1984 aparecían dos singles, (There's Always) Something on my Mind Unless

adelanto de su álbum de debut Pacific Street en 1984.  

Una cosa llama poderosamente la atención: la imagen del grupo con cazadoras de cuero negro y cabezas coronadas con cresta de mohicano.  Una apariencia dura, combativa que contrasta con la música que elaboran, Pop con inflexiones de bossa nova.


1985, segundo larga duración de la banda con el título ...From Across the Kitchen Table.

Las relaciones con su casa discográfica eran tan tensas que el grupo se disuelve sin más, sin separar la acritud de una mala relación laboral con los aspectos creativos del proyecto.  Y Pale Fountains desaparecen.


Años después, en 1998, aparecía Longshot for your Love, un larga duración que recogía sesiones de radio, pistas inéditas y otras canciones perdidas.  Una de ellas es la que sirve para comenzar Cíclope 3.0 de hoy.  La selección y edición de esos temas de Pale Fountains se realizó mientras Michael Head estaba ya embarcado en una nueva aventura llamada Shack.


Una vez que Pale Fountains desaparecen del horizonte musical, el que fue guitarra bajo de la banda, Chris McCaffrey, fallece de un tumor cerebral.  Era el mejor amigo que tuvo Michael Head y el vacío que dejó su ausencia empujó a Head hacia la zona oscura de las drogas.  Se volvió adicto a la heroína, porque era lo que resultaba más fácil de conseguir en el barrio en el que vivía, y entre estancias y salidas de centros de desintoxicación, el que fue fundador de aquellas Fuentes Pálidas, se embarca en un nuevo proyecto junto a su hermano John.  Así, los hermanos Head se pondrían al frente de Shack, un grupo que tuvo un nombre previo, The L-Shaped Room, rebautizados posteriormente con el nombre de Shack.  Lanzaron un álbum de debut, Zilch, en 1988; en 1989 publicaron otro, Waterpistol, que se vio envuelto en un suceso trágico: un incendio destruyó el estudio y todas las cintas del grupo, excepto una copia que el productor se había quedado.  Esta copia se perdió en un viaje por carretera en Estados Unidos y al final la cinta fue encontrada un año después por la agencia de alquiler de autos que había utilizado el productor.  La grabación rescatada se publicó poco después por un sello alemán.  En 1993 los hermanos Head formaron un proyecto paralelo a Shack, el grupo Michael Head & the Strands.  Grabaron un disco titulado The Magical World of the Strands que recibió buenas críticas pero que no caló en el público cuando se lanzó en 1997.  La adicción a la heroína de Michael continuó y su producción creativa se vio mermada hasta finales de los 90, cuando Shack comenzó a trabajar en su tercer álbum, HMS Fable. Aunque se retrasó su edición varias veces debido a las estancias de Michael en los centros de desintoxicación, el álbum se lanzó en el Reino Unido en la primavera de 1999 con elogios de la crítica, y siguió un lanzamiento en los Estados Unidos en el otoño.  El siguiente álbum, Here's Tom with the Weather, llegó en 2003, y es un corte de este disco el que recupera el Cíclope para el espacio de hoy.

De las cenizas de Pale Fountains al proyecto Shack.  De cenizas a cenizas, siguiendo la línea de aquella canción de David Bowie, Ashes to Ashes, nos quedamos ahora con otro grupo que surgió de la escisión de un proyecto primigenio.  Echo & The Bunnymen, capitaneados por Ian McCulloch y Will Sergeant, tuvo un antecedente llamado Crucial Three.


The Crucial Three fue una banda de corta duración: se formó en mayo de 1977 y se separó en junio de 1977.  Apenas seis semanas de vida.  Es un nombre notable debido al éxito individual de los tres miembros fundadores: Julian Cope formó The Teardrop Explodes y ha disfrutado de una larga y exitosa carrera en solitario como autor, fotógrafo y cantante; Ian McCulloch formó el afamado proyecto Echo & the Bunnymen , mientras que el guitarrista Pete Wylie formó Wah! En aquellos días, McCulloch cantaba, Cope tocaba el bajo y Wylie se encargaba de la guitarra.  Incluyeron a un batería, Stephen Spence, que tocó en algún momento de la breve vida de la banda.

