Cíclope 3.0 - 27-09-22 - Especial Peter Murphy # 1

Peter Murphy

Cíclope 3.0 del martes 27 de septiembre de 2022.  El primer y último martes de cada mes Cíclope 3.0 está íntegramente ocupado por la estructura Especial Discografía.  Dichos Especiales tienen un contenido diferente: el del primer martes sigue aún enredando en la discografía de Dead Can Dance, con la obra en solitario de algunos de sus miembros; el Especial del último martes lo inauguramos hará cosa de un año con The Jazz Butcher.  Una vez finalizada la audición de su discografía la nueva entrega de dicha edición, el segundo Especial del mes, lo ocupa, a partir de hoy, Peter Murphy.

Tiene tres nombres, Peter John Joseph, pero lo conocemos por su primer nombre y apellido, Peter Murphy.  Descendiente de padre y madre irlandeses, nacía en el Reino Unido, en la localidad de Northampton, el 11 de julio de 1957.  Desarrollaría un gusto e inclinación especial por temas religiosos y metafísicos, escribiría poemas que rezumaban un romanticismo académico que, con el paso de los años, serían catalogados por la crítica como incomprensibles y pretenciosos.  Pero cuando eso ocurre, da igual: por aquel entonces, finales de los años 70 principios de los 80, Murphy estaba considerado como el padrino del Rock Gótico y de la subcultura Gótica, así que estaba lo suficientemente impermeabilizado ante la lluvia de críticas en contra como para seguir tranquilamente en su camino.  Pero todo a su tiempo, por ahora, vamos a situarnos en las coordenadas de espacio y tiempo, vamos a hacer un poco de historia.

Bauhaus

Si hablamos de Peter Murphy no nos podemos olvidar de Bauhaus.  Es cierto que, a veces, la muletilla "Peter Murphy, el que fue vocalista de Bauhaus", puede sonar a una devaluación de su obra en solitario, pero en absoluto es así.  Es una referencia indispensable y una forma de poner las cosas en su sitio porque Bauhaus tiene su punto de origen en él, en el que sería su vocalista y el foco de atención de la imagen del grupo, porque fue el que ideó el proyecto a finales de la década de los 70 junto a su compañero de colegio Daniel Ash, guitarra eléctrica y acústica (primero por la derecha en la foto de la banda).  Después se sumarían otros antiguos compañeros, David J, guitarra bajo (primero por la izquierda) y el batería Kevin Haskins (segundo por la derecha).  Por situarnos en la línea de la Historia reseñar que Bauhaus tomó su nombre de la escuela de diseño alemana creada durante la segunda década del siglo XX.  Primero se bautizaron como Bauhaus 1919 para pasar a llamarse inmediatamente Bauhaus.  Se dieron a conocer en 1979 con el tema Bela Lugosi is Dead; protagonizaron la floración de lo que se dio en llamar Rock Gótico junto a Joy Division, Siouxsie and The Banshees, The Cure y muchos más.  Dejaron una discografía oficial que va del año 1980 a 1983, corta pero enjundiosa.  No vamos a peinar la discografía de la banda Bauhaus para después entrar en la discografía en solitario de Peter Murphy, vamos a ir intercalando temas del grupo con los álbumes de Murphy, protagonista de este Especial.

Y para adentrarnos en la música de nuestro protagonista hemos comenzado con un tema de la banda Bauhaus, The Passion of Lovers, incluido en su segundo trabajo firmado en 1981, Masks, cuya carpeta desplegada se puede ver 4 líneas más arriba.

Volveremos, por supuesto, sobre el grupo pero ahora, nos quedamos con un Peter Murphy delgado y elegante, con pómulos prominentes y aspecto vampírico, dotado de una voz profunda que se asemeja en ocasiones al registro de David Bowie, a quien admiraba profundamente.  Año, 1986.  Atrás quedaba Bauhaus y un segundo proyecto inmediato a ese, Dali's Car, del que ya hablaremos y escucharemos.  Por ahora, el primer álbum en solitario de Murphy: Should The World Fail To Fall Apart?

