miércoles, 29 de junio de 2022

Cíclope 3.0 - 28-06-22 - Especial The Jazz Butcher # 6

 


Pat Fish
, sentado, y Max Eider, de pie


Cíclope 3.0 del martes 28 de junio de este año 2022.  Sexta entrega del Especial The Jazz Butcher centrada en dos álbumes: Illuminate de 1995 y Glorious & Idiotic del año 2000.  El motivo por el que suenan dos discos en la edición de hoy es porque son dos piezas de alta calidad que, pensamos, merecen la pena que se le dedique tiempo.


Publicado en el sello discográfico Creation Records como es habitual desde mediados de los años 80, Illuminate es un álbum que recoge 16 composiciones firmadas por Pat Fish, guitarrista, voz, un hombre que nos tiene acostumbrados a grabar álbumes muy sinceros, muy directos, y en este caso este trabajo es una aportación más a su variado, brillante y amplio catálogo, pero no es un disco más, es un álbum de 16 canciones donde, en una primera audición, resaltan 11 y eso no es habitual.  Para la ocasión, de esas 11 escojo 7, para ilustrar una grabación que recoge la colaboración de músicos que ya habían estado en discos anteriores como Alex Lee en la guitarra eléctrica, Dooj  Wilkinson en el bajo, teclados y guitarra y Alex Green en el saxo tenor y alto.  Entre los nuevos colaboradores D.T. Henderson guitarra eléctrica y Gabriel Turner que se encarga principalmente de la batería aunque maneja también la guitarra y hace voces de coro, algo común a todos los miembros del grupo.

En el disco hay homenajes a personajes comunes, figuras anónimas del día a día y figuras admiradas como es el caso de George Harrison a quien Fish le dedica el instrumental Beetle George, con el que comienza esta edición de Cíclope 3.0, un homenaje indirecto a la banda favorita de nuestro protagonista, The Beatles.  También un tributo a Brian Eno con el tema When Eno Sings, y no faltan las críticas virulentas como la que hace contra Margaret Thatcher.

Canciones Pop, canciones menos aceleradas a las que tiene habitualmente acostumbrados a sus seguidores pero no por eso menos rockerizadas.  Un álbum, este Illuminate, que actualmente está muy valorado al haber fallecido tristemente su alma mater Pat Fish.  El disco, de primera mano, cuesta 70 €.  Lo cuento en la locución del programa: conseguí una copia de segunda mano por 1 € en el mercadillo del Jueves, una copia en CD, original, con la caja arañada, sin carátula, pero con el disco impoluto.

Señalar, por último, que de la producción del ábum se encargó David J., guitarra bajo, ex-miembro de Bauhaus y ex-miembro también de The Jazz Butcher entre los años 1984 y 1985.

Hay un aspecto en común a los dos discos que traemos hoy a la sexta entrega del Especial de Pat  Fish compañía: ambos discos están firmados por uno de los apodos del Carnicero del Jazz, The Jazz Butcher Conspiracy.  El término Conspiracy apareció por primera vez como sobretítulo del EP que Pat Fish y Max Eider grababan en 1986 titulado The Jazz Butcher Versus Max Eider.  


Un EP que se incluiría en su discografía en formato CD formando parte o bien de alguno de sus álbumes de grandes éxitos o añadiéndolo como complemento en algún disco posterior.

Después el término Conspiracy pasó a formar parte de los diferentes alias que adoptaba la banda.

Nos hemos quedado en 1995.  Cinco años después de la publicación de Illuminate ve la luz un trabajo francamente excepcional, Glorious & Idiotic.  Tenemos que remontarnos unos cuantos años atrás, a 1986, cuando Jazz Butcher publican Distressed Gentlefolk bajo el seudónimo The Jazz Butcher Conspiracy y dos de sus miembros, el batería Owen Jones y el guitarrista Max Eider, deciden dejar la banda.  Que el batería abandonase el grupo, hasta cierto punto, tenía un pase, pero que Eider, la mano derecha de Fish y cofundador del proyecto se marchara, eso era otra historia.  Por qué se fue Jones, no se sabe; por qué se fue Eider, sí.  Hubo, una noche, una bronca monumental entre Fish y él, con el resultado final que conocemos: Eider abandonó el proyecto.  No se trataba de un ¡¡¡Vete a la mierda!!! - ¡¡¡No, a la mierda te vas tú!!!  El altercado, al parecer, fue de tomo y lomo.


Maximilian Theodor EiderMax Eider cuyo nombre real es Peter Millson, guitarrista y compositor, fue estudiante de literatura inglesa en el University College de Oxford y se graduó en Trinity Term en 1980.  Tocó la guitarra con Pat Fish en la universidad en bandas como Nightshift, The Institution y The Tonix.  Después sería el copartícipe de la creación del proyecto The Jazz Butcher donde tocaría la guitarra y compondría algunos temas.  Sería el referente de Fish cuando este componía porque se convirtió en su hombre de confianza: había comunicación telepática entre ambos, como si supieran dónde poner un acorde de guitarras, dónde sugerir una variación.  Estuvo con Fish  desde junio de 1982 hasta el 27 de noviembre de 1986, cuando se produjo aquella fuerte discusión.  Eider continuó trabajando en la música, grabando en solitario y colaborando con antiguos miembros de TJB como fue el caso del disco David J. Songs from Another Season, de 1990.

