jueves, 24 de septiembre de 2020

Cíclope 3.0 - 22-09-20

 


Cigarra





Las nubes han descargado las primeras lluvias de septiembre en el sur de España. A pesar de los cambios que se van produciendo en el tiempo, las cigarras siguen cantando cuando las calienta el sol, cayendo en las primeras horas del otoño.
¿Te imaginas que me hubiera dado un herpes musical y dedicara el programa de hoy a las cigarras, con canciones como Canta cigarra de María Ostiz?  No, no, tranquilidad, me encuentro bien.  Lo de las cigarras es porque este martes, 22 de septiembre, ha entrado el otoño y la edición de Cíclope 3.0 comienza en un sitio donde difícilmente cantan las cigarras porque prevalece ante todo la lluvia: Irlanda.  
El gran escritor irlandés Flann O'Brien, no recuerdo ahora en cuál de sus obras, recoge el testimonio de un personaje que interrumpe espontáneamente la voz del narrador que está hablando sobre la lluvia pertinaz para preguntarle: disculpe caballero, ¿podría decirme si alguna vez estaremos secos?
Con el paraguas de la música nos vamos a pasear por la bella Éire, para recoger una cosecha de canciones que empiezan con una banda de los años 80 que se conoció como Blue in Heaven.



Blue in Heaven


La banda, procedente de Churchtown, un suburbio de Dublín, Irlanda, se formó en 1982 y firmó con Island Records en 1983.





Su álbum debut, All The Gods 'Men (foto anterior), fue producido por Martin Hannett, el legendario productor de Joy Division, y fue lanzado el 25 de agosto de 1985.


Martin Hannett



El segundo LP del grupo, Explicit Material, continuaba la senda de rock alternativo que habían iniciado en su primer disco.  El nuevo trabajo apareció con producción de los miembros de la banda y Chris Blackwell, y fue recibido con elogios tanto por seguidores como por la crítica.  De cuarteto original pasaron a quinteto, manteniendo el alma de la banda el guitarrista y voz Shane O'Neill.



Shane O'Neill

Blue in Heaven participó, ese mismo  año de 1986, en el concierto Self-Aid  el 17 de mayo.  Ese concierto fue un  acto benéfico celebrado por primera  vez en esas fechas por el desempleo en  Irlanda.  Se celebró en Dublín y el  cartel estuvo formado por músicos  eminentemente irlandeses aunque participaron también ingleses de ascendencia irlandesa como fue el caso de Elvis Costello y Chris Rea, designados irlandeses honorarios.  El concierto incluyó la última actuación de The Boomtown Rats, antes de su reforma en el año 2013.



Cartel anunciando el Concierto Self-Aid del 17 de mayo de 1986.  Después habría otras ediciones pero esta fue la primera.



Fontaines D.C.

Seguimos en Irlanda, en Dublín en concreto.  El año pasado, en el Cíclope del martes 10 de diciembre escuchábamosl álbum de presentación de la banda Fontaines D.C.  En la entrada de este blog correspondiente a esa fecha aparece la biografía del grupo y la reseña correspondiente a su primer trabajo, un disco titulado Dogrel.  El 31 de julio de este año veía la luz A Hero's Death, una nueva entrega del buen hacer de estos músicos poetas de los que escuchamos dos cortes de su nuevo disco.



 
Continúan en esa línea post-punk que caracterizó su primer trabajo pero avanzan en la arquitectura sonora, lo cual es de agradecer, que no hagan lo mismo aunque, ya sabes: lomismo es una indigestión de lomo embuchado.
Y seguimos con hijos de la bella y hermosa Éire.  Nos vamos ahora a enredar las claves sonoras de The Murder Capital.