Se editaba en julio de 1986 y no creas que tuvo una acogida calurosa y de bienvenida entre la audiencia.  Se miraba la carpeta, se consideraba el hecho (¡Ah, sí!, Peter Murphy, el cantante de Bauhaus que ha grabado en solitario) pero nada más.  A nadie le dio, en su momento de publicación, por darle una audición, escuchar qué había hecho.  Y el resultado de su labor fue un disco distinto a lo que había estado haciendo hasta el momento, el rock a veces disonante de Bauhaus.  Estaba más cerca de lo que fue Dali's Car, pero tampoco.  Should The World Fail To Fall Apart? es un disco formado por 10 canciones, 8 originales y 2 versiones, una de las dos de esas versiones es The Light Pours Out of Me, nada más y nada menos que una versión de un tema de Magazine compuesto por Howard Devoto, Pete Shelley y John McGeogh que colabora para la ocasión con su guitarra eléctrica.

La otra versión es una reinterpretación del tema Final Solution original de Pere Ubu (foto de la izquierda), un colectivo original de Cleveland, Ohio, capitaneado por David Thomas (en el centro, con sombrero) situado más allá de la vanguardia musical.

En 1976, Pere Ubu publicaron un cassette titulado The Shape of Things que incluye ese Final Solution en cuya composición intervinieron todos los miembros que militaban en aquel entonces en la banda.  En el siglo XXI, en el año 2000, se reeditaría en formato de CD.

Final Solution es una composición que dura 6 minutos y 41 segundos en manos de Pere Ubu y que se convierte en 3 minutos y 56 segundos de intensidad según la reinterpreta Peter Murphy.

Este primer álbum suyo en solitario cuenta con un respetable plantel de colaboradores entre los que están Daniel Ash, guitarra de Bauhaus y cofundador con Murphy del grupo; Ivo Watts-Russell, el padre del sello 4AD, encargándose de la producción de parte del disco, un trabajo en el que Murphy se centra principalmente en liberarse del estereotipo gótico en el que se había encontrado él mismo atrapado al desarrollarlo en el seno de la banda que lo ve crecer como músico y como letrista.

Ya lo he señalado: a Murphy la crítica musical le afeó el perfil de sus letras, los textos de sus canciones por considerarlos excesivamente herméticos unas veces y otras cargadas de un goticismo digno de un vampiro.  El tema vampírico le es muy cercano, muy querido.

El año que Bauhaus se separaban hacían una aparición en la película de temática vampírica El ansia, dirigida por el hermano de Ridley Scott, Tony Scott.

El comienzo de la historia se sitúa en una sala de actuaciones en vivo donde una pareja (Catherine Deneuve y David Bowie), vampiros, buscan posibles víctimas para saciar su sed de sangre.  La acción se desarrolla mientras un grupo de música actúa en directo interpretando una canción: el grupo es Bauhaus y la canción Bela Lugosis's Dead.

Y aún habría más relacionado con el tema de los No-Muertos.  Algunos años después, en 2010, Peter Murphy intervendría con un papel breve en la cinta Eclipse, la tercera entrega de La saga Crepúsculo, interpretando en una secuencia de flashback el papel de un vampiro despiadado.

De ese primer disco en solitario de Murphy, Should The World Fail To Fall Apart?, hemos escuchado cinco cortes de los diez que lo forman.  En la recta final del programa de hoy vamos a recuperar el sonido y parte de la obra anterior de nuestro protagonista.

El año de 1983 supuso el final de muchas cosas y también el principio de otras.  Entre lo que finalizaba estuvo la separación de Bauhaus y también la disolución de otro proyecto de origen británico llamado Japan, el grupo del que surgirían nombres como el de David Sylvian, Richard Barbieri, Steven Jansen o Mick Karn.  Karn, guitarra bajo, poco tenía que ver con formas y maneras goticistas.  Murphy y él se conocieron hacía poco, conectaron a través de algunas ideas sobre música y otras afinidades y cuando las bandas de ambos se separaron encontraron el camino libre para unir su creatividad e ingenio y formar un dúo llamado Dali's Car.