Según Cope, los tres amigos hablaron por primera vez sobre formar una banda en el cumpleaños número 18 de McCulloch, el 5 de mayo de 1977.  Ahí comenzó el proyecto que, como ya ha quedado dicho, acabó apenas seis semanas después, en junio.

Y de ahí, de ese germen, entre otros proyectos, surgió Echo & The Bunnymen, la banda liderada por el compositor y cantante Ian McCulloch y el compositor y guitarrista Will Sergeant.



Echo & The Bunnymen
(Ian McCulloch primero por la izquierda; Will Sergeant primero por la derecha)

McCulloch conoció al guitarrista Will Sergeant en el verano de 1978 y la pareja comenzó a grabar demos con una caja de ritmos que el dúo llamó Echo.  Agregando al bajista Les Pattinson, la banda hizo su debut en vivo en el club Eric's de Liverpool a fines de 1978, bautizados como Echo & the Bunnymen.

La fusión oscura y arremolinada de post-punk sombrío y psicodelia inspirada en The Doors se tradujo en un bucle impulsado  por la voz majestuosa y la personalidad descomunal del cantante y el trabajo de guitarra frecuentemente brillante.  La banda comenzó como un grupo angular de post-punk para pasar a formas más barrocas.  Echo, la caja de ritmos, fue sustituida por un músico de carne y hueso, Pete de Freitas, nacido en 1961 y tristemente fallecido en un accidente de moto en 1989.  Tenía 27 años.  La tragedia golpeó plenamente al tándem McCulloch/Sergeant que, lejos de desanimarlos, unidos por la tragedia, consolidaron un vínculo creativo que se pudo resentir con el paso del tiempo pero que nunca se hizo añicos en el transcurso de dos décadas de álbumes de chispa dramática y de actuaciones en vivo.


Echo & the Bunnymen comenzaron a grabar en 1980.  Su primer LP, Crocodiles, (hago un inciso: en la locución del programa digo que ese primer disco se tituló Porcupine, cosa que es un error porque Porcupine sería el título de su tercer álbum, aparecido en 1983.  Si me equivoco es porque, mientras preparaba el programa, escuchaba ese ínclito disco, el tercero, y de ahí la confusión.  Aclarada la metedura de pata, seguimos.)


En 1984, canalizando las fuerzas y el aprendizaje realizado con su primer trabajo donde se mostraban experimentales en los parámetros estructurales de las canciones, convencionales y simples, cuando graban Ocean Rain ese año de 1984, surge el esfuerzo más hermoso y memorable de la banda.  Adornando la colección de canciones de una forma más consistente, el álbum presenta texturas de guitarra tenues, arreglos de cuerdas amplias y una producción inquietantemente evocadora.  El resultado es dramático y majestuoso, con una pieza central, The Killing Moon, altamente emotiva y con temas tan absorbentes como el que selecciona el Cíclope, Nocturnal Me.



Electrafixion

Tras una   separación   temporal   de Echo  & the   Bunnymen, Ian   McCulloch inició   una carrera en   solitario por las   mismas fechas en las que apareció Ocean Rain.  Hubo un conato de sustituir al vocalista por otro cantante.  Se hizo, pero de una forma momentánea, con el músico de origen irlandés Noel Burke Will Sergeant continuó al frente de Echo & the Bunnymen y perdía la amistad con McCulloch.  Entrada la década de los 90, en 1992, McCulloch publica un segundo álbum en solitario, Mysterio, que fracasa en todos los aspectos y que le hace reconsiderar la idea de volver a trabajar con Sergeant pero, ya que vuelven a trabajar juntos, hay que cambiar el nombre de la banda porque el ambiente, los horizontes, las metas, todo ha cambiado.  Reclutan al bajista Leon de Sylva y al batería Tony McGuigan y amparados por ideas nuevas, nuevo sonido, nuevos esquemas de canciones, forman Electrafixion.