The Murder Capital



Un caso parecido al de sus paisanos Fontaines D.C. no porque también sean quinteto, sino porque se conocieron en ambientes universitarios.
Cada miembro proviene de un lugar diferente de Irlanda y coincidieron estudiando en el mismo sitio, el Music College de Dublín.  El vocalista James McGovern y el guitarrista Damien Tuit idearon un grupo al que se sumaron Diarmuid Brennan, batería, Cathal Roper, guitarra y Gabriel Paschal Blake, guitarra bajo.  En el año 2018 lanzaron un sencillo, More or Less, montaron un video-clip con el tema e inesperadamente la canción recaló en una audiencia lo suficientemente amplia como para que el nombre de The Murder Capital adquiriese un eco considerable.  Con la publicidad rompiendo el hielo se pusieron a trabajar en un larga duración y el 16 de agosto del año 2019 veía la luz When I Have Fears, disco que contó con la participación del productor británico original de Manchester Mark Ellis, más conocido por el seudónimo Flood, especializado en Post-Punk y que ha estado detrás del sonido de bandas como Depeche Mode, Erasure, Nine Inch Nails, Nitzer Ebb, U2 o Smashing Pumpkins, entre otros.  Fue el hombre indicado para un grupo de músicos como The Murder Capital porque ellos exploran los rincones más oscuros utilizando el estruendo y los elementos catárticos del Post-Punk como herramientas.  Beben de varias fuentes caracterizadas por ese siniestrismo característicos de proyectos como The Fall, U.K. Decay, The Danse Society...particularmente me recuerdan a Jim Morrison pasado por Crime and The City Solution.  He dicho que usan componentes catárticos de los esquemas Post-Punk en el Rock y es cierto porque el álbum de presentación When I Have Fears tiene mucho de catarsis liberadora: las letras del disco se centran en el duelo por la pérdida de un amigo que se suicidó.



 

Saltamos desde Irlanda a Inglaterra con idea de recuperar a una banda aludida en las fuentes de las que beben el grupo anterior.  Los aludidos en cuestión son The Danse Society.


The Danse Society, mezclando el francés y el inglés en su nombre, es una banda que comenzó con el principio de los años 80 realizando un Post-Punk Gótico desde Barnsley, su ciudad natal en Inglaterra.  El quinteto estaba capitaneado por la voz y estética de su vocalista, Steve Rawlings (primero por la izquierda en la foto), un hombre que solía aparecer en las actuaciones en vivo vestido de cuero negro y pertrechado tras unas gafas negras.  Viéndolo así, tan jovencillo, llamaba la atención su voz, envuelta en ocasiones por ritmos tribales de batería y percusión.


Seduction es el título del disco que The Danse Society publicaba en 1982, cuando la banda parecía adquirir un vuelo de altura y sembraban semillas para que fructificaran en futuros trabajos.  Pero no fue así.  El quinteto se disolvió en 1986 tras una serie de tira y afloja con algunos sellos discográficos.  Steve Rawlings se marchó a Estados Unidos y los cuatro miembros restantes formaron un nuevo proyecto que no llegó a grabar ningún disco.
A finales de 2009, esos antiguos miembros, Paul Nash, guitarra, Tim Wright, guitarra bajo, Paul Gilmartin, batería y David Whitaker, teclados, se reunieron por primera vez en casi 24 años.  Decidieron renovar el espíritu del proyecto con el acuerdo inicial de que Rawlings también se uniera a la idea cosa que hizo, momentáneamente, en octubre de 2010.  Llegó, grabó una canción, escuchó cómo había quedado, encendió un cigarrillo, miró a sus antiguos compañeros y murmuró algo como esto no va...no funciona...  Negó con la cabeza, se fue, tomó un avión de vuelta a los Estados Unidos y no volvieron a recuperar el contacto con él.
En enero del año 2011, una mujer que trabaja en el mundo de la música con el apodo impronunciable de Maethelyiah consiguió poner de acuerdo a los cuatro ex-Danse Society y la banda se volvió a reunir, con ella como vocalista.  Aquí la baja inmediata fue la del guitarra bajo Tim Wright, que fue sustituido por Martin RobertsWright abandonó el grupo cuando se dio cuenta que entre los primeros The Danse Society y estos no había relación alguna.  No es que hubieran evolucionado "hacia", es que sencillamente no tenía nada que ver.  Porque, es cierto: The Danse Society, con Maethelyiah al frente vocal, no tienen ni el más mínimo eco de los comienzos del grupo.  Es un proyecto diferente, con una estética y una forma de hacer que les acerca a bandas como Evanescence o Within Temptation, sonido fuerte, potente, grandilocuente, dramatismo y teatralidad operística...en definitiva, otra historia.  Para que juzgues por tí y por lo que escuchas, un tema del disco del año 2011 titulado Change of Skin, Cambio de Piel, un nombre consecuente para que queden claras las diferencias.







