miércoles, 24 de junio de 2020

Cíclope 3.0 - 23-06-20




El responsable de este blog y otras historias con Lola, en Ottawa, Canadá, hace unos años, con un miembro de la Policía Montada de Canadá que nos preguntaba no recuerdo qué.




Cíclope 3.0 del martes 23 de junio del año de la Pandemia.  Sin pretenderlo, o al menos sin buscarlo, nos ha salido un programa donde el país de Canadá vuelve a ser protagonista.  Me pregunto si el área de turismo del gobierno canadiense sabrá de las veces que citamos, ensalzamos, celebramos su país a través de Cíclope 3.0
Podían tener un detalle e invitarnos a tomar algo en algún rincón de sus magníficas ciudades.  En fin, esta edición comienza con una banda admirada por el Cíclope y que ha sonado en alguna que otra ocasión.  Se encargan de poner las primeras buenas vibraciones en el programa de hoy y responden al nombre de Constantines.



The Constantines


El Cíclope los ha programado por diferentes motivos: el 25 de noviembre del año 2014, el espacio estuvo ocupado por el Especial Canadá, sólo músicos, grupos, solistas, hombres y mujeres de Canadá.  Por supuesto estuvieron ellos, originarios de la localidad de Guelph, Ontario, Canadá.  Después, este año en curso, el 28 de enero, el programa estuvo íntegramente dedicado a su música y a su buen hacer en el Especial The Constantines, donde el Cíclope realizó una revisión de su sustanciosa discografía.  Grabaron por última vez en el año 2008 para posteriormente, en 2010, anunciar una pausa, un descanso que se alarga en el Tiempo.
Para comenzar hemos escogido uno de los temas de su, probablemente, disco más completo, Tournament of Hearts, del año 2005, todo para adentrarnos en la música en solitario del alma del grupo, el compositor, guitarrista y cantante Bryan Webb.



Bryan Webb

Nacido en 1977 en Guelph, también conocido como Bry Webb, era probablemente el elemento fundamental en el perfil de la música de Constantines: lo desgarrado de su voz, ese chisguete afónico característico en la interpretación de las canciones hizo de él un valor fundamental para la banda.
Comenzó su carrera como músico tocando en el grupo de Emo-Rock Shoulder para inmediatamente después formar The Constantines.  Entre el año de la última grabación del grupo, 2008, y el año en el que comunicaron su "Adiós, hasta pronto", 2010, Webb no estuvo ocioso.  En Montreal formó la banda Harbourcoats, de existencia mínima.  Recién casado, él y su esposa deciden trasladarse a Guelph para formar una familia con niños y vida en plena naturaleza donde Webb se dedica a seguir haciendo lo que siempre ha hecho: componer música.  



Bryan Webb
 - Provider - 2011
El 15 de noviembre del año 2011 aparece Provider firmado por Webb en solitario.  No intervienen los compañeros de Constantines, para realizar el disco se reúne de amigos, músicos de sesión que tienen en común que son paisanos, de la ciudad de Guelph, de la ciudad que sea pero siempre de Canadá.
Webb en solitario, no tiene nada que ver con lo que ha hecho hasta el momento: sus canciones son serenas, calmadas.  Ocasionalmente toca la guitarra acústica pero fundamentalmente lo que hace es cantar, componer y producir este primer disco que tiene como guía el sonido de la guitarra steel que en Provider queda en manos de dos especialistas:



Rich Burnett

























Mike Brooks
























Del primer álbum de Webb el Cíclope entresaca el tema Rivers of Gold, inspirado en la primera vez que Constantines tocaron en el Dawson City Music Festival en el territorio canadiense de Yukón en el año 2005.



Bryan Webb
- Free Will - 2014

Año 2014, segundo trabajo en solitario de Webb.  Aunque ningún tema tiene el cuerpo de las canciones de Constantines, se nota que quien ponía más leña en el fuego era Webb, porque suena irremediablemente a los temas del grupo pero en clave inmensamente más calmada.  De este disco el Cíclope recupera Prove Me Wrong.  El álbum sigue la misma tónica que el trabajo anterior, con la guitarra steel como denominador común para todas las composiciones.  Aquí, además de la colaboración del guitarrista Rich Burnett, está la intervención de otro intérprete especialista del tipo de guitarra: Aaron Goldstein.



