viernes, 21 de abril de 2023

Cíclope 3.0 - 18-04-23



Cíclope 3.0 del martes 18 de abril de 2023.  El espectro musical de esta edición refleja la acústica de sonidos armónicos, ruidos y alguna que otra disonancia.  Para comenzar nos quedamos con el bucle colorido conjugado por la guitarra y los teclados de Talking Dolphins, el proyecto en solitario desde marzo del año 2021 del compositor e intérprete Miguel Ángel Redondo.

Miguel Ángel como 
Talking Dolphins 
publicaba 4 singles en el año 2021 basando el sonido en un intercambio creativo entre teclados y guitarras (española, acústica, eléctrica) además de incluir voz cantando tanto en inglés como en español.

El 7 de junio de 2022 Talking Dolphins hacía una nueva entrega, un single con el tema We Are The Real Power que nos sirve hoy como punto de fuga para sumergirnos o elevarnos en espirales de música electrónica elaborada con instrumentos analógicos o digitales.
Amplio catálogo de ambas características llegó a manejar nuestro próximo invitado, Hiroshi Yoshimura.

Hiroshi Yoshimura, nacido en Yokohama, Japón el 22 de octubre de 1940 y fallecido en la misma ciudad el 23 de octubre de 2003, fue un compositor y diseñador de sonido japonés, pionero en la música ambiental.  Durante el último año de la Segunda Guerra Mundial comenzó a estudiar música, el piano en concreto.  Tenía 5 años de edad.  Siendo adolescente cayó bajo la influencia de compositores como Toru Takemitsu y John Cage.  En 1964 se graduó en la Escuela de Letras, Artes y Ciencias II de Waseda bajo el hechizo creativo del movimiento Fluxus.  A lo largo de su carrera de varias décadas, permaneció activo componiendo para una variedad de proyectos que iban desde instalaciones de arte hasta cine, y luego se desvió hacia la nueva composición clásica e incluso también hacia la música de downtempo.  Además de enseñar ingeniería y diseño industrial en la Universidad de Chiba, ayudó a marcar el comienzo de una nueva generación de diseñadores de sonido a través de su trabajo en el Kunitachi College of Music Design.
Yoshimura trabajó en la integración de música ambiental que combinó diseño gráfico y sonoro. Realizó poesía visual y trabajó en la construcción de diseño de sonido para TOA, el famoso fabricante japonés de amplificadores, procesadores de señal, mezcladores, micrófonos y altavoces, mientras trabajaba en su propio arte en su tiempo libre.  En 1972 fundó el grupo de música por computadora Anonyme.  Cayó bajo el hechizo de la música ambiental de Brian Eno durante la década de 1970, porque reflejaba sus propios descubrimientos sonoros y atmosféricos centrales.  Su icónico álbum de debut, Music for Nine Postcards, fue lanzado en 1982 en Sound Process.  Originalmente se grabó en casa con un Fender Rhodes y un sintetizador analógico como demo para reproducirlo en el Museo de Arte Contemporáneo de Hara.  Más tarde, el álbum se subtituló Wave Notations 1 y se lanzó como la primera de la serie histórica pero de corta duración Still Way (Wave Notation 2).

Después de su muerte por cáncer en 2003, el legado de Yoshimura perdura a través de extensos proyectos de reedición y lanzamientos póstumos como es el caso de su álbum Music for Nine Postcards, publicado en 1982 y que hoy recuperamos en su reedición del año 2017 extrayendo dos cortes.
Música dotada de una calma elaborada.  De la música de Yoshimura a los paisajes etéreos de las composiciones planantes de ProtoU.

