Cíclope 3.0 - 23-07-24

Nos vamos de vacaciones

Cíclope 3.0 del martes 23 de julio de 2024.  Último programa de la temporada.  Sí, lo sé, el último martes del mes de julio será el día 30, pero las circunstancias de los miembros del equipo hacen que la distribución de días se compongan de tal manera que nos marchemos antes del final y volvamos después, porque la vuelta no será el primer martes del mes de septiembre, sino el segundo.  Pero ya estoy hablando de la vuelta y aún no nos hemos ido.  Nos quedan por delante sesenta minutos de música y alguna que otra semblanza.  Estamos en verano y el comienzo de esta edición de Cíclope 3.0 está ocupado por el sol, sol californiano como el que nos trae Hot Tuna.

Jack Casady

(foto de Gibson Brands Mexico)

Jorma Kaukonen

(foto de Mike Lovell)

El motor de ese proyecto californiano fue el dúo formado por la guitarra eléctrica y voz de Jorma Kaukonen y la guitarra bajo de Jack Casady, ambos miembros activos de Jefferson Airplane.

Hot Tuna comenzó sobre 1969, cuando la Jefferson sufre un parón porque su vocalista, Grace Slick, es intervenida de unos ganglios en la garganta.  No puede cantar y Kaukonen más Casady y un armonicista, Will Scarlett, deciden formar un trío. 

Will Scarlett, soplando en la armónica.

Tras un breve espacio de tiempo al trío se les sumaron dos miembros más de Jefferson Airplane,

Paul Kantner,

(1941-2016), original de San Francisco y uno de los fundadores de la Jefferson Airplane y de la posterior remodelación, Jefferson Starship.

El batería Joey Covington, (1945-2013),  también de los miembros veteranos de la Jefferson.

Cuando Hot Tuna publicaban su segundo LP, Papa John Creach, (1917-1994), aportaría el sonido de su violín a la banda.

Sammy Piazza se sentaría a la batería y sería sustituido por Bob Steeler.

Ya estaba todo asentado...o casi.  La gran lucha de Kaukonen y compañía estaba en el nombre del grupo: no se bautizaron con el nombre de Atún Caliente, Hot Tuna, sino Hot Shit, Mierda Caliente.  ¡Sí, hombre!  La discográfica dijo que no desde el comienzo aunque ellos, los del grupo, insistían: que se dejara en puntos suspensivos, algo así como Hot Sh...  No.  Vale.  Al final ganó la discográfica y la audiencia pudo seguir disfrutando de discos como el que nos sirve para abrir esta edición de Cíclope 3.0, el LP The Phosphorescent Rat, el cuarto álbum de la banda firmado en 1973 con temas con guitarra eléctrica californiana como I See the Light.

   

Ya que han salido citados los miembros de Jefferson Airplane

vamos a recuperar el LP de 1969 titulado 

Volunteers, un álbum con la Jefferson al completo interpretando temas originales o versiones de temas tradicionales como el que recupera el Cíclope, Good Shepherd, con arreglos de Jorma Kaukonen.

Puestos a recuperar, en 1972, la Jefferson publicaba un LP de título legendario: nombre y apellido de pirata famoso inmortalizado por Robert Louis Stevenson en su novela La isla del tesoro, el pirata con pata de palo Long John Silver.  Ese es el título de aquel álbum que en España se publicó con la carpeta original pero con el contenido del disco censurado: en los créditos, en el listado de canciones, aparecía una, Son of Jesus, que no estaba en aquella edición aunque el nombre aparecía en el listado.  En la España de 1972 iba a salir un disco con una canción titulada El hijo de Jesús...sí, sí...uajajaja...Faltaban unos años aún para que se publicase Acqualung de Jethro Tull.

  

De aquel Long John Silver, con Grace Slick (en la foto) pletórica en su potencial de voz, un corte: Aerie (Gang Of Eagles).

Mientras hacemos las maletas para salir de vacaciones, enredamos en el montón de discos.  El Cíclope está dispuesto a seguir durante unos minutos más el árbol genealógico de la Jefferson Airplane y de algunos de sus miembros.  A partir de la mitad de la década de los 70, la banda se reconstruye con otro nombre jugando con otros tonos en su música, y pasarían a llamarse Jefferson Starship.

   
No están todos los Jefferson originales de la Airplane, pero siguen Grace Slick (fila superior, segunda por la derecha) y Paul Kantner (el único con gafas).  Estos dos más el batería John Barbata (junto a Grace Slick) eran los que llegaban desde la JA, los demás entraban a formar parte de la Jefferson Starship.  Lanzaron el LP Red Octopus cuya carpeta aparece más arriba, y sorprendieron por su capacidad para seducir con canciones como Miracles.

