Cíclope 3.0 - 28-09-21

 

Earthcoat - Robert and Shana Parkeharrison

Se marcha septiembre y el otoño   inicia su andadura con temperaturas aún calurosas.    Es el calor del membrillo , como decimos en el Sur.    Y así   comenzamos  esta edición de Cíclope 3.0 del martes 28 de este mes que se nos va, recuperando a una banda de la que no se ha vuelto a saber nada desde que aparecieron allá por el año 2005, un caurteto asentado en forma de trío que escogieron como nombre del proyecto una palabra del idioma sueco: Kubb.

Kubb  se traduce como Jugador de Bolos.    Por qué se bautizaron así, ni se sabe.    Lo que sí es seguro es que fue el vehículo de expresión de su fundador, el guitarrista y cantante Harry Collier (en la foto de la derecha, tercero por la izquierda)  .

Original    de Liverpool,   Collier emigró  con su familia a la ciudad natal de su madre, Tobago, cuando tenía cuatro años de edad.    Desarrolló una pasión por la música que le llevó a  aprender a tocar varios instrumentos entre otros el clarinete y la guitarra clásica.    Regresó a Inglaterra, a  Cornwall, a la edad de 17 años, donde empezó a meter la cabeza en el mundo de la música tocando en varias bandas hasta su traslado a la capital, Londres.    

Mientras trabajaba como camarero en un café  del norte de Londres, le pidieron que cantara Cumpleaños Feliz a uno de los clientes que resultó ser Rollo Armstrong, hermano de la cantante Dido y miembro de Faithless.  Armstrong se quedó tan impresionado por su forma de vocalizar que lo invitó a su estudio de Highbury.    Allí conoció a un viejo amigo de la escuela de Rollo, Ben Langmaid, que tenía un estudio de grabación en el mismo complejo, y a Jeff Patterson, también relacionado con el mundo de la música.    Los tres fueron el germen de Kubb  pero ni   Langmaid  ni   Patterson  estaban interesados en seguir en una banda con proyección de futuro.    Así que   Harry Collier buscó a otros compañeros de aventura que al final fueron el batería   Dominic Greensmith,   el guitarrista Adj Buffone   y el teclista John Tilley.     Estamos a principios de siglo, sobre el año 2000 ó 2001.    El resultado de la unión entre Collier  y los otros tres músicos  sería el álbum titulado Mother, publicado el 14 de noviembre de 2005.     Mother   es un disco que reúne canciones que hablan de los pensamientos de Collier  sobre lo divino de lo femenino en la religión y en la Tierra.    Fue producido por el músico e intérprete Martin Glover, más conocido por el apodo de    Youth. 

Pop musculoso  interpretado con pasión por parte de Harry Collier  que no le importó asumir todo el control visual de la banda.  Sólo él aparece en la cubierta del disco que funcionó bastante bien aunque eso significara la aparición de un LP más, grabado en directo, y de distribución exclusiva a través de Internet.

Los singles extraídos del álbum funcionaron bastante bien.  Uno de ellos, Wicked Soul, tuvo una mayor  repercusión   por el hecho de  haber sido parte de la banda sonora de un anuncio de televisión de cosmética, en concreto el   de Kate Moss Rimmel.  

El single en cuestión estaba ocupado por tres temas: el principal, Wicked Soul que  ocupa la cara A y dos en la cara B, Somebody  Else, incluido en el álbum Mother    pero en una versión diferente y una versión acústica del tema principal del sencillo que es la que escoge el Cíclope.  

Hemos comenzado esta edición con aires poperos y amorosos.  El nombre de la banda que viene a continuación está relacionado con un comportamiento más o menos extendido entre los seres humanos y que tiene que ver con las relaciones  y encuentros erótico-sexuales.   Una vez finalizado el coito sexual, hay amantes que se levantan  y se dirigen a la cocina a mirar en la nevera, a ver si hay algo para comer.    No es una conducta única de un sexo pero, si quieres, es más extendida  la costumbre de encender un cigarrillo por  ambas personas.    Y aquí conectamos con lo que significa el nombre del grupo que va a sonar: Cigarrillos Después del Sexo.

Cigarrettes After Sex

    

Cigarrettes After Sex es una banda neoyorquina, de Brooklyn, para ser más exactos.  

La idea surgió como un   proyecto de sonido experimental del compositor, guitarrista y cantante Greg González. 

González, en la foto de la izquierda,  estaba en el año 2008 en El Paso, Texas.    En la universidad   de la localidad se dedicaba a grabar el sonido ambiental en el hueco de unas escaleras de cuatro pisos utilizándolo    de  fondo para composiciones de música etérea y soñadora.  Precisamente ese sería el componente principal de las canciones de Pop vaporoso que daría a conocer cuando se instituyera su proyecto y cristalizara bajo el nombre   Cigarrettes After Sex.    Lo primero que grabarían sería un disco que no apareció en ningún sello y que para conseguirlo tenías que recurrir a la descarga on line accediendo  a una  dirección a la que llegabas después de resolver una especie de puzzle.    Nada de rollo críptico o para iniciados, sencillamente ganas de jugar.    El disco en cuestión, publicado en 2011,  tiene por título Cigarrettes After Sex  con un subtítulo, Romans 13:9, es decir: San Pablo, Epístola a los Romanos capítulo 13 versículo 9, que dice algo así como

Con nadie tengáis otra deuda que la del mutuo amor.    Pues el que ama al prójimo ha cumplido la Ley.    Lo de no adulterarás, no matarás, no robarás, no codiciarás y todos los demás preceptos, se resumen en esta fórmula:   Amarás a tu prójimo como a ti mismo.     La caridad no hace mal al prójimo.    La caridad es, por tanto, la Ley en su plenitud.

