Cíclope 3.0 - 30-01-24 - Especial Joe Jackson # 10

 

Joe Jackson

Cíclope 3.0 del martes 30 de enero de 2024.  Hoy el programa está ocupado por el Especial  Joe Jackson  Número 10 y dos álbumes: Volume 4 del año 2003 y Afterlife de 2004.

 

Con un juego de palabras veía la luz Volume 4: Cuarto Volumen o, como es en realidad, Volumen de un amplificador a 4.  Ni muy alto ni muy bajo, en un punto intermedio.

Volume 4 se publicaba el 11 de marzo de 2003 y supuso el reencuentro de la Joe Jackson Band

Contraportada del LP I'm The Man de 1979
con el cuarteto original de la Joe Jackson Band

Juntos grabaron los tres primeros álbumes de Joe Jackson: Look Sharp!, 1978, I'm The Man, 1979 y Beat Crazy, 1980.  Los dos primeros no fueron acreditados a la banda, sólo a Joe Jackson.  Cosas de las casas discográficas.

La banda de Joe Jackson estuvo en activo desde 1977 a 1980.  Grabaron y realizaron giras los cuatro miembros.  Después llegaron los cambios con el horizonte de Jackson ampliándose en diferentes niveles de expresión musical.  Pero en 2003, 23 años después de la última reunión, los tres instrumentistas vuelven a reunirse alrededor de la figura de Jackson.  Ha pasado el tiempo, son un poco más viejos.  Y más sabios.

Dave Houghton,

batería

Gary Sanford, guitarra eléctrica

Graham Maby,

guitarra bajo

De los tres, Graham Maby no dejaría de colaborar con Jackson tanto en estudio como en actuaciones en vivo.  Los tres unirían sus ingenios, su creatividad y su fuerza para hacer que la Joe Jackson Band sonara tan bien o mejor que al principio, porque como ya he dicho eran más viejos, pero también más sabios.

Cuando aparece Volume 4 la crítica especializada lo celebra como un retorno deseado: por fin Joe Jackson vuelve a los esquemas de canciones que hizo en sus primeros trabajos, dejando atrás los aires ampulosos de la música académica.  Como si esas composiciones posteriores sobre las que ha trabajado nuestro protagonista fuesen agua de zarandajas, música carilarga y seriacontecida.  No comparto, en ningún aspecto, esa especie de compás de espera, de pausa en el interés por la música de Jackson a la espera de que se le pase la etapa de compositor serio y haga cosas más interesantes.  Con la perspectiva que da el paso del tiempo, el arco que desarrolla desde su primer LP hasta hoy es lo suficientemente colorista, importante y de interés como para tenerlo más que en cuenta.  Su labor creativa es lo suficientemente amplia como para abarcar diferentes áreas.  Con este álbum de 2003 no es que vuelva a sus orígenes, es que escribe canciones de Pop-Rock pero no es nuevo en el escenario de la música: empezó a finales de la década de los 70 en el siglo pasado, y ahora está en el siglo XXI, es…un poco más viejo, aunque mantiene su figura, y escribe con energía canciones de ritmos ligeros.  La intensidad de este Volumen 4 se equilibra entre las canciones calmadas y las impetuosas.  Es una exageración difundida que Jackson no grababa música Pop-Rock desde 1980, cuando se publicó el álbum Beat Crazy.  Que a partir de ese trabajo se centra en las composiciones serias de partituras, orquestación…  Es cierto que trabaja en partituras originales para películas, es cierto que compone una sinfonía… Pero Jumpin' Jive es de 1981, Big World de 1986, el primer álbum que recoge material grabado en directo fue Live 1980-86 de 1988 y no aparecía ni un corte de perfil clásico, Blaze of Glory es de 1989… Que tarda 23 años en reunir de nuevo a la Joe Jackson Band, vale.  Pero eso no significa que hubiera abandonado las formas libres del Rock por el atril de las partituras académicas.  

La entrada de Jackson en el siglo XXI ha sido vital, enérgica, como pudimos escuchar en el Especial anterior: en el año 2000 dos trabajos, Night and Day # 2, Pop de altos vuelos y Summer in the City, en vivo en la ciudad de Nueva York.  En 2002 otro disco grabado en directo, Two Rainy Nights Live in Seattle and Portland.  Y ninguno relacionado con el academicismo.