Aaron Goldstein


Entre los años 2010 y 2014, Bryan Webb estuvo trabajando en la emisora de radio CFRU-FM como coordinador de programación.  La estación de radio, del campus de la Universidad de Guelph, ha seguido contando con la labor de Webb que actualmente ejerce de coordinador de operaciones de la citada emisora.
El mismo año de su primera aparición en solitario, Webb colaboraba con una amiga y paisana dedicada a la música.  Es la compositora e intérprete Leslie Feist, conocida artísticamente por su apellido, Feist.



Feist
Editó un disco por primera vez allá por 1999 y hasta el 2017 lleva seis álbumes en su haber.  En 2011 aparecía Metals, un disco que tuvo la colaboración de su admirado amigo Bryan Webb al que conoció a raíz de haberlo escuchado con su banda Harbourcoats.  Le entusiasmó la forma de hacer música de él y le pidió colaboración para su disco del 2011.  The Bad in Each Other, el tema que selecciona el Cíclope, cuenta con la voz de Webb.  




Feist, además de componer y cantar, toca el órgano, el piano y la guitarra.
De este disco entresacamos otro tema particularmente interesante: Anti-Pioneer.







A medida que se iba haciendo el programa se iban trenzando una serie de canciones que estaban imbricadas unas con otras, bien porque los intérpretes colaboraban entre los discos que han hecho, bien porque vienen de un mismo seno, de un mismo proyecto que origina un frondoso árbol genealógico como es el caso de los siguientes invitados, Broken Social Scene.



Broken Social Scene


Tanto como proyecto creativo como banda de Rock Independiente, Broken Social Scene es un grupo con sede en Toronto cuya línea flexible ha incluido algunos de los mejores y más conocidos músicos de la comunidad musical del país.  Aunque el proyecto se fundó en 1999 apareció, discográficamente hablando, en el año 2001 con una formación de dúo para después ampliarse hasta llegar a tener 15 miembros en la banda (en la foto superior aparecen 11). El espectro musical que elaboran es ecléctico, abarcando muchas vías de estilos, desde música de cine y minimalismo ambiental hasta pop barroco brillantemente orquestado.  Los artistas asociados con el grupo incluyen a Feist, Metric, Do Make Say Think, Amy Millan, Stars, Emily Haines & The Soft Skeleton, Jason Collett, K.C. Accidental y Apostle of Hustle.
El dúo que ideó el proyecto fueron los músicos Kevin Drew y Brendan Canning, que fueron quienes grabaron Feel Good Lost, el álbum de debut de la banda en el año 2001, un disco principalmente instrumental interpretado en gran parte por ambos músicos.  Después comenzó el goteo constante de colaboradores y Broken Social Scene se convirtió en una especie de matriz de donde salían grupos que interactuaban entre ellos para volver a reunirse y grabar, actuar en vivo y continuar haciendo música con la banda-proyecto-convento de la que surgieron.
De Broken Social Scene un par de temas de dos álbumes, uno del año 2007 y otro de 2010.



2007























2010
























Si tuviéramos más tiempo haríamos la genealogía de Broken Social Scene pero por lo menos en lo que queda de la edición de hoy vamos a escuchar a algunas de las bandas que conforman el colorido del proyecto en cuestión, como por ejemplo Metric.