ProtoU es el proyecto de una mujer en solitario, 
Alexandra Puzán (foto de la izquierda) 
también conocida como Sasha Puzán.  Es original de la ciudad de Kiev, Ucrania.  Su apellido lo adopta a raíz de contraer matrimonio con el músico, también ucraniano, Oleg PuzánAlexandra/Sasha, como ProtoU graba en solitario, encargándose de todos los instrumentos.  Ha realizado álbumes en colaboración con otros músicos como por ejemplo el compositor e intérprete original de Irán, Mehdi Saleh, conocido por su alias artístico Alphaxone, que ha sonado por aquí en el programa en otras ocasiones.  De ProtoU nos quedamos con dos trabajos, uno firmado en 2022, titulado Memory Alpha y de este en concreto el corte que le da título al álbum, y el otro tema sacado del disco Anomalies de 2019.


 



 







































De Ucrania, aprovechando el viento calmado que sopla por la termosfera, nos trasladamos a través de la música planante hasta nuestra piel de toro.  Para ser más exactos nos proponemos descender hasta Almería para encontrarnos con un compositor e intérprete que sabe, y mucho, de lo que es desarrollar paisajes sonoros.  Me refiero a un músico veterano: Juan Manuel Cidrón.


Este alquimista del sonido, vino al mundo en Almería en 1957 y fue bautizado como Juan Manuel Pérez González.  Como alias artístico usa su nombre y el segundo apellido de su madre, Cidrón.  Es un pionero de la música electrónica española, lamentablemente un tanto desconocido en su propio país.  Estudió Magisterio, carrera que abandonó por su interés por la música, centrando sus estudios en el solfeo y en el piano, instrumento de base para entrar en el mundo de los teclados, de los sintetizadores.  En el verano de 1976, con 19 años, comienza la praxis de la música formando parte de un grupo, Nirvana (no, no tiene que ver nada con la banda de Kurt Cobain), después, junto al músico Paco Palenzuela, formaría el dúo Hipokeymenon, referencia de la música almeriense.  Sus comienzos parten de bases de música planante con la marcada influencia de la Escuela electrónica de Berlín: Tangerine DreamKlaus Schulze...  En solitario, como Juan Ma Cidróndebuta discográficamente con la serie de tres álbumes titulados Sonidos para acciones I, II y III publicados entre 1989 y 1993, en los que incluye referencias a temas, personajes o espacios almerienses: Cabo de Gata, el desierto de Tabernas, Sierra de los Filabres...


 
Su música se basa en esencia en los sonidos de los sintetizadores modulares y un impresionante repertorio de instrumentos analógicos.  Tiene composiciones que oscilan entre cuestión de minutos hasta sobrepasar la hora.  Es capaz de actuar en auditorios pequeños o en el altar mayor de una iglesia, reflejo de su multiplicidad creativa.  En esta edición de Cíclope 3.0 rescatamos su parte más ruidosa, con un trabajo publicado el 30 de diciembre del año 2010 titulado Electrodoméstico.  

Enmarcado dentro de lo que se denomina Música Industrial, 
Electrodoméstico es un trabajo que recoge el sonido de 12 aparatos cotidianos que van desde un calentador a un secador, una batidora o un calentador, una lavadora o un frigorífico.  Primero hizo un ensayo sobre 20 aparatos pero algunos, por su textura para generar sonidos, los fue desechando, hasta que la criba final dejó los 12 que se recogen en el disco.
Para realizar la grabación ha ido grabando cada electrodoméstico en distintos momentos de su funcionamiento, y con un procesador de sonido, Cidrón manipuló y alteró los ruidos.
De este trabajo nos quedamos con dos electrodomésticos: la tostadora y el secador.
Con Juan Manuel Cidrón volveremos en próximas ediciones de Cíclope 3.0, ahora, en este deambular sonoro electrónico, escuchamos otra forma de organizar el ruido, la música Techno en una dimensión dentada y experimentaloide como la que trae el dúo Pan Sonic.