En octubre de 1995 aparecía ese Burned, el único disco que grabaron ElectrafixionJohnny Marr, el guitarra de The Smiths, coparticipó en la composición de dos temas del álbum que son precisamente los dos que escuchamos.  Los seguidores del sonido Echo & the Bunnymen se decepcionaron un poco al escuchar a Electrafixion porque, como el grupo estaba capitaneado por el binomio McCulloch/Sergeant, se sobrentendía que este proyecto era una vuelta a los orígenes de Echo &... , y como no fue más de lo mismo no gustaron.  O al menos no lo suficiente como para llegar más allá de un disco: eso de guitarras potentes, eso de sonar casi como una banda grunge sin llegar a serlo…no, no.  La gente quería (y quiere) volver atrás, al sonido de siempre, a las canciones de siempre…todo igual.  Y para colmo, la crítica musical respaldó la respuesta del público.  No quedó otra: Echo & the Bunnymen se volvieron a reunir para no llegar a ninguna parte.

Nos acercamos al tramo final de programa y en este punto reconectamos con los años primeros de los pasados 80 a través de Peter Murphy.


Siempre que se hace mención de su nombre y apellido se alude al hecho de que fue el vocalista de Bauhaus, como si el resultado de su trabajo en solitario no avalase suficientemente su labor como músico.  O porque para ubicarlo en el espacio y las turbulencias del Rock, fuera necesario nombrar siempre a la banda pionera del Rock Gótico en la era Post-Punk donde ejerció no sólo como cantante y compositor, sino también como imagen del grupo, por sus interpretaciones dramáticas, su camaleonismo escénico, sus maquillajes...

Su primer álbum en solitario se publicó en julio de 1986.  Should the World Fail to Fall Apart? contó con colaboraciones de antiguos compañeros de Bauhaus como fue el caso del guitarra bajo David J y figuras como John McGeogh a la guitarra eléctrica.  Incluía, entre temas originales, dos versiones: una de Magazine, The Light Pours Out of Me; la otra de Pere Ubu, Fina Solution.  Ya tendremos tiempo de comentar el contenido de su discografía porque Peter Murphy está en la lista de los nombres a los que se les dedicará el Especial Discografía del primer o último martes de cada mes, y eso será en un futuro inmediato.


El quinto disco que publica Murphy fue en 1995 y se titula Cascade.  Lo graba en Andalucía, entre Málaga y Sevilla.  Un tema de este álbum nos sirve para adentrarnos en su mundo que, en la década de los 90, cambia al abrazar el islamismo.  No es un caso como el de otro músico, Steven Demetre Georgiou, conocido artísticamente como Cat Stevens, que abrazó el Islam en 1977 cambiando su nombre por el de Yusuf IslamMurphy conoce a Beyhan Ayse, directora artística de la Compañía de Danza Moderna de Turquía, con quien contrae matrimonio.  Cambia su domicilio y se traslada de Londres a Estambul, donde se asentaría enraizándose con el islamismo.



Beyhan Ayse
, Beyhan Murphy
tras contraer matrimonio con el músico

  


Fruto de la inmersión en la vida turca es el perfil de su sexto disco de estudio, Dust, séptimo en su discografía (el inmediatamente anterior fue un disco grabado en directo)

En el álbum Dust, Murphy elabora composiciones más largas (8, 9 minutos) de lo que había hecho hasta el momento.  Es un trabajo diferente a lo que había grabado hasta esa fecha y es una colección de canciones influidas por el folclore turco utilizando instrumentos tradicionales de dicho folk.  Dos temas de Murphy situados en dos planos distintos: uno, el de Cascade; el otro, seleccionado de este Dust.

Ya que nos hemos situado en una esfera distinta de la música occidental, más cerca de Oriente, ascendemos por los aires para buscar la estratosfera y otras zonas del espacio exterior situados sobre la capital de Irán, Teherán, de donde es originario el músico que cierra esta edición de Cíclope 3.0  Su nombre es Mehdi Saleh y es más conocido por su alias artístico, Alphaxone.


No pretende salir fotografiado, es más, si puede permanecer anónimo, mejor.  Mehdi Saleh

Alphaxone, está en activo, discográficamente hablando, desde el año 2010 y su último trabajo data del año pasado, 2021.  Hasta el momento, entre 2010 y 2021, tiene una sustanciosa discografía de 21 trabajos, ya sean firmados en solitario o a medias con otros músicos de actividad electrónica.  Su música oscila entre sonidos monocromáticos en composiciones de Atmósferas y Ambiente, y la policromía de teclados que le acerca a una forma de hacer que recuerda a Brian Eno.