The Danse Society
 en el siglo XXI






Maethelyiah



Maethelyiah, la mujer que remodeló a The Danse Society y que está al frente vocal de la banda es cantante de ópera con el registro de soprano.  Compositora e intérprete también es maestra de Reiki, médium, escritora de novelas de misterio y defensora de los derechos de los animales.
Dejamos el rock con reminiscencias operísticas y nos vamos a uno de esos casos de semejanzas entre un proyecto y otro.  La semana pasada escuchábamos a la banda neozelandesa The Feelers con ese parecido extraordinario, por casualidad, entre el registro de la voz del guitarrista y cantante de la banda, James Reid, y la voz de Peter Gabriel.  Hoy nos quedamos en Holanda con un grupo llamado The Essence que no es The Cure disfrazado, ni hay miembros de la banda británica en sus filas, simplemente suenan como ellos, como si fueran clónicos.  Las similitudes, obvias, entre uno y otro suelen causar confusión cada vez que una de sus canciones se reproduce en la radio o en cualquier otro medio porque la admiración de los holandeses por los británicos les lleva a ese parecido notable.



The Essence



El líder, Hans Diener (primero por la izquierda en la foto superior), voz, guitarra, sintetizador y piano, es el gemelo vocal de Robert Smith.  Posee ese dramatismo teatral y un sesgo de melancolía al igual que su admirado (idolatrado) Smith.  Para colmo duplican las capas de guitarras oscuras y arremolinadas de The Cure con una precisión asombrosa.
Diener formó The Essence en 1984 con Jeroen Geertsma, alias Jerry, en la guitarra bajo (en el centro) y en la batería Olaf Willemsen (el de la derecha, está claro).  Un año después de ver la luz como grupo se publicó su LP debut, Purity, al que le siguió A Monument of Trust en 1988.


Un año antes de la aparición de este segundo álbum aparecía un single con versión maxi-single extendida de su canción A Mirage, adelanto del larga duración.  Ese tema se convertiría en un éxito rotundo en España, donde llegó a sonar hasta en la sopa.  El grupo realizó una gira europea donde ampliaron la nómina de seguidores.  Y si bien no llegaron a ser tan reconocidos como The Cure en Estados Unidos, discos como ese A Monument of Trust o el siguiente, Ecstasy, consiguieron que la banda se convirtieran en unos favoritos de culto, especialmente entre los fanáticos del rock gótico.



En 1994, el prestigioso sello británico Cherry Red Records compiló las canciones más populares de la banda en un álbum titulado Dancing in the Rain - The Best of the Essence.  En la década de los años 90 el grupo continuó trabajando publicando en 1991 Nothing Last Forever.  En 1995, el grupo español Esquema hizo una versión de A Mirage con lo que el nombre de The Essence volvió al primer plano de las turbulencias del rock con perfil gótico y para demostrar que seguían activos publicaron Glow, un disco en el que Hans Diener realiza una labor con la guitarra eléctrica pasándola a primer plano con fraseos y punteos que lo hacían alejarse de la sombra de The Cure.  El Cíclope escoge Out of Grace de ese álbum de 1995.





Estamos en la recta final del programa de hoy y vamos a ir cerrando con sonidos holandeses, con una banda que no tiene nada que ver con sus paisanos anteriores, una banda que responde al nombre de De Staat.