La marcha de Eider fue traumática para Fish.  Durante un tiempo fue el monotema en las entrevistas que ofreció: ¿Para cuándo un nuevo disco de TJB? - No sé, como Max se ha ido...

¿Para cuándo un nuevo concierto del grupo? - Pues depende de los nuevos músicos que entren en el proyecto porque como Max se fue...

Sus nuevas composiciones parece que giran...bla,bla, bla... - Es que ahora compongo mucho yo solo, porque como Max nos dejó...

Y Max nos ha dejado, porque sin Max nada es igual, porque Max se enfadó, porque Max, Max, Max...

En 1995, el mismo año en el que se publicaba Illuminate, corrió el rumor sobre una posible separación del grupo de Fish.  El 21 de diciembre de ese año se anunció el, probable, último concierto de The Jazz Butcher.  Lo que nadie podía sospechar es que Eider volviera al grupo que lo había visto crecer como músico, el grupo donde tuvo libertad creativa y una creatividad enriquecedora por la interactuación con el ingenio de Pat Fish.  Pelillos a la mar...o peluca entera, el caso es que ambos volvieron a estar juntos, tocando y componiendo.  Pero no iba a ser Eider el único que retornara, también lo hizo el batería Owen Jones, y con tan buenas compañías, si en verdad el concierto estaba pensado como el último que iba a dar el combo, no fue así.  Con energías e ilusiones renovadas continuaron en la brecha.  En el año 2000, inaugurando el siglo XXI, TJB publican un nuevo álbum, Glorious & Idiotic, grabado en vivo, el 26 de febrero de 1999, en Hamburgo, Alemania.



 

Firmado al igual que el anterior como The Jazz Butcher Conspiracy, el disco contiene 13 canciones cuya interpretación recae fundamentalmente sobre el binomio Fish/Eider, la voz del primero y las guitarras de ambos.  Pero aunque ese sea el hilo conductor/motor, también intervienen otros músicos como Owen Jones que, aunque su instrumento de base es la batería, para la ocasión la cambia por la armónica, Pat Beirne en la guitarra bajo y Curtis E. Johnson en la percusión.

De los 13 temas el Cíclope extrae 6 con los que ilustrar el perfil de un disco que, personalmente, me parece magnífico sobre todo por la trenza que forman las guitarras del motor de inyección doble de la pareja Pat Fish/Max Eider.  Un disco disfrutable al cien por cien con el que llegamos al final del programa de hoy.  Espero que te guste.

Enlace: 

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-28-06-22



miércoles, 22 de junio de 2022

Cíclope 3.0 - 21-06-22

 


Robert and Shana ParkeHarrison


Haversting Godot


Cíclope 3.0 del martes 21 de junio de 2022.  Comenzamos el programa situándonos en Irlanda con una banda llamada Fontaines D.C.




Fontaines D.C. le seguimos la pista desde que comenzaron a grabar en el año 2019 y publicaban su álbum Dogrel.  Le siguió A Hero's Death en 2020 y ahora, en 2022, el pasado 22 de abril, han dado a luz Skinty Fia, un trabajo formado por 10 temas del que, en la edición de hoy, vamos a escuchar 3 cortes.


La banda tiene experiencia en mostrar sentimientos personales y observaciones de su entorno a lo largo de los textos de sus canciones. Este nuevo trabajo de Fontaines D.C. presenta composiciones con un sonido más asentado cuyo resultado final es el de una obra segura y bien terminada.  No pierden su estilo dibujado ya en su primer álbum, lo que no quiere decir que se repitan, sino que evolucionan, progresan dando un espectro más maduro, más hecho en las canciones.  Esa trenza entre interior/exterior, emociones personales y percepciones de situaciones exteriores, la mostraron en su primer disco, una carta sonora, de amor, hacia su Dublín natal; en el segundo resaltaron la disociación entre el éxito y el reconocimiento conseguido hasta el momento y la fatiga de las giras prolongadas en el extranjero; ahora, en este nuevo álbum, el grupo contempla su residencia en Londres y la distancia, tanto literal como figurativa, entre ellos y sus raíces irlandesas, su posición, su estatus en la escena musical del Reino Unido y su identidad gaélica, una relación cargada de emociones contradictorias pero que no les impide buscar la reconciliación entre ambas ideas.

Para hacer una primera audición de Skinty Fia, comenzamos por el tema Roman Holiday y continuamos por el que abre el álbum, In ár gCroíthe go deo, escrito el título así, en gaélico, y con una historia detrás que merece la pena recomponer.


En el año 2018, en Coventry, fallecía con 73 años de edad, la exsenadora irlandesa Margret Keane (foto inmediatamente superior).  En vida había expresado su deseo de grabar en su lápida el epitafio irlandés In ár gCroithe go deo, que se traduce en inglés como En nuestros corazones para siempre.  Sin embargo, un tribunal de la Iglesia de Inglaterra dictó que la frase en gaélico podría interpretarse como políticamente provocadara si se muestra sin una traducción al inglés.  La decisión provocó la ira generalizada en la comunidad irlandesa.