Al Cíclope le interesa un recuerdo que le he contado.  Le decía que allá por el año 1968 no había plataformas desde las que escuchar música, tan sólo la radio.  Algunos teníamos pocos años, 12 en mi caso.  El dinero era eso tan lejano con el que se conseguían cosas, por ejemplo, discos.  Para tener los que a uno le gustaban, había que esperar a los regalos de festividades como Día de Reyes Magos, Cumpleaños... no había otra para poder disfrutar en casa de esas canciones que te tenían obsesionado.  En mi caso, uno de esos discos lo firmaba un trío llamado Cream.

De izquierda a derecha, Eric Clapton, Ginger Baker (1939-2019) y Jack Bruce (1943-2014).

Con 12 años no tenía ni idea de quién era quién, de la importancia que tenía el trío Cream ni que la canción que me gustaba tanto estaba incluida en un LP doble titulado Wheels of Fire.

La canción era White Room y a mi me perseguía.  Pasaron años hasta que compré el LP.  El Single lo vendí...o lo que quedaba de él, después de haber pasado por aquellos tocadiscos monoaurales que era lo que teníamos todo el mundo en casa en aquellos años.  Wheels of Fire estaba hecho entre los tres miembros del trío, componían los temas, juntos o por separado, hacían versiones...  Un nombre aparecía en tres ocasiones como coautor junto al batería, Ginger Baker, y ese nombre es el de Mike Taylor.

Nacido en Ealing, al oeste de Londres, en 1938, Mike Taylor fue un compositor británico de jazz , pianista y líder de bandas con formato de trío, cuarteto y quinteto.  Tenía unos 12 años cuando se unió a la Royal Air Force a principios de los años 50 tocando el clarinete.  Fue en el servicio militar donde aprendió a tocar el piano uniéndose a diferentes bandas.  Fue el primer contacto y definitivo con la disciplina del Jazz porque a partir de ese momento lo tuvo claro: para lo único que quería vivir era para ser músico de Jazz.  Taylor pasó gran parte de finales de los años 50 en una sucesión de bandas profesionales y amateurs, y fue a principios de los 60 cuando se diversificó para formar su propio grupo homónimo, junto al trombonista John Mumford y los trompetistas Chris Bateson y Frank Powell.  El cuarteto obtuvo atención instantánea.  Tan fascinado por la teoría musical como por tocar, Taylor siempre estaba dándole vueltas a nuevas ideas y formas musicales que estaba deseando mostrar en público.  Pero sus composiciones no eran en absoluto comerciales.  Muchos propietarios de clubes simplemente se negaron a volver a contratar al trío una vez que escucharon las diferentes composiciones.

Taylor, sin embargo, perseveró y, a finales del verano de 1962, conoció a dos músicos que instintivamente entendieron hacia dónde se dirigía la música del pianista.  Esos dos músicos fueron el bajista Jack Bruce y el batería Ginger Baker, miembros en ese momento del combo capitaneado por el saxofonista Don Rendell, la Don Rendell Jazz Band.  Quien hizo de intermediario entre Bruce, Baker y Taylor fue el trombonista John Mumford.  Rápidamente el Mike Taylor Trio estaba en marcha, ensayando regularmente en la casa de los abuelos de Taylor.  Sin embargo, Bruce y Baker no permanecerían junto a Taylor por mucho tiempo.  No dejaron ni siquiera una Demo para poder apreciar cómo sonaban los tres juntos.  Taylor fue consciente de las distintas posibilidades que podía abarcar una banda compacta, bien ensayada e instintivamente espontánea y reemplazó a la pareja titánica de bajo y batería con la pareja casi igualmente monumental del bajista Tony Reeves y el batería Jon Hiseman, elementos fundamentales del proyecto Colosseum.  El trío se amplió a cuarteto con la inclusión del saxofonista Dave Tomlin.

Era el invierno del año 1965 y el Mike Taylor Quartet editaban Pendulum.  El álbum se describe con frecuencia entre los discos de jazz británico más influyentes jamás realizados.  El nombre y apellido de Mike Taylor comenzó a tener un eco cada vez más luminoso y brillante.  Se le buscaba para trabajar tanto como compositor como pianista.  Él no dejaba de gestar ideas nuevas aunque el proceso de creación no estuvo exento de problemas.  Nuestro hombre había descubierto recientemente el LSD, una droga que llegó a devorar cada vez más su tiempo.  Hubo momentos en los que Taylor sobrevolaba los anillos del planeta Saturno y se llegó a dudar de que fuese capaz de bajar lo suficiente como para poder ponerse a trabajar.  Sin embargo, poco a poco, con la ayuda de músicos amigos suyos, Taylor se centró en su labor creadora y fue construyéndose la estructura de un trío con Jon Hiseman en la batería, dos contrabajistas Ron Rubin (1933-2020) y Jack Bruce.  El álbum lo firmaba Mike Taylor Trio y se tituló simplemente Trío.  Era 1967 y Cream estaba en su esplendor.  La participación de Bruce era una garantía y eso aumentó el interés por el lanzamiento del disco.  Taylor, sin embargo, no tenía intención alguna de promocionar el disco, negándose incluso a ser entrevistado.  Nada le interesaba más que volver a su universo siniestro de imágenes sin principio ni fin facturadas en el pozo oscuro de LSD.  Tampoco hubo actuaciones en vivo.  Las únicas actividades musicales de Taylor además de las sesiones de grabación en lo que debería haber sido su momento de mayor visibilidad, fueron una serie de improvisaciones con un Graham Bond igualmente deteriorado.  Fue necesaria la intervención de Ginger Baker para que Taylor volviera a encarrilarse en la actividad creadora.  Juntos escribieron tres temas que formaron parte de Wheels of Fire de Cream: Pressed Rat and Warthog, Passing the Time y Those Were the Days.  La labor de escribir canciones alentó a Taylor a continuar él sólo y se  puso a trabajar componiendo Horn Gut and Skin Suite, una pieza musical diseñada para tres baterías: Ginger Baker, Jon Hiseman y Phil Seamen.  Tanto Baker como Seamen hicieron una vista previa de la suite en el Festival Nacional de Jazz y Blues de Inglaterra de 1968.