¿Cómo fue, cómo se dio esta reunión de reencuentro entre Jackson, Houghton, Sanford y Maby?  Los cuatro eran conscientes que, en el año en que se encontraban, 2003, se cumplían 25 años de la grabación y aparición de Look Sharp!, el primer LP de la banda.  Podían hacer algo...reunirse y tocar en vivo el disco completo, en una sola actuación, o en varias, realizando una mini-gira...  También podían grabar un disco nuevo.  Jackson tenía una colección de canciones a punto, tan sólo necesitaban ser terminadas, pulidas.  Las tenía preparadas como material nuevo para un nuevo trabajo.  Podían utilizarlas como punto de fuga para elaborar un material inédito en consonancia con los tiempos...  Estando en estas, Jackson recibe una llamada telefónica de la casa discográfica: se han dado cuenta que se cumplen un montón de años desde que la Jackson Band grabó y actuó por última vez, 23 años en total, desde 1980, así que habían pensado que por qué no hacer un remake en plan nostálgico, volver a grabar Beat Crazy de 1980 en plan retro...  ¿Hola?  ¿Hay alguien en casa?...  La comunicación se cortó.  Se volvió a entablar.  Le preguntaron a Jackson si hacía mucho tiempo que no veía al resto del grupo.  Mintió y dijo la verdad: la verdad era que a Graham Maby, el guitarra bajo, sí lo había visto (no habían dejado de tocar juntos, en estudio y en directo), pero que al resto, no, no los veía desde no se sabe cuándo, mintió: estaban los cuatro juntos en ese momento en su casa.  ¿Cómo era la historia?  ¿Volver a Beat Crazy?  ¿Trabajar sobre la nostalgia?  No, no.  Mejor que no siguieran por ahí.  ¡Que no!  Jackson quedó en ponerse en contacto con los altos jefes de la discográfica.  No tardó mucho y cuando lo hizo fue para concretar aspectos del contrato: los cuatro miembros originales dispuestos a todo con material nuevo para un disco y con fuerzas para afrontar una gira internacional para promocionar el disco.  Pero nada de nostalgia, por favor.  Y así fue como vio la luz Volume 4 y su continuación, Afterlife. 

En total del álbum Volume 4 rescatamos 6 títulos de canciones para pasarnos de un álbum grabado en estudio a un disco grabado íntegramente en vivo y que responde al nombre de Afterlife.

  

Y para que no quepa duda se especifica en la portada que es la Joe Jackson Band Live.

Afterlife ve la luz el 16 de marzo del año 2004 y recoge actuaciones en vivo realizadas entre el 27 y el 31 de Agosto de 2003 en las salas y localidades siguientes de California: 4th and B en San Diego; House Of Blues de Anaheim; House Of Blues de Los Ángeles y The Fillmore en San Francisco.  Se trataba de promocionar Volume 4, el álbum de reencuentro de la Joe Jackson Band, así que los integrantes son los mismos, no hay ninguna otra colaboración.  Si en estudio suenan brillantemente, en vivo no desmerecen ni un ápice.  Repaso al álbum de 2003 y recuperación de alguna canción anterior.  Seis cortes de los cuales cuatro suenan como uno sólo.

Y así llegamos al final de esta edición de Cíclope 3.0 con el Especial Joe Jackson # 10.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-30-01-24

Cíclope 3.0 - 23-01-24

Paisanos de Vlad Tepes Draculea
y de otros núcleos de Rumanía y los Balcanes

Cíclope 3.0 del martes 23 de enero de este año 2024.  En la edición de hoy la música tradicional de Rumanía y de algunas regiones como Transilvania, así como otros núcleos urbanos de los Balcanes, va a estar presente en el tejido de las canciones que sonarán a lo largo de los 60 minutos del programa.  Nombres conocidos y otros completamente opuestos, menos difundidos pero interesantes, que es lo que importa.  Vamos a comenzar con una banda que ya ha sonado en alguna ocasión.  Se llaman Beirut y aunque actualmente está en activo gracias a su fundador, Zachary Francis Condon, no hace mucho llegaban a ser un proyecto más numeroso.

 

Cinco músicos...pocos son.  Hasta seis y siete miembros han llegado a estar juntos en el grupo Beirut

siempre coordinados por este hombre que aparece en la foto a la derecha, Zach Condon, nativo de la localidad de Santa Fe, en el estado norteamericano de Nuevo México.  Tras los estudios en la Escuela Secundaria viaja por Europa y conoce, de primera mano, la música tradicional centroeuropea y se deja empapar de vibraciones tan variopintas como las de la música de Bulgaria, Albania, la Grecia continental.  En Rumanía le llama poderosamente la atención el aire festoso de algunas melodías.  Asiste a reuniones donde la música folclórica se interpreta de forma espontánea y en una de esas ocasiones conoce a un casi paisano de Nuevo México.  Condon es de Santa Fe, su medio paisano es de Albuquerque y responde al nombre y apellido de Jeremy Barnes.  Está realizando grabaciones de campo: en un magnetofón Nagra, de bobina, va recogiendo sobre todo instrumentos como el acordeón, su elemento de base para interpretar música.  Hay un buen rollo entre ambos y de ese encuentro saldrán colaboraciones posteriores de las que hablaremos y escucharemos dentro de un rato.  Por ahora nos quedamos con Beirut, con quien comenzamos esta edición de Cíclope 3.0