 Confieso que, cuando vi por primera vez ese disco de presentación, su título y, sobre todo, el subtítulo y su significado,  desconfié absolutamente del contenido porque sospeché algún tipo de proselitismo religioso.    Pero no es así.  Ni en ese primer trabajo ni en posteriores.    La banda se dedica a  escribir e interpretar canciones de un Pop nebuloso, cantadas con una voz (la de González) cercana en algunos matices y por momentos a la de Michael Franks.   Que nadie se llame a engaño: no tienen ni un instante mínimamente alterado, no hay ritmos sincopados,  ni por equivocación, lo suyo es una música de tensión baja que se ha ido escuchando por una multitud de seguidores  que prepararon indirectamente el camino de promoción en la década de los años 10 de este siglo.    Los videos clips cuidadosamente diseñados y los singles  con  canciones del grupo se multiplicaron durante esos años de iniciación  y en  el año 2017 publicaban un álbum bautizado con el nombre del proyecto, igual que aquel de 2011, pero sin subtítulo y con otro contenido.  De ese disco el Cíclope extrae un tema llamado John Wayne, como el actor de Cine.    Previamente, en 2015, habían hecho una versión de un clásico de los 80, el tema Keep On Loving You  de  los norteamericanos REO Speedwagon.    Antes de seguir vamos a recuperar esa canción en la versión original y después escuchamos lo que Cigarrettes After Sex  han hecho con ella.

REO Speedwagon, junto a otros grupos como Journey  o   Styx, fueron en los años 80 una de esas bandas que con sus estilos y actuaciones  dieron pie a lo que se conoce como Arena Rock, un término un tanto abstracto que hace mención a esos conciertos, actuaciones en grandes superficies (estadios de fútbol)  con asistencia  masiva de público, con efectos de luces, espectáculo circense y unos punteos de guitarras eléctricas que se elevan y encienden la fiebre admiradora de los oyentes.    La música de bandas  como   REO Speedwagon  cambió  a lo largo de los años oscilando entre el Rock Duro (no el Heavy) y el Rock Progresivo.

No eran nuevos en "la arena" del Rock estos   REO Speedwagon, que se dieron a conocer allá por 1971 en su Champaign natal, en Illinois.    El éxito contundente les llegó nueve años después, en 1980, cuando publicaron el LP High Infidelity, haciendo un juego de palabras con High Fidelity.   El disco    incluye   el tema Keep On Loving You , una balada potente que consiguió hacer delirar de entusiasmo a sus seguidores y crear una nómina de nuevos fans que  seguirían a partir de entonces las andaduras de la banda.    Escuchamos la versión original para conectar con la que, años más tarde, han hecho los miembros de Cigarrettes After Sex.

Affection  es un single que CAS publicaron en 2015.    Por una cara el tema   citado, por la otra la versión de Keep On Loving Youque en manos de Greg González   y  compañía adquiere ese tono  de tensión baja habitual  en su forma de hacer música.

Hoy el tono de Cíclope 3.0 es calmado y para movernos por esos esquemas serenos recuperamos la vitalidad tranquila de un canadiense dorado: Neil Young.

  A día de hoy, Young   tiene una discografía amplia y variada que no siempre ha sido bien acogida por  la crítica internacional y por algunos de sus admiradores.  Tan solo los más incondicionales escuchan la diversidad de su obra con cierta benevolencia.  

A finales de los años 80, tras pasar por estilos como el Rockabilly y el Techno, participó en otro experimento de género: se puso a trabajar sobre esquemas de Blues y Rhythm & Blues y on el nombre de Neil Young & The Bluenotes  publicaba    This Note's For You.     Tachado de desigual, poco interesante y algún que otro piropo oscuro, el disco tiene momentos muy buenos    como    es el caso que recupera el Cíclope, un tema titulado Coupe De Ville.    Esa canción  nos sirve para conectar con otro trabajo, también de Young   y también mal visto por los comentaristas de música como es Harvest.

Su álbum más popular se benefició del retraso de publicación  del mismo:  Young    tuvo una lesión de espalda que le impidió trabajar durante meses y la finalización del disco (posproducción, corte final) no se  llevó a cabo sino 18 meses después de haberlo grabado.  Este hecho jugó a favor porque sus fans estaban ya ansiosos por poder escucharlo.    Fue tachado de desigual   por la crítica, de pretencioso, pero aplaudido, escuchado y amado por la audiencia fiel que sigue admirando la paleta de colores que se abre en esta Cosecha.

Crosby, Still & Nash, sus antiguos compañeros, participaron de unos créditos donde aparecen nombres como  Linda Ronstadt  y James Taylor.    La  Orquesta Sinfónica de Londres está en dos de las composiciones del LP, de ahí la pretenciosidad a la que aludían los críticos.    La banda que le acompañó entonces era The Stray Gators, con la guitarra  de Ben Keith.

El perfil anímico del disco es melancólico, pero con canciones que describen principalmente el anhelo y realización de un nuevo amor.    Esta idea queda expresada de una forma más explícita en la controvertida A Man Need A Maid   (Un hombre necesita una criada), canción tachada de machista y sexista por la gente que la juzga sobre la base de su título cuando en realidad de lo que habla la letra  es sobre los miedos de comprometerse en una relación estable o simplemente vivir sólo y contratar una ayuda específica.

Es uno de los dos temas donde colabora The London Symphony Orchestra  y nos sirve, además de escucharlo por el hecho de hacerlo por su calidad, para conectar con una versión realizada ahora, 50 años  después de su publicación, una revisión hecha por el grupo británico Tindersticks.