Por si había dudas: la imagen es sobria y el sonido elaborado, pero sin obscuridades, en todo caso muy elaborado a través de las vibraciones de la guitarra bajo de Karn que hace que las cuatro cuerdas de su guitarra vibren como si fuesen cuatro cartílagos palpitantes.  La voz elegante de Murphy fluye a lo largo de las canciones que forman el primer y único LP del Coche de Dali: The Waking Hour, de 1984.

La base de la formación serían ellos dos más la colaboración de un batería-percusionista electrónico, Paul Vincent Lawford (a la izquierda). 

Dali's Car sacaron su nombre de una canción del mismo título del LP Trout Mask Replica de 1969 de Captain Beefheart.

 

Captain Beefheart

La grabación del único disco de Dali's Car no fue ni cómoda ni fácil: Karn y Murphy, vivieron un enamoramiento musical tras conocerse, los primeros meses fueron un constante Oh How Beautiful Is The Moon hasta que apareció el primer contratiempo y a partir de ese momento toda creatividad, toda sugerencia se convirtieron en órdenes dadas por uno o por otro, y de mal pasaron a peor y...  Las discusiones y el mal rollo hicieron que buscaran una salida para poder hacer realidad una grabación, un disco que recogieran aquellas ideas que, francamente, estaban muy bien y así llegaron al punto en el que prefirieron no coincidir en los estudios de grabación, dejaron cada uno su parte grabada en una cinta y el disco se fue haciendo como una especie de Frankenstein.  Como mucho se vieron para la mezcla final del álbum que fue un desastre económico para el sello discográfico y prefirieron dejarlo todo como estaba, a pesar de las expectativas que se crearon ante la aparición del trabajo, a pesar de ser un disco del que se habló y mucho antes de que viera la luz, cuando se estaba gestando en los estudios de grabación.  Ni por esas se cubrieron las ventas como para plantearse seguir con el proyecto.  Hubo un intento, con el paso de los años, para volverse a reunir y hacer algo nuevo.  Era 2010 y la idea era reunirse en septiembre para retomar el proyecto y grabar un disco nuevo como Dali's Car, pero no pudo ser: Mick Karn había sido diagnosticado de cáncer y fallecía en enero del año 2011.  Sin embargo algunas canciones sí se habían grabado a lo largo del año, antes de aquel septiembre de 2010.  Un total de cinco composiciones, mezcladas por Steve Jansen, batería de Japan y colaborador de cualquier proyecto donde esté su hermano David Sylvian, aparecieron el 5 de abril de 2012 con formato EP titulado InGladAloneness.  Uno de los temas es la versión que realizaron del conocido Ne me quites pas de Jacques Brel convertido en inglés en If You Go Away.

  

  

En los últimos minutos del programa de hoy vamos a hacer un looping hacia atrás en el Tiempo y para cerrar este Especial Peter Murphy Número 1 lo vamos a hacer recuperando el primer sencillo que lanzó Bauhaus, el primer Single, el tema con el que se dieron a conocer: Bela Lugosis's Dead.

El Single/MaxiSingle veía la luz el 6 de agosto de 1979, la canción seminal que multiplicaría su influencia en el sonido de tantos músicos y lo primero que se conoce de una banda que sería un punto de referencia estético no sólo para músicos sino también para una amplia audiencia.  Con sus 9’36” te decimos adiós, hasta la semana que viene en una nueva edición de Cíclope 3.0 en la sintonía de Radio Tomares.

Espero que te guste el programa.

Enlace: https://radio.tomares.es/blog/ciclope-30-27-09-22

Cíclope 3.0 - 20-09-22

 

El regalo de la Música

Cíclope 3.0 del martes 20 de septiembre de 2022.  En el programa de hoy revisitamos algunos vericuetos de las novedades discográficas y nos sumergimos en imágenes sonoras con música de Cine.  Para empezar, volvemos sobre un disco aparecido el 22 de abril de este año en curso y que ya ha sonado una vez aquí en Cíclope 3.0

Se trata del tercer álbum de la banda irlandesa Fontaines D.C. (foto de la izquierda), un disco titulado Skinty Fia del que escuchamos unos cuantos temas el día que sonó por primera vez.