Mika Vainio (1963-2017) izquierda e Ilpo Väisänen, cuando comenzaron a principios de la década de los 90 en su Finlandia natal, se hacían llamar Panasonic.  Además, no eran tan solo dos miembros, eran tres con Sami Salo, lo que ocurre es que como trío sólo grabaron un álbum, Vakio, en 1995.  Tras la grabación y alguna que otra actuación, Salo se marcha y entonces es cuando se convierten en dúo publicando el trabajo Kulma, firmado en 1997.  El estilo Techno, denostado por una parte de la audiencia, apoyado por otra, daría frutos distintos y variados.  Por un lado el Techno de formas y contenidos cercano al Pop; de otro, el Techno más experimental, minimalista, área en la que nuestros protagonistas finlandeses tuvieron mucho que decir.  Fue una de las exportaciones más activas y conocidas del techno underground experimental de Finlandia, y la primera en alcanzar elogios a nivel internacional.  Persiguiendo los bordes dentados del techno minimalista y hardcore, Panasonic se ganó una asociación duradera con la música industrial y el ruido a través de la incorporación de herramientas eléctricas fabricadas por ellos mismos.  Mientras juntaban equipos de estudio a partir de piezas de repuesto y desechos analógicos antiguos, la búsqueda de Panasonic de lo no probado en el techno fue su modus operandi compositivo.  Hicieron música electrónica basada en el baile con el máximo impacto hecho con un mínimo de detalles extraños.  Después de ganar elogios por trabajos tempranos como los dos primeros que hemos nombrado, el dúo realizó colaboraciones con artistas como Alan Vega.  Pero no todo iba a ser suerte, elogios y buen hacer...  Tras la aparición de Kulma, en 1997, se acabó la paz porque el proyecto recibe una sonora y desagradable denuncia: Panasonic, el gigante de la fabricación japonesa, les exige sin demora alguna que se cambien el nombre porque Panasonic es nombre registrado, marca registrada.  La única solución que encontraron fue la que consistía en quitar una letra, la A que une Pan y Sonic.  Hecho.  Pero hay derecho a la pataleta: el álbum siguiente, el que firmaban en 1999 fue bautizado con el simple nombre de A, la letra perdida de su nombre.  Sami Salo había dejado el proyecto a partir del segundo disco.  Se había marchado para entrar a formar parte del Ejército, y no había posibilidad de una ampliación inmediata con miembros nuevos añadidos a la idea original, así que a Ilpo Väisänen y Mika Vainio no les quedó otra que presentar la misma marca de techno furtivo y pasivamente agresivo del primer disco pero con un sonido más completo y pensado.  Recuperamos dos cortes de su música, uno perteneciente al álbum Kulma, de 1997, y otro del disco de la discordia por el nombre del proyecto ya registrado, trabajo bautizado con la letra A, de 1999.


Kulma
- 1997
























A
- 1999

























Pan Sonic se separaba en el año 2009.  Un año antes, en 2008, pasaron por Sevilla con motivo de la décima edición del Festival Audiovisual Zemos98.  Fue en el Teatro Central el 26 de marzo de 2008, en un doble concierto audiovisual en el que compartieron escenario con el artista japonés Ichiraku Yoshimitsu más conocido por su proyecto Dora Video, que consiste en él tocando la batería, máquina de video en ristre, y video manipulado por computadora.  Una audiencia devota asistió ensimismada a la actuación de Pan Sonic, que llenó la sala con el armazón techno minimalista, su hardcore contundente y su manipulación extrema del ruido.  Sentado en la primera fila estaba un músico admirador de todo el producto final de aquella maquinaria, ese músico era Roberto Sánchez Fransesch.


