jueves, 30 de mayo de 2019

Cíclope 3.0 - 28-05-19 - Especial Psicodelia




Psicodelia
 - Ilustración de Alex Grey

Cíclope 3.0 del martes 28 de mayo de 2018, Especial Psicodelia.  El pasado mes de marzo, en concreto el martes día 12, el Cíclope estuvo enredando con algunas vibraciones de música psicodélica y recuperó temas de Traffic, The Soft Boys...todo porque sonaba un sitar, ecos de un instrumento identificado habitualmente con el mundo de la Psicodelia.
Si se busca en las enciclopedias la voz "psicodelia" nos encontramos con definiciones como esfuerzo por proyectar el mundo interior de la psique.  La Psicodelia es parte de la contra-cultura de mediados el siglo XX, una parte fundamental de la Música Pop y que está relacionada con las manifestaciones musicales organizadas a través de los efectos por ingestión de sustancias alucinógenas, en este caso el conocido como ácido lisérgico o LSD y también los hongos psilocibios o, lo que es lo mismo, hongos alucinógenos.
En definitiva, una edición de Cíclope 3.0 psicodélica cien por cien que comienza con una banda original del Bronx de New York llamada Blues Magoos.



Blues Magoos

Este quinteto surgió en 1964 y no fue muy reconocido mientras estuvo activo.  Sería con el paso de los años cuando su nombre adquiere tintes de mito.  Su trabajo más renombrado aparece en 1966 bajo el título Psychedelic Lollipop.




La música psicodélica nace y se expande en la década de los años 60 del siglo pasado.  Su característica será sonora principalmente, pero el nombre de las bandas servirá como tarjeta de presentación, de guía para oyentes.  Del año 1967 data la fe de vida de otro quinteto norteamericano, en este caso original de Los Ángeles, California, y que respondían a un nombre que no puede ser más psicodélico: The Electric Prunes (Las Ciruelas Eléctricas).



The Electric Prunes

Realizaron su presentación en 1967 con un álbum bautizado con el nombre del grupo donde incluían uno de sus temas más conocidos, I Had Too Much To Dream Last Night (Anoche soñé demasiado).



Single del primer álbum de The Electric Prunes

Pioneros de la más genuina psicodelia, The 13th Floor Elevators fue una banda original de Austin, Texas, que existió entre 1965 y 1969 y a la que se le reconoce el hecho de emplear por primera vez el termino psicodelia en un disco.  




El alma-máter del grupo fue Roky Erickson, guitarrista y vocalista, un hombre que alcanzó el estatus de héroe de culto (similar a Syd Barrett) a través de la música y de su lucha contra la locura y el consumo de drogas (marihuana y LSD).  



Es curioso que Erickson llegara a ser el motor del grupo porque él no lo crea, no lo funde, se convierte en un miembro más a raíz de la llamada que le hace Tommy Hall, letrista principal de The 13th Floor ElevatorsErickson capitaneaba entonces un grupo llamado The Spades.  Era 1965 y su entrada en la banda del Ascensor fue inmediata.


                    
                      The 13th Floor Elevators  (Roky Erickson segundo por la derecha)

Dos guitarras, un bajo, un batería y un búcaro eléctrico.  Bueno, lo de búcaro es un decir porque en realidad se trataba del típico recipiente para el whisky, esa botella de cerámica, barrigona, que habitualmente aparece en las películas del lejano Oeste.  Para más señales, en la foto anterior, Tommy Hall, primero por la izquierda, se encargaba de soplar por el orificio de la vasija.

Para que se aprecie aún mejor las explicaciones anteriores, en ésta foto Tommy Hall, veterano ya, haciendo lo que habitualmente era su función en el grupo, además de escribir las letras de las canciones y cantar.

La banda grabó cuatro álbumes, tres en estudio y uno en directo.  Erickson aparece en los dos primeros, The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators de 1966 y Easter Everywhere de 1967, después su historia personal se complica.  En 1969 es detenido por posesión de marihuana y él argumenta, para librarse de la cárcel, que está mentalmente incapacitado.  Pasó tres años en una institución estatal para Locos Criminales, donde lo trataron con terapias de electroshock y medicamentos psicoactivos: había sido diagnosticado como esquizofrénico.