Tindersticks

No Treasure But Hope  fue el álbum que apareció en 2019 y en 2020, bajo el arco siniestro de la Pandemia, Tindersticks  se vieron confinados como el resto del mundo, sin poder avanzar en el proceso creativo.    Y sin embargo había material sobre el que trabajar.     Como es lógico no hubo margen posible para interpretar ese disco en directo y la actividad se vio reducida a trabajar en casa lo mejor que se pudo.    Algo tenían ganado a la hora de entrar en los estudios de grabación en este año 2021 y era la lista de canciones escritas y finalizadas que le dan forma a Distractions, el último disco de Tindersticks.  

No eran, ni son, canciones producto del bloqueo emocional motivado por el confinamiento.   Con la dinámica impuesta por la COVID-19 o sin ella, las canciones estaban pensadas  como son.    El aislamiento, lejos de interferir   negativamente       en el espíritu de las composiciones , estrangulándolas,   reforzó una elección creativa que ya estaba en su lugar y se aprovecharon esas limitaciones de movimiento que las circunstancias externas han impuesto para dedicarle más tiempo a limar asperezas, a terminar lo mejor posible una serie de temas que  se han creado a partir de figuras simples de guitarra, teclados, cajas de ritmo y bucles. 

Tres de las siete pistas del disco son versiones.    Una de ellas es precisamente esa A Man Need a Maid  original de Neil Young que hemos escuchado hace un momento y que sirve para recorrer a lo largo de tres cortes lo que es, cómo suena este nuevo trabajo de la banda   capitaneada por la voz personal de Stuart Staples, un disco que mantiene  el continuo crecimiento de este grupo único, de talento brillante.

Y así cerramos por hoy.    Espero que te guste el programa. 

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-28-09-21  

   
 

Cíclope 3.0 - 21-09-21

Guardian - Robert and Shana Parkeharrison

Fiel a su cita semanal, aquí está Cíclope 3.0 con fecha del martes 21 de septiembre de 2021, el día previo a la entrada del otoño que comenzó oficialmente ayer miércoles.  Ya se están cayendo las hojas y los días acortan las horas de luz.  Es un buen momento para escoger el cielo protector del Cíclope que, en el comienzo del programa de hoy, trae sonidos de bandas eminentemente nuevas formadas a finales de la década de los años 10 de este siglo y que se han puesto a desarrollar ideas, nuevos caminos en ésta década de los 20 en la que estamos.  Son proyectos, grupos, con miembros muy jóvenes como es el caso de la banda bautizada con el nombre de Black Country, New Road.

El hábito no hace al monje, reza el dicho popular, concedido, pero la primera vez que vi una foto del grupo pensé en una reunión de grupito de catecumenado, de esos que se plantean como tema a debatir: ¿Qué pide Jesús de mi?  O en la rama juvenil de algún partido político ultraconservador.  Vale, no los había escuchado aún y cuando lo hice se me cambiaron todos los esquemas y prejuicios porque Black Country, New Road son cualquier cosa menos conservadores y no se plantean los ideales de unos escaladores de listas de éxitos sino la elaboración de una música que no es fácil para ciertos núcleos de la audiencia general dado su eclecticismo donde se mezclan en una combinación sorprendentemente rica raíces de Post-Punk, Free Jazz, Klezmer y Math Rock.  Vamos por partes.

Banda de música klezmer

Klezmer es un género musical de raíz étnica originado por la tradición askenazi, los judíos asentados en la Europa Central y Oriental antes de las dos guerras mundiales.  Interpretada por grupos de músicos profesionales, la música klezmer consta de piezas instrumentales, melodías interpretadas en celebraciones festivas como una boda o un bautizo.  La barbarie nazi no consiguió exterminar esta vía de expresión de la cultura judía que perdura hasta nuestros días.

El Math Rock es otra forma de denominar lo que se conoce como Rock Progresivo donde se mezclan ritmos complejos y estructuras con continuos cambios de tiempo.  

Esto es algo básico en la forma de entender la música que tiene este septeto del distrito de Brixton, Londres, capitaneados por la guitarra y la voz de Isaac Wood (foto de la izquierda) completando la dotación de saxofón, teclados, batería, guitarra eléctrica, bajo y violín.

El grupo lanzó su álbum de debut, For the First Time, el 5 de febrero de este año 2021, un disco repleto de canciones de duración extensa que alternan entre momentos tranquilos y sonidos que delimitan un espectro de sierra de picos intensos.

Por si no los conocías, un par de temas sirven para que te hagas una idea de lo que son capaces de hacer.  Innegablemente originales.

 

Otra banda representativa de esos caminos nuevos que se van abriendo en este siglo XXI es el quinteto Squid (Calamar), originales de Brighton, en la Costa Sur de Inglaterra.  Con ellos me sucedió lo mismo que con la banda anterior, que vi una foto suya y no pude dejar de plantearme con prejuicios, lo reconozco, qué música podían hacer unos muchachos con esa pinta.

Squid

Y cuando los escuché se me cayeron todas las previsiones negativas.

Squid se formó en el año 2015 mientras sus cinco miembros estudiaban en la universidad.  Los unía la misma pasión, la música, y tenían una forma muy personal de entender las estructuras de una canción.  Ollie Judge (foto de la izquierda) canta y tocaba la batería.  La banda se completa con dos guitarras eléctricas tocadas por músicos que también cantan, un teclista encargado de los arreglos de cuerda donde sea necesario y algún instrumento de percusión y un guitarra bajo que maneja también los metales.  Escribían canciones con tranquilidad, con la calma que da hacer algo porque te lo pasas bien haciéndolo.  Pero un día, Ollie Judge se presentó con un periódico y un anuncio subrayado con bolígrafo: Se busca a músicos jóvenes para una noche de Jazz.  Montaron rápidamente una lista de canciones que tenían ensayadas y salieron a la carrera.  Algún miembro que quedó rezagado cogiendo su instrumento llegó a preguntarse qué tenían que ver sus canciones con el Jazz.  Porque lo que hace Squid es una mezcla de voces que cantan o gritan, guitarras de riffs angulares cargados de aristas, ángulos agudos, explosiones de metales y líneas de sintetizadores que, la verdad, poco tienen que ver con las formas del Jazz...pero tal vez sí con las maneras libres de este, aspecto en el que coinciden con sus medio paisanos Black Country, New Road.  El caso es que ese poliedro sonoro atrapó los oídos de la escena underground del Reino Unido, extendiendo el eco de su nombre por el sudeste y sembrando cosechas en viajes regulares a Londres.  