En el año 2020, Fontaines D.C. conoció la historia de Keane y se interesaron tanto por su figura como por todo el proceso que estaba en marcha y comenzaron a trabajar la idea en forma de canción.  En el mes de febrero del año 2021 la decisión de la Iglesia fue anulada después de tres años de campaña de las hijas de Keane.  El mismo día que se conoció la noticia, la banda puso las voces en la canción dedicada a Margret Keane.  Se la envió a la familia por correo electrónico y se procedieron a interpretarla, in memoriam, ante la tumba de Keane.  Aquí sale a la luz esa ambivalencia entre la Inglaterra en la que viven los cinco miembros del grupo y sus raíces irlandesas ya que presenta cierto ejemplo de cómo sectores de la sociedad inglesa todavía desconfían de los irlandeses.  El tema que abre el disco y que escuchamos lleva por título la frase del epitafio de la tumba de Margret Keane en gaélico: In ár gCroithe go deo.  

Cerramos esta primera audición del nuevo trabajo de Fontaines D.C. con un tema más, I Love You, con la promesa de volver a traer el disco al programa en breve.

No nos movemos de Irlanda.  De Dublín nos trasladamos al norte, a Belfast, para quedarnos con un trabajo también nuevo, el que firma un hombre apodado El León de Belfast, es decir, Van Morrison.


Antes de la declaración de la Pandemia COVID 19, el 25 de octubre de 2019, Van Morrison publicaba un nuevo álbum, doble, titulado Three Chords and The Truth.  Durante 2020 no publicó nada.  Al año siguiente, el 7 de mayo de 2021, aparecía Latest Record Project (Vol. 1), un álbum triple en formato de vinilo y más comprimido el contenido en formato CD.  En ese disco, el irlandés irlandés desató todas sus frustraciones por estar encerrado durante la pandemia.  


En su último álbum, What's It Gonna Take, publicado el pasado 20 de mayo, Morrison duplica sus quejas y amplía la creencia de que los gobiernos y otras fuerzas oscuras están conspirando para quitarle el libre albedrío al hombre común, entre los cuales se encuentra él . Es un disco con canciones de letras políticas, con vitriólicas alusiones a Bill Gates y Mark Zuckerberg, referencias indignadas sobre las noticias falsas y el control mental, entre otros temas.  Nos quedamos con un par de cortes de este nuevo trabajo de Van Morrison.

En los cielos de Irlanda del Norte, el Cíclope toma un ala delta, hace un looping hacia atrás y nos venimos, en vuelo rasante, a tierras hispanas.  En la foto de cabecera de esta entrada del blog se puede ver la cabeza de un hombre sobresaliendo del suelo y sobre ella o desde ella, floreciendo, lo que parece que será un árbol.  De cabezas y espíritus florecientes va ahora esta edición de Cíclope 3.0, de músicos como este que nos revisita: Pedro Cruz.


Filosofía Loren ha sonado en el programa y volverá a hacerlo por derecho propio porque es una canción tremenda, una canción que desde el comienzo, cuando suena el acorde de apertura, te llama la atención para dejarte con las ganas suficientes como para volverla a escuchar.  El disco FiloSofía aparecía el año pasado, 2021, tiene canciones muy buenas y, tal vez por inclinación apasionada, repito el tema que hemos escuchado.  Recuperando un poco el pasado de Pedro nos trasladamos al año 2006, cuando aparece el disco La escuela.


La escuela se grabó en Lanzarote, en el año 2005, con una larga lista de músicos colaboradores. Un año después, en 2006, se mezcló en Sevilla, y ese mismo año Jesús Arispont lo masterizaba para que inmediatamente viera la luz.  Es un disco con un puñado de canciones muy interesantes, hoy escogemos una y las demás las recuperaremos en programas futuros.  Lo que suena ahora es Mariachi.



Pedro Cruz

Pedro Cruz es  ingenioso creando nuevos significados para significantes como lo demuestra en las letras de sus canciones.  No para, está constantemente transformando a través de las palabras, deconstruyendo, levantando propuestas de juegos mentales como las que a veces hace en su muro de Facebook.  Seguro que está gestando algo nuevo porque, personas creativas como él, no están quietos, creativamente hablando, nunca.

Y de una mente creativa a otra.  Se pueden poner en la misma balda por esa semejanza en la inventiva y esa seductora capacidad imaginativa, sobre todo en el lenguaje.  Tanto uno como otro están dotados de una extraordinaria capacidad para crear melodías y ritmos.  Son coetáneos de aquellos años primeros de la década de los 80.  Como invitado final del programa de hoy y ocupando por derecho propio el grueso de esta edición, suena Martín León Soto, conocido por todos por su acrónimo MALESO.  Y suena porque MALESO tiene disco nuevo.