A mediados de 1968 Taylor se unió a la New Jazz Orchestra para grabar el álbum Le Dejeuner sur L'Herbe.  Se reencontró con amigos con quienes había compartido sesiones musicales, entre otros Jon Hiseman y Tony Reeves, más otros músicos también de Colosseum como el saxofonista Dick Heckstall-Smith, entre otros.  Sin embargo, se mantuvo errático e inestable.  Los rumores y leyendas que se acumulaban en torno a Taylor eran particularmente siniestros.  En enero de 1969, su cuerpo fue encontrado en la playa de Leigh-on-Sea, en la costa inglesa del Mar del Norte.  Estuvo en el agua durante unas dos semanas antes de aparecer en la playa.  El tribunal forense emitió un veredicto abierto donde prevalecía la idea de suicidio.

Del álbum Wheels of Fire de Cream nos quedamos con dos cortes: White Room y Those Were The Days, canción escrita entre Ginger Baker y Mike Taylor. 

Me he querido detener en la figura de Taylor por ser un músico de una calidad poco usual, que escribió e interpretó música de Jazz de una riqueza tremenda pero que desgraciadamente truncó su destino a la edad de 30 años.  De aquel álbum titulado Pendulum de 1965, con la formación de cuarteto, con Dave Tomlin en el saxo soprano, Ron Rubin en el contrabajo, Jon Hiseman en la batería y Mike Taylor al piano y la guitarra, recuperamos el corte Exactly Like You.

Es curioso, en el programa de hoy hemos citado a la banda Colosseum porque dos de sus miembros, Jon Hiseman y Tony Reeves, aparecen interrelacionados con la actividad musical de Mike Taylor.  Este año 2024, Colosseum ha tenido protagonismo en Cíclope 3.0, en los meses de febrero y abril.  Los volvemos a recuperar pero no a la formación original, la que existió entre 1969 y 1971, sino la segunda, la que remodeló Jon Hiseman, batería, el único miembro del proyecto original que en 1976 remodeló la idea con las contribuciones de Gary Moore en la guitarra eléctrica entre otros.

 

Cambiaron todos los miembros excepto Hiseman, que siguió tras su batería doble.  Cambió el nombre: de Colosseum pasaron a llamarse Colosseum II.  Grabaron tres LPs entre 1976 y 1977.  El último, Electric Savage, incluía este All Skin and Bone que recupera el Cíclope.

Ya que suenan armonías de Jazz y Rock, en esta segunda versión de Colosseum más Rock que Jazz, tal y como escogió Hiseman, nos vamos a quedar con sonidos de fusión entre ambos estilos.  En el mes de mayo de este año sonaban por primera vez en el programa un grupo noruego que te llamaron la atención.  Es un trío que responde al nombre de Elephant9.

 

Esta foto me tuvo despistado unas cuantas semanas hasta que conseguí entender que la instantánea recoge la formación Elephant9 y a un invitado, colaborador habitual del trío, el guitarrista sueco Reine Fiske.  Para que tú lo entiendas, de izquierda a derecha son: Nikolai Hængsle Eilertsen, guitarra bajo de Elephant9; Ståle Storløkken, teclista, figura alrededor de la cual se concentra la formación del trío; Reine Fiske, guitarra sueco, estrecho colaborador del trío y uno de los músicos más activos en los circuitos de Noruega, Suecia y Dinamarca; por último, Torstein Lofthus, batería de Elephant9.

La foto anterior es la portada del cuarto álbum del trío titulado Atlantis, publicado en el año 2012.  La reproducción es de tamaño grande para que se pueda apreciar el mensaje que añaden en el ángulo superior izquierda: nombre de la banda, título del disco y, especificado, el matiz With Reine Fiske.  Si no, sería de Elephant9 solamente, como otros álbumes suyos.  Pero como intervenga Fiske, lo dejan claro y lo señalan.