En el año 2020, tras firmar un contrato con el sello legendario de Sheffield Warp Records, Squid se meten en los estudios de grabación y dan a luz el álbum Bright Green Field (foto derecha) con la formación capitaneada por el batería y líder vocal Ollie Judge.  La producción corrió a cargo de Dan Carey, responsable del sonido, entre otros, de Fontaines D.C.  El disco se publica el 7 de mayo de 2021 pero no es lo primero que ve la luz porque el grupo lleva editando discos desde 2016 en formato de Single, en sellos independientes o en autoediciones, y siempre con una constante: composiciones de 8 ó 10 minutos llenas de tensión.  Tampoco les preocupa la comercialidad, hacen lo que les gusta: canciones que son un revoltijo salvaje de pensamientos cargados de vitalidad, derramando ira, confusión, humor, desapego e, incluso, alegría.  Si se venden los discos, bien, y si no...al menos que quede constancia de una búsqueda de verdadera libertad creativa con influencias directas y muy bien asimiladas de PIL, del Krautrock y otras raíces.  

A estas alturas a lo mejor te preguntarás: y toda esa trama de influencias catalogadas, Post-Punk, Free Jazz, Pre-Punk, PostPisPunk...y lo que quiera poner antes y después la industria fonográfica y todos sus adláteres, todos esos entramados de estructuras musicales...¿todo eso no está ya hecho, inventado?  Pero, ¡claro que sí! ¿quién lo duda?  Todo está hecho en cualquier rama del Arte, TODO, excepto lo que hay que hacer, lo que cada uno y cada una tenga que decir, algo que mezclar, recrear en su crisol personal, eso será Nuevo, porque esa metáfora, esa parte del devenir de las formas artísticas, de las formas que son extras, eso quedará como una aportación, como una nueva interpretación, una reinterpretación constante, contínua, de las maneras del inconsciente: maneras del que sueña, formas que olvida el que despierta y sin embargo las persigue, indesmayable, hasta dar con ellas...o eso cree, porque sigue, y sigue intentándolo... suscribiendo las palabras de Donovan: Catch the Wind, Atrapar el Viento.

Por eso suenan como nuevos Black Country, New Road, Squid y muchos más que pueden sonar o sonarán por aquí, por Cíclope 3.0 que ahora se para durante un par de temas en la música de uno de los músicos más influyentes de finales del siglo XX, el deslenguado de comentarios vitriólicos John Joseph Lydon, conocido como John Lydon, anteriormente Johnny Rotten.

 

Nació en Finsbury Park, Londres, el 31 de enero de 1956.  A los siete años, Lydon contrajo meningitis espinal y pasó medio año entrando y saliendo del coma.  Cuando finalmente se recuperó, la mayor parte de su memoria había sido borrada, y quedó con daños menores que eventualmente aparecieron en las características de su personaje escénico, por ejemplo: esa mirada penetrante, necesaria para que él pudiera enfocar correctamente los objetos, ahora se convertía en una impostura que ponía nervioso a quien se sintiera observado por él.  Demostró cualidades ingeniosas, creativas y sumamente individualistas que no eran necesariamente bienvenidas en el sistema escolar británico.  El cambio a una escuela estatal cuando era adolescente significó una mayor libertad de expresión y vestimenta, algo que el joven Lydon utilizó para cultivar el aspecto anti-moda que el punk popularizaría más tarde.  Nuestro hombre frecuentaba una tienda de ropa llamada Sex, que estaba dirigida por los aspirantes a gurús del rock & roll y provocadores Malcolm McLaren y Vivienne Westwood; McLaren arregló una cita para que Lydon hiciera una audición orientada a encontrar cantante para una banda que estaba formando llamada Sex Pistols.  La prueba de Lydon consistió en gritar, sin melodía, la canción Eighteen de Alice Cooper, y lo hizo con tanto garbo y señorío que fue contratado como cantante principal con el nombre artístico de Johnny Rotten.

Hay varias versiones del origen del nombre.  Él mismo afirma que fue otorgado por el guitarrista de los Pistols, Steve Jones, debido a sus dientes, que eran verdes en el momento en que se unió a la banda. Su interpretación era burlona, ​​arrogante y sarcástica, pero con una base inteligente de desilusión con el status quo político, social y musical. Si bien McLaren y los Pistols tenían ideas vagas sobre cómo provocar al público, fue la actitud y las letras de su vocalista las que proporcionaron la dirección, mientras cantaba Anarchy in the U.K. o se burlaba de la propia reina en God Save the Queen.  Disturbios callejeros con los defensores de la monarquía (a Rotten le apuñalaron en una mano por cometer tales herejías contra la Reina), los vericuetos tenebrosos por los que deambulaba Sid Vicious, la incompetencia musical y la flagrante mala gestión de McLaren, las tensiones cada vez más intensas entre el vocalista y el resto del grupo consiguieron que Rotten se sintiera más insatisfecho y frustrado.  Como guinda del pastel, el desastroso concierto en San Francisco de la gira estadounidense de 1978 tras el cual Sex Pistols desaparecieron.  Rotten vuelve a Inglaterra, deja el nombre artístico atrás y todo lo relacionado con el Punk.  Bandas como Wire o The Fall ya estaban experimentando con las nuevas posibilidades sonoras que había abierto el Punk que, para esas fechas, finales de los 70, ya se daba por concluido, acabado, y ahora lo que se estila es el Post-Punk.

