Cíclope 3.0 - 17-12-24

 

Ya estamos a pocos días de la Navidad y a la vuelta de la esquina está el año nuevo.  Hoy es el último Cíclope 3.0 de 2024 porque, como bien sabes, el equipo del programa descansa en estos próximos días de celebración, donde se desarrollan folletinescas cenas y almuerzos de rotundas apariencias con prolongadas sobremesas, donde las flatulencias y el espíritu saturnal que dan los vinos y licores desembocan en discusiones beligerantes subidas de tono.  Viene la Nochebuena, el Día de Navidad, la Noche Vieja, el Día de Año Nuevo, la Noche y la Mañana de sus Majestades de Oriente, los Reyes Magos, y al día siguiente, martes 7 de enero de 2025, volverá Cíclope 3.0  Por ahora nos quedan los sesenta minutos del espacio de hoy que comienzan con un álbum muy querido del que el próximo año se cumplen los 50 años de su publicación.  Estoy refiriéndome a The Lamb Lies Down On Broadway de la banda Genesis.

Las referencias literarias son evidentes en los discos de Genesis: Nursery Crime contiene una de esas mini-suites (The Musical Box) a las que tanto aprecio le tenía el grupo, con ese mundo onírico que lo entronca con la tradición británica de narraciones para niños y no tan niños.  Foxtrot se presentaba con una composición extensa, Supper's Ready, donde la estructura de suite academicista adquiere una realidad completa.  Selling England by the Pound continuaba en esa búsqueda de unión entre texto y música, Gabriel y compañía, sobre todo él, mostraba un interés claro y transparente por hacer, montar, realizar un álbum conceptual.  Y fue precisamente el disco publicado el 18 de noviembre de 1974 con el título The Lamb Lies Down On Broadway el que cubrió esas expectativas que tenían Gabriel y compañía.

Las canciones del disco están unidas por la historia de Rael, la historia 

tortuosa y escurridiza de un estafador puertorriqueño que se abre camino en la ciudad de Nueva York.  Ese guión es el que se va desarrollando a lo largo de las composiciones que forman el álbum y que pasan por las formas del rock, del pop, con maneras a veces experimentales...  El libreto de la historia aparece en la carpeta del LP en el interior central, y comienza diciendo:

Mantén tus dedos fuera de mis ojos.  Mientras escribo, me gusta mirar las mariposas de cristal que hay por las paredes.

Los textos de Gabriel siempre han sido especialmente oscuros, herméticos.  Y en este caso no lo iban a ser menos.  Sin embargo una vez más la música no comparte esa oscuridad, sino que se abre en una multiplicidad estética extraordinaria.  Ópera Rock, en definitiva, que cumplía esa idea puesta en un horizonte nada lejano: Genesis firmaba un disco conceptual.  Pero en Gabriel persistía la idea de pasar todas esas imágenes que sugiere la historia al Cine.  Hizo algunos intentos para desarrollarla en una película dirigida por William Friedkin (1935-2023) pero se quedó en eso, en un intento que no llegó a materializarse.  Las únicas imágenes que adquirieron realidad fueron las que aparecen en la portada del disco, un magnífico montaje debido al grupo de diseño artístico británico Hipgnosis.  Este colectivo de diseño se especializó en crear portadas para discos de músicos y bandas de rock.  En un espacio corto de Tiempo también diseñaron logotipos, camisetas, pegatinas, carteles, libros y otro material de carácter promocional.  Sus fundadores, en 1968, fueron Storm Thorgerson (1944-2013) y Aubrey Powell, también conocido como Po.  El nombre de Hipgnosis apareció una mañana garabateado en la puerta de entrada del estudio de Storm y Po.  La noche anterior alguien lo había escrito y ese alguien fue Syd Barrett, que fue uno de los primeros en disfrutar de un diseño del colectivo como fue la portada del disco de Pink Floyd de 1968, A Saucerful Of Secrets.  Seis años después el grupo de diseño Hipgnosis realizarían esta otra carpeta que nos ocupa ahora, publicada el 18 de noviembre de 1974.  Te preguntarás si esa fue la fecha de publicación, por qué para celebrar el 50 aniversario lo hacen en el año 2025 y no el pasado mes de noviembre que es cuando de verdad se conmemoró su edición.  Pues porque en 1975 es cuando se produjo la gira internacional de Genesis promocionando el nuevo trabajo, gira que les llevó por tres cuartas partes del mundo, incluyendo España, donde interpretaron íntegramente el nuevo LP.  Así que la fecha es 2025 y será el 28 de marzo del inminente 2025 cuando vea la luz la edición especial de The Lamb Lies Down On Broadway.