Metric


Metric es una banda con una perspectiva ecléctica y aventurera, cuya música abarca elementos de synth pop, new wave, dance-rock y electrónica y cuyo tejido urbano en el transcurso de la existencia del grupo ha variado entre Toronto, Montreal, Nueva York, Los Ángeles y Londres.  Son canadienses, claro.  La historia de Metric comienza en 1998, cuando la vocalista y teclista Emily Haines conoció al guitarrista James Shaw en Toronto, Ontario.  Aunque nació en Nueva Delhi, Haines, hija de Paul Haines, un poeta canadiense-estadounidense mejor conocido por su colaboración con la artista de jazz Carla Bley, se había mudado a la ciudad de Toronto a la edad de tres años.  Mientras estudiaba en la Etobicoke School of the Arts, una escuela secundaria para aspirantes a artistas en Toronto, conoció a sus compañeros Amy Millan y Kevin Drew, futuros miembros de Stars y Broken Social Scene.
Metric lanzaron tres discos a principios del siglo XXI: 2001, 2003 y 2005.  Desacuerdos, cansancio, qué sé yo, hizo que la banda se separara para volverse a reunir un tiempo más tarde.  en el año 2012 aparecía Synthetica, un álbum saltarín, popero, que hizo que los oídos de la audiencia se fijara en ellos.  El tema que le da título al trabajo, que es el que trae el Cíclope, resumía bastante bien las intenciones del grupo.






Emily Haines
Entre separaciones y reuniones Emily Haines se va de vacaciones prolongadas a Argentina.  Lanza un primer disco en solitario con su proyecto Emily Haines & The Soft Skeleton en el año 2006 al que le seguiría otro años después, en 2017.



Emily Haines & The Soft Skeleton















Del primer disco de Emily Haines & The Soft Skeleton aparecido en el año 2006 con el título Knives Don't Have Your Back extraemos el tema La hija del detectiveHaines aún no había cambiado el tono de la voz como hizo en el disco del año 2017, uno de esos tonos que, personalmente, me pone de los nervios: voz de niña que quiere ser agradable, aniñada, que es lo opuesto a la voz desagradable de la niña de El Exorcista, pero igualmente incómoda.
Como Metric también causaron sensación en el mundo del Cine, logrando un lugar destacado en la banda sonora nominada al Grammy por la película The Twilight Saga: Eclipse.
Y así llegamos al final del programa por hoy y lo hacemos con otra banda canadiense que escogen cuatro verbos para bautizar su proyecto: Do Make Say Think.



Do Make Say Think
   

En realidad el grupo original de Toronto no son tantos miembros aunque haya habido ocasiones en las que se han reunido los nueve componentes que aparecen en la foto.  De base son cinco, al menos, actualmente es así.
El proyecto comenzó como una serie de improvisaciones instrumentales con influencia psicodélicas interpretadas por el bajista y trompetista Charles Spearin, el guitarrista Justin Small y el bateria James Payment.  La banda creció para incluir al teclista Jason MacKenzie y al multiinstrumentista Ohad Benchetrit, con la adición final del bateria Dave Mitchell que sustituía a Payment.  El pistoletazo de salida fue en 1998, el mismo año que lanzaron su álbum homónimo de debut.  Años después, en 2017, la banda fue redescubierta por una nueva generación y aclamada como pioneros influyentes del post-rock.  Con su disco Winter Hymn Country Hymn Secret Hymn del año 2003 cerramos el Cíclope de hoy.



Winter Hymn Country Hymn Secret Hymn
 - 2003


Espero que te guste el programa.  Cuídate que como oyente eres imprescindible.


Enlace:








miércoles, 17 de junio de 2020

Cíclope 3.0 - 16-06-20




El lema del Cíclope es: Escuchamos música a través del Prisma del Tiempo.  En la foto, un grupo de oyentes que han viajado desde otra dimensión del pasado, en concreto del año 1913, abducidos por el Prisma y seducidos por el Tiempo. 



Cíclope 3.0 del martes 16 de junio.
Dice el Cíclope en su lema: Escuchamos música a través del prisma del Tiempo.  Y eso es lo que hacemos precisamente al comienzo de la edición de hoy: recuperar sonidos llegados desde un tiempo atrás, no muy lejano, como fue el sonido multicolor de los años de la década de los 80.  El caudal de músicos, solistas o en grupo, que se dió a finales de los 70 y principios de los 80 fue tan abundante y variado que muchos discos y sus artífices quedaron olvidados.  Es el caso de la banda con la que comenzamos hoy, unos americanos afincados en Francia, en París en concreto, y que responden al nombre de Orchestre Rouge.