Atlantis recoge las formas del grupo que varían según sea un trío o un cuarteto.  En esta ocasión es el guitarrista Reine Fiske quien amplía las maneras, un músico que colabora con tal cantidad de bandas que hay material para llenar la hora de Cíclope 3.0 durante unas cuantas ediciones.  Hoy no llegamos a tanto, a cubrir los sesenta minutos con este grupo, pero escuchamos un par de temas donde desarrollan una improvisación que puede variar desde lo armónico y funky hasta lo disonante, estridente y extenso.  Primero Black Hole y después, The Riddler.  

Y sin darnos cuenta, hemos llegado a los últimos minutos del programa de hoy.  Vamos a cerrar con un trío que responde al nombre de Fire!, Fuego!

   

El trío nórdico Fire! son, de izquierda a derecha, Johan Berthling, bajo, contrabajo; Mats Gustafsson, saxos y Andreas Werliin, batería.  No tenemos tiempo suficiente para extendernos con este proyecto, valga una muestra breve y la promesa de volver con ellos en un futuro nada lejano.  Comenzaron llamándose Fire! y después continuarían como Fire! Orchestra.  Es una historia larga en la que nos detendremos cuando tengamos más tiempo para escuchar a este proyecto.

La despedida la hacemos con ellos, con Fire! y un corte, (Beneath) The Edge of Life, del álbum Arrival firmado en el año 2019.

Te recuerdo que nos vamos de vacaciones, que Cíclope 3.0 volverá a la sintonía de Radio Tomares en el mes de septiembre, en concreto el segundo martes del mes, que será día 10.  No será el primer martes pero para nosotros como si lo fuera.  Lo digo porque empezaremos la nueva temporada con el Especial David Sylvian Número 4.

Espero que te guste el programa de hoy.

Felices Vacaciones, cuídate, que nos tenemos que reencontrar en la nueva temporada.

Salud y Libertad.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-23-07-24

Cíclope 3.0 - 16-07-24

 

(Foto original de Lois Greenfield) 

Cíclope 3.0 del martes 16 de julio de 2024.  Comenzamos trazando un bucle entre sonidos generados por instrumentos  electrónicos e instrumentos acústicos, entre un músico de perfil techno y un músico de perfil académico.  Se trata de Janus Rasmussen y Ólafur Arnalds, dos compositores-intérpretes islandeses  vinculados a otras aventuras cada uno pero que, juntos, encauzan su labor bajo el nombre del proyecto conocido como Kiasmos.

Ólafur Arnalds es una figura conocida por admirada en Cíclope 3.0  En el panorama musical de Islandia representa uno de los vínculos más sólidos entre la música académica y la música electrónica.  Hay cierta tendencia en identificar lo que hacen músicos como él con la etiqueta Neo-Clasicismo.  ¡Cuidado!  Pueden tirarte a la cabeza lo que tengan más a mano.  Detestan que se les llame neoclásicos porque ese significante no se corresponde con ningún significado válido.  ¿Qué es Neoclásico?  Que vuelve el o al Clasicismo.  ¿Existe la música clásica?  Clásica es un periodo de la Historia de la Música donde vivieron compositores como Mozart, Haydn, Beethoven, Schubert...no toda la historia de la música se queda ahí, o antes con Bach.  Es algo que ya ha salido en programas anteriores, la discusión entre música clásica y moderna, así que no voy a repetir nada más.

Ólafur Arnalds recupera directamente la estructura de las composiciones académicas, empezando por la sonata, pasando por los esquemas de los Preludios y los Nocturnos para el piano, instrumento clave en su obra que abarca también los teclados electrónicos.

 

El otro músico que también es islandés es Janus Rasmussen

que tiene apellido de aventurero de principios del siglo XIX pero que resulta ser aventurero, descubridor de sonidos electrónicos.  Es originario de las Islas Feroes y está al frente de la banda Bloodgroup.  Junto a Arnalds forma el dúo Kiasmos.

 

Kiasmos hizo su debut en el año 2009 compartiendo un disco de formato EP con Rival Consoles, nombre del proyecto detrás del cual hay sólo un hombre, Ryan Lee West, músico electrónico de Inglaterra que crea pistas experimentales de baile principalmente con equipos analógicos. Kiasmos publicó el primer disco bautizado de forma homónima en 2014 (foto anterior), con temas bautizados con nombres de verbo, todos en tiempo pasado.  Detrás de aquel álbum de presentación publicaban un EP en el año 2017 y este año en curso, 2024, el pasado día 5 de este mes de julio, Kiasmos ha vuelto a entregar un nuevo larga duración.

Lo han titulado escuetamente II, en numeración romana, e incluyen cortes como este que escogemos donde suenan dos formando uno solo.

Hace tiempo que no escuchamos a Ólafur Arnalds.  Vamos a recuperar algo de sus últimas grabaciones.  En el año 2022, el 28 de octubre, aparecía Some Kind of Peace-Piano Reworks, (portada del disco, foto anterior) un trabajo en el que nuestro hombre se rodeaba de una amplia lista de colaboradores para hacer una versión de un disco ya existente, Some Kind of Peace, que se había publicado el 6 de noviembre de 2020.