La edición cuenta con dos formatos con el mismo contenido: edición en vinilo en 5 LPs de vinilo y 1 Blu-ray; edición en compact-disc en 4 CDs y 1 Blu-ray.  Hay también una versión digital que incluye una mezcla Dolby ATMOS realizada por Bob Mackenzie y supervisada por Peter Gabriel y Tony Banks en el estudio personal de Gabriel, Real World Studios.  Para la edición se ha contado con la mezcla original del álbum, remasterizada en Abbey Road Studios por el ingeniero de sonido Miles Showell a partir de las cintas analógicas de 1974.  Esta nueva edición además incluye el concierto completo The Lamb Lies Down On Broadway - Live At The Shrine Auditorium en Los Angeles, con fecha 24 de enero de 1975.  Entre el material no musical incluido en la caja se encuentra un librito de 60 páginas con notas del periodista Alexis Petridis, que entrevistó a los entonces cinco miembros de la banda para contar la historia del álbum desde las sesiones de composición hasta las presentaciones en vivo.  El libro también presenta imágenes de Armando Gallo, Richard Haines y otros fotógrafos destacados.  Por último, la caja incluye una réplica del programa de la gira de 1975, una entrada y un póster.  Lo único que queda por saber es el precio del lote completo que, imagino, no va a ser muy barato.  Por nuestra parte vamos a recuperar tres cortes del álbum: el tema de apertura, The Lamb Lies Down On Broadway, Carpet Crawlers y The Lamia.  De Genesis nos pasamos a una banda que británica que admiraba a sus paisanos, el quinteto bautizado con el nombre de Marillion.

El grupo se formó en Aylesbury, Inglaterra, en 1979 y adoptó su nombre original, Silmarillion, del título de una novela de J.R.R. Tolkien, El Silmarillion, una recopilación de su obra realizada por su hijo Christopher Tolkien. Inicialmente, la banda tuvo formato de cuarteto: guitarra, bajo, teclista y batería.  Tras la grabación de una demo instrumental decidieron buscar un quinto miembro que se encargara de la parte vocal y se convirtieron en quinteto cuando al proyecto se sumó Derek William Dick, original de Edimburgo, Escocia, apodado Fish.  Es curioso, Chris Squire (1948-2015), guitarra bajo de Yes, también se apodaba Fish.  Bueno, tras la digresión volvemos al punto en el que estábamos.  Derek William Dick, alias Fish (en la foto anterior, el hombre del centro en la línea de tres), estaría al comienzo, en los primeros trabajos de Marillion.

El debut de la banda se realizó en 1983 con la publicación del LP Script for a Jester's Tear, Guión para La Lágrima del Bufón, un disco que sonaba a Genesis no sólo por la voz de su cantante sino también por la estructura instrumental, por el sonido completo.  Tuvo detractores, fieles admiradores de la voz personal de Peter Gabriel, que se sentían heridos por descubrir la no exclusividad de las características del cantante de Genesis y por esa guitarra que, en algunos momentos, podía ser la de Steve Hackett.  Pero Marillion también sembró una larga lista de seguidores y de hecho se convirtieron en una especie de renovación del Neo-Progresismo británico.  Recuperamos un corte del grupo de aquel primer disco, la canción Chelsea Monday.

No sé si lees el contenido de la entrada antes o después de haber escuchado el programa.  O tal vez durante.  Lo digo porque lo que suena a continuación, en la locución del programa, advierto que no añado más datos a la presentación para no condicionarte la escucha.  Ahí sigo fielmente la sugerencia que me hizo mi amigo el músico Roberto Sánchez Fransesch, cuando me dio a conocer al grupo Citizen Cain.  No los conocía y él me enseñó un disco pero no me dio más pistas, tan solo que a él le gustaban.  Que tienen más discos además de ese que me mostraba y que no añadía más para no condicionarme.  Citizen Cain se forma en Londres en 1982 como trío capitaneado por el músico escocés George Scott, alias Cyrus, encargado de la guitarra bajo y voz.  Los otros dos miembros se encargarían de la batería/flauta y la guitarra eléctrica. Actúan en vivo, no graban ni una demo, pero son bien acogidos tanto por la crítica local como por la audiencia.  Y a pesar de ello, se separan en 1988.  En 1990, el guitarra bajo Cyrus reactiva el proyecto Citizen Cain y vuelve el formato de trío hasta ampliarse a quinteto.  Desde entonces oscilarán entre 5 ó 3 ó 4 miembros, siempre con la presencia de Cyrus.  En 1991 se graba la primera maqueta del proyecto y un año después, en 1992, aparecía su primer álbum, Serpents In Camouflage.  Desde entonces mantienen una cadencia de publicación entre disco y disco de uno, dos años, cinco, diez años, como sucede con el disco que vamos a escuchar, Skies Darken, de 2012, y su anterior, Playing Dead, de 2002.