Malesofía del tocador, ese es el título del nuevo álbum de MALESO que hace el número 12 en su discografía.  Son 14 canciones con formato de CD que está acompañado de un libro que incluye transcripciones de conversaciones de whatsapp, historias, dibujos y las letras de todos los temas, compuestos en texto y música por MALESO.  El disco es un poliedro de juegos mentales a través de las palabras que vertebran canciones sin desperdicio.



El disco se ha ido formando entre los años 2020 y 2022.  MALESO toca todo, o mejor dicho, casi todos los instrumentos: guitarras, guitarra bajo, órgano, piano, percusiones, pandereta, teclados, armónica, kalimba, canta, escribe las letras y es el productor del sonido final del álbum.  En algunos temas tiene el apoyo de otra guitarra, la de Juan Carlos León, y de la batería se ocupa Jorge Daniel Collado.  De las voces de coro se encargan dos mujeres: Priscila Gago y Aida Vílchez, inseparable de MALESOAida Vílchez canta además como voz solista y ha sido la responsable del concepto del libro.



 

Son 4 cortes los que suenan en el programa de hoy.  Me habría gustado que fuesen 5, pero el último no habría entrado al completo y prefiero que suenen desde el comienzo hasta el final.  Como no va a ser la única vez que suene Malesofía del tocador en Cíclope 3.0, en próximas ediciones terminaremos de escuchar el disco.  Hoy están canciones como Croquetas, Sale Raquel, Cero sombras de Grey y Koljós, tal vez la composición que, en una primera audición del disco, más me llamó la atención por la letra, por lo que cuenta y cómo lo cuenta.  El guitarrista Juan Carlos León firma un texto en el libro que titula Jaque Mate, donde narra aspectos relacionados con la explotación agrícola de carácter cooperativo en el antiguo sistema soviético.  La canción Koljós cuenta una historia de amor capaz de saltarse toda dictadura, tenga el sentido vectorial y dirección que tenga, izquierda o derecha, en este caso en el caldo de cultivo soviético.



Martín León Soto
, MALESO


Así hemos llegado al final del programa de hoy.  Espero que te guste.


Enlace: https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-21-06-22

 


jueves, 16 de junio de 2022

Cíclope 3.0 - 14-06-22

 


Robert y Shana ParkeHarrison
- Tethered Sky


Cíclope 3.0 del martes 14 de junio de 2022, un programa con caravanas y caminantes solitarios, un espacio que comienza con un pellizco, el escalofrío de la voz de Jim Morrison abriendo la canción The Crystal Ship.


Era el año 1970 y The Doors llevaban publicados seis álbumes.  En 1967 aparecía un EP de tres canciones con el tema Light My Fire como Cara A; en la Cara B uno de los cortes del álbum de ese mismo año bautizado con el nombre del grupo, la canción Take It As It Comes y otro, The Crystal Ship, que se incluiría más tarde en el recopilatorio 13 de 1970.




El barco de cristal nos sirve para marcar un tiempo que conecta con otro LP de Morrison y compañía publicado en 1968, Waiting for the Sun, que en principio se iba a titular The Celebration of the Lizard y cuya portada sería una foto, un macro primer plano de la piel de un lagarto donde aparecía grabado a fuego el título del trabajo.  No fue así, se transformó en lo que conocemos y el disco, para muchos y muchas seguidores/ras de Las Puertas, supuso una decepción, por muy extraño que pueda parecer.  El álbum contiene temas muy buenos y entre ellos uno, el que traemos hoy al programa, un tema con sombras hispanas, Spanish Caravan, con el toque de guitarra española adaptando un fragmento de la obra de Isaac Albéniz, Asturias (Leyenda).

Caravana Española, citando Andalucía en el texto original de Jim Morrison.  Pues con sonidos andaluces vamos a continuar, con otra caravana que inicia su camino en la India, cruza Persia y llega a Europa, donde se cruza con la Cultura de muchos países y se hace pluricultural.  Es la Caravana de los Zincalis y quien traza el sendero es David Peña, Dorantes.


A Dorantes el Cíclope le dedicó un programa Especial, el 12 de diciembre del año 2017.  Después lo recuperó de nuevo en el programa del año 2020 del 24 de noviembre cuando el espacio estuvo dedicado a la máquina de escribir como instrumento.  En el año 2017 publicaba el álbum El tiempo por testigo... A Sevilla, donde este pianista vinculado al mundo del flamenco realizaba una curiosa composición con la máquina de escribir como objeto musical.  El tema en cuestión lleva por título La máquina.  En ese álbum, Dorantes remodela la composición Caravana de los Zincalis que había aparecido originalmente en su segundo trabajo, Sur, publicado en 2002.  En ese disco el tema aparece con unos arreglos y una interpretación amplia, la versión del tema en el disco de 2017 es más desnuda, únicamente interpretada en formato de trío con Francis Posé contrabajo, Dorantes al piano y Javi Ruibal en la batería y percusión (de izquierda a derecha en la foto inferior).





Dos años antes, en 2015, Dorantes grababa en formato dúo con el contrabajista hispanofrancés Renaud García-Fons el álbum A Dos


un trabajo donde se mezclan el Jazz y el Flamenco y en el que ambos  modelan diferentes palos del flamenco como la soleá que reseña el Cíclope, En el crisol de la noche.