Some Kind of Peace es un álbum  personal, inspirado en la reflexión de que no podemos controlar lo que nos trae la vida, solo nuestras propias reacciones.  Sus canciones comparten temática común: temas de vulnerabilidad humana. Todavía hay una presencia electrónica en el álbum, de trabajos anteriores, pero hay una mayor presencia dependiente en gran medida del piano y de las cuerdas.  Lo que hacemos es escuchar la misma composición, Loom, en dos versiones distintas: la del álbum Some Kind of Peace-Piano Reworks y la versión primera, la que se incluye en el disco Some Kind of Peace.

Ese corte, Loom, está compuesto a medias entre Ólafur Arnalds y el hombre de la foto a la izquierda, Simon Green, alias Bonobo, que ofrece una forma ecléctica pero cercana de música electrónica apta tanto para bailar como para adentrarse en paisajes interiores de paz que ayudan a la reflexión.

Simon Green, una figura casi silenciosa entre los románticos ibicencos, comenzó en Brighton, Inglaterra, debutando en 1999.  En el año 2006 apareció el tercer álbum de Bonobo titulado Days To Come (portada del disco en la foto anterior).  Aumentó sus ritmos habituales fuertes con paisajes sonoros elegantemente tratados.  El álbum cuenta con una gran cantidad de músicos invitados, lo que agrega una musicalidad maravillosa orgánica y vibrante que es poco común en la música electrónica.  Colabora la enigmática voz de Bajka.

Bajka Pluwatsch, artista femenina nacida en la India y criada en Portugal y Sudáfrica, es poeta, cantante, productora y compositora.  Tiene una discografía corta pero interesante.  En el año 2010 grababa un álbum titulado In Wonderland del que escuchamos un corte.

La voz de esta mujer conduce, (a mí al menos me ocurre), a los matices de la voz de otra cantante,

Annie Anxiety Bandez

Ann Robie Bandes, nacida en 1961, más conocida como Little Annie, Annie Anxiety o Annie Anxiety Bandez, es una cantante, pintora, poeta, escritora, artista de interpretación y grabación y actriz de teatro estadounidense.

La pequeña Annie comenzó a cantar a la edad de 16 años con su banda Annie and the Asexuals formada en 1977.  Al mudarse al Reino Unido en 1981 por invitación de Steve Ignorant, que fue cantante de Crass, banda británica de anarco-punk formada en 1977.  Trabajó durante un tiempo con este proyecto.  Como Annie Anxiety, interpretó poemas en el escenario utilizando una banda sonora de cintas de acompañamiento.  Luego se convirtió en cantante en solitario, grabando tres álbumes: Soul Possession, Short & Sweet y Jackamo.  Durante este tiempo también grabó con The Wolfgang Press,  Coil, Swans, Kid Congo Powers.  

Comenzó una pausa en la música sobre 1990.  Tras un período de vida en México, regresó a casa, a Nueva York, decidida a aprender a pintar por sí misma, algo en lo que había estado trabajando anteriormente.  Durante un año completo estuvo dedicada a jornadas de un promedio de 16 horas en las que lo único que hizo fue pintar.  Empleando todos los medios con excepción del óleo, su trabajo ha sido descrito como estilo ingenuo, figurativo, metafórico y surrealista, con un fuerte énfasis en el color; a menudo combina paisajes urbanos tortuosos y expresionistas con imágenes bíblicas.  Ha participado de exposiciones colectivas, ha expuesto en solitario.  Es una mujer extraordinariamente activa cuya labor musical está en parte dispersa e inencontrable.   Ha actuado junto a Marc Almond en 2007 en varias ocasiones.  Su discografía en solitario está centrada en dos discos: Soul Possession de 1984, álbum ruidoso y cacofónico, y Jackamo, más armónico, en 1987.

Nos quedamos con este y dos cortes para apreciar las formas de hacer que tiene esta  cantante,

pintora, actriz, escritora, compositora, y un montón de actividades más.

Vamos a cerrar esta edición de Cíclope 3.0 con una voz femenina.  La mujer que aparece en la foto de la izquierda responde al nombre y apellido de Arooj Aftab.  Es compositora, productora y cantante de origen paquistaní.  Aftab nació en Arabia Saudita, donde habían emigrado sus padres.  Cuando tenía diez años, regresó a Lahore, Pakistán, donde comenzó a desarrollar su interés por la música. Cantante y guitarrista autodidacta, sus primeras influencias abarcaron desde el pop y el jazz occidental (Jeff Buckley, Billie Holiday, Mariah Carey) hasta la música clásica paquistaní y del norte de la India.  Con poco acceso a las plataformas occidentales en línea, el conocimiento de Internet de Aftab la ayudó a convertirse en una especie de estrella en ascenso en su país, donde disfrutó de un éxito viral en la incipiente escena musical independiente de Pakistán.