Big Shot, la canción con la que hemos comenzado, es uno de los temas que no habían sonado hasta el momento.  Es muy interesante la labor creativa y ascendente que está llevando el quinteto.  Canciones en evolución, sonido más elaborado con textos que hablan de amor y de posición existencial: irlandeses viviendo en Inglaterra.  El segundo tema que suena de este álbum es una canción con connotaciones literarias: Bloomsday.

Seguramente  sabrás que Bloomsday es el evento anual que se celebra en honor de Leopold Bloom, el personaje principal de la novela Ulises de James Joyce.  Se conmemora el 16 de junio.  Empezó festejándose en Dublín para después pasar a ser una festividad mundial que se lleva acabo todos los 16 de junio.  El sentido literario que le dan Fontaines D.C. tiene más el sesgo de una historia de amor rota que se rememora el mismo día que el de Bloomsday.

Repasando un disco que fue novedad hace unos meses a otra novedad discográfica aparecida hace escasamente un mes, The Alchemist's Euphoria, el último trabajo por ahora de los británicos Kasabian.

Kasabian en este año en proceso de 2022

Kasabian, con su sonido mezcla de Stone Roses, Happy Mondays y Primal Scream cruzado con Oasis y la electrónica de DJ Shadow, asombraron tanto a la rígida crítica musical británica como a la audiencia a principios del siglo XXI.  Para bautizarse como proyecto escogieron el apellido de Linda Kasabian, conocida por haber sido una de las integrantes de La Familia Manson, liderada por Charles Manson, autores del asesinato de la esposa de Roman Polanski, Sharon Tate y de sus amigos en agosto de 1969.  Cuando se realizaron las detenciones y comenzó el proceso en los tribunales, Linda Kasabian, a diferencia de otros miembros de La Familia, durante el juicio llegó a un acuerdo de inmunidad y actuó como la principal testigo de la acusación, por lo que no fue sentenciada por ningún crimen.

Con el paso de los años sería una figura semi-admirada, como el mismo Manson, y sirvió para que un grupo de Rock se bautizara con el apellido de ella.  Una gran cantidad de influencias compartidas producen un sonido electrónico orientado al rock y en el año 2004 publican un primer álbum que se ve ampliado posteriormente, manteniendo siempre las raíces de su música en composiciones de texturas de baile fragmentadas y rock & roll bullicioso.  Es lo que vuelven a hacer este año de 2022 con temas como los que suenan en el programa de hoy, pertenecientes a ese nuevo trabajo titulado The Alchemist's Euphoria, un disco en el que no dejan de ser quienes son aunque ya no sean los mismos.  El vocalista Tom Meighan abandonaba el proyecto en el año 2020 y sería sustituido en la parte vocal por Sergio Pizzorno, además de seguir con sus funciones de compositor y guitarrista.

 

 

El tejido del espacio Cíclope 3.0 no está formado solo por las turbulencias del mundo discográfico del Pop y del Rock entendidas esas circunvalaciones como Novedades.  También, y esto es usual, escuchamos obras que no son novedad como es el caso del álbum Velociraptor! de Kasabian, del año 2011, un disco del que se utilizó un tema, La Fée Verte, como banda sonora de una película muy interesante, London Boulevard, de 2010, dirigida por William Monahan, con guión propio basado en la novela homónima de Ken Bruen.  La cinta tiene una doble banda sonora: por un lado la banda sonora no oficial, con canciones que ilustran diferentes momentos de la historia, como esa soberbia Heart Full of Soul de The Yardbirds, con la que se abre la película, o el tema de Kasabian que aún no había aparecido en formato físico, LP ó CD, porque lo haría un año después; y otro disco este sí con el score original firmado por Sergio Pizzorno, el actual motor de Kasabian.  Tras ese cinematográfico La Fée Verte no dejamos la gran pantalla y seguimos con score originales de películas, ahora en un registro absolutamente diferente.

Motherless Brooklyn, traducida en España como Huérfanos de Brooklyn, es una película dirigida y protagonizada por Edward Norton, que se encarga también de escribir el guión adaptando la novela homónima de Jonathan Lethem.  La película es muy recomendable tanto por la temática, por el plantel de actores y actrices, y por su espléndida banda sonora.