Renaud García-Fons sacando su sensibilidad y virtuosismo ya sea pulsando las cuerdas, pasando el arco o utilizando la resonancia de la caja de su contrabajo como elemento de percusión.


No abandonamos tierras andaluzas en esta edición de Cíclope 3.0

Sobrevolamos la costa gaditana y nos situamos en un punto concreto, Tarifa, remontamos el vuelo con las gaviotas y a vista de pájaro nos vamos De Tarifa al Cielo.




De Tarifa al Cielo es uno de los 11 temas que forman La Senda de los Elefantes, el primer trabajo del proyecto en solitario de José María Sagrista aparecido hace muy poco.  Este disco va a ocupar el grueso del programa de hoy, vamos a escuchar un ramillete de canciones (5 en total) de un álbum caracterizado por algo muy sencillo: la sinceridad.


Hablar de José María Sagrista es citar a un hombre, un músico de actividad poliédrica: cantante, compositor, guitarrista...  Las crónicas más rápidas lo citan como la antena que codificaba el sonido, junto a Miguel Ángel Redondo, en la banda sevillana Círculo Vicioso, los que ganaron en 1985 la 25º edición del Festival de Benidorm, dedicado ese año al Pop-Rock, con el tema Portero de noche.  Pero José María ya estaba en las turbulencias de la música desde antes: entre 1974 y 1983 participó como guitarrista en las actividades de la banda Triana, tanto en las actuaciones en directo como en la grabación de estudio del LP Un encuentro.  Después vendrían otros capítulos, otras colaboraciones, otras actividades porque él no sólo tiene que ver con la dinámica de creación/interpretación de canciones, sino también con todo lo que está relacionado con el sonido, desde la grabación hasta la química que conoce el productor que ultima la arquitectura final de un trabajo, lo que supone extraer lo más favorable de un intérprete, una cantante, un grupo, sacar lo mejor de unas ideas plasmadas en el sonido final.  Comenzó en el mundo de la grabación en las dos últimas décadas del siglo pasado.  Primero fueron los estudios Sonotone, ubicados en la localidad sevillana de Camas; después, ampliando medios técnicos e instalaciones, llegaría Estudios Central, en Sevilla capital.  Y en este campo, en el de medios para realizar grabaciones y trabajar con la alquimia del sonido, llegó una idea soñada y gestada durante mucho tiempo: el estudio Punta Paloma, en Tarifa.  Por aquí han pasado músicos, grupos, solistas, de todos los estilos y formas.  En muchos de esos trabajos pulidos en los estudios, Sagrista ha colaborado, ya sea como intérprete (guitarra, teclados) o como productor.  Ahora es él el que se vuelve a meter en el estudio y el que vuelve a salir a la carretera para interpretar en directo, en vivo, temas como los que están incluidos en este primer trabajo en solitario, solitario por el apellido con el que firma, pero no está solo, está arropado por músicos que, además de ser colegas de profesión, también son amigos, y juntos dan a luz un disco muy bien hecho, un disco sincero, como he comentado más arriba y del que, para comenzar a escucharlo, tomamos como punto de partida ese instrumental, De Tarifa al Cielo, con la guitarra steel de Rubén Da Trinidades.
No sé si te queda claro ese comentario, disco sincero.  Con este calificativo quiero decir que es un trabajo hecho con cariño, con mimo.  Sagrista no tiene que rendir cuentas a ninguna discográfica, no tiene que dar concesiones de ningún tipo (comercialidad, canciones que enganchan con estribillos tatareables).  Se ha preocupado de escoger los hilos con los que trenzar un tapiz sonoro que tiene muchos puntos de referencia, y con una paleta rica en matices y colores ha elaborado canciones con hechas con buen gusto y pasión con textos propios.  Hay de todo: sonidos blueseros en las guitarras (magníficas guitarras), hay estructuras Pop, hay alma en el resultado final, logrado por la conjunción de esa larga nómina de colaboradores como se especifica en el libreto interior del CD.