Erickson
 en los 60

Es dado de alta a finales de 1972 principios de 1973.  Volvió a la música pero nada fue igual.
Su popularidad fue explotada por gerentes de discográficas que, sin el más mínimo escrúpulo, le hicieron firmar contratos para publicar discos de los que no percibió ningún derecho de autor.
En 1982 firmó una declaración jurada donde afirmaba estar poseído por un marciano que había invadido su ser. 


En 1990, cobrando una pensión de 200 $ que le pasaba la Seguridad Social, fue acusado de robo.  Aunque la denuncia se retiró él continuaba viviendo en la más absoluta indigencia.  Su figura fue restituída en la memoria colectiva gracias a homenajes como los que realizaron R.E.M., ZZ Top o Jesus and Mary ChainJulian Cope grabó un disco, Droolian, que en principio sólo se vendió en Texas para posteriormente cubrir el mercado internacional y cuyas ganancias fueron directamente a las manos de su admirado músico psicodélico.  Ya en pleno siglo XXI, Erickson volvió al mundo de la música, restablecido y recuperado gracias a su hermano Summer Erickson, que se encargó de que recibiera atención médica y dental así como tratamiento psicológico adecuado a sus trastornos.




Erickson
en la actualidad





       









Volvemos a la música psicodélica y a sus representantes, como 
The Pretty Things.



The Pretty Things

El significado de su nombre, Las Cosas Bonitas, en verdad era un ironía: se bautizaron con el título de una canción de Bo Diddley y representaban todo lo contrario porque jugaban con el "feísmo", con sus pelos más largos de lo habitual, un tanto desaliñados en su forma de vestir (desaliñados por aquel entonces) y un sonido áspero y fuerte de Blues y Rhythm & Blues.  Hicieron una canción que fue una declaración de principios psicodélicos: LSD.  Y grabaron lo que se puede considerar el primer disco conceptual en la historia del rock: S.F. Sorrow.  No tan sólida como la ópera Tommy de The Who, pero sí antecedente de ella, S.F. Sorrow fue una obra que se revalorizó con el paso de los años.  Pero lo que suena en Cíclope 3.0 no es un fragmento de ese disco, aunque aparezca en la reedición en vinilo y CD, es el single que apareció a finales de 1967 con el título Defecting Grey, un tema que supuso la ruptura con lo que habían estado haciendo hasta el momento The Pretty Things que no era otra cosa que Blues y Rhythm & Blues británico.
Defecting Grey, más que una canción, es un conjunto de bloques, como si se trataran de varios temas.  Desde el comienzo repleto de reverberaciones y florituras disonantes al tiempo de vals, se va organizando una melodía que canta Phil May, vocalista y guitarra del grupo, con una voz tratada que parece que suena a través de un megáfono submarino.  De pronto todo estalla en un frenesí de guitarra de rock duro con una batería desesperada.  Y vuelta a la calma inocente de melodía de carrusel, de tio-vivo del comienzo.  Se volverá a quebrar el ritmo y con unos rarísimos arreglos de cuerda sonará un sitar, para poner la guinda en una canción que, cuando vio la luz en 1968, apareció en formato single, recortada para poder encajar en un formato de 45 rpm; después, con el paso del tiempo y una vez que se reedita la obra de 1968, S.F. Sorrow, aparece como pista de bonificación con una particularidad: es la versión original, íntegra, sin cortar.  A veces las remasterizaciones tienen algo bueno.




   






Portadas del single Defecting Grey y S.F. Sorrow - 1968

Hasta el momento no se ha dicho nada de los Efectos Especiales de Sonido en la música psicodélica, como por ejemplo el conocido como Backmasking.  Con esa palabra se denomina a la técnica sonora en la cual los sonidos son grabados a la inversa sobre una pista musical planeada para ser tocada hacia delante.  Un ejemplo: la guitarra de George Harrison en el tema I'm Only Sleeping del álbum Revolver de The Beatles y que suena en el programa para eso, para ilustrar la teoría.