El responsable del score original es el hombre de la foto a la izquierda, Daniel Pemberton, 

compositor británico de música para cine, televisión y videojuegos que se inició en la música electrónica ambiental y de vanguardia, influenciado por artistas electrónicos como Jean Michel Jarre, Tomita y Vangelis.  Lo que hemos escuchado es un fragmento de la partitura original resuelta en la parte vocal por Thom Yorke de Radiohead y Flea, bajista y trompetista de origen australiano-americano cuyo nombre real es Michael Peter Balzary.  Daily Battles, es el título de ese fragmento.  Es una banda sonora cuajada de momentos intensos de un Jazz de alta tensión, con la colaboración de músicos de la talla del trompetista Wynton Marsalis en momentos del score como este Close, The Right Information con el que pasamos a otros ámbitos cinematográficos.

En 1986, Julien Temple dirigía Absolute Beginners, con un plantel de músicos que era una auténtica filigrana de colorido y emoción.  El tema que le daba título a la cinta la interpreta el Gran Duque Blanco, David Bowie, que interpretaba un papel de actor.  

En el staff se encuentra también la luminosidad creativa de Ray Davies con su tema Quiet Life, parte del tapiz sonoro que forma la cinta, la crónica social y musical del Londres de finales de la década de los años 50, basada en la novela homónima de Colin MacInnes.

Un año antes de Absolute Beginners, Ray Davies escribió el guión, compuso la banda sonora y dirigió una cinta de 60 minutos de duración titulada Return to Waterloo.  Cuenta los sueños y las pesadillas de un viajero que toma un tren cuyo recorrido dura una hora, desde los suburbios de Londres hasta la estación de tren de Waterloo.  La lista de colaboradores incluye a todos los miembros de The Kinks excepto a su hermano, Dave Davies.  Nos quedamos con el tema que le da título a la cinta: Return to Waterloo.

La pésima distribución de la película, que parece haber limitado su exhibición de televisión a dos pases y su lanzamiento en video casero, tampoco promocionó la banda sonora y el álbum se agotó al año siguiente de su lanzamiento.

Seguimos con la familia Davies porque, unos años después de la película y score de Return to Waterloo de Ray Davies, su hermano, Dave Davies, también componía la banda sonora de una película, en este caso fue una colaboración a medias con el director de Cine norteamericano John Carpenter.  Entre ambos idearon la música para ilustrar el remake que realizó Carpenter de Village of the Damned, El pueblo de los malditos, una película del año 1960 dirigida por Wolf Rilla y basada en la novela homónima de John Wyndham.  La versión de Carpenter de 1985 es fiel tanto al libro como a la versión de Rilla, diferenciándose básicamente en el hecho de que la de 1960 era en blanco y negro y esta de 1985 es en color.

Y con un largo fragmento del score de esta película cerramos esta edición de Cíclope 3.0

Espero que te guste el programa.

Enlace: 

https://radio.tomares.es/blog/ciclope-30-20-09-22

Cíclope 3.0 - 13-09-22

Luces de tráfico nocturno (foto del autor del blog)

Cíclope 3.0 del martes 13 de septiembre de este año en curso de 2022.  Nada más comenzar el programa de hoy nos situamos en un terreno definido: aire de Blues al inicio de esta edición de Cíclope 3.0

El año 2020, de recuerdo infame por ser el año de la declaración de la pandemia del COVID-19, fue también un periodo más en el que la Vida no cesó ni un instante en su empecinamiento por seguir adelante.  En Música, como en tantas manifestaciones artísticas, la actividad se vio mermada: dadas las circunstancias, no hubo actuaciones en vivo, muchos proyectos desaparecieron; pero por otro lado, el confinamiento, vivir protegido entre cuatro paredes, suelo y techo, sirvió para sembrar y recoger después.  En 2020 vio la luz el álbum Blue Shadow, firmado por un músico que canta y toca la armónica de manera excepcional: Mingo Balaguer.

Blue Shadow es un disco de 11 canciones de las que 10 son originales y y la número 11, una versión.