Entre otros está Kiko Veneno, que se encarga de la letra de la canción Alta Tensión que no suena en la edición de hoy pero que lo hará cuando retomemos el disco en próximos programas.  Hay una tríada de mujeres importantes e imprescindibles en el disco así como en la vida de José María: sus hijas Sara y Diana Sagrista Carrasco, la segunda, Diana, miembro del equipo técnico de Punta Paloma Estudio, y cómo no, su esposa, Nini Carrasco, encargada de las infraestructuras de organización y demás quebraderos de cabeza.
Camaleón es una composición que cuenta con la voz, la guitarra y los teclados de Sagrista, que también toca la guitarra bajo compartiendo la labor con un guitarra bajo veterano y sabio, Jesús ArispónJosé Guillamó se encarga del trombón.
Al leer nombres como los de Jesús Arispón recuerdo otros tiempos en la Radio, cuando comencé en 1982 a hacer programas de música, en concreto La Caja de Pandora, en Canal 2 F.M.  A Jesús lo conocí por aquel entonces y me cabe el honor de haber sido el primer músico al que entrevisté en mi programa, cuando junto a otros compañeros Arispón tocaba en una banda que, lo siento, no recuerdo su nombre.  Después su trayectoria profesional como músico evolucionó exponencialmente.
A José María Sagrista lo conocí mucho antes, cuando contábamos 12 ó 13 años de edad y estudiábamos en el Colegio de los Hermanos Maristas, en el barrio de Los Remedios en Sevilla.  No recuerdo si coincidimos en el mismo curso, de lo que sí me acuerdo es que él jugaba al hockey, sobre patines (el campo de juego era de cemento) y que le daba unos trallazos a la pelota con el stick que hacía temblar la portería.  El hockey no sé cuándo lo dejó, y cuándo cambió el stick de juego por el mástil de la guitarra, pero sucedió.  Después llegaron los años finales de los 70, cuando le vi varias veces en directo tocando la guitarra en diferentes combos o proyectos.
El paso del tiempo no ha sido en vano para el músico Sagrista.  Ha ido esponjando todo lo que le rodea, todo lo luminoso que le atrae y lo ha ido pasando por su crisol personal.  Madre mía la Filosofía es otra de esas canciones que, nada más comenzar, te llaman la atención.  María de Grandi, con el violín, se encarga de seducirte para que le prestes atención.
Nos quedan un par de temas más para escuchar, en una primera audición, de este La Senda de los Elefantes, el primer trabajo de José María Sagrista que ha escogido su apellido para bautizar el primer disco de este nuevo proyecto.  Montañas doradas es otra de las composiciones en las que, por cierto, el músico no esconde ni evita el acento andaluz que le delata, lo que me parece fantástico.
Para cerrar esta primera escucha del CD lo vamos a hacer con una canción que utiliza de una forma ingeniosa la onomatopeya de un beso, el sonido registrado como Muak.  Nuestro músico, como buen andaluz nacido en Huelva, se come algunas letras, como lo hacemos todos los nacidos y criados en el Sur, por lo que Muak se queda como Mua, o mejor dicho, Muá.  Eso sirve como nexo de unión ante esa necesidad de recibir y dar besos, abrazos (no virtuales, a través de plataformas sociales, sino abrazos de verdad, de osito koala).  Pues con ese tema, Besos, despedimos La Senda de los Elefantes.  Volveremos con el disco porque hay material que hay que escuchar, que merece la pena, y con creces, canciones más lentas y hasta una cantada en inglés.  Ahora nos encaminamos al final del espacio de hoy y lo hacemos desde Andalucía, desde Sevilla en concreto, recuperando algunos cortes que no habían sonado del primer disco de Antónimo, La Psicodelia de la Virgen del Patrocinio.


La Psicodelia de la Virgen del Patrocinio
- 2022


Antonio Manuel Ríos Sánchez, músico, compositor y voz original de Sevilla, que responde al nombre artístico de Antónimo, sonaba por primera vez aquí, en Cíclope 3.0, el pasado mes de April y hoy lo recuperamos con algunos temas que no pudimos escuchar entonces porque el tiempo nos vencía.  Nos vamos a quedar con tres: Rojo, Concha imberbe y Carta de amó.  Una mirada oblicua e ingeniosa entre arquitectura flamenca.

Espero que te guste el programa.




miércoles, 8 de junio de 2022

Cíclope 3.0 - 07-06-22 - Especial Dead Can Dance # 10

 


Lisa Gerrard

Cíclope 3.0 del martes 7 de junio de 2022.  Continuamos con el Especial Dead Can Dance, en esta ocasión la entrega número 10, y seguimos con Lisa Gerrard en solitario.


Encargada por el Museo Smithsonian de Nativos Americanos en Washington D.C., la película A Thousand Roads, película de 43 minutos del año 2005, tiene un score original de Lisa Gerrard y el compositor e intérprete norteamericano Jeff Rona.  El director de la cinta, Chris Eyre, después de escuchar la banda sonora de Whale Rider, pensó directamente en Gerrard y en Rona.  El resultado no pudo ser mejor: la voz de la cantante se adapta a la perfección al género, combinando su voz etérea con la electrónica de Rona y la Orquesta Sinfónica de la Radio Eslovaca.  La película presenta, a través de varias historias de ficción, una serie de retratos de nativos norteamericanos que viven en la vasta geografía indígena de América.  El mediometraje reúne cuatro historias, introduciéndonos en la vida de una broker mohicana estresada en Manhattan; una joven innuit que ha sido enviada a vivir con su abuela en Barrow, Alaska; un pandillero navajo que tiene que encontrar sus valores básicos en la reserva de las mesas de Nuevo Mexico; y un curandero quechua en Perú, que intenta salvar la vida de un niño enfermo.  Un par de fragmentos de esta banda sonora para adentrarnos en el programa de hoy.


Lisa Gerrard
- The Silver Tree - 2006
El 20 de noviembre de 2006, Gerrard publica The Silver Tree, un álbum escrito, interpretado y producido por ella, con la colaboración técnica de Patrick Cassidy.