De Staat



De Staat (El Estado) es una peculiar banda de rock alternativo.  Se formó en Nijmegen, Países Bajos, en el año 2006, inspirados por el compositor, guitarrista y cantante Torre Florim (en la foto en el centro, con sombrero).  Se le unieron el guitarrista Vedran Mircetic, el bajista Jop van Summeren, el teclista Rocco Bell y el batería Tim van Delft.  Comenzaron a principios del siglo XXI y obviamente su producción abarca desde su primer registro en el año 2008 hasta el año 2019.  Seis discos entusiastas donde De Staat cultivan un rock del que el Cíclope enseña dos muestras: una del año 2011 de su álbum Machinery y otra del álbum del año pasado, Bubble Gum.














Espero que te guste el programa.


Enlace:







viernes, 18 de septiembre de 2020

Cíclope 3.0 - 15-09-20





Nueva edición de Cíclope 3.0, la del martes 15 de septiembre.  Tomamos un globo sonda, como ilustra la imagen de cabecera, y lo lanzamos al espacio estereofónico, para que capte vibraciones que pasarán a través del prisma del tiempo, que es como escuchamos música con el Cíclope.  Hoy, para comenzar, ecos de finales de los años 70 con Peter Gabriel.



Gabriel, la Voz de la banda Genesis desde 1969, abandonó el proyecto tras la grabación y gira internacional del álbum conceptual The Lamb Lies Down on Broadway, aparecido en 1974.  En el 75 se acabó la promoción del disco y el músico escogió el vuelo solitario para seguir trabajando las formas de la música.
La primera entrega de su ingenio
sin la participación de ninguno sus antiguos compañeros fue en 1977 cuando se editó Peter Gabriel I.  Los cuatro primeros álbumes que firmó fueron bautizados con los guarismos correspondientes del 1 al 4.  El saber popular los denominó por la imagen de la carpeta que ilustra cada una de esas entregas y así el primero se le conoce como el del coche.



Peter Gabriel 1 - 1977
Durante el año 1976 se fue gestando esta primera entrega del vocalista de Genesis en solitario.  Ni sombra de lo que había estado haciendo hasta el momento porque este disco se distanciaba de su trabajo anterior presentando una amplia gama de registros: Rock, influencias de la música de Cabaret, Aires jazzísticos, Vértigo orquestal...  Sus antiguos compañeros en Genesis no aparecen en la lista de colaboradores, que es amplia:
Steve Hunter, guitarra eléctrica y acústica, músico colaborador de Aerosmith, Lou Reed o Alice Cooper, entre otros.
Tony Levin, guitarra bajo, miembro de la corte actualizada de King Crimson durante años y elemento básico en proyectos de perfil progresivo.  Allan Schwartzberg, veterano batería y percusionista que ha militado entre otras bandas en la legendaria Mountain, también con James Brown.  Robert Fripp, guitarra eléctrica.  Hasta la Orquesta Sinfónica de Londres envuelve una de las composiciones de perfil wagnerianoGabriel queda al frente vocal, letra de las canciones, teclados y flauta.  La producción corrió a cargo de Bob Ezrin, responsable de algunas grabaciones de bandas como Pink Floyd, Kiss, y solistas como Alice Cooper o Lou Reed.
El primer disco de Gabriel en solitario cubrió expectativas y descubrió que había mucho que esperar de él.  De ese disco nos llega Solsbury Hill, una canción que habla de por qué dejó el seno de la banda Genesis.  ¡Ojo!  No esperes alusiones, asociaciones de ideas, razones de ese por qué.  La letra de la canción, como todas las letras de Gabriel, con o sin Genesis, son herméticas además de introvertidas.  Las palabras le sirven para llegar a una musicalidad que desarrollada lleva a un lenguaje formado por palabras y otros sonidos emitidos con la voz.
Gabriel lleva años sin entrar en los estudios de grabación.  Habitualmente sus trabajos han estado separados por uno o, a lo máximo, tres años, excepto a lo largo de la década final del siglo pasado cuando llegan a pasar diez años entre un disco y otro.  Us vería la luz en 1992 y el siguiente álbum de estudio data de diez años después, Up, 2002.  Cierto es que por en medio de ambos discos está OVO, un encargo para ilustrar la inauguración de la Cúpula del Milenio de Londres, en el municipio de Greenwich, un edificio construido para albergar una exposición conmemorativa del comienzo del tercer milenio, pero disco original sin otra referencia que el hecho de hacerlo, para eso este Up.