En 2005, se mudó a los Estados Unidos y estudió una combinación de producción musical e ingeniería y composición de jazz en el famoso Berklee College of Music de Boston.  Después de graduarse, Aftab se asentó en Nueva York y participó activamente en la escena del jazz.  La inusual combinación de poesía sufí, tradiciones clásicas del sur de Asia, música electrónica y jazz había obtenido elogios de la crítica.  

Comienza a publicar discos en el año 2014.  Hasta el momento lleva unos cinco álbumes,

el último tiene la portada que reproduce la foto de la derecha, lleva por título Night Reign.  Se editaba el 31 de mayo de este año en curso, 2024.  Lo utilizamos como tarjeta de presentación de esta compositora e intérprete que suena hoy por primera vez en el programa y te aseguro que va a volver a hacerlo dentro de poco.  Dos cortes suenan de Arooj Aftab, la sorprendente versión del estándar Autumn Leaves y el que ha sido el primer Single, el sencillo de presentación del álbum, el tema Raat Ki Rani, en hindi, algo así como Reina de la noche.

Así terminamos por hoy.

Espero que te guste el programa.

Enlace: 

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-16-07-24

Cíclope 3.0 - 09-07-24 - Especial Gatos

Luka y Sombra

Erwin y Lía

 

Las fotos que ilustran la cabecera de esta entrada del blog son originales de María José Carmona.  Algunas de esas criaturas ya no se encuentran junto a ella, como es el caso de Luka, que ronronea por los tejados del Cielo de los Gatos.  Hoy, el programa Cíclope 3.0 está dedicado a canciones que hablan de ellos, de los gatos.  La nómina de composiciones con temática gatuna es inmensa y van a sonar las que quepan en una hora, pero el Cíclope siempre evita, en la medida de lo posible, caer en la obviedad, por eso, muchas canciones que estás pensando no van a sonar porque las evitamos deliberadamente.  Buscamos otras posibilidades, algunas te pueden resultar conocidas, otras no tanto y en ciertos casos, no las has escuchado nunca.  Pero tienen cierto interés, o por lo menos no suenan mal.  Buscamos la variedad y creo que lo que pretendemos lo alcanzamos, al menos suenan temas diferentes.  Comenzamos con ambiente de Cine, con una banda sonora.

La gata sobre el tejado de zinc, (caliente, añadía el título original), es una obra de teatro de Tennessee Williams adaptada al Cine por Richard Brooks en 1958, con guión del mismo Brooks y James Poe y protagonizada por Elizabeth Taylor, Paul Newman y Burl Ives.

La banda sonora, el score original, pertenece al hombre de la foto a la derecha, Charles Wolcott (1906-1987), compositor norteamericano que ya había trabajado con Brooks en la cinta Semilla de maldad (Blackboard Jungle) de 1955 y en unas cuantas películas producidas por los Estudios de Walt Disney a principios de la década de los 40.  De la banda sonora de La gata sobre el tejado de zinc nos quedamos con un fragmento del tema principal.

Del exterior al interior, del aire libre al aire cálido del hogar.  Nina María Nastasia, (en la foto de la izquierda), cantautora norteamericana nacida en Los Ángeles en 1966, conocida como Nina Nastasia, le escribió una canción a su gata, de nombre Judy.

La canción la incluyó en el que es su primer disco, fechado en el año 2000 y titulado Dogs.  Como es habitual en ella, escoge una instrumentación casi espartana: violonchelo, guitarra acústica, batería, piano...el tema que le compone a su gata recoge un momento de relax cuando la gata está en su caja de arena.  Así se llama la canción: Judy está en la caja de arena, Judy's in the Sandbox.

Una de las bandas apreciadas por el Cíclope es la de la foto: The Jazz Butcher.  En la posición central, en primer plano, está Pat Fish (1957-2021), el alma máter del proyecto.  En el sofá, en el centro, su hombre, guitarra de confianza plena, Max Eider.  Estuvieron juntos en The Jazz Butcher, y juntos organizaron historias bajo el paraguas del Carnicero del Jazz pero añadiendo el término conspiración, y así surgió The Jazz Butcher Conspiracy que no era sino ellos dos con algunos miembros más de la banda.

Con ese sobrenombre de Conspiracy añadido al nombre principal de The Jazz Butcher, ambos, Eider y Fish, grababan en el año 2000 el álbum Rotten Soul donde hablan de gatos, Gatos grandes, Big Cats.

Tamaño de felinos, grandes, gruesos, grandes...buscando títulos de canciones que hablasen de gatos, tirando primero de memoria, una de las primeras referencias que me surgen en la cabeza es Cat Food, de King Crimson, aquellos KC del principio, 1970, y su segundo LP: In The Wake Of Poseidon.