Otro efecto sonoro: Panning, cuando el sonido pasa de un altavoz a otro, produciendo un efecto acústico llamativo en el sistema estéreo.  Un ejemplo: la canción Sandra's Having Her Brain Out de un grupo empecinado (para bien) en recuperar la psicodelia, The Soft Boys.  Pertenecen a esa corriente llamada neo-psicodelia que buscaban rescatar el caleidoscopio musical de la psicodelia de los 60 trayéndola a finales de los años 70 y principios de los 80.  Al frente de esos Muchachos Suaves, Robyn Hitchcock, de quien hay más datos precisamente en esa edición de Cíclope 3.0 a la que he hecho mención al principio de ésta entrada.



Primero de los dos discos de The Soft Boys
















The Soft Boys
(Robyn con unas tijeras)

Otro grupo entusiasmado con el flash interior psicodélico, The Teardrope Explodes.



The Teardrope Explodes

Originales de Liverpool, The Teardrope Explodes tuvieron una vida tan corta como productiva a pesar de lo escueto de su discografía: 2 LPs y algunos Maxi-Singles.  Julian Cope, voz y motor de la banda (en la foto, en el centro) y Troy Tate, guitarra (segundo por la izquierda), manejaban las emociones de esta Lágrima que Explota.  Uno de esos vinilos con formato de Maxi o de MiniLP fue You Disappear from View, cinco temas no incluidos en sus dos álbumes entre los que estaban Ouch Monkeys, neo-psicodelia de primera calidad que recupera el Cíclope para ti, por si no la conocías.



El uso y abuso de cualquier sustancia conlleva un riesgo.  Algunos músicos han hecho apología y defensa del consumo de ciertas sustancias como es el caso de Julian Cope que se autodenomina Rey del Ácido; otros han reflejado las consecuencias negativas del consumo de sustancias que producen intoxicaciones psíquicas.  Kenny Rogers, cantante, intérprete norteamericano de música country, en 1969 lanzaba un disco que sería uno de esos exitos rutilantes de la música internacional: Ruby, Don't Take Your Love to Town.  Ese mismo año también publicó otro tema que hablaba, de forma crítica, de los efectos negativos por el consumo de sustancias alucinógenas como el ácido lisérgico.  El tema en cuestión fue Just Dropped In (To See What Condition My Condition Was In)Simplemente vine (para ver en qué condición estaba mi condición).  La forma que envuelve la canción, desde el comienzo, no puede ser más psicodélica.



Kenny Rogers and The First Edition
 (Rogers con gafas)

Estamos en la recta final del programa y en una edición dedicada a la Música Psicodélica no pueden faltar ellos: Pink Floyd.


Pink Floyd
en 1968: De pie y de izquierda a derecha están Nick Mason, Syd Barrett, Roger Waters y Richard Wright; agachado, David Gilmour
La foto anterior reunía la esencia de lo que sería el cuarteto capitaneado por las luchas y choques de los egotrones de David Gilmour y Roger Waters.  Pero en aquel 1968 aún estaría Barrett en el seno de Pink Floyd, poco tiempo, pero estuvo.  Su adiós, después de haber impulsado la psicodelia del grupo en 1967, sería con el disco A Saucerful of Secrets donde dejaba un tema compuesto por él, Jugband Blues.  Después su nombre y apellido y su figura se volverían leyenda.


Y no se llegó a saber, a ciencia cierta, si Barrett dejó a Pink Floyd o el grupo le pidió que los dejara.  Responsable del primer álbum de la banda, The Piper at the Gates of Dawn, errático en sus funciones de músico, tras un período de silencio donde se barajaron todas las tesis posibles desde el suicidio a muerte por sobredosis, Syd Barret volvió a aparecer a principios de la década de los 70, para dejar una estela que han seguido otros músicos admiradores de las formas de su música.  Entre esos seguidores están Julian CopeRobyn Hitchcock o Television Personalities.
Para la ocasión, el Cíclope recupera su álbum de 1970 The Madcap Laughs.



Syd Barrett
(1946-2006)

Los últimos en sonar en éste Especial Psicodelia son The Rolling Stones con su LP Their Satanic Majesties, de 1967, un disco cuya portada no podía ser más psicodélica cuando apareció.