RSFransesch


En el mes de noviembre del año pasado, 2022, sonaba aquí por primera vez en el programa la música de Roberto S. Fransesch, desde hace un tiempo conocido por las siglas de su nombre y primer apellido seguido del segundo, RSFRANSESCH.  Te recuerdo que hablamos de un compositor de música, pero también de un escritor y de un pintor, y de un diseñador de imágenes trenzadas con música.  Este hombre de actividad caleidoscópica no es nuevo en el campo de la creatividad multidisciplinar.  Desde la década de los 90 estuvo involucrado en varios proyectos, colaborando con grupos y músicos, tanto en grabaciones como en producción.  La primera muestra de RSFransesch en solitario fue el proyecto …larder…; después llegaría …dot….  Bajo dicho nombre creó el álbum Hypnotic, música electrónica cercana al minimalismo, composiciones con textos que se van desenrollando como una serpentina de frases que quedan colgadas en espacios entre notas musicales...  Como dice él mismo en una composición: El mundo es una flor...pero yo soy alérgico.  Hypnotic fue publicado en el año 2001 en el sello discográfico independiente Indoor, propiedad de Paco Cruces, Paco Trilita.  El disco, que fue reeditado en streaming por el propio Fransesch el pasado 10 de enero, contiene temas instrumentales como Building Holes y otras composiciones con voz como Las máquinas... (Lo humano).  Quería haber profundizado un poco más en las formas de RSFransesch, sobre todo algunas composiciones atonales para piano, pero no tenemos tiempo para más.  Volveremos en breve con él, por hoy nos despedimos.

Espero que te guste el programa.

Enlace:



jueves, 13 de abril de 2023

Cíclope 3.0 - 11-04-23



Fotograma de la película El Maquinista de la General interpretada por Buster Keaton y dirigída por él y Clyde Buckman en 1926 

Cíclope 3.0 del martes 11 de abril de 2023, una edición que, nada más comenzar, muestra una inclinación clara y transparente hacia el arrebato apasionado por la música porque pienso que nadie con una sensibilidad marcada puede permanecer indiferente ante una declaración de euforia como tiene la canción con la que empezamos: All Day and All of The Night.  Firman The Kinks.




The Journey es el título de la última antología publicada de la banda dirigida por Ray Davies y que resulta ser una compilación nada usual por varios motivos.  Primero, la selección se ha llevado a cabo consultando a los tres miembros supervivientes de la formación original, es decir, los hermanos Davies, Ray y Dave, y Mick Avory, batería de The Kinks desde que comenzaron hasta 1984.


Avory habla de tres canciones de The Kinks que, en su opinión, nunca han tenido el reconocimiento debido: All Day and All of The Night, uno de los primeros éxitos del grupo firmado en 1964 y con el que hemos entrado al programa de hoy; She's Got Everything, un tema de 1968 y No More Looking Back de aquel álbum de 1975, Schools Boys in Disgrace.  La antología The Journey está disponible en varias configuraciones diferentes: 2CD, 2LP, Digital y HD Digital.  Las canciones seleccionadas abarcan desde 1964 hasta 1975 y se dividen en cuatro categorías diferentes: 
1 - Canciones sobre convertirse en hombre, la búsqueda de aventuras, encontrar una identidad y una chica
2 - Canciones de ambición cumplida, sabor amargo del éxito, pérdida de amigos y el pasado que vuelve y te muerde el trasero
3 - Días y noches de un alma perdida, canciones de arrepentimiento y reflejo de tiempos más felices
4 - Un nuevo comienzo, un nuevo amor, pero ¿de verdad has cambiado realmente?  Todavía atormentado por la búsqueda y la chica.
En la edición de vinilo estas cuatro categorías están ocupando cada una de las caras del doble LP, cosa que no se encuentran en las otras ediciones, CD y archivos de audio.  Sobre una posible reunión de The Kinks, Avory no lo ve muy factible entre otros motivos porque su relación personal con Dave Davies no es precisamente cordial.  ¿Qué opinan los hermanos Davies al respecto?  No conozco sus opiniones porque no tengo conocimiento de ninguna entrevista realizada al respecto, así como por qué motivos han escogido las canciones que hayan seleccionado.  Las mezclas, debidamente remasterizadas, no han resultado una infamia, algo demasiado habitual cuando se toman los masters originales y se digitalizan no sé con qué oído.  El sonido de este The Journey Part 1 es limpio, brillante, sin querer hacer de nuevo lo que ya estaba hecho y bien hecho.  El disco suena extraordinariamente bien y nos recuerda que es la primera entrega de lo que se sabe serán dos entregas, al menos en principio. La parte 1 ha visto la luz el 24 del pasado mes de marzo, la segunda se publicará a lo largo de este 2023.
De The Kinks nos pasamos a unos admiradores de la banda británica, un grupo que para conmemorar los 40 años de la publicación del LP The Kinks Are The Village Green Preservation Society se bautizaron como The Village Green Experience, proyecto capitaneado por un músico que admiramos en Cíclope 3.0, el guitarrista, cantante y compositor Jose Casas.