Mingo coordina en su figura el sonido de la banda que le rodea: la doble columna vertebral de guitarras de Pablo Sanpa y Kid Carlos, Oriol Fontanals en el bajo, Paul San Martin piano y órgano, Guillaume Destarac batería y Alain Sancho saxo, aunque este último no suena en los temas que hemos seleccionado para el programa de hoy, dos composiciones que no habían sonado antes aquí en Cíclope 3.0: Sputnik Boogie, con el que hemos comenzado, y Unemployment Blues.

Continuamos bajo el arco gravitatorio del blues, ahora recuperando el sonido y las maneras de uno de los primeros y más brillantes guitarristas blancos de Blues de los Estados Unidos: Mike Bloomfield.

Bloomfield nacía el 28 de julio de 1943 en Chicago, Illinois; fallecía el 15 de febrero de 1981 en San Francisco, California.

Aquejado de insomnio crónico, podía estar tres días sin dormir, activo, tocando la guitarra y bebiendo café.  Al que hacía día cuatro caía redondo al suelo sobrepasado por la fatiga.  Tuvo su lado obscuro, como todo ser humano, donde el consumo de sustancias estupefacientes aceleraron las complicaciones de su salud ya mermada, pero como músico, que es lo que nos interesa, fue un hombre de una creatividad y un guitarrista extraordinario.  Comenzó a moverse en los círculos musicales de su Chicago natal y su punto de fuga para iniciar esa actividad de guitarrista aclamado se dio cuando entra a formar parte del proyecto The Paul Butterfield Blues Band a mediados de la década de los años 60.

The Paul Butterfield Blues Band en 1966.
Tercero por la izquierda, asomando la cabeza, Mike Bloomfield.

Sus líneas solistas expresivas y fluidas y su prodigiosa técnica consiguieron que se convirtiera en una figura fundamental en muchos proyectos como la banda que él mismo fundó, Electric Flag y, sobre todo, en las primeras incursiones eléctricas de Bob Dylan, como fue su colaboración en el álbum Highway 61 Revisited y todas las actuaciones posteriores a la aparición de ese disco mítico, incluyendo la actuación en el Newport Folk Festival de 1965.  También siguió una labor en solitario, con discografía propia que obtuvo críticas poco favorables.  Pero, a pesar de todo, siguió en la brecha.  Él desconfiaba de su éxito comercial y de hecho huía de toda mitificación: no quería ser aclamado como un héroe de la guitarra, lo único que buscaba era tocar y cada vez mejor.  Confiaba plenamente en Nick Gravenites, compositor, intérprete, cantante, que le acompañó tanto en la banda Electric Flag ejerciendo de cantante, como en algunos cortes de su discografía en solitario.

De Bloomfield hemos recuperado un tema, Eyesight To The Blind, original de Sonny Boy Williamson,  

interpretada por él mismo en la guitarra y voz en una actuación en vivo llevada a cabo en California, en Santa Monica en 1977 en McCabe's Guitar Shop, y que apareció en formato de disco póstumo en 1987 (fallecía en 1981) con el título I'm with You Always.
Bloomfield realizó una colaboración extensa y rica con Al Kooper, con quien había coincidido en la grabación del disco de Dylan Highway 61 Revisited: el órgano de Like a Rolling Stone y de otras canciones como Ballad of a Thin Man sirvieron de referencia para hablar del órgano de Kooper como un instrumento de sonido mercurioso.

La primera entrega de esa colaboración con Al Kooper sería la extraordinaria Super Session de 1968, un LP que contó con dos guitarras: la Cara A tiene la presencia y la labor de Mike Bloomfield; la Cara B, la guitarra está en las manos de Stephen Stills.  De la Cara A recuperamos el tema Stop.

De una guitarra insomne a otra, completamente distinta, la del guitarrista Vini Reilly.