El disco, originalmente, solo estuvo disponible en formato digital, después como importación desde Australia y finalmente se realizó el lanzamiento en América y Europa.  La audición de esta obra permite comprender por qué Gerrard es una cantante/compositora tan solicitada por directores de Cine para componer bandas sonoras.  The Silver Tree está formado por 13 pistas llenas de tenues paisajes sonoros ambientales en los que la vocalista de Dead Can Dance va trenzando su voz  con un perfil casi de oraciones o mantras meditativos.  Emplea atisbos monosilábicos de otros idiomas y, ocasionalmente, del inglés, para crear su propio tapiz de sueños.  La disonancia sónica y el retumbar de su registro de contralto crea tensión y una profunda intensidad.  Cuenta con la colaboración, de nuevo, del compositor e intérprete de origen irlandés Patrick Cassidy, que había compuesto y firmado a medias con ella el álbum de 2004, Immortal Memory.  En esta ocasión, Cassidy ni compone ni firma el trabajo, tan solo se encarga de hacer los arreglos y orquestación de algunos de los temas.  
El disco está estructurado sobre 13 composiciones.  En la edición inglesa hay una pista oculta: cuando finaliza el número 13, The Valley of the Moon, se produce un silencio de 15 segundos tras los que suena Hymn of The Fallen, el tema con el que Dead Can Dance cerraban las actuaciones de la gira internacional del año 2005 y que ya escuchamos en la edición anterior de este Especial.  Hoy nos quedamos con dos cortes de este trabajo en solitario de Gerrard.


En el año 2005, el cineasta y fotógrafo canadiense Gregory Colbert, filmó la película documental Ashes and Snow, una cinta que explora las interacciones entre seres humanos y animales.  





El disco de la banda sonora se editó en una caja rígida abierta plegable de 2 partes, que parece hecha a mano.  Un cuadernillo de cuatro páginas (una sola hoja plegada) está pegado en el interior de la portada de la caja.  El lado interior opuesto tiene una bolsa pegada que contiene el CD.  Se cierra con una cuerda sellada con una cuenta roja pequeña de lacre.
El score original está compuesto e interpretado por diferentes músicos de otros tantos países diferentes y entre ellos está Michael Brook o la colaboración del binomio Lisa Gerrard / Patrick Cassidy.  Ellos dos se encargan de cuatro de los fragmentos de dicha banda sonora y de los cuatro nos quedamos con uno titulado Vespers.
Ashes and Snow es un proyecto multimedia de Gregory Colbert, quien además de estrenar la  película ha montado exposiciones bajo este título.
Algunas imágenes del documental Ashes and Snow, fotografías realizadas por el padre de la idea, Gregory Colbert.












En este Especial Dead Can Dance Número 10 entramos ahora en una zona de bucles sonoros: la colaboración entre Lisa Gerrard y Klaus Schulze.


Klaus Schulze, también conocido por el seudónimo artística Richard Wahnfried, nacía en Berlín el 4 de agosto de 1947 y fallecía en la capital alemana el 22 de abril de este año 2022 con 75 años de edad.  Compositor e intérprete de música electrónica estuvo vinculado a lo que se conoció como Escuela de Berlín, participando de la creación de grupos como Tangerine Dream, Ash Ra Tempel o Cosmic Jokers.  Pionero, junto a Kraftwerk Brian Eno, en la utilización de sintetizadores analógicos, cuando en el año 2004 cumplía 60 años, anunció un deseo largamente gestado en su espíritu: realizar un trabajo, un disco, en colaboración con Lisa Gerrard.  Sabía del trabajo realizado por la cantante australiana en la banda Dead Can Dance y desde entonces admiraba su voz y su forma de hacer música.  No se sabe si fue él quien contactó con ella o alguien hizo de intermediario, el caso es que el encuentro entre ambos fue posible y fruto de esa unión tanto tiempo deseada fue el álbum Farscape.

Farscape veía la luz el 4 de julio del año 2008 en formato doble (LP o CD).  Schulze siempre se caracterizó por componer obras de larga duración: mínimo unos 30 minutos, de ahí en adelante.  El tiempo total de Farscape es de 2 horas y 33 minutos.  El disco está ocupado por la composición original de Schulze Liquid Coincidence y ésta, a su vez, subdividida en 7 partes.  Schulze maneja la programación electrónica y Gerrard proporciona todas las voces en un trabajo de una cualidad flotante, etérea y atmosférica, un trabajo que busca la hipnosis musical y, entre ambos, lo consiguen con creces. Escuchamos la séptima parte de esta Coincidencia Líquida, con la voz de Gerrard a lo largo de sus 13 minutos, todo un hito en la duración habitual de las obras del músico alemán.

