jueves, 23 de julio de 2020

Cíclope 3.0 - 21-07-20






Cíclope 3.0 del martes 21 de julio.  En esta ocasión un programa con mucha carga cinematográfica, hoy hemos seleccionado canciones que están de fondo en escenas y de las que a veces tan sólo suenan unos segundos.  Otras ocupan más tiempo, pero pasan desapercibidas.  Nos hemos propuesto recuperar algunos fragmentos de bandas sonoras y lo primero que suena corresponde ilustra la acción de una película como The Equalizer 2, traducida aquí como El Protector 2.


Es la segunda entrega de la película que que se estrenó en el año 2014, al igual que esta segunda parte interpretada por Denzel Washington, dirigida por Antoine Fuqua y con música de Harry Gregson-Williams.  Aunque hay un score original la banda sonora tiene también otros fragmentos que son canciones ya existentes y que se utilizan en momentos concretos, como el tema que suena al principio de este Cíclope 3.0, Vengeance, una composición atmosférica que va subiendo progresivamente para alcanzar un clímax alto a partir de la segunda parte, cuando se produce una pausa y entre la instrumentación eléctrica acompañada por la orquesta.
El tema en cuestión lo firma Zack Hemsey, artista americano, compositor, rapero, encargado de realizar bandas sonoras de trailers de películas y de series de televisión.  En su álbum del año 2011 titulado The Way aparece ese Venganza con el que hemos comenzado.



Zack Hemsey





















Lo comento en el programa y es cierto: cuando escuché ese fragmento de la banda sonora de The Equalizer 2 (suena a lo largo de la película en dos ocasiones) pensé, por cómo sonaba, en Nine Inch Nails.  Y no, no eran ellos.  Nine Inch Nails sí formaban parte de una banda sonora, la de la película del año 2008 titulada Wanted, traducida como Se Busca, interpretada, entre otros, por Angelina Jolie y Morgan Freeman, con dirección de Timur Bekmambetov.


Una historia de fantasía adaptada a la gran pantalla desde un cómic, contó con un score compuesto por un veterano en la materia de música cinematográfica, Danny Elfman, y una vez más, como en tantas y tantas ocasiones, además de dicha banda sonora original también fragmentos de canciones y en este caso fragmentos brevísimos.  Hay una escena en la que dos personajes se encuentran en la calle.  Uno llega en un coche, abre la puerta y, creo que no llega a 20 segundos, suena en el aparato de música del coche Every Day Is Exactly The Same, del álbum With Teeth del año 2005.



With Teeth - 2005
  






















Nine Inch Nails






















Las siguientes dos canciones van incluidas en la misma cinta, el remake norteamericano de la película sueca Déjame Entrar.



Låt den rätte komma in, en sueco, se transformó en Let the Right One In en inglés y en Déjame Entrar en español.  Una interesante, interesantísima visión del mundo de los vampiros realizada con poco presupuesto pero con muchas ganas e imaginación.  Es una adaptación de la primera novela de John Ajvide Lindqvist, escritor sueco de novelas de terror que colaboró con el director, Tomas Alfredson, escribiendo el guión de su propia obra.  El score corrió a cargo de Johan Söderqvist.  Eso fue en el año 2008. 




Dos años después, en el 2010, un norteamericano, Matt Reeves, adapta la novela de Ajvide Lindqvist y dirige una versión que difiere de la original en inocencia, sencillez, creatividad.  ¿Qué hace en tantas ocasiones la industria cinematográfica norteamericana?  Tomar lo que ya está hecho y bien hecho y convertirlo en un producto con más efectos especiales, con más alharaca...pero nada más.  Se podían haber ahorrado este remake, innecesario para más señales.
Pero si lo hemos traido al programa es por su música.  La banda sonora está compuesta por Michael Giacchino que no está mal, pero lo que nos interesa son dos canciones de las que apenas llegan a sonar unos 15 ó 20 segundos, pero reconocibles.