Empezamos por el final.  Quiero decir que comenzamos con lo último que ha visto la luz de la producción del proyecto Beirut, el álbum Hadsel.  En diciembre del año pasado escuchábamos este disco por primera vez.  En la entrada correspondiente al programa donde sonó ya contábamos cómo se hizo y bajo qué circunstancias: era el año 2019, Beirut se encontraba de gira, promocionando el disco Gallipoli de 2019, y Zach Condon cayó enfermo.  Problemas de garganta, problemas emocionales (separación de su pareja) forzaron el final de la gira y Condon tomó una decisión, la de retirarse, sólo, para mejorar tanto física como psíquicamente.  Se marchó a Noruega, al municipio de Hadsel, en concreto al pueblo de Stokmarknes.  Se ubicó en una cabaña, cargado con un equipaje poco ligero: un equipo de grabación, incluido un órgano de bombeo prestado, dos equipos de sintetizadores modulares, una vieja grabadora y su trompeta.  No se olvidó del ukelele.  En una parte del mundo con vistas a las montañas y auroras boreales, donde el sol nunca sale por el horizonte en invierno, se dedicó a componer y a grabar.  Cuando volvió de su estancia en la isla noruega grabó, él sólo, el sexto álbum de Beirut bautizado con el nombre de la localidad noruega donde estuvo retirado, Hadsel.  Rescatamos un corte de dicho disco para recuperar un álbum anterior, el segundo de su discografía, titulado The Flying Club Cup y el corte Cliquot.

 

Un salto más hacia atrás, el primer disco de Beirut, Gulag Orkestar, cuando el proyecto tenía formato de dúo: Zach Condon y la violinista Heather Trost.  Entonces, al principio, Beirut sonaban más en la línea de la música que influyó tanto sobre Condon, todo ese folclore centroeuropeo que palpita en el tema Prenzlauerberg.

Nos quedamos ahora con sonidos originales de Rumanía.

Esta orquesta de 12 músicos es Fanfare Ciocărlia, del pueblo Zece Prăjini, ubicado en Moldavia, al noreste de Rumania.  Su repertorio musical incluye piezas folclóricas tradicionales rumanas, romaníes y de Europa del Este, pero también abarcan arreglos de canciones occidentales como Born to Be Wild, de Steppenwolf, o James Bond Theme de John Barry.  Los instrumentos del grupo incluyen trompetas, trompas tenor y barítono, tubas, clarinetes, saxofones, bombo y diversos instrumentos de percusión.  Las letras de sus canciones suelen estar en romaní o rumano.  Su estilo musical proviene principalmente de las tradiciones de la música de baile folclórica romaní y rumana, pero también toman prestado libremente estilos musicales turcos, búlgaros, serbios y macedonios.

En 2016, Fanfare Ciocărlia publicaban Onwards to Mars!, un álbum eminentemente festero donde incluyen este corte, La hora del cangrejo de río.

Otra banda/orquesta también formada por 12 miembros es Taraf Haïdouks 

Taraf de Haïdouks es un conjunto musical romaní, originario de la comuna de Clejani, del distrito Giurgiu en Rumanía.  La traducción casi literal del nombre sería Banda de los hombres malvados o Banda de los fuera de la ley.  El grupo se formó en 1989, poco antes de la muerte del dictador Nicolae Ceauşescu, pero después fueron conocidos por el etnomusicólogo rumano Speranţa Rădulescu, quien primero los grabó en 1983 para el archivo del Instituto de Etnografía y Folklore.  La formación original reunión a 12 músicos que, en ocasiones, pueden llegar a tener 30 componentes en sus filas.  El primer encuentro serio con el mundo occidental se llevó a cabo gracias al etnomusicólogo suizo Laurent Aubert y los músicos belgas Stéphane Karo y Michel Winter.

En 1994, Taraf de Haïdouks publicaban el larga duración Honorables bandidos, caballos mágicos y mal de ojo que, para hacerlo más internacional, pubicaron bautizándolo en inglés como Honourable Brigands, Magic Horses And Evil Eye.  Más música festosa de celebración.

Ahora conectamos con parte del principio de esta entrada, con aquel hombre originario de Albuquerque, Nuevo México, que se encuentra Zach Condon en Rumanía, el hombre que grababa en un magnetofón Nagra todo lo que le parecía susceptible de ser guardado, un músico llamado Jeremy Barnes.

Barnes, multinstrumentista, siente una predilección por el acordeón, instrumento utilizado en el folclore centroeuropeo que tanto lo marcó en su visita a Europa.  Llega a tocarlo en el primer álbum de Beirut, ese Gulag Orkestar que ha sonado en tercera posición en el programa de hoy.  Junto a la violinista Heather Trost formó el proyecto A Hawk and A Hacksaw (Un halcón y una sierra para metales), un dúo cuya música, principalmente instrumental, está inspirada en las tradiciones de Europa del Este, Turquía y los Balcanes.  Ahora vienen una serie de coincidencias curiosas: el primer álbum que graban A Hawk and A Hacksaw fue el que publican con título homónimo en el año 2002.  Este fue un trabajo firmado por Jeremy Barnes en solitario, se encargó de todos los instrumentos, como buen multinstrumentista.  En 2005 la banda lanzó su segundo trabajo, grabado entre Inglaterra, la República Checa y Nuevo México.  Durante la grabación de este álbum Barnes conoció a la violinista Heather Trost y el proyecto se convirtió en dúo.