Reilly nació en Manchester, Inglaterra, en 1953.  Cuando era niño empezó a tocar el piano, inspirándose en grandes como Art Tatum y Fats Waller, antes de aprender a tocar la guitarra a la edad de diez años.  A pesar de un temprano afecto por el folk y el jazz, Reilly finalmente se dejó llevar por el movimiento punk, y en 1977 se unió al grupo Ed Banger & the Nosebleeds de breve discografia: tan solo, un single.  En 1978, el fundador de Factory Records, Tony Wilson, invitó a Reilly a unirse a un grupo denominado Durutti Column, nombre inspirado en el anarquista de la Guerra Civil española Buenaventura Durruti.

Buenaventura Durruti (1896-1936)

Como curiosidad, se comete un error de ortografía al escribir el apellido con una sola R y doble T.  Por lo demás, podrían haber bautizado el proyecto con cualquier otro nombre porque no había ni referencias en las composiciones ni alusiones a la Guerra Civil española.  Sencillamente a Wilson le gustó el nombre y así lo dejó.  Junto a  la guitarra de Reilly, la banda reunió a otro guitarrista, Dave Rowbotham, el batería Chris Joyce, el vocalista Phil Rainford y el bajista Tony Bowers.  Actuaron en vivo en unas cuantas ocasiones y después el grupo se desmembró, quedando como único miembro Vini Reilly.  A partir de ese momento, La Columna Durutti fue principalmente el vehículo de Reilly, que se descubriría como multiinstrumentista y compositor cuya forma de tocar la guitarra, reconocible al instante, ha inspirado a músicos durante varias décadas.  La música de Durutti Column se destacó instantáneamente de los grupos de post-punk y dance-rock más intensos de la lista inicial del sello Factory Records.  Con el álbum de debut The Return of the Durutti Column de 1980, Reilly empezó a experimentar con minimalismos electrónicos y guitarras eléctricas fluidas.

Grabado con la ayuda de unos pocos músicos de sesión, con producción de Martin Hannett y publicado en una funda de papel de lija, el debut de The Return of the Durutti Column, nombre de las banda y título homónimo para ese primer LP, es una colección de temas instrumentales atmosféricos que, aquí en España, se publicó con una carpeta menos agresiva que aquella lija.

Primer disco de

The Return of the Durutti Column, con la cubierta española. 

LC, segundo trabajo de La Columna Durruti, 1981, Reilly se acompañó de un paisano suyo, el talentoso batería Bruce Mitchell, que se convertiría en un colaborador habitual de las producciones de TDC.  El álbum estuvo producido por Reilly con los inconfundibles toques de su trabajo anterior con Martin HannettReilly.  Nuestro protagonista intentó cantar en algunas pistas y continuó ampliando su paleta con un par de exploraciones de música de cámara.  A partir de ahí, él y sus diversos colaboradores continuaron experimentando, incorporando instrumentos adicionales, tambores y voces en un sonido en constante evolución influenciado por el jazz, el folk, la música clásica y muchos otros géneros.

De un proyecto con connotaciones bélicas en su nombre a otro que también maneja conceptos parecidos aunque más desde el plano contrario, osea, antibelicista.  Son originales de Luxemburgo y responden al nombre de Rome.

Rome es un grupo formado en el año 2005 por el músico, compositor, intérprete y escritor Jérôme Reuter (foto de la derecha).  Comenzó tocando la batería en bandas de distinta índole, desde grupos de Black Metal hasta grupos Punk como el que formó él mismo, Mack Murphy & The Inmates, del que saldrían algunas de las canciones que hoy están en el repertorio de Rome.  Reuter afirma que la banda tiene influencias de Jacques Brel, Léo Ferré, Albert Camus y Jean Genet.  Su voz recuerda algo a Leonard Cohen y, personalmente, en conjunto me recuerdan a Crime + The City Solution.

En el año 2009 publicaban Flowers from the Exile, un disco con textos recitados en alemán, otras veces en español como el último parte de la Guerra Civil española, escrito y supervisado por Franco, leído por el actor y locutor Fernando Fernández de Córdoba a las 10 y media de la noche del 1 de abril de 1939 en Radio Nacional de España.  A la banda no le gusta que se le identifique con un grupo de música cuyas composiciones abundan en contenido político.  Mantienen una postura contraria a cualquier totalitarismo y asumen una tendencia de izquierda en sus ideas pero no dejan que las estructuras de pensamiento político vertebren su expresión.