La duración de las composiciones es algo que manejan también dependiendo del tiempo que necesiten para expresarse por lo cual algunos cortes duran 5 minutos y otros llegan a los 23 minutos.  El que suena está en un punto medio, en 13 minutos, casi 14, se titula Lost In Lonely Ghosts y dejan muy claro de donde les vienen las influencias porque Citizen Cain suenan a Genesis, Jethro Tull, Camel, a veces hasta hay teclados con referencias a Emerson, Lake & Palmer.  Pero no es imitación, ni mucho menos, son influencias, son puntos de fuga, que suenan francamente bien.

Estamos en la recta final del programa de hoy y nos vamos a despedir con maneras de rock progresivo con una banda surgida a principios de este siglo XXI, en concreto en el año 2000, en Varsovia, Polonia.  No es la primera vez que suenan en Cíclope 3.0, se llaman Riverside y recuperamos un álbum firmado en el año 2018 con el título Wasteland.

Esta tierra yerma, tierra baldía, Wasteland, tiene cortes como Lament dentro de la línea de trabajo habitual del cuarteto.  

Desde el principio, Riverside cuenta con un miembro fundamental que es el motor del proyecto, Mariusz Duda (en la foto anterior el que tiene gafas).  Voz y guitarra bajo, se convirtió también en guitarrista cuando, en 2016, el guitarrista Piotr Grudziński (primero por la izquierda) perdía la vida por un infarto de miocardio.  Esto provocó una sombra oscura sobre la existencia del grupo, que se quedó como trío.

 

En el estudio, Duda, además de cantar y de tocar la guitarra bajo, también tocaba la guitarra eléctrica.  Pero en las actuaciones en vivo era bastante complicado por no decir imposible que tocara los dos instrumentos, así que buscaron a un guitarrista suplente para el trabajo en directo.  Contactaron con Maciej Meller, guitarrista polaco, que desde el 25 de febrero de 2017 comenzó a tocar en los conciertos y a colaborar en los álbumes de estudio del grupo.  En 2020, Riverside anunció en su página web que Meller se había convertido en miembro oficial de la banda.

Maciej Meller, guitarra de Riverside,
primero por la derecha

La próxima vez que suenen Riverside aquí en Cíclope 3.0 intentaremos que suenen también los proyectos paralelos a la banda, los discos de Mariusz Duda y de Maciej Meller.  Por ahora nos despedimos con River Down Below, también incluido en Wasteland.  Espero que te guste el programa.

Te recuerdo que nos marchamos de vacaciones de Navidad y que volveremos el primer martes de enero de 2025 que será día 7, el día después de la mañana de los Reyes Magos.  Feliz Navidad y Salud y Libertad para el año nuevo.  Sé feliz.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-17-12-24

Cíclope 3.0 - 10-12-24

Una instantánea del drama lírico
La puerta y la muerte,
original de Hugo von Hofmannsthal (1874-1929).  El actor Anton Walbrook (1896-1967), desfallecido, se recupera gracias al consuelo de la música. 

Cíclope 3.0 del martes 10 de diciembre de 2024.  Comenzamos recuperando la figura de una mujer, la cantante y compositora británica Sandy Denny.