Consultando los créditos de los discos de la banda se da uno cuenta de las colaboraciones que se buscó en su momento Robert Fripp, a qué músicos invitó para hacer posible cada uno de los discos que fueron conformando el espectro musical de uno de los grupos más importantes que ha dado la Historia de la Música Moderna.  El staff de músicos que intervienen en este disco es el siguiente:

Tan importante como la figura del guionista en el Cine, la figura del letrista, como fue el caso al principio en el proyecto King Crimson, de la persona que se encargaba de los textos de las canciones: Peter Sinfield.  

Fue el responsable de las letras de los primeros álbumes del Rey Carmesí, así como productor de discos como In The Court Of The Crimson King, In The Wake Of Poseidon, Lizard y Islands.  También fue letrista de Emerson, Lake & Palmer y Premiata Forneria Marconi.  También produjo el álbum de debut homónimo de Roxy Music, entre otros discos donde ejerció de productor.

Una foto que reúne a parte de los participantes en este LP es la anterior, con los hermanos Giles ocupando los extremos de la fila de pie.  A la izquierda, Peter Giles, guitarra bajo; a la derecha Michael Giles, batería.  El segundo por la izquierda es Keith Tippet (1947-2020), compositor británico, pianista y educador.  Él estaba dentro del piano y el piano estaba dentro de él.  El tercero por la izquierda es Greg Lake que en este disco, la última vez que estuvo en la Corte del Rey Carmesí, no toca ni la guitarra bajo ni la guitarra eléctrica o acústica, canta solamente, y no es poco.  Sentado, la cabeza pensante del proyecto, Robert Fripp.

Falta tan solo por reseñar la participación de Mel Collins, encargado del saxofón y la flauta.

Se nos quedaba atrás un músico, multinstrumentista, que no participó directamente de la grabación pero que estuvo presente como coautor de dos cortes del LP, en concreto Cat Food  que es el que suena y otro más escrito a medias con Fripp, ese músico fue Ian McDonald (1946-2022)

Nos hemos enrollado aquí un poco con King Crimson.  En la locución del programa voy al dato, aquí, en el blog, me extiendo más.  Pero volvamos al tema que nos ocupa hoy: canciones que hablan de gatos.  Del año 1970, año de grabación y publicación del álbum de King Crimson, saltamos dos años hacia atrás, hacia 1968.  De la comida para gatos, a gatos que se tienen que buscar la vida por la calle.

Año 1968, The Rolling Stones publicaban Beggars Banquet, un LP repleto de canciones tremendas: Sympathy for the Devil, Street Fighting Man, No Expectations...fue el último disco de los Rolling Stones en el que estuvo Brian Jones.  Moría el 3 de julio de 1969.  Ese mismo año, en el mes de noviembre, se publicaba Let It Bleed, donde la intervención de Jones se remitía a tocar la percusión en el tema Midnight Rambler.  Pero volviendo a Beggars Banquet, el LP contiene una canción que habla de gatos, de un gato, callejero, lo firma el tándem Mick Jagger/Keith Richards y se titula Stray Cat Blues.

Interior de la carpeta de Beggars Banquet

 

Beggars Banquet con el diseño de la carpeta de la edición norteamericana

 Me acordé, realizando la preparación del programa, de Honky Tonk Women, de los Rolling, y por asociación de títulos con Honky Tonk, me vino a la mente el disco de Elton John.

El LP es Honky Château, se publicaba en 1972, tras un disco tan rotundo como fue Madman Across The Water.  En este trabajo contó con la colaboración del violín eléctrico de Jean-Luc Ponty y le cantó a un gato del ambiente Honky Tonk, Honky Cat.

Más gatos.  Originaria de Glasgow, Escocia, Isobell Campbell (en la foto de la izquierda) saltó al mundo de la música como integrante del grupo de Pop Independiente, Belle and Sebastian.  Después, de muy buen rollo, dejó el grupo y continuaría sola o acompañada por Mark Lanegan.

 

Campbell y Mark Lanegan

En el año 2003, Campbell grababa y publicaba Amorino, un disco donde canta, compone, y deja que interpreten melodías suyas como este instrumental festoso, The Cat's Pyjamas, interpretado por músicos que cooperan para que suene lo más Dixieland posible.

Ahora algo de ambiente nocturno, entre Club y Cabaret, con alguien que conoce bien esas atmósferas: Marc Almond. 

En el año 2010 veía la luz el álbum Varieté.  Buena acogida lo que significa que, una vez agotada la primera tirada, reedición del disco.

Y en vez de realizar la típica operación de reeditar incluyendo una serie de Bonus Tracks y remezclas nuevas, el disco aparece como CD doble con un segundo disco más breve que el primero de los dos, idéntico al de la primera edición.  Ese segundo disco está caracterizado por el perfil acústico de los cortes entre los que se encuentran este Cat Dancer, Gato bailarín.