Esto es algo que ya se ha comentado en este blog pero que no está de más recordarlo: The Village Green Experience son Jose Casas, guitarras y Coros; Julio Zabala, teclados y coros; Álvaro Márquez, guitarra bajo; Tony Gavilán, batería y coros.  A los miembros de Jose Casas y la Pistola de Papá se les suma Dani Kinda, voz solista y guitarra acústica.  Entre julio y agosto del año 2008 grabaron 4 composiciones, hicieron 4 versiones de ese Village Green Preservation Society de The Kinks: Do you remember Walter?, Big Sky, Starstruck y Village Green Preservation Society.  El disco veía la luz el 9 de agosto de 2009, con producción de Jose Casas.  Recuperamos hoy ese Do you remember Walter? de los Kinks en versión de The Village Green Experience.  Llegaría el cambio, el proyecto Jose Casas y la Pistola de Papá se rebautizaban como Casas y La Pistola y aquí es donde quiere llegar el Cíclope porque CLP están de vuelta con Sin norte, primer sencillo, tarjeta de presentación y videoclip, adelanto de su esperado nuevo trabajo Padrino Buffalo 3, que pondrá fin a la trilogía de EPs que lleva el nombre de Padrino Buffalo.  En ese tema adelanto del nuevo EP, han contado con la participación de Pablo Cuevas, cantante y guitarrista de Los Fusiles, que se une a la voz de Jose CasasSin Norte ha sido producida por el grupo y es una canción que tiene las buenas formas de las composiciones habituales de Jose Casas, o lo que es lo mismo: tiene la marca de la casa.



También en este año 2023 se espera nuevo trabajo de este grupo, Izquierdo y Los Acoples.


Izquierdo y Los Acoples existen como tales desde el año 2017.  Álvaro Izquierdo, primero por la derecha en la foto, es uno de esos casos de creatividad incombustible, que compone, canta y toca desde hace mucho, mucho tiempo y que seguirá haciéndolo porque para él, crear, es tan natural como respirar o parpadear.  Los Acoples existen desde 2017 aunque han pasado por diferentes formaciones en las que el miembro común ha sido Álvaro.  Actualmente son, siguiendo el sentido de la fotografía de izquierdo a derecha, Domingo Díaz, guitarra bajo, Epi Malpaso, guitarra eléctrica, Manuel Eskazena, batería, José Antonio Álvarez "Guti", guitarra eléctrica, y Álvaro Izquierdo, voz, guitarra y motor de la banda.  
Álvaro está interrelacionado, por su labor creativa, con Jose Casas, ambos veteranos  en la escena sevillana de la música y copartícipes de otros proyectos donde han estado juntos como fue el caso de Helio, un proyecto punto de fuga importante desde el que surgieron a su vez otras ideas y proyectos.  Con Álvaro tenía una especie de deuda, me explico: el EP Geometría de una bomba, aparecido en 2021, me lo manda si no fue recién salido sería muy poco tiempo después.  Coincidimos en el entierro el año pasado de Benito Peinado y me comenta si me llegó a mandar el EP.  Claro que sí, lo tengo, le dije.  Estoy con el disco pendiente de programarlo, etcétera, etcétera.  Efectivamente lo programo, lo tengo formando parte del contenido de una de las ediciones de Cíclope 3.0, y el programa no se emite porque no llego a grabarlo a tiempo, por esos motivos de confusión que conoces: que me equivoco de fechas, que estoy en otro día de la semana del que en realidad es, que pienso que es jueves y es sábado, que tengo que darle forma al programa que se emite la semana que viene, que tengo tiempo…sí, sí...¡y un jamón!, es sábado, cuando me doy cuenta es lunes pasado el medio día, y el espacio se emite el martes, al día siguiente.  No me da tiempo, hay que sustituirlo y el contenido que estaba a punto para ser grabado se queda en pausa porque el espacio siguiente es un Especial (no sé si el primer martes de mes, si el último...) y tengo que cambiar las fechas.  Hago el ínclito cambio, pero el contenido, las canciones, las corto y las pego...¿dónde?  en una especie de Limbo irreal que no cuaja y el archivo que guarda los audios se pierde entre listas de espacios emitidos y canciones de interés para programar.  Todo está ordenado excepto el desorden de un rincón de la memoria donde espera a ser emitido un EP titulado Geometría de una bomba firmado por Izquierdo y Los Acoples que veía la ñuz en 2021.  Sin embargo estaba convencido de haber puesto su música en Cíclope 3.0 hasta que en la edición de hoy reconozco el rastro de aquel despiste y devuelvo los temas a su lugar, es decir, a ser escuchados.