Su nombre era Alexandra Elene McLean Denny pero sería conocida como Sandy Denny.  Nacía en 1947 en Wimbledon, Londres.  Siendo una niña tomó lecciones de piano y se interesó por el canto a una edad temprana.  Sería después, mientras estudiaba para ser enfermera cuando comenzó a dedicarse seriamente a la música a mediados de los años 60, cuando entabla amistad con un par de hombres llamados Paul Simon y Art Garfunkel, un dúo que pasaba por un mal momento económico mientras intentaban vivir de la música.  Ellos dos espolearon a su amiga para que sacase todo ese potencial que manifestaba tener.  Una energía Folk entroncada con las raíces más tradicionales pero dispuesta a abrirse a otras formas.  Ese potencial considerable comenzó a despuntar cuando en 1967 graba un disco con la banda inglesa The Strawbs, posteriormente simplificado el nombre a Strawbs.  En aquel disco, que se reeditaba más tarde en 1973 como Sandy Denny and The Strawbs.  El debut de Denny se había producido antes de que grabara con el grupo de paisanos, pero con la banda logró que sus composiciones adquirieran un perfil que sonaba enriquecido por los arreglos de Folk-Rock realizados por Strawbs, que cultivaban el género.  Con el grupo incluyó su primer éxito, Who Knows Where the Time Goes.  El reconocimiento internacional le llegó cuando Judy Collins realizó una versión del tema a finales de los años 60.

Su voz, su forma de cantar, hizo que se interesaran por ella bandas inglesas que trabajaban la música folk como fue el caso de toda una institución en el campo del Folk-Rock: Fairport Convention.

Fairport Convention en el año de su fundación, 1967.  De izquierda a derecha:
Martin Lamble, batería, Simon Nichol, guitarra, Judy Dyble, voz, Richard Thompson, guitarra, Iain Matthews, guitarra y Ashley Hutchings, guitarra bajo.

En el grupo cantaban todos aunque las voces principales eran Judy Dyble e Iain Matthews.

En mayo de 1968 la voz femenina dejó el grupo y fue sustituida por Sandy Denny.  Judy Dyble, en la foto de la izquierda, pasó a trabajar con Giles, Giles and Fripp.  Nacía en 1949 y fallecía en 2020.

El tema que le da título al LP Rising for the Moon de Fairport Convention de 1975, es el corte con el que iniciamos hoy Cíclope 3.0, una de las ocasiones en las que Denny intervenía en la producción de la banda.  Entraba, salía, se tomaba un descanso, volvía a interactuar con el grupo...  La primera vez que se sale de las filas de Fairport Convention sería en 1970 y lo hizo para ponerse al frente vocal del quinteto Fotheringay, otro eslabón en la cadena de proyectos dedicados al Folk-Rock.

Fotheringay.  Detrás de Sandy, el que fue su esposo, Trevor Lucas, cantante folk, guitarrista, compositor, productor e ingeniero de sonido australiano (1943-1989) que también formó parte durante unos años de Fairport Convention.

Con su marido, Trevor Lucas, formaría otra banda de vida efímera ya que apenas duró la grabación de un LP.  El proyecto se llamó The Bunch y el disco aparecía en 1972 bajo el nombre Rock On.  Los nombres y apellidos de los miembros y colaboradores que tocaban aparecían en la portada del LP.

Rising for the Moon sería parte de los últimos trabajos en los que participó nuestra protagonista.  A finales de marzo de 1978, cuando estaba de vacaciones con sus padres en Cornualles, Denny cayó por una escalera y se golpeó la cabeza contra el suelo.  A raíz del incidente comenzó a tener dolores de cabeza intensos y un médico le recetó un analgésico conocido por tener efectos secundarios fatales si se mezcla con alcohol.  El 1 de abril de 1978, Sandy Denny realizó un concierto benéfico, la última vez que daría uno, en Byfield, días después de la caída.  El lunes 17 de abril, Denny cayó en coma mientras estaba en casa de una amiga.  Cuatro días después, murió en Wimbledon. Su muerte fue el resultado del fuerte traumatismo en la cabeza.  Dejaba un rastro luminoso: sus discos en solitario, su labor como colaboradora en otros proyectos, intervenciones con grandes del Rock como fue el caso de la que hizo con Led Zeppelin.

El 8 de noviembre de 1971 aparecía Led Zeppelin IV, el LP que tiene piezas zeppelianas como Rock & Roll, Black Dog, When the Levee Breaks y, sobre todo, Stairway to Heaven.  En ese disco intervino Sandy Denny haciendo un dueto con Robert Plant en el corte The Pattle of Evermore, el tema con el que cerramos esta semblanza corta sobre la figura de esta compositora y cantante que hoy nos ha servido de entrada en esta edición de Cíclope 3.0  Ahora nos venimos a los tiempos actuales, al siglo XXI, con un dúo entroncado con la tradición sólida del Blues cruzado con Rock.  Se llaman The Black Keys y se han ido ganando una reputación gracias a su trabajo como músicos con discos como Let's Rock.