Con un par de composiciones del álbum Edge of Solitude, del año 2018 de Alphaxone, cerramos el programa de hoy.


Espero que te guste.


Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-22-03-22



jueves, 17 de marzo de 2022

Cíclope 3.0 - 15-03-22

 



Paul Gauguin
tocando el harmonio en el estudio de Alphonse Mucha en 1895


Cíclope 3.0 del martes 15 de marzo de 2022.

La propuesta del Cíclope para el programa de hoy es una trenza formada por dos ramas del Arte: la Música y la Pintura.  Canciones que homenajean la figura de un pintor o que parten de un cuadro.  Una pinacoteca sonora que comienza por el retrato que realizó David Bowie en 1971 de Andy Warhol.


El Bowie de 1971 tenía la imagen que aparece en la foto de la izquierda.  Después vendrían los cambios, cada vez más diversos y camaleónicos.  Había comenzado en 1969.  Ya había sembrado una semilla luminosa que, con el paso de los años y de los álbumes grabados, iría adquiriendo cada vez más y más brillantez.  


En ese año de 1971 vio la luz Hunky Dory, un LP que contiene una de las composiciones representativas de la creatividad del Duque Blanco: Life on Mars?  En los créditos del disco figuras como la de Mick Ronson, un músico fundamental en el desarrollo de la obra de Bowie, tocando la guitarra eléctrica y acústica y encargándose de los arreglos; Rick Wakeman en los teclados y, por supuesto, Bowie como catalizador de la energía reunida en el álbum donde graba ese homenaje a la figura de Andy Warhol firmándolo con su nombre y apellido.



Andy Warhol
(1928-1987)

  
Andrew Warhola conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y actor estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del Pop Art.  Comenzó como ilustrador profesional para adquirir fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.  Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, entre aristócratas y celebridades de Hollywood, entre modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.  Su nombre y apellido está entroncado con momentos de la Historia de la Música tan significativos como la aparición de The Velvet Underground.

Del retrato de un artista polifacético a una dedicatoria, la que realizaban en el año 1996 Manic Street Preachers a su admirado Willem de Kooning.


Manic Street Preachers

Manic Street Preachers surge a principios de la década de los 90 en la ciudad de Blackwood, País de Gales.  Con su estilo inspirado en The Clash y Sex Pistols, se  presentaron con una propuesta: intentar restaurar la revolución en el Rock & Roll en un momento en que Gran Bretaña estaba dominada por el sonido de guitarras guinglineantes, lo que se llamó irónicamente shoegazers y el Acid House psicodélico.  Comenzaron como cuarteto para quedar al final como trío.  Su imagen conscientemente peligrosa, sus inclinaciones izquierdistas, su rock duro y su estatus de outsiders ayudaron para que se convirtieran en uno de los favoritos de la prensa musical británica, cosa que favoreció la formación de largas listas de numerosos seguidores devotos y devotas de su música.

En 1996 publicaron Everything Must Go, un disco que incluye un tema, Interiors, dedicado a la memoria de Willem de Kooning.  





Willem de Kooning
(1904-1997)


Willem de Kooning, pintor neerlandés nacido en Róterdam, se nacionalizó estadounidense.  Fue un exponente en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial del expresionismo abstracto.  Con el paso del tiempo  experimentó con nuevos movimientos artísticos como la escultura y la performance.

De un retrato sonoro y una dedicatoria a una canción basada en una obra: In the car... es una pintura original de Roy Lichtenstein, conocido sobre todo por sus obras, a gran escala, del arte del cómic.  Esa obra le sirvió como punto de fuga a Paul Weller para escribir una composición donde homenajea tanto el cuadro como a su autor.



Paul Weller primero fue el alma de la banda legendaria The Jam entre 1977 y 1982.  Después, entre 1984 y 2001, estaría al frente del proyecto The Style CouncilPaul Weller es un compositor, cantante y guitarrista extraordinariamente activo y prolífico.


Comenzó una labor en solitario en 1992, compaginándola con las últimas producciones de Style Council.  En el año 2015 apareció Saturns Pattern, el álbum en el que aparece ese tema titulado In the Car... basado en la obra del mismo nombre del pintor norteamericano Roy Lichtenstein.



In the Car...