Un vampiro, una vampira, para poder acceder a tu casa o a tu cuarto tiene que recibir tu invitación.  El padre de los vampiros, el Conde Drácula, permanece en el balcón del dormitorio de Lucy no porque la puerta de acceso al dormitorio esté cerrada sino porque Lucy no le ha invitado a que entre, cosa que resuelve abriendo la cristalera del balcón.  En Déjame Entrar la niña vampiro, acompañada de su amigo, va a casa de este y cuando abre la puerta del piso él entra, ella no, no puede, tiene que ser invitada.  En ese momento, en el piso, en algún lado, suena una canción que no es otra que Doot-Doot del grupo Freur.




Freur


Se formó la banda a principios de la década de los años 80 en Cardiff, Gales, con un sonido apoyado en teclas y sintetizadores que los hizo alcanzar cierta popularidad.  Estuvieron capitaneados por Karl Hyde (en la foto, en el centro) y al grupo les gustaba el mantener el nombre en el anonimato por lo que en los carteles que anunciaban sus actuaciones aparecía el símbolo que recoge la instantánea de más arriba.  Un día, el representante de un discográfica en busca y captura de talentos nuevos, asistió a una de sus actuaciones y les propuso grabar un disco con una condición: que se pusieran un nombre identificable.  Respondieron rápidamente diciendo que el nombre del grupo estaba en el signo que les representaba y que ese símbolo tenía una forma de pronunciarse: Freur en alemán, Hermano).
Grabaron en 1983 un LP, Doot-Doot, del que se extrajo el tema que le da título al álbum y del que existió una versión Maxi-Single con un canto de grillo más prolongado y que es el tema que ilustra brevemente uno de los momentos de la película Déjame Entrar, remake americano del original sueco.
En otra secuencia en el piso del amigo de la vampira, mientras ella está en el baño, el muchacho escoge un disco y pone en el plato del equipo de música The Breakup Song, del grupo Greg Kihn Band.




Esta banda estadounidense liderada por Greg Kihn (en la foto, sentado) desarrollaron una actividad musical en los 80 donde abarcaron el rock, el pop-rock, power-pop, a lo largo de una serie de LPs de los que brilló con diferencia el álbum titulado Rockihnroll de 1981, disco en el que está incluida esa The Breakup Song (The don't Write 'Em)










Canciones que aparecen brevemente en películas es lo que estamos escuchando hoy en Cíclope 3.0
Ahora, una de The Beatles.






La segunda vez que Richard Lester dirigió una película protagonizada por The Beatles fue en 1965 en el largometraje Help! con guión del gran Marc Behm y Charles Wood.  La banda sonora original estaría formada por las 7 canciones de la Cara A del álbum del mismo nombre, Help!, aparecida también el mismo año, 1965, cuando también se editaba Help! (Original Motion Picture Soundtrack) un disco que reunía las 7 canciones que suenan en la cinta más 5 composiciones del productor George Martin que interpretó él mismo como director al frente de su Orquesta.  Edición pensada para el mercado norteamericano.






Bueno, ¿qué pasa con la música de la película?  ¿Qué tiene que ver si estamos hablando de temas que suenan brevemente en algunas películas?  Muy fácil.  Imagino que has visto Help! y que sabes de qué va: una secta hindú se dispone a sacrificar una doncella a la Diosa Kali.  Como es la costumbre su piel es teñida de rojo y se le coloca el sagrado anillo de la diosa que la señala como el sacrificio, sin embargo en el momento en que va a ser inmolada descubren que el anillo no está, ya que la joven resultó ser fanática de los Beatles y les envió el anillo como regalo, terminando atorado accidentalmente en la mano derecha de Ringo Starr, el bateria.  Ya que el anillo es lo que señala al sacrificio para la diosa, ahora el sumo sacerdote ha indicado que como Ringo lo lleva es él quien debe ser sacrificado, por lo que se movilizan a Inglaterra para concretar la ceremonia.
Eleanor Bron (a la derecha) en el papel de Ahme, de la secta hindú pero sin tendencias violentas, se encargará de proteger a los 4 de Liverpool.  Hay una secuencia en la que el grupo aparece en un campo de maniobras militares, un campo de tiro, con tanques, metralletas...suena I Need You de George HarrisonAhme entra en un refugio subterráneo donde, en un magnetofón de bobina, suena una canción: She's a Woman, de The Beatles.  Si suena 15 segundos muchos son, pero lo hace, y por eso la traemos al programa.
She's a Woman se publicaba en formato de Single en 1964, como Cara B de I Feel Fine.  Aparecería en formato EP pero nunca en la discografía de LPs oficiales del grupo, edición europea.  La edición norteamericana es otra historia.
Con el paso del tiempo sería una de las canciones que se rescatarían en discos recopilación con los conocidos como Past Masters Vol.1 y Vol.2.