La elocuencia eléctrica de la guitarra de Dan Auerbach y la contundencia de los tambores de Patrick Carney han ido sumando argumentos válidos desde que grabaron por primera vez en 2002 y su música, enlatada, traspasó fronteras.

Let's Rock veía la luz el 28 de junio de 2019.  Ya estaban asentados en su labor musical.  En 2010 el álbum Brothers se convertiría en disco de platino, por las ventas conseguidas, etc.  Lo importante es que este dúo, original de Akron, Ohio, formaron el proyecto The Black Keys pero en absoluta libertad, es decir, que si hay que tomarse un descanso existencial, se lo toma uno, y después vuelven a la carga.  Eso les ha sucedido durante un tiempo: vuelo en solitario de ambos miembros, ya sea para formar proyectos paralelos o para ilustrar aventuras individuales en solitario para tras una pausa, más o menos larga, volver a reunirse.  Estamos con el álbum Brothers, un disco que continuaba con una serie de elementos comunes a los trabajos del dúo: el perfil de sonido bluesero, blues pantanoso, correoso, con una pizca de psicodelia como dejaron ver y sentir en el disco anterior, Attack & Release, de 2008, con la producción, mezclas y colaboración en los sintetizadores, piano y órgano de Brian Joseph Burton, conocido por su seudónimo Danger Mouse.  Brothers, de 2010, guardaba cierta psicodelia en el diseño de la carpeta del disco.

      

   

  

Así suenan estos dos músicos: Dan Auerbach, izquierda, guitarra, voz y, como se indica en los créditos, Muchos otros instrumentos; a la derecha, Patrick Carney, batería, y él también responsable de muchos otros instrumentos.

La próxima vez que suenen en el programa vamos a intentar escuchar la música que hacen con esas otras bandas paralelas al proyecto principal y sus labores también en solitario.  Ahora nos movemos sobre la topografía del terreno: América del Norte, de Akron, Ohio, a Boston, Massachusetts, con una banda ya desaparecida que respondían al nombre de The Del Fuegos.

Escogieron el nombre de The Del Fuegos para indicar que ellos venían del sur del Cono Sur de América, de Tierra del Fuego.  Pero no era verdad, era una impostura, ellos llegaron de su Boston natal.  El grupo lo fundaron los hermanos Zanes, Warren y Dan, primero y segundo por la izquierda en la foto anterior.  Ambos tocaban la guitarra eléctrica y en el caso de Dan, además, cantaba como voz principal.  El hermano hacía coros.  Estuvieron activos dando conciertos por el circuito de salas guitarreras allá por Boston.  Cuando iniciaron una gira por la costa Este norteamericana, el nombre de The Del Fuegos tenía un eco cada vez más marcado.  La década de los 80, sonoramente hablando, se caracterizó por un doble frente instrumental: las guitarras eléctricas y la electrónica de los sintetizadores y las cajas de ritmo.  Había quien detestaba una tendencia y había quien no soportaba la otra.  Aún hoy algunos oyentes no aguantan nada que tenga que ver con la década de los 80, ya sea sonido o estética.

Pero centrándonos en lo estrictamente musical, The Del Fuego entraron con buen pie en escena allá por 1984 cuando publicaban su primer LP, The Longest Day: rock cimbreante, bien conjuntado, que tuvo una segunda entrega en 1985 con el álbum Boston, Mass.,

un disco que mostró la otra cara de lo que sabían hacer: canciones de amor de tempo lento  dotadas de un arrebato guitarrero que convencían.  Pero hasta ahí llegó la existencia en ascenso de este cuarteto.  Dejaron 5 discos grandes, 4 en estudio y uno grabado en directo, y desaparecieron en 1990.

Pero las guitarras continúan.  Y los sintetizadores, y las cajas de ritmo, porque la variedad se amplía con el paso del Tiempo, a pesar de los fundamentalismos totalitarios y otras malas tendencias.  Y con guitarras vamos a continuar capitaneando tríos y dúos.  Recalamos en territorio nacional, nos situamos en España y nos quedamos con una banda muy interesante original de La Floresta, Barcelona.  Es un trío de guitarra bajo, guitarra eléctrica y batería que responde al nombre de Astralia.

El trío está organizado entre los hermanos Guzmán, Roger, guitarra y Jordi, batería (primero y tercero de izquierda a derecha y que me perdonen si me he equivocado, pero es difícil distinguirlos) y en medio, Alberto Clemente, guitarra bajo.  Elaboran un Rock de ambiente atmosférico muy bien trabajado y para que quede constancia traemos dos cortes, uno de, hasta el momento, su último disco, Solstice de 2017, el tema Exhale; el otro de su álbum Atlas, de 2014, la composición que le da título al trabajo.