Especie de réplica al Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, en lo que es la portada, el contenido de éste disco de Jagger y compañía es, sin lugar a dudas, el disco psicodélico de The Rolling Stone.
La carpeta del disco, una de las más gruesas que he conocido, tenía la foto del grupo cubierta con una lámina de efecto 3D que, al mover la foto, producía un efecto lenticular y los miembros del grupo movían la cabeza a su izquierda o a su derecha.  Las reediciones posteriores no incluían esa decoración, menos aún el CD remasterizado.  Hace poco se ha hecho una nueva edición en vinilo, edición limitada, con lo que fue la funda del disco original.
Con ese disco, con She's a Raimbow termina éste Especial Psicodelia en Cíclope 3.0.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

http://www.radio.tomares.es/index.php/blog/ciclope-30-28-05-19








jueves, 23 de mayo de 2019

Cíclope 3.0 - 21-05-19



Ritmo sincopado

Edición de Cíclope 3.0 del martes 21 de mayo de 2019.
Al comienzo del programa de hoy rescatamos de la memoria una composición que es una de las muestras más claras de lo que es el ritmo sincopado: el tema Roundabout de la banda Yes.




Fieles representantes de lo que se conoció como Rock Sinfónico, concepto absorbido actualmente por el de Rock Progresivo, Yes, antes de entrar en el desarrollo de esas largas estructuras en forma de Suites en las que trabajaron a partir de 1972, tuvieron álbumes de canciones más o menos largas o cortas.  



Tres discos entre 1969 y 1971, formaciones más o menos estables hasta la segunda entrega del año 1971, cuarto álbum de la banda, un disco titulado  Fragile.




Siempre bajo forma de quinteto, Yes en 1971 reunía a un grupo de buenos, muy buenos músicos: mirando la foto inmediatamente anterior a la que reproduce la portada de Fragile, nos encontramos al teclista Rick Wakeman, de pie, con sombrero; la línea de tres la forman Bill Bruford batería, Jon Anderson voz, Steve Howe guitarras y en la parte inferior Chris Squire, guitarra bajo.
La aparición de éste álbum de la banda supuso el cambio, la bisagra sobre la que se realizaría el cambio estilístico de su música que seguiría las huellas de temas como Heart of the Sunrise (10 minutos y algo más) y por otro lado, un aspecto extramusical: el diseño de las carpetas de sus LPs.  El responsable es Roger Dean, arquitecto, publicista e ilustrador británico que, desde finales de la década de los 60 ha diseñado la carpeta de discos de bandas como Uriah Heep, Osibisa, Greenslade y muchos más.  Sus ilustraciones están relacionadas con imágenes oníricas de arquitecturas, paisajes flotantes, mundos futuros...  Yes no fueron los únicos que disfrutaron de su colaboración como dibujante pero sí tuvieron una estrecha amistad que favoreció algunos detalles como el logotipo de la banda, fácilmente reconocible:




Roger Dean

Un dato más antes de continuar: la portada del disco Fragile reproducía la forma redondeada de un planeta.  Pensábamos que se trataba de una visión del planeta Tierra en estado prístino, una especie de representación de la Tierra en la época mística y legendaria del Edén.  Pues no, se trata de un planeta, sí, pero llamado Sunhillow.  Sería en 1976 cuando el vocalista Jon Anderson comenzara su labor individual como músico, inaugurando una discografía en solitario que arrancó con un álbum titulado Olias of Sunhillow, una aventura místico-espiritual cuyo personaje central era Olias, una especie de anciano conocedor de los secretos del alma que viaja en el Espacio y el Tiempo y cuyo origen está en ese planeta, Sunhillow.


Jon Anderson
- Olias of Sunhillow - 1976

Tras esta primera aproximación al contenido del programa de hoy, larga como una de las caras del doble álbum Tales from Topographic Oceans de los ínclitos Yes, nos adentramos en un grupo que también supieron hacer como pocos, un desarrollo sincopado en algunas de sus canciones.  Nos referimos a The Woodentops.