Lo último que han publicado Jérôme Reuter y compañía es un EP de 4 canciones titulado Defiance que incluye un tema dedicado a Ucrania, Going Back to Kyiv.  Nos sirve para despedir a este grupo que combina percusión marcial con texturas atmosféricas electrónicas y guitarras acústicas etéreas, así como samples y letras poéticas a menudo relacionadas con temáticas de guerra así como temas más universales, como el amor, el dolor y la muerte.  Están catalogados como Neo-Folk.  Qué cosas, tú.

En este punto del programa realizo una confesión: la intención de dedicarle una edición a Rusia, músicos actuales rusos, grupos que cantan en su lengua (con lo duro que llega a resultar el sonido de la lengua cantada), músicos que le han dedicado canciones al país de Dostoievski, de Bulgákov...todo preparado, o casi, y acontece lo que ya sabemos por desgracia.  Lo confieso, me desanimé, no podía ensalzar un país que, cierto, no participa plenamente de las directrices del gobierno principal, aunque haya un número considerable de ciudadanos y ciudadanas que lo miran con buenos ojos...que es cierto: no toda Rusia está habitada por hijos de Putin...  Pero se me atravesó la idea, ya no me divertía sacar a colación a Rasputín y otras sombras y luces soviéticas.  Pero al programar esa canción de Rome que habla de la ciudad de Kiev, de Ucrania...hice un esfuerzo y tiré de ese hilo enredado en una bobina rota y algo de aquel proyecto sirve para tomar la recta final del programa de hoy.  Canciones que hablan de Rusia, de algunas de sus ciudades como es el caso que nos ocupa a continuación.

Alma y motor de aquellos neo-psicodélicos The Soft Boys, Robyn Hitchcock (foto de la derecha) lanzaba en 1982 su segundo trabajo en solitario titulado Groovy Decay.  Tres años más tarde, en 1985, volvía a grabar las mismas canciones con algún cambio mínimo y las volvía a publicar pero bajo el título Groovy Decoy.  Entre esas canciones está St. Petersburg, que cuenta con la colaboración en el saxo de Anthony Thistlethwaite antiguo miembro de The Waterboys.  

   

  

  

 

Nos queda poco tiempo en el programa de hoy y vamos a ir poniendo los últimos acordes en esta edición de Cíclope 3.0 con figuras como la de la mujer con violonchelo en la foto inmediatamente siguiente.

Su apellido es impronunciable, Guðnadóttir, su nombre es Hildur.  Es una galardonada violonchelista, compositora y productora islandesa conocida por sus trabajos experimentales y también cinematográficos.  Es responsable de una gran cantidad de bandas sonoras de películas y fue una estrecha y brillante colaboradora del difunto compositor, también islandés, Jóhann Jóhannsson.

Ella fue quien se encargó del score original de la serie norteamericana de televisión Chernobyl, una interesante producción del año 2019 cuya banda sonora incluye un corte resuelto con el canto litúrgico de la Iglesia Ortodoxa y que lleva por título Memoria eterna.

Vamos a cerrar el programa de hoy con una banda curiosa, un grupo de los años 80 que respondió al no menos curioso nombre de Indians in Moscow, Indios en Moscú.

Grabaron muy poco: 4 vinilos en formato Single y EP entre 1983 y 1984 y, ese año, 84, un LP firmado con título homónimo. 

La canción con la que terminamos lleva el nombre de la banda, Indians in Moscow, que, fíjate qué cosas, aparecía en formato EP junto a otras tres canciones en 1984 con el título de Big Wheel.

Sin embargo la canción aparecía como tarjeta de presentación en un doble LP en 1982, un álbum titulado Your Secret’s Safe With Us… un disco recopilatorio de nuevas bandas del norte del Reino Unido.

 

El tema Indians in Moscow presenta un perfil de cajas de ritmos, teclados, y la voz y el violín de Adele Nozedar, la imagen principal del colectivo, aparece tanto en su primer y único LP como en el EP con el que cerraron su breve carrera.

Espero que te guste el programa.

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