Ese mismo año, 2005, Barnes se reencuentra con Zach Condon al que había conocido en centroeuropa hacía tiempo, cuando coinciden en Rumanía investigando el folclore de la tierra, etcétera.  Fue Barnes quien pone en contacto a Condon con el pequeño sello independiente Ba Da Bing Records.  Beirut graba su primer disco y en él colaboran los dos miembros de A Hawk and A Hacksaw.  Volviendo al dúo, grabarían un tercer disco en el año 2006.  Y este trabajo conecta con otros de los invitados que aparecen hoy en Cíclope 3.0 y que han sonado ya, la orquesta Fanfare Ciocărlia que colaboraron en la realización del álbum porque fue grabado parcialmente en el pequeño pueblo rumano de Zece Prăjini, de donde son originarios los miembros de la orquesta.  No tocaron todos, pero sí un buen número de sus miembros.  

Abajo, una foto del dúo A Hawk and A Hacksaw en plena actuación.

En el año 2018, A Hawk and A Hacksaw publicaba Forest Bathing (portada del disco a la derecha) que incluye este Alexandria que suena.

Barnes es un músico que ha intervenido en una gran cantidad de proyectos entre los que se encuentran el que protagonizó junto al hombre de la guitarra en la foto anterior, el guitarrista John Dieterich, copartícipe de más de 20 bandas de diferente perfil musical, desde el Rock al Jazz.

Dieterich junto a Barnes firman un álbum de sesgo experimentaloide como es The Coral Casino (portada a la derecha) con composiciones de nombre tan sugerente como este The Frost Pocket, El bolsillo helado.

Una aventura más de Jeremy Barnes, esta vez como miembro del grupo Neutral Milk Hotel.

Barnes es el último de la fila, el que sostiene la guitarra.  Entró a formar parte de la banda como batería pero al final tocaba lo que fuera.

El grupo se formó en Ruston, en el estado de Louisiana, en 1989.  Grabaron tres discos entre 1993 y 1998.  El segundo, aparecido en 1995, lo bautizaron como On Avery Island y de este trabajo es del que vamos a escuchar tres cortes hechos uno sólo: 

Avery Island-Gardenhead-Leave Me Alone.

En la recta final del programa de hoy nos vamos a quedar con una banda procedente de Denver, Colorado.  Es un cuarteto de multinstrumentistas que responden al nombre de DeVotchKa.

DeVotchKa fusiona música romaní, griega, eslava, bolero y mariachi con raíces punk y folk estadounidense.  El nombre lo sacan de la jerga juvenil Nadsat inventada por el escritor Anthony Burgess para su novela La naranja mecánica.  Toma gran parte de sus términos de los lenguajes eslavos, sobre todo del idioma ruso.  Fue popularizada por la versión cinematográfica homónima de Stanley Kubrick.  En la película se realiza una depuración y adaptación de los términos para facilitar la comprensión a los espectadores.  En esta jerga un individuo era un cheloveco, una chica era una débochca; los amigos de Alex eran sus drogos; la cabeza era la golová o quijotera; la leche, moloco; la voz era la golosa, rot era la boca, glasos o vidrios los ojos, ruca la mano y noga la pierna.  Los policías eran militsos, un golpe fuerte butcharnó; el sacerdote chaplino y Bogo, Dios.  La propia palabra nadsat significa adolescente.  En realidad nadsat es el equivalente ruso del teen inglés: en ruso, todos los nombres de los números de 11 a 19 terminan en nadsat; análogamente en inglés, todos los nombres del número 13 al 19 terminan en teen.  Debido a la influencia de la película, algunas de estas palabras se usaron durante algún tiempo entre los jóvenes de la época, aunque de forma muy limitada, y no terminaron de encajar en el lenguaje popular.

La banda comenzó a publicar discos con el principio del siglo XXI, en el año 2000.  Tuvieron dos intervenciones muy importantes en el mundo de las bandas sonoras de películas: una en el año 2006, escribiendo a medias con el compositor Mychael Danna la banda sonora original de la cinta Little Miss Sunshine; en 2009 sería el score de la película I Love You Phillip Morris

aunque en este caso no firmaba el grupo al completo sino tan sólo Nick Urata, voz, guitarra y trompeta de DeVotchKa en la foto anterior.

De esta banda vamos a recuperar dos álbumes: uno del año 2011 y otro del año 2018.

Este último, titulado This Night Falls Forever, es un trabajo maduro, bien hecho, con canciones apasionadas como la que traemos, Break Up Song.  El álbum aparecía después de siete años de silencio, cuando se pensó que DeVotchKa había desaparecido como grupo.  Sin embargo no fue así.