Orchestre Rouge
Orchestre Rouge surgen en Francia aunque su fundador, Theo Hakola, voz y violin, es de origen norteamericano.
Comenzaron con los turbulentos años 80 tomando como referencia el nombre de Oquesta Roja, organización perteneciente a la Resistencia francesa contra el nazismo en la Segunda Guerra Mundial.
Se dieron a conocer con el álbum Yellow Laughter de 1982, producido por el insigne Martin Hannett, responsable del espectro musical de Joy Division, New Order, Durruti Column y tantos otros.










Carpeta del primer LP de Orchestre Rouge






















Foto original del grupo de la Resistencia francesa al nazismo, Orquesta Roja, que serviría de base para el diseño del álbum anterior











El Cíclope recupera el segundo álbum de la banda, More Passion Fodder, de 1983, segundo y último porque tras la grabación del disco la banda se separaba o, mejor dicho, dejaban de llamarse Orchestre Rouge para rebautizarse como Passion Fodder.







Para evitar despistes te lo indicaban en la carpeta: la continuación de Orchestre Rouge.
Passion Fodder en verdad eran los anteriores tanto en formación como en estética, si quieres, un poco menos...siniestra.
4 Songs fue un EP de cuatro canciones aparecido en 1984 y que abriría una nómina de discos inmensamente más larga que la de sus antecesores, que tan sólo dejaron dos LPs.  ¿Tal vez más acústicos estos Passion Fodder?  A veces, no siempre.




Theo Hakola
, músico, escritor, director de Cine y actor, motor de Orchestre Rouge y de Passion Fodder.  Cuando estos últimos se separaron, en 1991, continuó en solitario desde 1993 hasta nuestros días.


Los que sí sonaron siempre de forma caleidoscópica son los siguientes invitados: Family Fodder.




Family Fodder


Aquí la palabra Fodder, aunque tiene componente de sustantivo, en verdad es apellido ya que el fundador de la banda se apellida así, Fodder.




Alig Fodder
 y Dominique Levillain
Reunidos por primera vez en 1975, Family Fodder surge como proyecto musical bajo los auspicios del compositor, productor y multinstrumentista Alig Fodder, que en el Londres de finales de los 70 uniría ingenio e intereses con la vocalista Dominique Levillain.  Su música, una especie de caleidoscopio donde se mezclan el punk suave, elementos de rock acústico, reggae y música clásica, dio como resultado final una especie de experimento, de laboratorio musical donde realizaban además de composiciones propias versiones peculiares: fueron capaces de transformar la música de Erik Satie o incluso Franz Schubert en parte integrante de sus remolinos musicales.  En 1980 lanzaron un LP titulado Debbie Harry, dedicado íntegramente a la figura de Deborah Harry y algunas canciones de Blondie como las multiversiones del tema Sunday Girls, aparecida en formato de Single y Maxi-Single reproduciendo la canción a diferentes velocidades, distorsionadas y caóticas.  Sería una de las últimas intervenciones de la vocalista Dominique Levillain porque a finales de 1981 abandonaba el proyecto para dedicarse de pleno a su escuela de canto conocida como Prymary Rhythms (Ritmos Primarios).  Antes de dejar el grupo, cuando la banda la formaban unos 10 miembros, en 1979, Alig Fodder, con el proyecto Family Fodder en marcha, formó un proyecto paralelo que duró tan solo un año, que grabó un disco (inencontrable) un Maxi-Single firmado bajo el irónico nombre de Frank Sumatra y La Mafia.  Después, todo continuaría más o menos como se ha indicado.  A Dominique Levillain la sustituyó la cantante Lynn Alice que estuvo al frente vocal de temas como el que se recoge en el Single Coral, de 1982, un tema que parece grabado en el TioVivo de una feria.
La banda Family Fodder se disolvería a lo largo de los años 80.  Después de algunas apariciones en solitario o acompañado por diferentes músicos, su fundador, Alig Fodder, ha seguido grabando bajo diferentes alter-egos: DJ Katface, Johnny Human, Vox Humana y The Lo Yo Yo.
Ya que Fodder y compañía admiraban a Debbie Harry podemos recuperarla.