Lydon recupera su apellido y su nombre y entre finales de 1978 y principios de 1979 funda PIL, Public Image Limited.

El gusto de Lydon por la música siempre se había inclinado hacia lo ecléctico y experimental: Can, Captain Beefheart, Reggae, Dub, además de sonidos exóticos de Asia y Oriente Medio.  Pero Public Image Ltd. le dio la oportunidad de combinar todo eso con el Rock.  Los primeros esfuerzos de PiL como Metal Box, también conocido como Second Edition, y Flowers of Romance fueron artísticos y altamente experimentales, y al mismo tiempo comercialmente solventes en Inglaterra, incluso a pesar de una reacción violenta de los puristas del Punk.  A medida que el personal de la banda cambiaba (Jah Wobble, John McGeoch entre otros) Lydon dirigió su sonido hacia un Dance-Rock más accesible, con protagonismo para las guitarras en discos como Album y Happy ?, lo que ayudó a que el grupo ganara seguidores entre los fanáticos del rock alternativo estadounidense durante mediados y finales de los 80, otra vez a pesar de las críticas de quienes preferían los primeros esfuerzos más desafiantes del grupo.  El último álbum de PiL, That What Is Not, fue lanzado en 1992 y recibido con críticas poco alagadoras.  Lydon se tomó un tiempo para escribir sus memorias, publicadas en 1994 con el título Rotten: No Irish, No Blacks, No Dogs.  Memorables sus opiniones sobre la Historia del Rock donde, con su lengua de saliva vitriólica, no dejaba títere con cabeza: afirmaciones rotundas como en la que aseguraba que David Bowie no había hecho otra cosa que copiar a otros músicos, entre ellos a Peter Hammill de quien había plagiado el tono dramático y operístico habitual en Hammill.  En cuestión de semanas disolvió Public Image Ltd., aparentemente para seguir una labor en solitario que tardó un tiempo en cristalizar en forma de grabación: 1997 vio el lanzamiento del primer álbum en solitario de Lydon, Psycho's Path.  Si bien la música se basaba en la guitarra y era bailable, en la tradición de los últimos PiL, también intentó incorporar algunas de las innovaciones de la ola electrónica que había tomado forma desde su último esfuerzo con su último proyecto.

El álbum vio la luz en Inglaterra el 30 de junio de 1997.  Presentaba unos créditos reducidos a lo mínimo: la portada era responsabilidad de Lydon, partiendo de una foto que se hizo él mismo, realizó un montaje incluyendo en el interior de la carpeta del disco los textos de las canciones escritos por él a mano.  Tocó casi todos los instrumentos exceptuando las guitarras y los teclados de los que se ocuparon Martin Lydon y Mark Saunders.  El disco estaba compuesto originalmente por 10 canciones pero el sello Virgin en el que apareció le propusieron incluir más pistas para alargar tanto la duración como para intentar llegar a un público más amplio, más electrónico, y precisamente para eso para atraer a una audiencia más moderna se incluyeron en el álbum una serie de mezclas y versiones realizadas y producidas por The Chemical Brothers y Moby, dos con producción del dúo británico Leftfield y una por el productor Danny Saber.

Psycho's Path suena más vivo y ambicioso que el último puñado de álbumes de Public Image Limited, y ciertamente más vital que la reunión en 1996 de Sex Pistols, por lo que es una especie de regreso respetable.  El Cíclope recupera 2 temas del disco en cuestión.

Y nos situamos ya en la recta final del programa que está ocupado por una banda sevillana: Casas y La Pistola.

Casas y la Pistola (de izquierda a derecha) Dani Losada, Paco Sequeiros,
Jose Casas, Julio Zabala y Álvaro Márquez

Jose Casas es un compositor, guitarrista y cantante que comenzó allá por los años 80 en la legendaria banda de Power Pop sevillana HELIO.  Es un músico a quien me une un profundo sentimiento de amistad porque fue uno de los primeros guitarristas-compositores que conocí cuando comencé a hacer programas de música en la Radio allá por 1982.  Creo que lo he comentado en alguna que otra ocasión: hablábamos mucho por teléfono sobre grupos, músicos...compartíamos la misma pasión por The Clash, entre otras admiraciones, y me quedé sorprendido el día que me enteré que él también se dedicaba a la noble creación de hacer canciones.  Casas ha pasado por diferentes formaciones: Arden Lágrimas, Relicarios, Sapristi Poing!...

En el año 2003 aparecería su primer trabajo en solitario firmado con su nombre y apellido, Plasticland,

para en el año 2007 dar paso al proyecto Jose Casas y la Pistola de Papá.

Entre los años 2010 y 2011 publican Scampa!! Vol. 1   y  Scampa?? Vol. 2  

Dos años después, en 2013, vería la luz Canciones de kilómetro cero con versiones en castellano de canciones originales de Bob Dylan o Psychedelic Furs, algunas de las figuras favoritas de Casas.  En 2016 se publicaría Memorias de una pistola invisible, recibido con muy buenas críticas por parte de los medios especializados.

Este Memorias de una pistola invisible no se pudo presentar hasta el año 2017 debido a la baja del batería, Tony Gavilán, aquejado de problemas en la espalda.  Sería sustituido por Francisco J. Sequeiro, miembro actual de la banda.