Originales de la ciudad inglesa de Northhampton, The Woodentops estaban capitaneados por Rolo McGinty, guitarra, voz, compositor (en la foto, primero por la izquierda), ex-miembro de The Jazz Butcher.  Aparecieron en el carrusel de la música de los 80 con su música saltarina, pop acústico que se llegaba a sincopar de forma elástica y que mezclaba instrumentos eléctricos con instrumentos de madera, para aplicar una percusión hueca que jugaba perfectamente con la instrumentación acústica en el frenesí de algunas de sus canciones.  En los primeros años de la década de los 80 editaron varios maxi-singles.  El primero, aparecido en 1983 bajo el título Plenty, recibió el padrinazgo indirecto de Morrisey, el vocalista de The Smiths, que escribió una elogiosa reseña del single en la publicación Melody Maker.  Los maxis de la banda se editaron entre 1983 y 1985, año de aparición del LP Straight Eight Bushwaker, un disco que reunía material nuevo más los singles aparecidos desde 1983.  Entre lo nuevo, una de esas demostraciones de ritmo tenso y sincopado como es el tema Move Me.  Y también en 1985 vería la luz Giant, un álbum variado, repleto de buenas vibraciones, el mejor disco de ésta banda que sacó su nombre de una serie infantil de televisión en Gran Bretaña, The Woodentops, que contaba la historia de una familia de títeres de madera que vivían en una granja.



The Woodentops
 - Serie de televisión



  



































En una línea cercana a la banda de Rolo McGinty, pero sin sobresaltos ni ritmos sincopados, están Martin Stephenson & The Daintees, una excéntrica banda escocesa capitaneada por el cantante, guitarrista y compositor Martin Spephenson.  Se dieron a conocer en 1986 con un álbum titulado Boat to Bolivia donde mezclan géneros y estilos como Rockabilly, Pop, Rock...  En aquellos años, 1986, la música alegre del grupo envolvía letras  polémicas sobre lesbianismo, aborto espontáneo, alcoholismo...  Hace tiempo que no se sabe nada de ellos y no lo hacían nada mal.



Martin Stephenson & The Daintees (Martin primero por la derecha)


Esa mujer que se cubre la cara es Angela Cape, esposa de Martin Stephenson

Siguiendo un poco las líneas de la serpentina musical que se va desenredando, nos quedamos ahora con una banda inglesa original de la británica ciudad de Oxford, The Jazz Butcher.



The Jazz Butcher

The Jazz Butcher, o The Jazz Butcher Conspiracy, o The Jazz Butcher and His Sikkorskis from Hell, sea con un nombre o con otro, el proyecto siempre ha estado capitaneado por Pat Fish, de nombre real Patrick Huntrods.  En la foto, a la izquierda, está Max Eider, el hombre de confianza de Fish, la guitarra sobre la que descansaba su creatividad.  Sentado, con guitarra, el mismísimo Carnicero del Jazz y a la derecha, con gafas, David J, guitarra bajo, miembro de Bauhaus y Love and Rockets, entre otros proyectos.  Si se marchaba un miembro de la banda, el nombre del grupo variaba con esos alias citados.  Desde su primer disco, editado en 1983 con el título In Bath of Bacon, donde participaba Rolo McGinty de The Woodentops, hasta la última grabación aparecida en el año 2012, The Jazz Butcher no han dejado de inventar y cambiar.  La gran crisis llegó el día que Max Eider abandonó el seno de The Jazz Butcher: Pat Fish perdió su mano derecha para articular su música que podía ir desde canciones punk a canciones de cabaret.  El Cíclope recupera dos momentos de la vida musical de la banda.



Fishcotheque - 1988


























Distressed Gentlefolk
 - 1986



























Estamos acercándonos al final del Cíclope de hoy.  Para continuar con sonidos cercanos en estilo, en estética, con bandas cuyos discos se podrían poner en la misma estantería, nos quedamos ahora con un colectivo de nombre original: Margot and The Nuclear So and So's (Margot y La Nuclear y tal y tal).



Margot and The Nuclear So and So's

Hay una película del año 2001, The Royal Tenenbaums (Los Tenenbaums.  Una familia de genios) dirigida por Wes Anderson y escrita a medias entre él y Owen Wilson.  Una disparatada comedia con un reparto amplio, entre otros: Gene Hackman, Anjelica Huston...Gwyneth Paltrow...precisamente ésta, Paltrow, interpreta el papel de Margot Tenenbaum, y ésta Margot le sugirió a Richard Edwards el nombre para bautizar su proyecto musical, Margot and The Nuclear So and So's, un proyecto con el que Edwards quiere terminar, pero cuyos vínculos con la casa discográfica que edita sus discos no le permiten desentenderse.  Sale material en forma de nuevos discos pero el contenido no es tan novedoso como se podría esperar.  Lo último es un álbum con las demos de dos discos editados ambos en el año 2008.  El Cíclope recupera uno de esos dos y el disco del año 2005. 