Deborah Harry

Capitaneó una de las bandas más aplaudidas de la New Wave de finales de los 70 en adelante: Blondie.  Como dice el refrán, no fueron profetas en su tierra porque el grupo hizo mella antes en Europa que en su Norteamérica natal.  
Deborah Harry, cantante, compositora, modelo y actriz en muchas películas, nació en Miami, Florida, el 1 de julio de 1945.  Junto al guitarrista Chris Stein, con quien mantuvo un largo romance, fundó Blondie.




Blondie



Se mantuvieron activos desde mediados los 70 hasta los 80, cuando el proyecto se vino abajo, momentáneamente porque después resurgieron a lo largo de la década de los 90.  



Ella, en solitario, ha seguido creando, música y su labor cinematográfica.  De ella recuperamos un impetuoso Muchacho de la bicicleta, de su LP de 1989 Def, Dumb & Blonde.
















Y ya que hablamos de Blondie, aquel Heart of Glass













El saltarín Corazón de Cristal puede adoptar otras formas si se interpreta, por ejemplo, en clave de Jazz como hace el trío The Bad Plus.




The Bad Plus
 (de izquierda a derecha Reid Anderson contrabajo, Dave King batería y Ethan Iverson piano)


Estos tres músicos originales de Minneapolis comenzaron a grabar con el inicio del siglo XXI.  En el año 2001 aparecía por primera vez un disco suyo y la formación se mantendría tal cual hasta 2017, año en el que el pianista Ethan Iverson abandonó el seno del trío para seguir en otras aventuras musicales.  Fue sustituido por el también pianista Orrin Evans.




Orrin Evans
 en el centro


The Bad Plus interpretan composiciones propias, standars del mundo del Jazz y, especialmente, realizan versiones de temas del Pop y del Rock, pasión que une a los tres miembros tanto a los originales como a la formación actual.  Han hecho revisiones de canciones de Peter Gabriel, Nirvana, ABBA o de Blondie, que es el motivo por el que suenan en esta ocasión, con su forma de interpretar Heart of Glass, incluida en el disco These Are The Vistas del año 2003.




These Are The Vistas
- 2003




También incluían en el álbum  una versión del himno grunge de Nirvana Smells Like Teen Spirit.












Siguiendo el rastro de la música, si hablamos de Nirvana y de versiones, la prestigiosa Orquesta Sinfónica de Roma publicaba hace poco, en este 2020 un álbum titulado Roma Symphony Orchestra Performs Nirvana realizando una interesante adaptación a los esquemas academicistas de aquel Come As You Are.






























Roma Symphony Orchestra




















Estamos en la recta final del programa.  Si acabamos de escuchar a una orquesta sinfónica y la dejamos que acompañe a músicos de rock encontramos momentos tan peculiares y brillantes como el que suena a continuación, un tema titulado Sebastian que firman Cockney Rebel.




Cockney Rebel



Steve Harley

(el cuello de la camisa, por Dios)

Cockney Rebel fue una banda británica surgida en la década de los 70, en concreto en 1973 cuando publican su primer single, ese Sebastian que acaba de sonar, inmenso, grandioso, con unos arreglos orquestales y de coro verdaderamente brillantes.  La banda estaba capitaneada por un ex-periodista, Steven Nice, rebautizado artísticamente como Steve Harley.  
El grupo debutó aquel año de 1973 con un álbum que resultó de los más aclamados de esa fecha, The Human Menagerie que incluía su Single de presentación, un tema que tuvo la colaboración de Andrew Powell, compositor, productor y arreglista, que se encargó de todo lo relacionado con los arreglos orquestales y el coro.