   

Para cerrar el programa de hoy nos trasladamos hasta Hungría, para quedarnos con otra forma de rock instrumental que, a veces, adquiere formas abrasivas.  Es un dúo que responde al nombre de Rise Of Day.

Oficialmente Rise Of Day aparece en agosto de 2008 como proyecto en solitario del guitarrista Ákos Szilágyi de la localidad de Gyula, Hungría.  Durante los últimos años, Szilágyi ha participado en varios proyectos locales como Nakwada, Indicta o Kvantor Trekk.  En estas bandas, además de la guitarra, también ha tocado otros instrumentos como la guitarra bajo, el didyeridú, un instrumento de viento tradicional de los pueblos aborígenes australianos, el birimbao, instrumento de cuerda de origen africano parecido al arco musical...  En definitiva, tiene el curriculum de un multiinstrumentista capaz de manejar un variado abanico de utensilios y además capaz de hacerlo muy bien.  Actualmente, además de la guitarra, toca el bajo, el piano, sintetizadores...  Comparte protagonismo con József Murvai, batería, y ambos son los responsables de la música que elabora Rise Of Day.  Por cierto, no he sido capaz de identificar quién es quién en la foto de más arriba, una de las pocas instantáneas en la que aparecen los dos miembros del dúo.  El estilo del proyecto puede situarse en la nómina de músicos dedicados al Post-Rock, a veces con una fuerza demoledora con momentos de ambiente atmosférico.  Este dúo se encarga de poner el punto y final al programa de hoy con un corte incluido en su álbum de 2013 titulado Just In Time: Story About A Man Who Went To Death, Historia de un hombre que murió justo a tiempo.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 03-12-24 - Especial David Sylvian # 7

 

David Sylvian en 1999

Cíclope 3.0 del martes 3 de diciembre de 2024, edición dedicada a la séptima entrega del Especial David Sylvian.

El programa de hoy está ilustrado por un sólo disco, el que se publicaba el 30 de marzo de 1999 firmado por nuestro protagonista, con su nombre y apellido, y que responde al título de Dead Bees On A Cake.

Sylvian no publicaba un disco firmado con su nombre y apellido desde 1987, cuando veía la luz el disco cuya portada se reproduce a la izquierda, Secrets of the Beehive.  No estuvo solo para la realización del álbum.  Contó, como es habitual en sus grabaciones, con un elenco de colaboradores extraordinarios por la calidad de cada uno entre los que destacaba Ryuichi Sakamoto, por trabajar estrechamente con Sylvian para perfilar y hacer posible un trabajo tan hermoso.  Desde entonces y hasta 1999, a lo largo de 12 años, Sylvian continuó creando pero lo hizo participando, contribuyendo a proyectos de otros, sin pertenecer a ningún grupo o banda, como mucho uniendo fuerzas con otra persona en formato de dúo o tándem, y no con perspectivas a quedar sujeto a un futuro más o menos inmediato.  Es el caso de la unión con Robert Fripp, asociación pensada para existir sobre un escenario durante un espacio de tiempo no largo con resultados en los estudios de grabación tampoco muy prolongados.

Sylvian, a lo largo de esa docena de años, pasó por una espiral depresiva: perdida absoluta del sentido de su vida, no saber qué buscaba ni qué es lo que le satisfacía, si es que había algo que de verdad dotaba de significado algún rincón de su existencia.

A lo largo de esos años, una amiga, Yuka Fujii (en la foto de la derecha), fotógrafa, va a ser quien recoja los estados de ánimo de Sylvian a lo largo de los días.  Sus trabajos fotográficos con él como tema central se pueden ver en la web oficial de nuestro protagonista.  Será quien se encargue de ilustrar parte del diseño del disco de reencuentro con nuestro hombre, diseño que está realizado por un músico, Russell Mills, que fue una de las últimas participaciones de Sylvian en el proyecto de otro llevadas a cabo antes de este álbum de 1999.

Dead Bees On A Cake lo vamos a escuchar casi al completo (unos 10 cortes), temas que están marcados por un profundo sentimiento oriental, especialmente hindú, como demuestra el sonido de las tablas y las alusiones a figuras hindúes de mujeres relacionadas con la espiritualidad de la India.  Sylvian, desde principios de la década de los años 90, abrazó la filosofía budista, sobre todo el budismo zen.