¿Cuántas veces ha sonado en Cíclope 3.0 este hombre de la foto a la izquierda?  Es Holger Czukay, músico alemán, que estudió con Karlheinz Stockhausen de 1963 a 1966.  En 1968 cofundó el grupo de rock alemán Can, pieza fundamental en la evolución del Rock.  Czukay ha estado detrás de álbumes ambientales, colaborando con otros músicos de las más variadas tendencias, aportando saber e influencia.  Nacía en 1938 en Danzig, hoy Gdansk, Polonia.  Fallecía en 2017, en Weilerswist (cerca de Colonia), Alemania, a la edad de 79 años.

Estuvo casado con Ursula Schüring, cantante (1962-2017), conocida por el nombre artístico de 

U-She.  Ella fallecía en julio y su esposo lo hacía en septiembre.

Juntos grabaron un álbum, Time and Tide, que veía la luz en 2001.  Composiciones de ambos cantadas por ella, que se encargó además de los textos de las canciones.  La portada del CD fue censurada.  El disco incluye un corte de contenido gatuno: Cat At Night, Gato de noche.

Nos vamos otra vez al Cine, con score original para una película.

Si hablamos de una película titulada Cat People podemos estar citando aquella magnífica cinta de Jacques Tourneur de 1942 con guión de DeWitt Bodeen que en España se tradujo como La mujer pantera.

Pero si la película, con el mismo título original, Cat People, tiene un score cuyo tema principal lo interpreta David Bowie, entonces sin lugar a dudas estamos hablando de un remake, el que realizó Paul Schrader en 1982 de aquella cinta, con guión tal cual: de DeWitt Bodeen.  Si la película de Tourneur se titulaba Cat People y aquí se traducía como La mujer pantera, el remake en el original era el mismo título, Cat People, pero la traducción era distinta: El beso de la pantera.  La música de la película de Tourneur estaba compuesta por Roy Webb, la banda sonora de la versión de Schrader pertenece a Giorgio Moroder.

Moroder (en la foto de la derecha) coescribió el tema Cat People (Putting Out Fire) con David Bowie, que se encargó de su interpretación. 

Cuando nos demos cuenta, hemos llegado al final de esta edición de Cíclope 3.0 y van a quedar un montón de canciones que hablan de gatos por sonar.  Ahora nos quedamos con un cuarteto británico que responde al nombre de Wild Beasts.

Este cuarteto de Kendal, Inglaterra, comenzó en el año 2002 con el nombre francés de Fauve, Gato montés.  En 2004 anunciaron que se cambiaba el nombre de la banda por el de Wild Beasts, y el 25 de septiembre de 2017 realizó un comunicado donde aseguraban que el proyecto estaba llegando a su fin.  Sin más, se separaron.

Pero antes de desaparecer, en el mes de febrero del año siguiente, 2018, se embarcaron en una gira de despedida y lanzaron Last Night All My Dreams Came True, (portada del disco a la derecha), un conjunto de algunas de sus canciones definitivas grabadas en vivo, sin posproducción ni arreglos posteriores, en RAK Studios.  La banda tenía talento para ambientar historias de masculinidad tóxica con sonidos engañosamente bonitos como tiene este Big Cat, Gato grande.

Este hombre de la foto a la izquierda es Hugh Cornwell, ¿te acuerdas de él?  Sí, era el guitarrista y voz principal de una banda legendaria conocida por el nombre de The Stranglers.

Cornwell comenzó una labor en solitario en paralelo a la existencia de la banda donde creció y se desarrolló como músico, guitarrista y cantante.  En 1993 lanzaba Wired un disco que contiene un tema cuyo título casi es igual que la pieza con la que hemos comenzado hoy el programa, te recuerdo que ha sido un fragmento de la banda sonora de la película Cat on a Hot Tin Roof, La gata sobre el tejado de zinc caliente.  La composición de Cornwell se titula Hot Cat On A Tin Roof, es decir, Gato (gata) caliente sobre un tejado de zinc.  

Queda tiempo para un par de canciones más.  Hay algunas en las que tenía particular interés pero no caben.  Tal vez volvamos en un futuro cercano a un nuevo Especial Gatos pero por hoy vamos a ir resolviendo con figuras como este señor de la foto.

Él es Lou Bega, de nombre real David Lubega Balemezi.  La popularidad le llegó en 1999 cuando se editó su álbum A Little Bit Of Mambo, con temas como Mambo No. 5 (A Little Bit Of...).  Es un músico alemán de ascendencia italiana y ugandesa, nacido en Munich, Alemania.  En el año 2005 publicaba Lounatic que tiene un corte que habla de gatos...por llamarlo de alguna manera porque el tema es Pussy Cat.

Y ya sí, sin remedio, llegamos al final del programa de hoy.  Lo hacemos con el cuarteto que aparece en la foto anterior, cuatro músicos originales de Zurich, Suiza, que responden por el nombre de The Hillbilly Moon Explosion

En el año 2004 sacaban al mercado este Bourgeois Baby, un álbum repleto de lo que mejor sabe hacer el cuarteto que son ritmos de Rockabilly y Rock'n'Roll.  

Con su Dead Cat Boogie nos vamos.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-09-07-24