Roy Lichtenstein
(1923-1997)


Roy Fox Lichtenstein, pintor de Arte Pop, artista gráfico y escultor.

En este bucle entre Música y Pintura que propone hoy Cíclope 3.0 nos quedamos ahora con otro homenaje, el que realizaban The Modern Lovers en 1976 en su álbum de presentación, bautizado de forma homónima, The Modern Lovers, que incluye una canción dedicada al gran Pablo Picasso.


El primer álbum de The Modern Lovers se publicó en 1976, pero en verdad se había grabado en 1973 con producción de John Cale.  Un jovencísimo Jonathan Richman (primero por la derecha en la foto) era su alma mater y motor y en ese primer disco, The Modern Lovers incluyen una canción original de Richman dedicada al pintor Pablo Picasso titulada con su nombre y apellido.  Cale haría  una versión que apareció en 1975 en su álbum Helen of Troy.  Tiempo después revisaría el tema David Bowie, en su disco Reality del año 2003.



Pablo Ruiz Picasso
(1881-1973)



Pablo Picasso, creador junto a Georges Braque del movimiento cubista, está considerado como uno de los mayores pintores que participaron en los variados movimientos artísticos que se propagaron por el mundo desde el inicio del siglo XX.
En esta galería que propone Cíclope 3.0 están algunos pintores y sus obras sugiriendo canciones dedicadas a la figura del autor de un cuadro o tomando como punto de partida un lienzo concreto.  El siguiente nombre recibe un homenaje directo a su apellido: Basquiat.


Jean-Michel Basquiat
 (1960-1988)

 
De ascendencia haitiana por parte de padre y puertorriqueña por la madre, Jean-Michel Basquiat desarrolló un poliedro de capacidades a lo largo de su corta pero intensa existencia.  La actividad académica la dejó un año antes de finalizar el bachillerato, con 16 años.  Abandonó la casa familiar para vivir en la calle, ya fuese en edificios abandonados o en casas de los amigos.  Con apenas 17 años  se inició en el mundo del grafiti junto a su amigo Al Díaz.  Pintaban los vagones del metro y las paredes del barrio neoyorquino de Soho, donde abundan las galerías de arte, y firmaban con el pseudónimo SAMO, siglas de SAMe Old shit, la misma mierda de siempre.  Un par de años después abandona esta idea para fundar un grupo de música, Gray, donde tocaba el clarinete y el sintetizador.  No llegaron a más, a pesar de haber tocado en lugares emblemáticos de la cultura underground neoyorquina como la sala CBGB.  A Basquiat se le conoció, principalmente, por su pintura, por su fascinación por el expresionismo abstracto.
En memoria de este artista que falleció tan joven (aún no había cumplido los 28 años), la banda canadiense Cowboy Junkies le dedicaron un tema, My little Basquiat, aparecido en su álbum del año 2007 At the End of Paths Taken.


Los hermanos Timmins (Margo, Michael y Peter) junto al guitarra bajo Alan Anton, dando forma al colectivo Cowboy Junkies





Hace poco, finales del año 2021 y principios de este 2022, se pudo ver en Madrid en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza una retrospectiva del gran pintor belga René Magritte.



René Magritte
(1898-1967)

 
Él protagoniza la dedicatoria de la próxima canción firmada por Paul Simon.

Simon había publicado discos con gran acogida por parte de crítica y público cuando se edita su álbum Hearts and Bones en 1983, un disco que, comercialmente hablando, fue un desastre.  

No se vendieron las suficientes copias como para cubrir las expectativas de la Industria Fonográfica que se enfrentaba a una de esas ironías de su vida: no era un disco comercial y sin embargo es su colección de canciones más personal, una de las más ambiciosas y una de las mejores, a juicio de sus más fieles admiradores.  Verdaderamente el disco contiene canciones que permanecen, canciones de una excelente factura como la que le da título al álbum.  Pero la que interesa para esta edición de Cíclope 3.0 es una dedicada a la figura de René Magritte, el pintor belga.  El tema en cuestión tiene un título cercano a los nombres con los que el pintor bautizó sus obras: Rene and Georgette Magritte with their Dog after the War (Rene y Georgette Magritte con su perro después de la guerra).