En 2018 el grupo vuelve a la carga rebautizando el nombre del proyecto: de Jose Casas y la Pistola de Papá pasan a un formato más manejable, Casas y la Pistola, siguiendo con la estructura de cuarteto: Jose Casas guitarras y voz, Julio Zabala teclados y coros, Álvaro Marquez bajo y Paco Sequeiros en la batería y en los coros.  Antes de continuar quiero reseñar una cosa y es que Jose Casas no es un músico, un solista que se reúne de otros músicos para sacar adelante sus ideas.  No es una figura solitaria más unos contratados, unos mercenarios que se pueden cambiar dependiendo de las necesidades creativas del líder.  A pesar de ser el responsable principal de la autoría de las composiciones, Casas es un coordinador, un pararrayos que recoge la energía originada por la interrelación de la creatividad de los componentes del grupo y la proyecta hacia fuera hecha una mezcla, mezcla que tiene perfiles de la música que les gusta, de la pasión por diferentes estilos que comparten.  Cada componente tiene algo que aportar y su función no es simplemente la de ser músicos de estudio contratados para el caso.  Ya sea Jose Casas y la Pistola de Papá o Casas y la Pistola pueden sonar con matices sesentones, psicodélicos, o como sucede en el EP Padrino Buffalo 1, abrazar un Dance Punk que oscila entre la New Wave y el Post Punk.

Así que, con su nuevo nombre, publican un EP, Padrino Buffalo 1, primera entrega de una trilogía prometida.

En 2019, entre los meses de febrero y junio, se graba la segunda entrega de la trilogía Padrino Buffalo, Padrino Buffalo 2 donde, al formato cuarteto, se le ha sumado en el año 2018 un quinto miembro, el guitarrista Dani Losada, que también hará coros.  Este hecho, la entrada de otro guitarra, es muy importante porque va a liberar a Jose de la multiplicidad: cantar y tocar la guitarra principal.  Se va a poder concentrar más en la actividad vocal además del enriquecimiento que conlleva la participación de un guitarra como Losada, de alma eléctrica y rockera, lo que va a suponer que los colores de la paleta musical de la banda se amplíe considerablemente.

Lo primero que conocimos de este trabajo fue un single, La vida según Johnny Rotten.

Para promocionar el tema Casas trabaja en la realización de un videoclip a medias con sus amigos del colectivo Despeina Dos de las mejores fotografías de la banda y de otros muchos grupos.  El video, por si no lo conoces, te lo dejo aquí:

https://www.youtube.com/watch?v=mGHI8cDq7Ek 

Este EP de cinco canciones estaba previsto que apareciera el año pasado, 2020, pero la Pandemia dio al traste, como en tantos casos de otros músicos, con la idea de publicar y presentar el trabajo en vivo.  Casas y la Pistola han tenido que esperar hasta este año 2021, en concreto hasta el viernes 17 de este mes de septiembre, para poder defender las canciones del EP en vivo en Sevilla, en la Sala X.

Como en tantas otras ocasiones, no pude asistir al concierto por encontrarme fuera de Sevilla pero la próxima vez estaré allí con ellos.

Reseñar también que Casas está en un proyecto paralelo a la banda que nos ocupa la recta final de Cíclope 3.0 y es el colectivo llamado The Village Green Experience surgido en el año 2008 en honor de The Kinks y en celebración del 40 aniversario del álbum The Kinks Are The Village Green Preservation Society de 1968.

Versiones de temas originales de Ray Davies en formato larga duración y Singles

 Siempre he admirado una cosa en Jose Casas: su constancia, su continuidad laboriosa en la creatividad.  Eso, es algo encomiable.  Y te digo más: te voy a descubrir parte del andamiaje y tornillería del programa de hoy.  Sabes que al Cíclope le entusiasman los juegos de las cestas de cerezas: tomas una y salen dos o más enganchadas.  Eso es lo que él hace con la música: va ensartando las canciones como cerezas, tiras de Johnny Rotten y sale La vida según Johnny Rotten.  Desde que conocí el EP Padrino Buffalo 2 quería ponerlo en el programa pero no encontraba bien el punto de encaje, así que me lo planteé desde el final hacia el principio, para poder montarlo, y así, de Casas y la Pistola a John Lydon por lo de Rotten, de Lydon al sonido de bandas actuales que heredan, en parte, la labor de Lydon en el seno de PiL, y aparecen Squid y Black Country, New Road.  Ahora los ordeno al contrario, para que Casas y la Pistola suenen con cuatro canciones y además como las estrellas principales de la edición.  Hecho.  Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/index.php/blog/ciclope-30-21-09-21

Cíclope 3.0 - 14-09-21

 

Sombras de Septiembre

Cíclope 3.0 del martes 14 de septiembre de 2021.

Tal y como se anuncia en la presentación, el programa está dedicado al noveno mes del calendario gregoriano, canciones o nombres artísticos que hagan alusión al ínclito mes, umbral del otoño.  Y para empezar, September Song, en la voz de Ian McCulloch.

Ian Stephen McCulloch, el que fue fundador de la banda Echo & The Bunnymen junto a Will Sergeant allá por 1978, comenzó a grabar discos en solitario sobre 1984 y lo hizo publicando un Maxi-Single, September Song, versión de una composición original de Kurt Weill en la música con letra de Maxwell Anderson.  Es una canción que fue interpretada, entre otros, por Bing Crosby en 1943 y por Frank Sinatra en 1946.  La versión realizada por McCulloch cuenta con los arreglos de cuerda del compositor y músico inglés David Bedford (1937-2011).