El trabajo anterior, 100 Lovers, fue el que marcó esa pausa que a tantos seguidores de la banda les resultó rara.  Estuvieron de gira, promocionando este álbum que tiene canciones como Contrabanda que, nada más comenzar, recuerda la música de Calexico.

Cerrar lo hacemos con el álbum de 2018, This Night Falls Forever, con una canción de perfil épico, Empty Vessels.

Así nos despedimos hasta la semana que viene.

Espero que te guste el programa.

https://www.radio.tomares.es/index.php/blog/ciclope-30-23-01-24

Cíclope 3.0 - 16-01-24

 

Cíclope 3.0 del martes 16 de enero de 2024.  Hoy comenzamos leyendo una carta escrita por el grupo británico New Model Army en 1989.

No hace mucho empezábamos el programa con ellos, con la banda capitaneada por Justin Sullivan, voz y guitarra, el que está más cerca del objetivo de la cámara en la foto.

Hoy recuperamos un corte de su LP Thunder and Consolation, el cuarto álbum de su discografía, el que significó la consolidación del proyecto.  El título del disco, Trueno y Consuelo, lo tomaron del cuáquero británico del siglo XVII , Edward Burrough, cuyas obras completas, que fueron publicadas póstumamente en 1663, se titulaban The Memorable Works of a Son of Thunder and Consolation, Las obras memorables de un hijo del trueno y del consuelo.  El corte Green and Grey, Verde y Gris, hace alusión al paisaje de hierba y roca, valles de la Inglaterra ideal en la filosofía de NMA.  Hemos comenzado con el grupo porque nos vamos a quedar durante unos minutos con su sonido en vivo y en directo en una recreación de su música interpretada a medias entre la banda y una orquesta.

Sinfonia es, por el momento, lo último de New Model Army.  Veía la luz el 15 de septiembre del año pasado, 2023.  Es un disco doble que recoge la actuación completa que realizó el grupo en la sala Tempodrom de Berlín el 15 de julio de 2022 acompañado por la Sinfonia Leipzig.  El repertorio estuvo formado por canciones de los años 80, los comienzos del grupo, y sobre todo material perteneciente a grabaciones realizadas en pleno siglo XXI.

Los arreglos orquestales pertenecen a la violinista y compositora alemana     Shir-Ran Yinon, la orquesta estuvo dirigida por Cornelius During.  La Orquesta Sinfonia Leipzig, es una formación independiente de la ciudad alemana de nombre homónimo, Leipzig, fundada en 2019 sin patrocinio estatal ni municipal.  Esto quiere decir que los músicos pueden asumir la responsabilidad de diseñar los proyectos ellos mismos y se les otorgan libertades que les permiten hacer música como mejor les parezca.  El disco incluye un Blue-ray con el concierto al completo.

New Model Army con la Sinfonia Leipzig

Unir una orquesta sinfónica/filarmónica y un grupo de rock es algo que se ha hecho desde hace bastante tiempo.  En 1969, se publicaba el LP Concerto For Group And Orchestra, interpretado por la banda Deep Purple y The Royal Phiharmonic Orchestra.

La partitura, estructurada en tres movimientos, presentaba un handicap a la hora de escuchar la grabación: el segundo movimiento no entraba completo en la Cara A del vinilo por lo que había que dividirlo en dos partes.  Pero esa división no era natural, se cortaba porque no había espacio suficiente.  No se daba una transición de silencio y continuaba, sino que los faders bajaban y la Cara B se abría con la continuación del segundo movimiento.  La división quería maquillar la imposibilidad de que sonase seguido, porque en la era analógica no se podía hacer lo que en la digital, es decir, que todo fuese como tiene ir, seguido.  Un caso paralelo fue el de la canción American Pie de Don McLean en la versión Single.  El tema del LP duraba 8 minutos y 27 segundos y al prensarlo en formato Sencillo se dividía en dos partes: entre 4 minutos y 4 con 27 por cada cara.  Era espantoso escuchar la canción de esa forma.

Volviendo al Concierto para Grupo y Orquesta.  La obra la firmó el organista de Deep Purple, Jon Lord (1941-2012), el teclista que cofundó el proyecto, el músico cuyo órgano Hammond ayudó a asentar la base del sonido duro no sólo del grupo, sino de lo que sería posteriormente la etiqueta Heavy Metal en el Rock.  Pero Lord tenía unas ansias enciclopédicas por trenzar el academicismo musical con las formas libres del Rock y este Concierto para Grupo y Orquesta resultó un tanto tedioso.  Siguió en su empeño y después de este experimento ensayó otras ideas sinfónicas como Gemini Suite en 1971 o Windows en 1974.  Llegué a considerar la posibilidad de recuperar para el programa de hoy esta época en el Rock, escuchando algunos ejemplos de unión entre Rock y Orquesta empezando por Deep Purple y el LP de 1969, siguiendo con Procol Harum y su Concierto con la Orquesta Sinfonica de Edmonton y la Cámara de Cantores de 1972, pasando por Metallica y su concierto con la Orquesta Sinfónica de San Francisco.  Pero para poder apreciar bien los resultados habría que haber escuchado fragmentos amplios y de haberlo hecho así se nos abría pasado de tiempo el programa, habría que haber realizado más de un programa especial y puestos así se escapaba el auténtico sentido de la idea que no es otra cosa que escuchar música, composiciones de rock donde la utilización de la orquesta es  fundamental.  Despejado el horizonte el Cíclope captó la idea y en vez de buscar obras mastodónticas dignas de una tesis doctoral, se dedicó a buscar y encontrar detalles orquestados que hacen que una canción adquiera un perfil bastante atractivo.