Georgette y René en una foto surrealista 


Nos situamos en la recta final de la galería sonora donde aún nos quedan algunos pintores con una de sus obras.  Volvemos al principio del programa de hoy pero lo hacemos compartiendo fecha, la de 1971, cuando se publican entre otros discos el segundo álbum firmado por Don McClean y titulado American Pie.

Don McClean, nacido y criado en New Rochelle, Nueva York, en 1945, fue un enamorado de la música folk desde su adolescencia.  Como músico supo cruzar la naturalidad de los sonidos acústicos del folklore de los años 60 con la introspección de un autor de los 70.  Su primer trabajo data precisamente de 1970, un LP titulado Tapestry que pasó sin pena ni gloria.

Pero un año después, en 1971, aparecía American Pie, el disco con el que inscribió su nombre en la Historia de la Música, apartado Rock.
El tema que le da título al trabajo es una de esas canciones millonaria en emisiones en las Emisoras no sólo de América sino también en todo el resto de continentes.  Son 8 minutos y 27 segundos, una larga y alegórica historia del Rock & Roll, larga para la época porque con esa duración se grababan otro tipo de canciones.  Por dicha duración, la versión  Single fue una tortura porque, 8 minutos no cabían en una sola cara, así que en la Cara A a los 4 minutos y pico el tema se iba desvaneciendo para seguir, en la Cara B, recuperando la canción donde se había quedado.  Una cosa francamente rara.
El tema American Pie fue la estrella del álbum homónimo, pero el disco incluía una canción que, si bien no llegó a ser tan representativa como la otra, sí tenía emoción y calidad, una canción dedicada a Vincent van Gogh y titulada sencillamente Vincent.



Vincent van Gogh
(1853-1890)



La noche estrellada

El emotivo homenaje Vincent de McClean al pintor van Gogh tiene un punto de fuga y es el cuadro La noche estrellada.  El subtítulo de la canción es claro y transparente: Starry Starry Night, Noche estrellada.  El azul del cielo, la conjunción de colores del sol y de la luna brillando al mismo tiempo...  La canción American Pie, que le da título al álbum, se llevó el reconocimiento unánime, pero el disco contiene esta otra joya que perdura con el paso del tiempo.
El último cuarto de hora del programa de hoy lo va a ocupar dos bandas de los años 70: King Crimson y Emerson, Lake & Palmer.
Con King Crimson nos encontramos con otro caso de música que se origina a raíz de la contemplación de un cuadro, en esta ocasión es La ronda de noche original de Rembrandt.




El pintor y grabador neerlandés Rembrandt Harmenszoon van Rijn, conocido como Rembrandt, es probablemente de los pintores que más autorretratos tiene, junto a van Gogh.  Una especie de antecedente de lo que serían los selfis en nuestra era, solo que aquellos eran más artísticos.  En la pintura anterior uno de tantos autorretratos del autor.


En 1974, King Crimson editaba un álbum titulado Starless and Bible Black con la formación de Bill Bruford, John Wetton, David Cross y Robert Fripp (en la foto, de izquierda a derecha).  El disco incluye el tema The Night Watch (La ronda de noche) fruto de la contemplación de la obra homónima de Rembrandt.  Partiendo de la majestuosidad del cuadro, Fripp y compañía levantan una arquitectura sonora con esas estructuras cadenciosas, lentas, con ese sello personal que tenían aquellos King Crimson.  El tema está compuesto básicamente por Robert Fripp y el guitarrista inglés Richard Palmer-James, que colaboró en varias ocasiones con la banda aunque no llegara a ser directamente miembro de la Corte del Rey Escarlata.  The Night Watch, con un comienzo que llega de lejos, la instrumentación de guitarra eléctrica, batería/percusión, guitarra bajo y violín/viola alcanza un momento de arrebato que da paso a la espléndida voz de Wetton que se va trenzando con los instrumentos hasta conseguir una de esas composiciones memorables que dejó el Rey Carmesí de esos años.



Y ahora sí llegamos al final de esta pinacoteca sonora que propone el Cíclope para la edición de este martes, y lo hacemos con una obra mastodóntica, sin carga peyorativa en lo de mastodóntico, sino en el sinónimo de grande por todo lo que significó cuando apareció y por lo que tiene de perdurabilidad.  Me estoy refiriendo a la re-creación que realizó el trío Emerson, Lake & Palmer de la obra original de Modest Mussorgsky Cuadros en una Exposición.