Andrew Powell
Powell adquirió cierto renombre a raíz de su trabajo con Alan Parsons en aquel legendario disco Tales of Mystery and Imagination que utilizaba de base las Historias Extraordinarias de Edgar Allan Poe, especialmente el fragmento dedicado al Hundimiento de la Casa Usher, resuelto con las indicaciones y trabajo de Powell.  Tan fructífera y satisfactoria fue su labor que pasaría durante un tiempo a formar parte de los músicos de The Alan Parsons Project.  De hecho el segundo álbum de Cockney Rebel, The Psychomodo, de 1974, estaba coproducido por Alan Parsons y Andrew Powell.



Carpeta del primer LP de Cockney Rebel, The Human Menagerie, de 1973.  Le seguiría en 1974, The Psychomodo, el segundo y último disco del grupo porque después de éste pasarían a llamarse Steve Harley & Cockney Rebel.






Si dispusiéramos de más tiempo en el programa ahora seguirían una serie de canciones rock con gran acompañamiento de orquesta, pero el Tiempo nos vence y llegamos al final, por supuesto con una de esas composiciones tremendas, un arrebato protagonizado por Susan Janet Ballion, más conocida como Siouxsie Sioux.




Siouxsie Sioux




Siouxsie and The Banshees
El séptimo álbum que publicaban Siouxsie and The Banshees lo hizo en el año 1984 y se tituló Hyaena.  El disco incluía e incluye uno de los rituales más hermosos que ha celebrado la Suprema Sacerdotisa del Rock Gótico, el tema titulado Dazzle.  La composición está pensada para que la interprete el grupo de rock acompañado de orquesta, en este caso The Banshees arropados por el conjunto orquestal The Chandos Players.





Así se cierra por hoy Cíclope 3.0

Espero que te guste el programa, y cuídate mucho, que eres oyente imprescindible.


Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-16-06-20






miércoles, 10 de junio de 2020

Cíclope 3.0 - 09-06-20




Mogwai




Slint





Trioscapes














Cíclope 3.0 del martes 9 de junio.  En la edición de hoy contamos con tres grupos invitados, tal y como muestra la triple foto de cabecera.  Por qué tres, en este caso, grupos (podrían haber sido solistas) porque la duración de los temas exceden los 7 u 8 minutos y eso provoca pues que entren menos músicos, menos material.  En el caso de hoy porque, además, nos extendemos un poco más en uno de los invitados.  En definitiva, tres bandas, tres formas diferentes aunque dos de ellas estén más cercanas.  Y sin más, comenzamos con el contenido musical que se inicia con unos escoceses: Mogwai.


Mogwai

En 1995, en Glasgow, un grupo de amigos de toda la vida con facultades musicales e intereses paralelos, se reúnen con la sana intención de crear un grupo donde componer e interpretar música de guitarra seria.


Los primeros que se reúnen serían tres de los futuros miembros:







Stuart Braithwaite, guitarra y vocalista








Dominic Aitchison, guitarra bajo














Martin Bulloch, batería










Antes de debutar como grupo agregan a un miembro más








John Cummings, guitarra










Así, con formato de cuarteto, se dan a conocer con el nombre de Mogwai, el mismo que tenía aquel dulce animalito de la película Gremlins, que narraba las peripecias de unos bichos de origen cantonés, cuyo nombre significa Espíritu Maligno, muy graciosos y entrañables, con los que había que mantener tres reglas de oro: no darles de comer después de medianoche, no mojarlos y evitar que les dé la luz del sol.  De lo contrario, se vuelven punkarras porculizantes.  Pues el nombre del cuarteto de Glasgow no tiene nada que ver ni con los bichos, ni con el significado del nombre ni con nada que no sea la casualidad, la coincidencia.
La forma de su música abunda en cambios dinámicos, ritmos lentos que se transforman en una tormenta sonora y viceversa.  Graban un larga duración por primera vez en 1997 pero el año anterior, 1996, lo habían trufado de EPs y Singles, unos cuatro en total.  Es en el 97 cuando aparece Young Team.