Up - 2002


Up fue un disco largamente esperado porque el autor habló de la obra durante casi cuatro años antes de que apareciera.  No es un disco accesible, ni es fácil de escuchar y captar en una primera audición, por lo que para muchos seguidores el resultado final se les atragantó.  Una pena porque Up es de los mejores discos que el músico ha grabado en lo que llevamos de siglo XXI.  Él mismo se encarga de la producción contando con una lista de colaboradores extraordinaria: Manu Katché en la batería, Tony Levin, habitual de las grabaciones de Gabriel,  repite con su guitarra bajo, The Blind Boys of Alabama participan como voces de coro (¿te acuerdas de la canción que ilustraba la careta de presentación de la serie de televisión The Wire?  En la primera temporada, la canción, Way Down The Hole, compuesta por Tom Waits, estaba interpretada por este grupo de hombres negros y ciegos).  Up tiene ese colorido tan personal que Gabriel proyecta sobre sus obras: desde la serenidad a la sátira como ocurre con la canción que el Cíclope rescata de éste álbum, la ironía sobre la torpeza de la televisión basura en el tema El show de Barry Williams.  Éste álbum se fortalece y revela más con cada escucha.
Y tras Gabriel, cuyo registro vocal es particular, una de semejanzas.  Hay músicos (grupos, solistas) que se parecen, cuyos estilos te pueden confundir porque suenan con un paralelismo cercano.  El caso que nos ocupa a continuación es de un parecido apabullante.  La primera vez que escuché la canción The Fear pensé: Pero...¡si este es Peter Gabriel!  Pues no, es la voz de James Reid, cantante y guitarrista de la banda neozelandesa The Feelers.








James Reid




The Feelers

Originales de Christchurch, localidad de Nueva Zelanda, comenzaron inicialmente como trío en 1993 para posteriormente cambiar a cuarteto.  Aunque su esencia es folk-rock, los adornos electrónicos les han hecho sonar con potencia y fuerza.  El nombre de la banda se podría traducir como Las Antenas o Los Sensores entendiendo el concepto como un órgano animal, como una antena o un sensor que se utiliza para probar cosas al tacto o para buscar comida.  El alma del grupo es el cantante y guitarrista James Reid, que junto al bajista Matt Thomas y el batería Hamish Gee fundaron la banda.  El álbum de presentación, Supersystem, publicado el 31 de agosto de 1998 les sirvió para ser declarados la Mejor Banda de Nueva Zelanda de 1999.  La intervención posterior del productor Gil Norton, responsable del sonido de Foo Fighters entre otros, trajo nuevas texturas al espectro sonoro del grupo.  Él fue el que reconoció la semejanza de los atributos vocales entre Reid y Peter Gabriel en temas como The Fear del disco Playground Battle editado el 7 de marzo de 2005.  Un tema de este álbum y otro del primero nos sirven para situar el sonido del colectivo que, por cierto, por error sitúo en Norteamérica, como digo en la palabra del programa al dar paso a los siguientes invitados.
































De Nueva Zelanda a Norteamérica, en concreto a West Somerville, Massachusetts, a la Universidad de Tufts donde tres amigos unieron ideales e intereses para formar un grupo de música que en principio se llamó Gust y terminaron bautizándose como Guster.