En el camino de la búsqueda interior conoce a Ingrid Chavez, (a la izquierda), poeta y vocalista mexicano-estadounidense, protegida de Prince entre los años 1987 y 1991.  Su álbum debut como cantante en principio iba a consistir en su poesía hablada con fondo de música atmosférica proporcionada por Prince.  El sello que iba a acoger su presentación, Warner Brothers, cuando supo de la intención de la poeta presionó para que el álbum tuviera también voces cantadas, cosa que a Prince no le gustó en absoluto y abandonó el proyecto.  El resultado final fue que la mitad del álbum se hizo como estaba previsto, y el resto consistió en canciones pop coproducidas por Ingrid y los productores e ingenieros de sonido que habían trabajado con Prince, Michael Koppelman y Levi Seacer Jr.  Chavez también escribió la mayor parte del éxito de Madonna, Justify My Love, y recibió un gran acuerdo extrajudicial por no ser acreditada en el lanzamiento inicial de ese sencillo. En 1992, Ingrid contrajo matrimonio con David Sylvian y colaboró activamente en la producción de su marido,

añadiendo voces, textos en las cubiertas de los discos y apareciendo fotografiada con él tal y como muestra parte del encarte interior del disco Dead Bees On A Cake.

La unión se afianzó más por el hecho de coincidir en esa búsqueda interior que los llevó a ambos, sin conocerse previamente, a entrar en contacto a través de los talleres de meditación organizados por diferentes figuras hindúes relacionadas con el budismo.

Un aspecto fundamental en este álbum de reencuentro de Sylvian con la actividad creativa donde su responsabilidad es completa, es la nómina de músicos que colaboran en el trabajo.  Hay nombres conocidos y otros que no lo son tanto.  En esto influye el hecho de que, muchos, son músicos de estudio, músicos de sesión habituales en círculos del mundo del Jazz y de las formas más vanguardistas.  Entre conocidos y menos conocidos están

Ryuichi Sakamoto 

(1952-2023), un colaborador fundamental en la labor creativa de Sylvian.  Se encarga de los arreglos de cuerda y de metal, del piano (eléctrico y acústico), de tocar el bansuri, una flauta que se utiliza en el norte de la India.  También hace uso de sonidos pregrabados (insectos) y cintas de efectos.

También habitual en las grabaciones de Sylvian, el fliscorno de Kenny Wheeler (1930-2014).

El flautista y saxofonista Lawrence Feldman

En las guitarras eléctricas y acústicas, un lujo de guitarrista norteamericano: Marc Ribot.

Y otro lujo guitarrero, paisano de Ribot, Bill Frisell, músico de escuela jazzística abierto a cualquier formato.  No toca solo las guitarras acústicas y eléctricas sino también el dobro.

Un copartícipe de los proyectos de David Sylvian es su hermano Steve Jansen.  Fue el batería/percusionista de Japan donde Sylvian era el vocalista y principal motor de la idea.  Después de aquella banda, donde estuviera Sylvian estaría Jansen.  Y proyecto que ideara Jansen proyecto en el que Sylvian recibiría la llamada del hermano para que participara.  Llegaremos a esos grupos que ha ido formando el batería, por ahora continuamos con los créditos, con el staff de colaboradores que intervienen en el álbum Dead Bees On A Cake que ocupa hoy la séptima entrega del Especial David Sylvian.

John Giblin (1952-2023)  bajista de origen escocés, habitual en las grabaciones de Peter Gabriel, John Lennon, Kate Bush, Phil Collins,  Annie Lennox...entre otros.

Ged Lynch, batería, típica figura del músico de sesión.

Tommy Barbarella, un teclista que trabajó con Prince tanto en estudio como en directo.

Otro músico que se sienta a la batería es Scooter Warner.

Al principio de esta lista de créditos, al citar a Ryuichi Sakamoto, decía que, además de los instrumentos de teclados que suele tocar, también utiliza esa flauta de la India conocida como bansuri.  También utiliza la flauta bansuri Deepak Ram, que es un músico increíblemente versátil, conocido por sus evocadoras interpretaciones de música clásica tradicional del norte de la India, sus colaboraciones con músicos de otros géneros, sus composiciones innovadoras y su excelencia como docente.

Obtuvo un Máster en Música en la Universidad de Rhodes, Sudáfrica, en 1996 por su tesis, Explorando el sincretismo entre la música india y occidental a través de la composición.