Cinco cortes componen este EP titulado Geometría de una bomba, y de los cinco nos quedamos con dos: Tú vencerás y Junto a la estación.  Particularmente este segundo corte es mi favorito de este disco, principalmente por las guitarras.

Nos vamos a ir situando en la recta final del espacio de hoy.  Al menos desde el punto en el que nos encontramos se puede ver la línea del horizonte que resuelve los sesenta minutos que tenemos por delante.  Desde este momento hasta el cierre nos vamos a situar en tierras irlandesas.

No es la primera vez que suenan en Cíclope 3.0 el grupo de la foto de la derecha.  Es Fontaines D.C., quinteto irlandés asentado en Dublín a los que le seguimos los pasos desde que comenzaron en 2019.  Llevan cuatro álbumes en su haber (3 de estudio y uno grabado en una actuación en directo) y nos tienen atrapados por su buen saber hacer.

Skinty Fia es su tercer álbum de estudio y con un par de canciones que no habían sonado aún nos vamos a quedar.  Son Roman Holiday y I Love You.

La visión de Irlanda relacionada con el Rock nos sirve para quedarnos con el perfil del mismo pero mezclado con el Folk como fue el caso de The Pogues.



Al demostrar que el espíritu del Punk podía vivir en la música folclórica tradicional irlandesa, The Pogues fue una de las bandas más radicales de mediados de los años 80.   Dirigidos por el feo Shane MacGowan , cuya voz incomprensible y arrastrada a menudo disfrazaba la pura poesía de sus canciones, The Pogues eran innegablemente políticos.  No solo muchas de sus canciones estaban explícitamente a favor del liberalismo de la clase trabajadora, sino que el sonido salvaje y alocado de su Folk con inyecciones de Punk era implícitamente radical.  Además tenían también un sentido del humor perversamente retorcido.  
Los primeros tres LPs de la banda, Red Roses for Me, Rum Sodomy & the Lash If I Should Fall from Grace with God, fueron ampliamente elogiados tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos y en 1988 se habían ganado un número considerable de seguidores de culto en ambos países.  Sin embargo, el estilo de vida sombríamente romántico y derrochador de MacGowan , que fue tan clave para su espíritu y éxito, finalmente resultó ser su propia ruina.  A finales de la década, había caído profundamente en el alcoholismo y la adicción a las drogas, lo que obligó a la banda a despedirlo si querían sobrevivir.  The Pogues, que habían comenzado en 1982, continuaron sin él a principios de los 90, tocando para una audiencia que se reducía lentamente antes de disolverse finalmente en 1996.