Guster


Guster se formó en 1991, cuando Ryan Miller, Adam Gardner y Brian Rosenworcel se cruzaron por primera vez en la Universidad de Tufts.  Fue en 1996, cuando adoptan el nombre por el que se les conocería internacionalmente.  La banda, que había grabado dos álbumes entre 1994 y 1997, adquirió cierta popularidad en 1999 con el lanzamiento de su tercer trabajo de estudio, Lost and Gone Forever, que contó con la producción prestigiosa de Steve Lillywhite.  Antes, Guster habían publicado discos de forma independiente con un espectro instrumental que presentaba percusión manual en el lugar de una batería.  Sería ya entrado el siglo XXI, en el año 2003, cuando el grupo amplió sensiblemente el católogo de su música al incluir a un batería-percusionista, Brian Rosenworcel, y a un multinstrumentista, Joe Pisapia, colaborador de K.D. Lang.  De un sonido eminentemente acústico pasaron a un registro donde lo eléctrico tenía mucho que decir.  La conjunción de sus voces y la gama de instrumentos consiguieron que Guster brillaran en canciones específicas como por ejemplo la que nos trae el Cíclope, Satellite, incluida en el álbum del año 2006 Ganging Up on the Sun.





Comenzábamos esta edición de Cíclope 3.0 lanzando un globo sonda, a ver qué conseguía captar, y ahora, suspendidos en un espacio mullido electro-acústico, desde ese Satélite que ha sonado, llegan señales en lenguaje morse: Mayday...Mayday...This's Echo Hotel...






El mensaje cifrado lo enviaban Manfred Mann's Earth Band en el tema Stranded del album de 1980 Chance.









Manfred Mann
 con gafas y sombrero
Manfred Mann, teclista nacido en Sudáfrica, y sus diversas permutaciones en el nombre de la banda: Manfred Mann (años 60), Manfred Mann Chapter Three (un poco de los 60 y un poco de los 70), Manfred Mann's Earth Band (años 70 y 80) fue originalmente un aspirante a músico de jazz, y se movió hacia el R&B cuando los sonidos más orientados al blues se pusieron de moda en Inglaterra a principios de los años 60.  Nos quedamos con ese LP que abría la década de los 80, Chance.
Y ya que estamos con interferencias y lenguaje morse, otra forma de comunicación: los colores.





Mixing Colours (Colores mezclados) es el título de la última producción de los hermanos Eno, Roger y Brian Eno.  La colaboración de Roger con su hermano mayor no es de ahora, viene de lejos.  La primera vez que trabajaron juntos fue allá por 1983 cuando apareció Atmospheres & Soundtracks, firmado entre Brian, Roger y Daniel LanoisBrian es toda una institución como músico creador, productor y artífice de la música electrónica.  Roger es compositor pero sobre todo es un magnífico intérprete del piano y por derivación de todo instrumento de teclado.  





Roger Eno
Creció en Suffolk, Inglaterra, y asistió al Instituto Colchester para estudiar teoría musical.  Después de graduarse, se dedicó a numerosos trabajos hasta que consiguió un empleo como músico-terapeuta en un hospital local a principios de los años 80.  Sería en 1983 cuando su hermano mayor, Brian, lo invita a Canadá en relación con ese álbum, Apollo etcétera) al que hemos hecho mención.
Roger Eno produce una amplia variedad de música clásica ambiental y moderna, así como partituras de bandas sonoras tanto para Cine como para series y documentales de Televisión.  Si bien inicialmente ganó notoriedad a través de las colaboraciones con su hermano mayor, su obra en solitario (donde es una constante la presencia de Brian) no desmerecen su labor como músico compositor, con una extraordinaria capacidad para lo armónico.  Al principio expresó interés en hacer música que crease atmósfera en el lugar de simplemente ser atmosférico.  Hizo su debut en solitario con las piezas procesadas para piano de Voices de 1985, ampliando su gama con lanzamientos posteriores, incorporando arreglos de cuerdas y explorando la música tradicional británica.
Este año, el 20 de marzo, aparecía Mixing Colours, una colaboración firmada por ambos hermanos y es un extenso conjunto de poemas tonales destinados a evocar diferentes colores y matices.  Grabado durante un período de 15 años, el álbum simplemente comenzó con Roger improvisando melodías usando un teclado MIDI digital y enviándo el resultado a Brian.  Gran parte del álbum consta de notas escasas y suaves que resuenan claramente, con ondas de sonido que reverberan desde el centro como ondas en un estanque.  Muchas de las composiciones parecen lo suficientemente simples como para tocarlas en un piano acústico, pero las manipulaciones sónicas de Brian consiguen que el disco no se parezca directamente a ningún otro.
Volveremos con el dúo de hermanos pero ahora nos quedamos con Brian en solitario.