Asentado en Nueva York pero de origen europeo, en concreto de Dinamarca, Chris Minh Doky, contrabajista.

Steve Tibbetts, guitarrista y compositor original de Madison, Wisconsin, y residente en Minneapolis, es conocido por su sonido original que combina elementos de Jazz, Rock y Música del mundo.

Es reconocido por su manejo de las guitarras tanto acústicas como eléctricas y por sus dos álbumes grabados a medias con la monja y activista tibetana Chöying Drolma (a la derecha).  Sin embargo en esta ocasión, Tibbetts no maneja guitarra alguna sino un poderoso gong.

Talvin Singh es un DJ y músico de tabla británico, conocido por crear una innovadora fusión de música clásica india bhangra y drum'n'bass. Generalmente se lo considera involucrado en un subgénero de música electrónica llamado Asian Underground.

La figura de las madres sabias, las gurús de la India, están presentes en las canciones y en la filosofía de Vida que palpita en este álbum de David Sylvian.  Shree Maa es una de estas mujeres fuente de energía luminosa para emprender el camino interior.  Praise, en inglés, subtitulado Pratah Smarami, en hindi, Recuerdo de la mañana en español, es un corte interpretado en la voz por esta mujer, que canta un texto tradicional, acompañada por las guitarras de David Sylvian.

El staff de colaboradores se cierra con Djivan Gasparyan (1928-2021), de origen armenio, compositor y educador e intérprete de duduk.

El duduk es un instrumento de viento de madera de lengüeta doble que es tradicional de Armenia.  En los países limítrofes de Armenia donde se le denomina mey en Turquía, duduki en Georgia y balaban en Azerbaiyán e Irán.

Para su fabricación se emplea la madera del albaricoquero.  Su gran lengüeta y el cuerpo cilíndrico producen un sonido dulce entre el corno inglés y el oboe.  Desde 2008, el duduk y su música están inscritos en la Lista representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, a propuesta de Armenia.

Djivan Gasparyan también aparece en los créditos de la banda sonora original de la película Gladiator no sólo tocando el duduk, sino como compositor del fragmento To Zucchabar.  

La autoría de las composiciones de Dead Bees On A Cake recae sobre David Sylvian en letra y música excepto en las composiciones Dobro # 1, escrita entre él y Bill Frisell; Midnight Sun coescrita entre Sylvian y los compositores/intérpretes Johnny Moore, Charles Brown y Eddie Williams; Praise (Pratah Smarami) original de Shree Maa con letra tradicional y Darkest Dreaming coescrita entre Sylvian y Djivan Gasparyan.

Mención especial se merece la utilización de samples.  En el corte I Surrender el sample es de la banda The Mahavishnu Orchestra; en Midnight Sun es John Lee Hooker.

De los 14 cortes que forman el álbum, en el programa de hoy escuchamos 10.  Un corte que me parece particularmente interesante es el titulado Talhiem, o Thalheim, no sé si se produce un error en la grafía del título cuando lo incluyen en la carpeta del disco.  Parece ser más lógico la segunda opción, Thalheim, porque es la alusión clara a dicha localidad alemana a la que hace referencia el texto de la canción.  Para Sylvian es un lugar muy especial porque allí conoció a su gran amor, Ingrid Chávez.  El tema está compuesto en letra y música por Sylvian, los músicos que colaboran son John Giblin en la guitarra bajo, Ged Lynch en la batería, Tommy Barbarella en el piano eléctrico, en el fliscorno Kenny Wheeler y por último Steve Jansen en la percusión.  Sylvian toca teclados, canta y, sobre todo, toca las guitarras eléctricas de una forma que, personalmente, me hizo sospechar que quien tocaba es Robert Fripp, por esa manera de sostener las notas, de utilizar los pedales de efectos...y sin embargo es el mismísimo Sylvian.

Su esposa pone la voz en un par de cortes del álbum.  Ya habían trabajado juntos anteriormente, algunas de esas obras conjuntas quedaron registradas aunque no siempre se comercializaron dichas grabaciones como fue el caso del disco Little Girls with 99 Lives, una edición muy limitada de 20 copias que Sylvian y Chávez enviaron a amigos y contactos de compañías discográficas en 1997, antes de la aparición del álbum que hoy nos ocupa.  La pareja estuvo junta desde 1992 hasta 2005.  Después, los caminos continuaron pero por separado.

Hasta aquí el programa de hoy.  Espero que te guste.

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