R.E.M. habían publicado el álbum Out Of Time el 12 de marzo de 1991, un disco que contiene un puñado de buenas canciones, una de ellas, Losing My Religion, buenísima.

Cuando el público estaba comprando todavía el disco anterior, el 6 de octubre de 1992 veía la luz Automatic For The People, un disco con una colección de canciones que cuentan con orquestación.  Esas canciones suenan bien, incluso las hay que suenan muy bien como la que recupera el Cíclope para la ocasión que nos ocupa, una composición titulada Drive que maneja unos arreglos melancólicos de cuerda sencillamente geniales.  No hay orquesta como tal sino 6 violines, 2 violas y 2 violonchelos.

Y un dato importantísimo: quien realiza los arreglos de cuerda de este disco es el músico de la foto a la derecha que, por si no lo reconoces, es John Paul Jones, guitarra bajo de Led Zeppelin.

Más orquestas, ya sea acompañando o adquiriendo protagonismo en el perfil de una canción.

En 1976, Peter Gabriel, a la izquierda, abandonaba Genesis, la banda donde creció musicalmente.  Fue tras la gira internacional de promoción del álbum The Lamb Lies Down On Broadway a lo largo de 1976.  Antes de cerrar el año se hizo oficial que Gabriel se iba para continuar trabajando en solitario.

El 25 de febrero de 1977 aparecía el primer LP firmado con su nombre y apellido.  El bautizar con su nombre y apellido lo repitió hasta en cuatro ocasiones: Peter Gabriel sería el nombre de sus cuatro primeros álbumes en solitario.  Algunas veces se les citaba por los guarismos del 1 al 4, otras se completaban los datos incluyendo una somera descripción de las ilustraciones de las carpetas (el del coche, el de los arañazos, el de la cara chorreada, el del marciano).

En el primero, el del coche, Gabriel tuvo en cuenta el uso de una orquesta para radiografiar la intención de un tema como Down the Dolce Vita, que entra con una trompetería wagneriana tremenda.

Pero desde hace unos años, la orquesta se ha vuelto en la música de nuestro hombre un elemento básico, un elemento imprescindible como el agua o el aire que respira.  Como ya sabes el pasado 1 de diciembre de 2023 aparecía el nuevo trabajo que firma Gabriel tras 21 años sin publicar material nuevo.  Un álbum que tiene dos versiones o mezclas: Bright-Side Mix y Dark-Side Mix.  Hasta el momento hemos escuchado cortes del lado brillante (Bright-Side) incluido el que vamos a escuchar hoy, Love Can Heal.  En próximas citas repasaremos las mezclas pertenecientes al lado oscuro.

Hay composiciones que parecen estar escritas e interpretadas en estado de gracia.  Es el caso que ahora nos ocupa.  El músico de la foto a la derecha responde al nombre y apellido de Thomas Feiner.  Es de origen sueco, vive en Londres donde ha capitaneado una banda, Anywhen, con quien ha firmado álbumes como The Opiates en el año 2001.  En 2008 retomó ese trabajo para remodelarlo con el acompañamiento de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Varsovia.  Dinah and the Beautiful Blue es esa composición en estado de gracia contenida en el álbum remodelado en 2008.  Tras su labor al frente de la banda Anywhen, Feiner ha seguido desliando la serpentina de su creatividad.  Cuando se escucha por primera vez el registro de su voz y su forma de cantar recuerdan y mucho a David Sylvian.  Y es que Feiner admira a Sylvian.  Lo conoce y a su hermano, Steve Jansen, también.  Y de esa amistad surge una colaboración porque Jansen, que nunca está quieto, formó hace unos años, un nuevo proyecto que ya ha sonado en alguna ocasión por aquí, en Cíclope 3.0.  Me estoy refiriendo al cuarteto Exit North.

Jansen, segundo por la izquierda, formaba Exit North sobre el año 2016.

En 2018 publicaban su primer larga duración y en 2020, el 25 de diciembre, editaban un sencillo con dos temas, ocupando la Cara A el titulado Let Their Hearts Desire.