   

Hay un rastro en este disco que recuerda el Coney Island Baby de Lou Reed, por lo menos suena muy cercano el tema R U Still in 2 It?, con ese casi recitado tan caro a Reed.  Hay un legado muy claro en el Rock de Mogwai, y es el que ellos mismos reconocen como una marcada influencia: la música de la banda norteamericana Slint.




Slint


Aunque durante su vida, breve, se pasó por alto su existencia, Slint se convirtió en una de las bandas más influyentes y de mayor alcance que surgió de la comunidad estadounidense de rock underground de finales de la década de los 80.  Innovadores, iconoclastas, las habilidades para manipular el volumen, el tempo y la estructura de sus composiciones los convierten en claros progenitores del movimiento Post-Rock que florecería durante la siguiente década.
Slint se formó en 1987 en Louisville, la ciudad más poblada de Kentucky y tuvo una corta vida: se separaron en 1992.  Corta discografía también: dos álbumes, uno en 1989 y el otro en 1991.  A título póstumo, en 1994, aparecería un EP con material que no se incluyó en sus dos discos.




Tweez
 - 1989





























Spiderland
- 1991


Dos guitarras: Brian McMahan, vocalista además, y David Pajo.  Un batería, Britt Walford y el guitarra bajo Ethan Buckler.
El productor Steve Albini, responsable del sonido de Pixies, PJ Harvey o Nirvana, entre otros, se encargaría de producir el primero de los dos discos.  Para el siguiente, Spiderland, la producción estaría en manos de Brian Paulson que se encargaría de producir a bandas como Son Volt y Wilco, entre otras.  En el segundo disco, el bajista Ethan Buckler sería sustituido por Todd Brashear, para cerrar esa colección de composiciones de enfoques estilísticos extraños, ritmos fracturados entrelazados por aceleraciones y fragmentos líricos.  El Cíclope recupera un par de temas de Spiderland.

Y en este punto del programa volvemos a Mogwai.
Con el paso del tiempo, la música del grupo escocés se ha ido volviendo más ambiciosa y diversa.  El dominio de la atmósfera ha ido encauzando el trabajo de la banda hacia el campo de las bandas sonoras de películas tanto para la gran pantalla como para la pequeña, películas de ficción, series y documentales.





La primera incursión en el Cine fue en el año 2006 en la película de Darren Aronofsky The Fountain, traducida aquí como La Fuente de la Vida.  El score era original de Clint Mansell con la colaboración de Kronos Quartet y Mogwai.  
























































































Más tarde, ese mismo año de 2006, y compuesta por la banda e interpretada por ellos, aparecía la película de Douglas Gordon y Philippe Parreno Zidane.  Un retrato del siglo XXI.













Le seguiría, en el año 2012, el score original de la serie de televisión Les Revenants, creada por Fabrice Gobert y dirigida por él y otros realizadores.













Atomic: Living in Dread and Promise, documental de la BBC 4 dirigido por Mark Cousins en el año 2016 muestra el espantoso poder destructivo de la bomba atómica.  La cinta recoge los desastres de la era atómica, pero también sus éxitos como los Rayos X y la resonancia magnética, que han mejorado la vida humana.  Todo acompañado por las composiciones de Mogwai.







Ese mismo año, 2016, los escoceses comparten con Trent ReznorAtticus Ross y Gustavo Santaolalla la partitura de la banda sonora del documental  Before the Flood, dirigido por Fisher Stevens.  La cinta trata sobre los efectos del cambio climático en nuestro entorno y cómo la sociedad puede prevenirlos, incluyendo la recuperación de especies en peligros de extinción.  El documental estuvo producido por Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio, que además de hacer de narrador entrevista a personalidades como Barack Obama y Bill Clinton.







El largometraje Kin, dirigida en el año 2018 por Jonathan Baker y Josh Baker, un thriller de ciencia-ficción, contaría una vez más con la música de Mogwai, inclinados por las formas cinematográficas de la música.