Para recuperar el sonido del grupo vamos a extraer un corte del segundo LP publicado en 1985 y titulado Rum, Sodomy and the Lash.


El disco contó con un diseño llamativo debido a Frank Murray (1950-2016), cantante irlandés ocasional y manager de The Pogues entre 1985 y 1991.  Para realizar la portada del disco tomó como base el cuadro La balsa de la Medusa de Théodore GéricaultMurray distribuyó entre las figuras de la balsa el rostro de algunos miembros del grupo y resaltó, con unas gafas oscuras, la cara del productor del álbum que fue, nada más y nada menos, que Elvis Costello.  
El primer LP de The Pogues, Red Roses for Me, de 1984, fue un debut que tuvo como resultado final una grabación demasiado fina, delgada, incorpórea.  Sin embargo esos matices son los que puso del revés la producción de Costello, porque consigue recoger todo el sudor, el fuego y la alegría enojada que tenía la banda.  El mismo Costello afirmó: 
"Vi que mi tarea... era capturarlos en su ruinosa gloria antes de que algún productor más profesional los jodiera…”


El grupo contó con un miembro femenino en sus filas, la guitarra bajo y cantante Cait O'Riordan que es quien precisamente interpreta la canción que recuperamos de The Pogues de su segundo álbum, un tema tradicional titulado I'm A Man You Don't Meet Every Day.  La canta de una forma tan serena y con tanto gusto que no es de extrañar que Elvis Costello se enamorara de ella y que se casaran, durase la historia de amor lo que durase porque, como dijeron la Fernanda y Bernarda de Utrera, "no hay ninguna flor que dure dos primaveras".



The Pogues, con su Folk Rock (aunque el tema haya sido más folk que rock) nos han servido de puente entre el Rock irlandés de Fontaines D.C. y el Folk de nuestros últimos invitados del programa de hoy, la banda Lankum.  




Los hermanos Ian y Daragh Lynch (segundo y tercero desde la izquierda) formaron la primera encarnación de la banda a principios del año 2000, interpretando una mezcla de canciones tradicionales junto con sus propias composiciones con un estilo claramente folk-punk.  Haciendo un guiño a su apellido llamaron a la banda Lynched y, tras sumar a los miembros Cormac Mac Diarmada y Radie Peat, lanzaron su álbum de debut, Where Did It All Go Wrong, en 2013.

Como grupo folclórico tradicional de cuatro miembros combinan armonías vocales en un repertorio que abarca canciones humorísticas, canciones callejeras del Music-Hall de Dublín, baladas clásicas de la tradición de los viajeros, melodías de baile tradicionales irlandesas y estadounidenses, y su propio material original.  Pasaron varios años actuando como Lynched, pero la banda decidió que ya no continuarían con el nombre debido a la asociación inevitable pero no intencionada de la palabra con la práctica racista del linchamiento.  El nombre Lankum proviene de la balada False Lankum, cantada por el viajero irlandés John Reilly Jr. y decidieron rebautizarse a partir de 2017.


Con Lankum vamos a cerrar el programa de hoy y lo hacemos recuperando dos canciones de dos álbumes suyos.  La primera es una canción del disco publicado el 27 de octubre de 2017 titulado Between the Earth and the Sky.  Es una composición de origen alemán titulada Peat Bog SoldiersSoldados de la turberafirmada por el poeta Johann Esser (1896-1971) y el actor de teatro, cine y televisión Wolfgang Langhoff (1901-1966).  Está cantada a capela entre los 4 miembros de la banda.


El último corte que escuchamos es una larga composición de 10 minutos, un tema tradicional titulado The Wild Rover incluido en su álbum de 2019 The Livelong Day.

Así terminamos esta edición de Cíclope 3.0, con la esperanza puesta en que te guste el programa.


Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-11-04-23