Se toman con calma el grabar y publicar nuevo material.  Realizan actuaciones y continúan en la música ya sea colaborando o creando nuevas composiciones como las que aparecen en su larga duración Anyway, Still publicado el 14 de abril de 2023.  De este nos quedamos con el corte Your Story Mine.

Entramos en la recta final de esta edición de Cíclope 3.0 hoy con la búsqueda del denominador común de los arreglos orquestales en las diferentes canciones que hemos ido escuchando.  Cerramos el programa y lo hacemos desde el año 1984 con esta mujer

Ella es Susan Janet Ballion, suprema sacerdotisa del Rock Gótico.  Se la conoce por el nombre artístico de Siouxsie Sioux y es sobre todo reconocida por ser el alma, el motor de Siouxsie & The Banshees.  

Ella compuso una canción para ser interpretada al piano titulada Dazzle, la misma que se incluyó en el disco Hyaena de 1984, un larga duración que contó con la colaboración en la guitarra eléctrica y en los teclados de Robert Smith de The Cure.  En el LP intervienen parte de la Orquesta Sinfónica de Londres, en este caso una orquesta de 27 músicos llamada The Chandos Players que son los que hacen que el tema Dazzle suene con esa grandeza.  Aprovechando que suenan hoy al final del programa te anuncio ya que la discografía de Siouxsie & The Banshees ocupará uno de los dos Especiales Discografía de los primeros martes o últimos de cada mes aquí en Cíclope 3.0  Del otro Especial se encargará un músico que ha sido citado cuando sonaban Exit North: David Sylvian.  Hacía alusión a él por la admiración que le tiene Thomas Feiner.  En fin, que esas son las dos próximas propuestas para los martes primeros y últimos de cada mes.  Ya llegaremos a ellos y antes de lo que uno se puede esperar.  Como decía en un poema el gran Konstantínos Kaváfis: ...las doce de la noche, cómo pasan los días...las doce de la noche, cómo pasan los años...

Hasta aquí Cíclope 3.0  

Espero que te guste el programa.

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Anna Banti

 

Anna Banti (1895-1985)

El camino, la forma en que uno se entera de la existencia de un libro es, son, muy variadas: alguien te comenta que tal libro merece la pena, lees una cita de la obra, otro escritor/a habla de tal título, se lee un comentario-crítica...  Cómo me enteré de la existencia de Anna Banti no lo recuerdo.  Sé que primero fue el nombre del libro: Artemisia.  Después el nombre de quien había escrito el libro.

Anna Banti, bautizada con el nombre y apellido de Lucia Lopresti, fue una escritora italiana.  Nació en Florencia el 27 de junio de 1895 y falleció en Ronchi di Massa el 2 de septiembre de 1985.  Su producción recoge ensayos de crítica de arte, obras de ficción,  traducciones.  Al principio, cuando comienzan a dibujarse los trazos que marcarán el discurso literario de sus ideas, los recuerdos florecen como puntos de partida para adquirir un vuelo en el que las líneas van a estar escritas con una prosa certera, firme.  Se va soltando y no sólo la memoria de las emociones contribuye a su universo interior.  En 1924 se casa con el crítico literario Roberto Longhi, profesor suyo en el liceo, hombre de profunda cultura tanto literaria como artística.  Juntos lograron colaborar en el nacimiento de la revista Paragone, en la que ella tuvo la dirección de la sección literaria contribuyendo además con artículos de perfil histórico y literarios.  Fue un periodo fecundo, en el que su prosa se hace más elaborada y refinada sacando a la luz, con historias complejas de trasfondo principalmente psicológico, la condición de las mujeres en la sociedad de su tiempo, analizando la convergencia de puntos de vista de diversos personajes femeninos descritos con gran agudeza en sus momentos de crisis moral y existencial.  Este será el centro de su actividad literaria: la figura de la mujer en lucha con los prejuicios del tiempo y de la época que le toca vivir.  En cualquier bucle del Tiempo, los hombres recuerdan eventos y momentos de sus vidas pasadas pero las mujeres no tienen ese privilegio.  Falta la memoria del pasado femenino.  Las mujeres mueren y nadie se acuerda de ellas.

En los años de la década de los 60 Banti amplía el contenido de su producción con un realismo  que le da un toque de madurez a su estilo.  Se distancia progresivamente de un feminismo violento y reivindicativo y llega a la conclusión de que sólo a través de la colaboración entre los dos sexos será posible llegar a un cambio real en la sociedad.