The Dust of Retreat
 - 2005









Not Animal
 - 2008


Richard Edwards


























El punto y final en la edición de hoy de Cíclope 3.0 lo pone un trío noruego de rock alternativo, Midnight Choir.  Su tendencia, su inclinación musical es la música norteamericana, country rock, o mejor dijo, más rock que country.  El nombre del trío lo toman de la primera frase del texto de la canción Bird on a Wire de Leonard Cohen:
Like a bird on a wire, like a drunk in a midnight choir
Activos entre 1992 y 2004, cierran hoy con sonidos que se mezclan entre el sueño y la vigilia.



Midnight Choir



















El álbum que ayudó a la popularidad del trío noruego, Amsterdam Stranded, de 1998.












Espero que te guste el programa.

Enlace: 

viernes, 17 de mayo de 2019

Cíclope 3.0 - 14-05-19


Foto de la serie "Carreteras Infinitas" del fotógrafo alemán Christian Schmidt

Cíclope 3.0 del martes 14 de mayo de 2019.  La foto que ilustra la cabecera de la entrada tiene que ver con el contenido del programa de hoy porque la carretera, el movimiento, van a tener protagonismo en ésta edición.
Comenzamos conduciendo lejos de casa con un dúo que facturó un Pop macizo y contundente a mediados de la década de los 80, It's Immaterial.


John Campbell
 izquierda; Jarvis Whitehead derecha

Originarios de Liverpool, comenzaron siendo un cuarteto en 1980 hasta que se quedaron tan solo como dúo con los dos miembros de la fotografía, dos músicos multinstrumentistas: John Campbell, voz principal, y Jarvis Whitehead, guitarras y teclados, entre otros instrumentos.  Su álbum más popular, Life's Hard and then You Die, aparecía entre finales de 1984 y principios de 1985.  De ese disco se hicieron EPs y MaxiSingles con mezclas diferentes de las que extraemos el tema que hace alusión a la carretera, Conduciendo lejos de casa.




La portada del primer disco de It's Immaterial estaba ilustrada con una foto del gran Charlie Rivel, payaso y maestro del mimo español (1896-1983) 










Charlie Rivel en un gesto característico en sus actuaciones en vivo: un aullido que le servía para conectar acciones y pasar a otra cosa.





Seguimos en carretera, conduciendo, y ahora el turno se lo pasamos a la banda norteamericana Incubus.
Con este nombre te puedes encontrar cuatro grupos: uno es de Metairie, Los Ángeles, y se dedican a hacer Death Metal; otro es de Inglaterra y están volcados en el Heavy Metal, al igual que otro combo, original de Brasil, dedicados también al Heavy Metal; por último están los que nos interesan, el quinteto norteamericano original de Calabasas, California, capitaneado por el vocalista Brandon Boyd.


Incubus
 (Brandon Boyd primero por la derecha)

Incubus es una banda de rock alternativo, de base fuerte, que por el momento han dejado un puñado de buenos discos.  Del tercer álbum, que grabaron en 1999, de título Make Yourself, el Cíclope extrae el tema relacionado con la carretera, un tranquilo Drive.


Tal vez pienses que por aquello del juego de la cesta de cerezas, que sacas una y salen otras enganchadas, pues a raíz de "Drive" nos va a dar por ensartar canciones relacionadas por el título como Drive My Car de The Beatles y muchas más.  Pues Non (no, en latín), negativo.  Vamos a tomar como vía la carretera y como referente la figura de Jack Kerouac.