Modest Mussorgsky, o Músorgski (1839-1881), fue un compositor ruso autor de óperas, poemas sinfónicos y suites.  Durante muchos años, sus obras se conocieron principalmente en versiones revisadas o completadas por otros compositores.  Muchas de sus composiciones más importantes han adquirido póstumamente sus formas originales y algunas de las partituras originales ahora también están disponibles.  Es recordado principalmente por su obra Cuadros de una exposición de 1874, escrita para piano aunque se hizo popular gracias a la adaptación para orquesta que realizó el compositor francés Maurice Ravel en 1922.  Músorgski compuso esta obra inspirada en diez pinturas y dibujos incluidos en una exposición póstuma de su gran amigo, el artista y arquitecto Víktor Hartmann (1834-1873), quien solo tenía 39 años cuando murió.  La exposición fue organizada por Vladímir Stásov (1824-1906), escritor y crítico musical.  ​ A manera de homenaje, el compositor quiso dibujar en música algunos de los cuadros expuestos y dedicó la partitura a Stásov.


En la década de los años70 del siglo XX el trío formado por el teclista Keith Emerson, el cantante y guitarra eléctrica, guitarra acústica y guitarra bajo Greg Lake y el batería y percusionista Carl Palmer, cada uno con un curriculum vitae de órdago, formaron la banda Emerson, Lake & Palmer.  

En 1971 veía la luz uno de los documentos seminales de la era del rock progresivo:  Pictures At An Exhibition, basado en la obra homónima de Músorgski.  La re-creación que hicieron se abrió camino en la audiencia más joven de principios de la década de los años 70 que, hasta ese momento, no había oído hablar de compositores de Música Clásica como Músorgski, por poner un ejemplo.  La versión realizada por el trío británico de Cuadros de una exposición es también el lanzamiento en vivo más enérgico y mejor realizado en el catálogo de su discografía, y presenta un caso bastante convincente para adaptar piezas clásicas tal y como fue realizada.  El disco llegó a millones de oyentes, incluida la comunidad clásica, de la que un gran número de seguidores de la música academicista se escandalizó por el resultado final y se rasgaron las vestiduras: la obra era algo parecido a una herejía, un asalto al Templo de la música seria.  Pero a pesar de todo terminó convenciendo.  Y eso que el sonido en vivo de principios de los 70 es un poco tosco para los estándares actuales, pero la rigurosidad de la interpretación compensa cualquier insuficiencia sónica.  
De los tres miembros del grupo, el que recibió una educación más académica fue Keith Emerson.  De sus años de conservatorio datan sus grandes pasiones de la música como la influencia, a la hora de sentarse al piano y componer, de Béla Bartók.  A pesar de eso, la obra de Músorgski no está tratada sólo y exclusivamente por Emerson sino que cada uno de los fragmentos de la obra está en manos de uno de los miembros del trío o por los tres.  El fragmento que resalta el Cíclope, tres momentos unidos en uno solo, está formado por La maldición de Baba Yaga escrito por Palmer, Lake y Emerson; La cabaña de Baba Yaga interpretada por el trío basándose en el fragmento original y Las grandes puertas de Kiev con Greg Lake recreando el fragmento, partiendo del mismo y añadiendo texto cantado, es decir, re-creando, volviendo a crear, volver a interpretar una partitura llegando a una meta diferente en su totalidad.
Desgraciadamente de los tres músicos que formaron el grupo tan solo queda vivo Carl PalmerGreg Lake, nacido en 1947, fallecía en el año 2016, en diciembre.  Y Keith Emerson, que nacía en 1944 fallecía también en 2016, como su compañero Lake, tan solo unos meses antes, en marzo.  A Emerson se le recuerda a veces por lo exhibicionista que era.


  
En 1972 se estrenó la película documental que recoge la actuación en vivo del trío en la sala Lyceum Ballroom, en Covent Garden, Londres, en 1972, interpretando íntegramente Pictures At An Exhibition.  La cinta estuvo dirigida por Nicholas Ferguson y se puede ver cómo Emerson le clava un cuchillo al teclado del órgano, mientras Lake y Palmer se miran, atónitos, preguntándose: ¿y esto?



Espero que te guste el programa.

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