En la década de los 70, la obra de Anna Banti se revisita y adquiere una actualidad que, en realidad, nunca había perdido.  La figura de la mujer en el Arte en disciplinas como la pintura resalta un hecho que a simple vista parece innegable: ¿Por qué no hay más mujeres pintoras?  El debate, en realidad, está mal planteado y la pregunta correcta debe ser: Las mujeres que fueron pintoras, si existieron, ¿por qué no se conocen?  Personalmente quitaría el condicional si existieron, pero para ser lo más fiel posible al planteamiento, lo dejo estar tal cual.  Banti, para quien el Arte y, especialmente, la Pintura fue un campo en el que trabajar la memoria para deshacer el olvido, desarrolló y redescubrió figuras femeninas de interés como fue el caso de la pintora italiana Artemisia Lomi Gentileschi, nacida en Roma en 1593 y fallecida en Nápoles hacia 1656.  Fue hija del pintor Orazio Gentileschi, compañero de Caravaggio.  Sin lugar a dudas, Artemisia Gentileschi, cuyas principales figuras retratadas fueron mujeres (Judit decapitando a Holofernes, Susana y los viejos, Betsabé, Lucrecia, Cleopatra, María Magdalena) se convirtió en la piedra de toque de la arquitectura del no olvido que Banti desarrollaba: sus primeros pasos literarios se surtían de recuerdos y ahora, años después, la memoria volvía a ser parte del motor de la creatividad.  La memoria revitalizada, revisitada.  No sabía la autora hasta qué punto iba a tener que rememorar, revisitar los recuerdos.  La biografía de la pintora la tituló como Artemisia.  En 1944 estaba terminado el manuscrito.  En 1944 la aviación nazi bombardeó Florencia.  La casa donde vivía Banti se convirtió en escombros y el manuscrito original de Artemisia desapareció.  En 1947, tras conseguir reescribir la biografía desaparecida, se publicaba Artemisia.  Banti tuvo que reescribirla.  ¿Era tal cual la había pensado?, ¿había cambiado el texto?  Claro que sí.  La vida había seguido.  El Mundo ya no era el mismo, habían sucedido acontecimientos lo suficientemente importantes como para que un alma como la de la escritora se hubiese mantenido al margen de todos y de todo.  La biografía que escribe Banti de la pintora Gentileschi no es una biografía al uso, narrando la sucesión cronológica de acontecimientos, de hechos.  No sigue un patrón metonímico del día tras día.  Banti utiliza una técnica narrativa que, los críticos y analistas más expertos, han dado en llamar narrativa concéntrica: hay un diálogo entre dos voces, una dentro de la otra, las mismas que hablan desde el tiempo de cada una, Anna desde el hoy, Artemisia desde el ayer.  La escritora se vuelve una amiga imaginaria de la pintora pero no interfiere en su devenir, sencillamente señala, resalta, recuerda.  Escucha a la pintora y observa en la dirección en que la otra mira.  Se ciñe a lo que la pintora cuenta de sí misma: fue una niña que pierde a su madre y queda al único cuidado de su padre, que será su gran maestro y un padre ausente, en cuyo estudio conocerá al también pintor Agostino Tassi, que se convertirá en su profesor y su violador.  Entonces el padre urdirá un matrimonio con Antonio Stiattesi, con el único objetivo de librarse y librarla del estigma social de la violación.  Stiattesi también la abandonará.  El arte de la pintura se convertirá en Artemisia Gentileschi en venganza no cruenta, en lucha continua: se levanta, cae, vuelve a levantarse, vuelta a caer...contra todo pronóstico positivo por conseguir su meta logra, al final, lo que se había propuesto: ser una gran pintora.  Anna Banti escribe esta biografía con un arte narrativo extraordinariamente intenso.  Domina los abanicos de las descripciones: el color, el olor, el sabor, el sonido, el tacto...  La luz, por dónde entra en la habitación.  Busca las que tengan una mejor orientación para encontrar las ventanas que mejor dejen pasar la luz de la mañana, o de la tarde.  Y se enreda con las dudas que le transmite a su amiga Artemisia sobre las aseveraciones que recuerda haber dejado por escrito en aquel texto que destruyó una bomba de la guerra y que, ahora, no consigue rememorar al completo.  Y va levantando la forma de una historia que no es sino la vocación artística de una mujer en lucha con los prejuicios de su tiempo, del tiempo de la pintora y del tiempo de su biógrafa, porque común a los dos es el pensamiento masculino: parece mentira que sea una mujer quien ha pintado estos cuadros.

Una de sus pinturas, Judith y su sirvienta, de 1625, ilustra la edición de Artemisia de Anna Banti publicada por la editorial Periférica en el mes de junio del año 2020 con traducción de Carmen Romero.

Esta es la última edición conocida traducida al español.  Antes, en 1992, se había publicado en Versal; el mismo año en Cátedra y en 2008 en Alfabia.  En los tres casos la traducción fue la de Carmen Romero.  Desgraciadamente la obra de Anna Banti está muy poco traducida en nuestro país.  Existen esta Artemisia de 1947 y Las moscas de oro de 1962, publicada en 1966 por la editorial Delos-Aymá con traducción de Juan Bautista Cuyás Boira.  Por supuesto que Las moscas de oro está descatalogada, dada la fecha de edición.  Pero desgraciadamente Artemisia también está fuera de catálogo aunque, ni en un caso ni en otro, está todo perdido porque se encuentran fácilmente en el mercado de segunda mano, a buen precio y en muy buen estado de conservación.