En el año 2018, el realizador norteamericano Gary Hustwit dirigía el documental Rams, retrato sobre la figura del diseñador alemán Dieter Rams, un arquitecto de formación que dio un giro crucial a su carrera cuando se incorporó en 1955 a la marca Braun, una firma tecnológica que por aquel entonces, y de la mano de la segunda generación de la familia fundadora, comenzó a dar un giro a la electrónica de consumo captando los intereses y gustos del consumidor de la posguerra.  Si la generación anterior demandaba gramófonos y televisores engarzados en cubiertas de madera que diesen a los aparatos la apariencia de muebles, el mercado de mediados del siglo pedía todo lo contrario: un estilo más sofisticado y productos de electrónica sin complejos.




Dieter Rams
 cuando entró en la empresa Braun allá por 1955


La curiosidad y capacidad innovadora de Rams le llevaron a saltar rápidamente de las labores de interiorismo para las que en principio se había incorporado a Braun al diseño de productos.  En 1961, Braun nombró a Dieter Rams director de diseño, un cargo que ejercería hasta su retirada en 1995.
Mucho antes de que comenzara a hablarse de sostenibilidad, de economía circular y de rechazo al despilfarro, Dieter Rams ya expresaba con su filosofía de diseño y con sus opiniones una forma de crear objetos duraderos, en los que lo innecesario no tenía cabida.  Décadas después de haber sido fabricados, muchos de estos objetos todavía siguen en funcionamiento y son el mejor manifiesto del auténtico credo sostenible de Rams.
Incluso el más lego en estos temas es muy probable que posea en casa sin saberlo un objeto con nombre y apellidos de la historia reciente del diseño industrial.  Detrás de los exprimidores eléctricos, afeitadoras, radios y equipos de música de Braun que nos facilitan y alegran la vida diaria está un hombre que forjó su estilo desde la sobriedad aprendida en movimientos como la Bauhaus o la estética actual Gute Form, que predica un diseño sin florituras.




















Algunos diseños de Rams para Braun



















































Arriba, cuatro instantáneas de la cubierta del disco de la banda sonora de Rams, aparecida hace unos meses en este 2020.  Brian Eno  escribe, interpreta en los teclados, mezcla y produce el score original de la cinta.
Ahora volvemos al tándem de los hermanos Eno.







Hace unas semanas, en este mes de septiembre, se publicaba Luminous, continuación de la paleta musical de colores que es Mixing Colours.  Material colorido y luminoso, sin nada más especial que añadir solo que merece la pena.







Para cerrar esta edición de Cíclope 3.0 un grupo en el que militó Roger Eno: Channel Light Vessel.




Channel Light Vessel


Channel Light Vessel es la consecuencia de la amistad entre tres músicos: Bill Nelson, alma de Be Bop Deluxe, Roger Eno y la ex miembro de la banda Dream Academy, Kate St. John
Eno y St. John habían trabajado juntos en el álbum The Familiar del año 1992 y Nelson había producido el disco.  Dos años después, en 1994, se unieron los tres, cada uno con sus instrumentos, y le dieron forma al proyecto conocido como Channel Light Vessel al que se sumaron el percusionista Laraaji y la violonchelista Mayumi Tachibana.









Bill Nelson, guitarra eléctrica, guitarra acústica, guitarra bajo, teclados, percusión y voz.













Kate St. John
 - Oboe, saxofón, corno inglés, voz.








Roger Eno piano, teclados, acordeón, banjo, guitarra eléctrica.








Laraaji
 instrumentos de percusión.



Mayumi Tachibana 
violonchelo.
































Channel Light Vessel publicaron dos álbumes, uno en 1994 y otro en 1996.  Del primero de los dos, el titulado Automatic, con la producción de la banda al completo, nos quedamos con Little Lumineries.
Y con estas Pequeñas luminarias despedimos al Cíclope hasta la semana que viene.


Espero que te guste el programa.


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