Fundado en el año 1979 en Birmingham, Inglaterra, Felt (foto anterior) estaba formado por su alma-máter, el guitarrista Lawrence Hayward (en la foto primero por la derecha), más la guitarra de Maurice Deebank (sentado junto a Hayward) y el batería Gary Ainge.  Después se sumaría un guitarra bajo.  Firmarían con el sello Cherry Red y publicaron cuatro LPs de música instrumental entre 1982 y 1985.  El primer álbum no instrumental apareció en otro sello, Creation Records, del guitarrista Alan McGee, y llevaba por nombre Forever Breathes The Lonely Word.

Forever Breathes The Lonely Word - 1986

En este LP ya no estaría el guitarrista Maurice Deebank que, tras su marcha de la banda siguió dedicado a la música pero en solitario, sin tener que soportar personalidades egotrónicas como la de Lawrence Hayward, que hablaba de sí mismo en tercera persona, es decir, cuando se ponían a debatir sobre la estructura de una canción, de los acordes, él decía: Creo que Lawrence no está de acuerdo con eso.  Él tiene otras ideas al respecto.  El resto del grupo le decía: 

-Es que tiene una forma de concebir un tanto...estrecha.

-¿Quién?

-Pues tú.

-¿Yo?

-Sí, tú, Lawrence.

-¡Ah! ¡Él!

Forever Breathes The Lonely Word contó además con la colaboración de un organista como Martin Duffy, un hombre que tocaría con bandas como Primal Scream o The Charlatans.  El álbum incluye September Lady, una canción que viene perfectamente para el programa de hoy.

Para seguir ilustrando musicalmente este mes de Septiembre nos trasladamos ahora hasta Memphis, Tennessee, para quedarnos con la banda Big Star.

Big Star

Big Star se formó en 1971 contando con el guitarrista y cantante Chris Bell (en la foto superior, primero por la izquierda), el bajista Andy Hummel, el batería Jody Stephens y el guitarrista y cantante Alex Chilton (a la derecha en la foto).  Aunque los cuatro componían y cantaban, la mayoría de las canciones del grupo fueron compuestas e interpretadas por el binomio Bell/Chilton que formaban un equipo creativo similar al de Lennon/McCartney.

Big Star, sinónimo de Power-Pop poderoso, responsables de LPs como el que firmaban en 1974 con el título Radio City y que incluía temas como el que recupera el Cíclope para esta ocasión: September Gurls.

Septiembre  Triste es el título de una canción firmada por un cuarteto llamado The Lucy Show.

Siempre pensé que el nombre de la banda lo habían sacado de aquella serie norteamericana de TV de finales de los años 50 principios de los 60 del mismo nombre, protagonizada por Lucille Ball, sin embargo no es así.

El grupo comenzó cuando dos músicos canadienses, Mark Bandola, nacido en Winnipeg, Manitoba, y  Rob Vandeven, nacido en Olds, coinciden en la Escuela Secundaria de Calgary, se hacen amigos, crecen compartiendo la pasión por la música, se hacen mayores y se trasladan desde Canadá a Inglaterra, a Londres.  Bandola se marcha en 1978 y estudia en la Escuela de Arte de la capital británica; Vandeven se movería un año después, en 1979, de vacaciones y se quedaría a vivir en el Reino Unido.

Rob Vandeven (izquierda) y Mark Bandola florecen como grupo en Londres sobre 1982 con formato de trío: Bandola como compositor y guitarrista, 

Vandeven cantando y tocando el bajo y un batería que después sería sustituido por otro músico y el añadido de un cuarto miembro.  Como trío se bautizaron como Midnite Movie, como cuarteto se rebautizaron como The Lucy Show, que no tenía nada que ver con la serie de televisión y que escogieron porque, sencillamente, sonaba divertido.  Además la madre de Vandeven se llamaba Lucy y se empecinó en hacer lo posible porque el grupo adoptara ese nombre.  Y así bajo dicha forma aparecerían LPs como Mania, de 1986, que incluye Sad September.

  

Vamonos ahora con algunas voces femeninas para ilustrar canciones referidas al noveno mes, como por ejemplo la de Marianne Faithfull.

Para su primer álbum de estudio compuesto principalmente de material original en más de una década, (1995), Faithfull reclutó al destacado compositor Angelo Badalamenti con la intención de que escribiera música para sus letras y para que produjera el resultado final, si resultaba convincente.  Y sí que lo fue, sí.

Con las mejores herramientas creativas de Badalamenti, es decir, cuerda envolvente y atmoférica, arreglos dotados de una melodía misteriosa, con unas señas de identidad que recuerdan otros trabajos suyos, Badalamenti supo certificar los textos de Faithfull y acoger su voz rota, dando como resultado final temas como Flaming September.

Otra mujer haciendo una semblanza del mes protagonista del programa de hoy, Annie Lennox.

Dotada de una sensibilidad extraordinaria, con un bagaje rico y amplio en el mundo de la música, Lennox, en el año 2014, publicó un álbum de versiones de temas estándar del Jazz, del Pop, del R & B...  se encarga del piano, piano eléctrico, flauta, percusión, comparte la actividad de los arreglos de las distintas composiciones con el productor del álbum Mike Stevens.  Y, por supuesto, canta.  Un año después, en 2015, aparecería con la misma portada otro disco que incluía este grabado en estudio y un DVD con actuaciones en vivo que recogen la interpretación de otras canciones.  Esa segunda edición lleva por título Nostalgia.  An Evening with Annie Lennox.  Tanto en un disco como en otro viene la canción que escogemos, una composición que, allá por 1956, interpretaron el grupo de color The Platters, un clásico titulado September in the Rain.

 
De todas las canciones que suenan en el espacio de hoy, la que lo hace ahora es la más breve: un minuto y dieciocho segundos.  Es todo lo que necesita David Sylvian.