Lo último que ha hecho la banda ha sido el score de una serie de televisión titulada Zero Zero Zero, estrenada el año pasado y publicado el disco con la banda sonora éste año 2020.




La dirección de la serie se la reparten entre varios realizadores que adaptan la novela homónima de Roberto Saviano para contar a través de sus protagonistas, los mecanismos por los cuales la economía ilegal pasa a formar parte de la legal, y de cómo ambas están conectadas a una despiadada lógica con el poder y el control, algo que afecta directamente a la vida de los ciudadanos.  Desde los carteles mexicanos a los sindicatos del crimen italiano pasando por los negocios estadounidenses, todos están involucrados en una forma u otra en el beneficio que produce el negocio de la cocaína.

El final del programa está ocupado por una tormenta sonora, la que produce el trío Trioscapes.




De izquierda a derecha Dan Briggs, guitarra bajo, Walter Fancourt, saxo tenor y flauta, Matt Lynch, batería y teclados


La formación de Trío, en Rock, suele estar estructurada sobre un guitarra bajo, una guitarra eléctrica y una batería.  Hay muchas variantes, por poner un ejemplo, así de pronto, se me ocurre Dirty Three, guitarra eléctrica, batería y violín (Warren Ellis, desde hace tiempo inseparable de Nick Cave); Morphine, guitarra bajo, batería y saxos.  El trío que cierra hoy Cíclope 3.0, Trioscapes, es cercano a la estructura de Morphine porque también utilizan un bajo, una batería y un saxo tenor y flauta, lo que los diferencia es su sonido: no tienen el perfil alternativo de Dirty Three ni tampoco la atmósfera noctámbula de Morphine, son todo lo contrario: abrasivamente tormentosos, que no tortuosos.

Trioscapes está reconocida como una banda de Jazz-Fusion Experimental.  Son originales de la ciudad de Greensboro, en el estado de Atlanta en Carolina del Norte.  Comenzaron a principios del año 2011 cuando el Destino quiso que entraran en relación Dan Briggs, Walter Fancourt y Matt Lynch, tres músicos que compartían la misma pasión: la música de Mahavishnu Orchestra.  Entre paseos y cervezas se van conociendo y resultó que además de la banda de John McLaughlin también coincidían en el amor incondicional por King Crimson y Frank Zappa.  Se reúnen con la única intención, sana intención, de tocar la música que les gusta y así se van puliendo aristas y asperezas de un sonido que tuvo como primera muestra una versión, cómo no, de un tema de la Mahavishnu, la composición Celestial Terrestrial Commuters incluido en el segundo álbum de la M.O., Birds of Fire.  
Durante el invierno y la primavera del año 2011, Trioscapes se mantienen activos: componen música, hacen versiones, actúan en vivo.  Con la celeridad que a veces proporciona la Fortuna, a finales del verano de ese año, en concreto en la primera semana del mes de octubre, el trío entra en los estudios de grabación y dan a luz Separate Realities que incluiría, claro, la versión aquella de la Mahavishnu.


  

Hay que reconocer que el cirio que montan estos tres músicos es para tenerlo en cuenta.  Reconocen entre sus influencias también la de Return to Forever, pero al escucharlos hay un legado influyente claro y transparente, comenzando por el más obvio, el de Mahavishnu Orchestra pasando por King Crimson, los de Larks' Tongues in Aspic en adelante, y Frank Zappa.
Separate Realities se grababa a finales del año 2011 y apareció en el mercado internacional el 8 de mayo de 2012.








Digital Dream Sequence vería la luz dos años después, en 2014, y sirve para que nos reencontremos con el trío pletórico en su hacer: composiciones de cierta longitud (las que duran más de 10 minutos dan muestra de cómo saben adornar sin que sobre nada) sin perder ni un segundo de pura intensidad.

De esta forma tumultuosa pero brillante terminamos la edición de hoy.  Cuídate mucho, que sigues siendo imprescindible para que el Cíclope mantenga el parpadeo de su ojo estereofónico activo.
Espero que te guste el programa.


Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-09-06-20