La historia de amor musical entre ambos, Schulze/Gerrard, se prolongó en el tiempo y, además, de manera inmediata: si Farscape aparecía el 4 de julio de 2008, el 1 de diciembre de ese mismo año lo hacía Rheingold (Live at The Loreley), original de Schulze con intervenciones de Gerrard no solo cantando sino también componiendo.  La obra tiene un doble formato: CD doble y DVD también doble.  El CD recoge el concierto que se llevó a cabo en la sala Loreley, en St. Goarshausen, Alemania, el 18 de julio de 2008 y que se publicaría el 1 de diciembre de ese mismo año.  El DVD contiene en el primer disco el concierto y en el segundo el documental de 65 minutos The Real World of Klaus Schulze con una entrevista de 55 minutos realizada por cantante y guitarrista Steven Wilson, miembro de la banda británica de rock progresivo Porcupine Tree, que profundiza en las contribuciones e influencias de Tangerine Dream.
Cuando conocí esta obra de Schulze/GerrardRheingold, pensé inmediatamente en una interacción con El Oro del Rin, El anillo del nibelungo, de Richard Wagner.  Una posible adaptación, una obra basada en...sin embargo tan solo está relacionada una obra y otra porque se utiliza las figuras de las tres Doncellas del Rin, que aparecen en El anillo del nibelungo.


Las Tres Doncellas del Rin

No es una adaptación/según/basada en Wagner.  Esas tres figuras femeninas son Woglinde, Wellgunde y Folsshilde.  Vamos a terminar con un fragmento compuesto por Gerrard, cantado y escrito por ella, sostenida por los teclados de Schulze, el fragmento que hace referencia a la segunda Doncella del Rin, Wellgundeuna composición de 14 minutos de duración con la que terminamos este Especial Dead Can Dance Número 10.
Espero que te guste el programa.
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jueves, 2 de junio de 2022

Cíclope 3.0 - 31-05-22 - Especial The Jazz Butcher # 5


The Jazz Butcher
 actuando en vivo

Cíclope 3.0 del martes 31 de mayo de 2022.  Quinta entrega del Especial The Jazz Butcher hoy centrada en dos álbumes, uno de 1991 y otro de 1994.

El álbum de 1991, Condition Blue, es con el que terminábamos la edición anterior de este Especial.  Nos daba tiempo a escuchar tan solo un par de temas, Honey y Shirley MacLaine, obviamente dedicada a la famosa actriz.  En la edición de hoy extendemos la audición a cuatro temas más, entre los ritmos sincopados del Rock y la calma a medio tiempo del Pop característico de las composiciones de Pat Fish.
Ya lo comenté en la entrada de este blog correspondiente al programa anterior de este Especial Jazz Butcher: la génesis de Condition Blue está en una crisis nerviosa que Fish padeció a fines de 1990, el año de la muerte del guitarrista Kizzy O'Callaghan, que se había ido convirtiendo en la guitarra de confianza de Fish.  Se había marchado Max Eider, que supuso una crisis personal importante en la existencia del Carnicero del Jazz.  O'Callaghan llegó para revitalizar el espíritu del grupo haciéndose eco de las intenciones, de lo que quería conseguir su fundador.  El Destino se lo arrebató a finales de 1990 y Fish se encontró de nuevo sin un referente, sin alguien sobre el que poder confiar algo tan importante como es el sonido de guitarras (eléctricas, acústicas) de The Jazz Butcher.  
Superando los agujeros negros de la psique y como efecto sanador están los temas que forman el disco, canciones interpretadas por músicos que ya venían de ábumes anteriores como Paul Mulreany en la batería y Alex Green en el saxofón.  Entre los nuevos se encuentran Joe Allen guitarra bajo británico, Peter Crouch, Richard Formby y Alex Lee guitarras y Sumishta Brahm en las voces de coro.  El disco vio la luz a través del sello discográfico Creation Records y en la edición de hoy suenan canciones de rock sincopado como She's a Yo-Yo y composiciones de estructura Pop como Girls Say Yes, Racheland y Harlan.  Con este puñado de temas dejamos Condition Blue y nos pasamos al álbum de 1994 titulado Waiting for the Love Bus.

Publicado bajo el seudónimo The Jazz Butcher ConspiracyWaiting for the Love Bus es una colección de canciones de estructura paralela a las que forman Condition Blue, es decir, composiciones rockanrolleras (Bakersfield y Killed Out) y temas de base y desarrollo Pop (Whaddya, Baltic) y una inmensa y brillante Ghosts, con ese Pop mezcla de melancolía y brío.  El álbum incluye una curiosa versión de un tema original del compositor e intérprete norteamericano de los años 60, Fred Neil (1936-2001), la canción Everybody's Talking que popularizó Harry Nilsson (1941-1994) en la versión de 1966 que se incluiría posteriormente en la banda sonora de la película Cowboy de Medianoche, dirigida en 1969 por John Schlesinger y protagonizada por Dustin Hoffman y Jon Voight.
Un total de seis temas son los que extrae el Cíclope de este Waiting for the Love Bus, grabado en enero de 1993 y publicado un año después, en marzo de 1994.  Parte del personal que hace posible el álbum es nuevo como los músicos de sesión Dooj Wilkinson, guitarra bajo, y Nick Burson, batería.  Los guitarristas Peter Crouch y Richard Formby repiten, este último inclusive se encarga de la producción del trabajo compuesto íntegramente, en letra y música, por Pat Fish.
Hasta aquí el Especial The Jazz Butcher Número 5.
Espero que te guste el programa.

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