Sylvian, en 1987, publicaba su cuarto LP firmado con su nombre y apellido: Secrets of the Beehive.  A sus espaldas la labor realizada como vocalista y compositor con la banda Japan.  Después sus colaboraciones brillantes con Robert Fripp, Holger Czukay...  Y las colaboraciones de estos en los álbumes en solitario de Sylvian.

En este caso las colaboraciones fueron de antiguos colegas de música y amigos como Mark Isham en la trompeta y el fliscornio y la estrecha intervención creativa de Ryuichi Sakamoto encargándose de los arreglos de cuerda, de viento, del piano.  La portada corrió a cargo del equipo de diseño 23 Envelope  y especialmente de un diseñador que trabajó durante tiempo con el equipo, Vaughan Oliver.  La producción del disco estuvo compartida entre Steve Nye y el mismo Sylvian.  La canción September como he dicho sólo necesita los arreglos de cuerda de Sakamoto y el piano y la voz de Sylvian cantando su semblanza del mes.

De la calma y serenidad de Sylvian a una banda original de Suecia, de la ciudad de Gotemburgo, que incluyen el nombre del mes que hoy nos ocupa como parte del nombre del grupo: September Malevolence.

Originalmente comenzaron con estructura de cuarteto, actualmente creo que quedan tan solo tres miembros capitaneados por la guitarra de Martin Lundmark (en la foto, primero por la izquierda).  Se dieron a conocer en el año 2004 con un Single de debut al que le siguieron otros sencillos y sobre todo tres álbumes entre 2005 y 2011.  En el año 2008 se publicó After This Darkness, There's a Next.  Se les cataloga como banda de Post-Rock, dotada de guitarras potentes y es cierto: comienzan muy tranquilos para ascender como un soufflé de pasión alcanzando momentos muy buenos como el que rescatamos, el tema The Descent.

La naturaleza, durante el mes de septiembre, comienza a distribuir colores sobre su paleta que anuncia la cercanía del otoño y entre otras tonalidades los rojos anaranjados van a desempeñar un papel muy importante.  Un dúo de los años 80, aún vigentes en el plano de la música, que responden al nombre de Eyeless in Gaza, titularon su álbum de 1983 con el nombre Septiembre Rojo Óxido e incluyeron una canción que hablaba de las colinas de septiembre.

 

Los dos miembros del dúo Eyeless in Gaza, Martyn Bates, izquierda, y Pete Becker derecha

Siempre pensé que el nombre del dúo, Eyeless in Gaza, venía de la obra Sansón agonista de John Milton publicada en 1671 y que trata sobre los últimos días de uno de los Jueces de Israel, Sansón, que permanece ciego atado a una rueda de molino triturando trigo para convertirlo en harina.  Pero no es así, el nombre del dúo viene de la obra homónima de Aldous Huxley, Ciego en Gaza (Eyeless in Gaza) publicada en 1936 y que trata el conflicto entre lo intelectual y lo sexual y su resolución a través del misticismo.  Creo que un día de estos vamos a elaborar uno o dos programas Especiales para repasar la música de estos dos músicos británicos particularmente interesantes.

Nos quedamos en Inglaterra, en concreto en Bristol, para asistir a un encuentro.  September Rendezvous lo titulan sus creadores, un trío que responde al nombre de Ilya.

Ilya es una creación del compositor Nick Pullin (en la foto, primero por la izquierda), la cantante Joanna Swan y el guitarra bajo Dan Brown que en la foto ya sabes qué posición ocupa.  Es un grupo que se dieron a conocer a través de anuncios publicitarios de televisión porque una reconocida marca de cosméticos utilizó una canción suya.  El eco hizo que una amplia audiencia se interesara por ellos y llevan desde el año 2003 en acción.  Lo último que se supo de ellos fue en 2016.  Somerset, disco aparecido en 2006, es el que incluye esa September Rendezvous que suena en el programa de hoy.

Estamos en la recta final del espacio de hoy y continuamos en Gran Bretaña, ahora con uno de esos grupos que cultivaron un Pop-Rock eminentemente sereno y tranquilo: The Pale Fountains.

También conocidos sin el artículo, Pale Fountains fueron defensores de un Pop calmado a principios de los años 80.  Llegaron desde Liverpool, ciudad musical por antonomasia, en el año 1981, con el cantante, compositor y guitarrista Michael Head al frente.  El grupo grababa su primer LP en 1982 titulado Pacific Street.  Por ciertos imponderables el álbum no saldría hasta 1984.  Un segundo disco vería la luz en 1985 y ese es el que nos sirve para seguir con otra canción septiembrentera: September Sting aparecía como parte de ...From Across the Kitchen Table.

  

Y ya sí llegamos al punto y final por hoy y lo hacemos con un músico querido, muy querido por el Cíclope: Robert Wyatt.

Infatigable en su constancia, a pesar del accidente que le dejó en una silla de ruedas que le impidió seguir tocando la batería, Robert Wyatt continuó y sigue haciendo música, tocando el piano, la trompeta...lo que sea.  Sigue cantando, con uno de los timbres de voz más peculiares que se conocen.  En 1997 publicaba el álbum Shleep rodeado de colegas del mundo de la música y amigos dispuestos a transitar por los caminos de la diversidad si les solicitaba su presencia un músico como Wyatt.  En el disco intervienen, entre otros, Brian Eno, Paul Weller o Phil Manzanera.  El tema que sirve para cerrar este Especial Mes de Septiembre, el titulado September the Ninth, El 9 de septiembre que he traducido en la locución como Septiembre el noveno mes (¡qué cabeza!) tiene la intervención de Evan Parker en el saxo tenor y Annie Whitehead en el trombón.

Evan Parker

Annie Whitehead

Robert Wyatt canta, toca los teclados, la guitarra bajo y la percusión.  Final repleto de armonías plateadas, habituales en la música de este veterano de la música.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-14-09-21