Jack Kerouac
(1922-1969)

En el año 2009 apareció un disco titulado One Fast Move or I'm Gone (Kerouac's Big Sur) firmado por Jay Farrar y Benjamin Gibbard.  Era y es, música inspirada en la figura del padre de la Generación Beat, en los textos que forman su obra Big Sur de 1962.  No es la banda sonora de la película homónima del año 2013 dirigida por Michael Polish, es un homenaje por parte de esos dos músicos hacia la figura de Kerouac.  En el libreto de fotos y créditos que se incluye en el CD aparecen unas palabras de Patti Smith contando su descubrimiento de los textos kerouacanianos.  Dice Smith:
Parece que siempre ha estado en el aire, en la curva de un volante, en el mandala circular, en el borde de una botella y en la punta de la lengua. Sin embargo, cuando me pidieron que hablara de él, tuve que buscar en mi conciencia. Nunca había leído sus libros. Lo conocía principalmente de segunda mano, a través de aquellos que realmente lo amaban: Sam Shepard, Fred Sonic Smith y los amigos gloriosos Jack William, Gregory y Allen.  Conocí a Jack Kerouac a través de los hombres.  Me tomó mucho tiempo sentirlo por mi cuenta. Al final, fueron los rollos los que me llevaron al corazón de él.  Los pergaminos, los rollos de la ciudad muerta, desenrollados como las envolturas de lino de una Princesa egipcia.  Contienen una energía atrapada que no se puede negar.  De repente, a través de los pergaminos, en particular el Big Sur, lo encontré a él y su palabra. No era un hombre perfecto, pero tuvo momentos de perfecta claridad.  Amaba a Melville y nos contaba historias como si acabara de salir cojeando del Pequod, de su propia existencia ebria.  Arrojó su narrativa en el papel del teletipo: escribió lo que estaba pensando en voz alta.  La voz de una generación.  El rey de los beatniks. Un rey detesta ser rey, pero no obstante es rey.  Sin duda fue sometido por su triste y terrible poder.  Sin embargo, dio todo a sus súbditos: su trabajo, su carne, su imagen, su sonrisa y, en última instancia, su tormento.  Fue nuestro buen rey.  Así que vamos a llorar.



La realización de este proyecto contó con cinco días de trabajo para grabar las canciones.  Se le dedicó el menor tiempo posible a la post-producción porque lo que pretendían tanto Farrar como Gibbard era dejar lo más limpia posible la impronta de cada una de las composiciones, incluyendo cualquier improvisación que pudiera surgir.  Partiendo del poema de Kerouac Sea y de parte de los textos de Big Sur, entre los dos músicos elaboran un disco personal, tan personal como la visión que da Patti Smith, utilizando las imágenes bíblicas de los Papiros, los Rollos del Mar Muerto y la figura de Melville a través del capitán Ahab, descendiendo borracho del barco ballenero Pequod.
A Kerouac lo conocimos en España a través de la editorial argentina Losada.  En el camino, del año 1957, lo editó Losada el 19 de octubre de 1959 en su colección "Los Grandes Novelistas de Nuestra Época".  No sé si fue traducida también por Miguel de Hernani, que se encargó de hacer la transcripción de lengua diez años más tarde en la primera edición de la colección "Biblioteca Clásica y Contemporánea" de Losada, el 30 de diciembre de 1969.  Esta sería la que nos llegaría a una España donde era imposible leer a algunos autores por su ideología política, por sus opiniones o por su condición sexual.  A través de la editorial Losada pudimos leer, entre otros, libros como la Antología Poética de Luis Cernuda,  absolutamente prohibído en aquellos tiempos de censura.


Pero esta entrada no es de lecturas recomendadas, es de Cíclope 3.0, de música, y con ella continuamos.
Situando un poco a los músicos responsables del homenaje a Kerouac, Jay Farrar es responsable de la revitalización del Country dentro del panorama del Rock Independiente norteamericano.  Estuvo en el seno de la banda Son Volt y junto a Jeff Tweedy formó el grupo Uncle Tupelo, en los dos casos, dos ejemplos de country revitalizado.


Son Volt
 (Jay Farrar en el centro)


Uncle Tupelo
(Farrar izquierda y en el centro un jovencísimo Jeff Tweedy)

Jeff Tweedy protagoniza uno de los eslabones indispensables en la cadena de transmisión del Rock Alternativo norteamericano entre el final del siglo XX y el siglo XXI a través de su proyecto Wilco.  Comenzaron editando un disco en 1995 y hasta nuestros días, cuando Tweedy publica un par de discos dentro de su discografia en solitario, uno en 2018 y otro en 219.  Se busca la colaboración de otros músicos para elaborarlos y entre otras ayudas cuenta con la de dos de sus hijos: Sammy Tweedy, teclados, sintetizador, acompañamiento vocal, y Spencer Tweedy, batería.
El Cíclope enreda en las buenas vibraciones tanto del grupo como de su alma-máter en solitario.


Jeff Tweedy en la actualidad


Wilco
 (Tweedy en el centro)

Volviendo al tandem de músicos responsables del homenaje a Kerouac le toca el turno ahora a Benjamin Gibbard.


Ben Gibbard

Este hombre es la columna vertebral de una de las bandas con uno de los nombres más raro e intraducible que puedan existir: Death Cab for Cutie.  Original de la localidad norteamericana de Bremerton, Washington, Gibbard posee una interesante discografia en solitario, sin olvidar por supuesto su principal proyecto, DCfC y otros paralelos como The Postal Service, banda con formato básico de dúo (él y el músico productor Jimmy Tamborello) y que reunía a una serie de colaboradores como su compañero en DCfC el teclista Chris Walla.


Death Cab for Cutie
 (Chris Walla primero por la izquierda; Gibbard con gafas)

El 24 de febrero del año 2015, la edición de Cíclope 3.0 estuvo dedicada a este grupo.  Hoy los volvemos a recuperar y aclaramos un poco de dónde le viene el nombre a la banda.  Como dijo el mismísimo Gibbard, menos mal que existe Internet y ya no tienen que preguntarle, cada vez que le hacen una entrevista, qué significa el nombre con el que bautizó su proyecto porque se puede encontrar en la Red.
Death Cab for Cutie es el título de una canción de una banda inglesa de la década de los años 60 llamada Bonzo Dog Doo-Dah Band, también conocidos como The Bonzo Dog Band, The Bonzo Dog Dada Band y, de forma más abreviada, como The Bonzos.
Aparecen en la escena de la década de los 60 después de que un grupo de estudiantes británicos de Arte decidieran crear un colectivo que combinara elementos del music hall, jazz, rock psicodélico, arte vanguardista, y humor absurdo.  Comienzan llamando la atención de un público más amplio a través de un programa de la televisión británica para niños, Do Not Adjust Your Set  (No ajuste su receptor), frase que coloquialmente indica que cualquier distorsión en la recepción de la señal se debe al contenido en sí y no al mal funcionamiento del aparato receptor.  La canción satírica Death Cab For Cutie aparece en el álbum Gorilla de 1967 y también en la película Magical Mystery Tour, de The Beatles, en la escena del strip-tease.






Bonzo Dog Doo-Dah Band


The Bonzos
al completo


La escena del strip-tease en Magical Mystery Tour con The Bonzos interpretando la canción

Death Cab for Cutie

Estamos en la recta final del programa y nos queda tiempo para escuchar un par de temas más.  Recuperamos la figura de Jack Kerouac a través de King Crimson.  


Una de las últimas metamorfosis de la Corte del Rey Carmesí fue la que se inauguró en la década de los 80 con su primer fruto en 1981 y la edición del álbum Discipline.  De formaciones anteriores tan solo quedaba Bill Bruford en la batería y percusión, el resto, excepto Robert Fripp, eran nuevos: Tony Levin, guitarra bajo y Adrian Belew, guitarra eléctrica, un hombre inquieto, creativo, conocido por su enfoque inusual tocando la guitarra, evocando en ocasiones onomatopeyas de sonidos animales, máquinas o cualquier cosa que se le ocurra.  Además de tocar la guitarra fue la voz de esos nuevos King Crimson que un año después, en 1982, lanzaban Beat, un disco con menos repercusión que su trabajo anterior pero que incluía algunas piezas de interés, entre otras una titulada Neal and Jack and Me, alusión directa a Neal Cassady Jack Kerouac.


Neal Cassady
, amigo y compañero de viajes de Jack Kerouac


  
















Neal
y Jack

















Volvemos a la carretera con un tema que alude a ello: Drive, de R.E.M. y de aquel disco titulado Automatic for the People.


R.E.M.
 convertido en trío, en la recta final de su trayectoria como grupo

Y así, conduciendo por carreteras, llegamos al final por hoy, que no es sino un hasta la semana que viene, si tú quieres.

Espero que te guste el programa.

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