Nos vamos a quedar en esa época, década de los años 60, mediada la década, 1966, y un álbum que vuelve a sonar aunque por unos motivos diferentes a la vez anterior.  Me refiero a Face to Face de The Kinks.





Sonó a principios de este mes por el tema de las vacaciones por lo que recuperábamos la canción Vacaciones en Waikiki, hoy lo volvemos a traer por otras de sus canciones brillantes, Too Much On My Mind.



Too Much On My Mind formó parte de la banda sonora de la película El amigo americano, dirigida por Wim Wenders en 1977 e interpretada en sus principales papeles por Dennis Hopper y Bruno Ganz.  El guión lo escribió el mismo director adaptando la novela homónima de Patricia Highsmith.  En verdad, homónima la traducción del título de la obra de Highsmith porque el original literario es Ripley's Game.  
Bruno Ganz interpreta el papel de un fabricante de marcos.  Hay una escena en la que está barriendo el taller donde trabaja, tiene la radio puesta y suena esa canción de The KinksGanz canturrea mientras barre Too Much On My Mind.
















Nos acercamos ahora a tiempos más recientes, al siglo XXI, año 2015 y a la película Woman in Gold.


La Dama de Oro fue dirigida en el año 2015 por Simon Curtis e interpretada por Helen Mirren y Ryan Reynolds.  Basada en hechos reales tiene el interés, a priori, de tratar sobre una obra de Gustav Klimt, desaparecida durante el periodo del nazismo...pero a veces son mejores las intenciones que el resultado final.  El score original corrió a cargo de Martin Phipps y Hans Zimmer, pero la banda sonora original estaba terminada con el añadido de una serie de composiciones algunas de ellas encargadas para la ocasión, como sucede con el tema que interpreta Deron Johnson.


Deron Johnson (a la derecha) es un teclista de jazz estadounidense.  Descubierto por Miles Davis en 1991, tocó junto al trompetista completando tres giras europeas y dos giras americanas.  Grabó los teclados en el disco Doo-Bop  que firmó Davis en 1992.  Después Johnson realizó una extensa gira y grabó con el bajista de jazz Stanley Clarke y el saxofonista David Sanborn.
En la película que tenemos entre manos, La Dama de Oro, cambia totalmente de esquemas y hace una versión de un tema de la música tradicional norteamericana: O Mary Don't You Weep, una canción de la que se han realizado versiones por un tubo, entre otros Bruce Springteen.
Ya que estamos en la línea de la tradición americana vámonos ahora con algo tan típico como el Far West.  Una de vaqueros y otros ceporros: Django Unchained.




Dirigida en el año 2012 por Quentin Tarantino tiene una banda sonora formada por canciones del gusto de su realizador.  Hay temas de años atrás y hay alguno compuesto específicamente para la ocasión.  De una canción así se encargaron Anthony Hamilton y Elayna Boynton.





Anthony Hamilton es compositor, cantante de R & B y productor estadounidense. . 












Elayna Boynton, es cantante de soul independiente, también estadounidense, que coescribió junto a Hamilton, el tema Freedom, una canción que suena en un momento ruidoso: un tiroteo, un incendio (durante la noche) y cuando se da la estampida de caballos con los pistoleros huyendo, de fondo, suena Freedom.





Del Cine de Oeste al Cine de Gangsters.  Gotti, dirigida por Kevin Connolly en el año 2018.  Tiene como gancho que está protagonizada por John Travolta y representa un magnífico ejemplo del principio que defiende Las apariencias engañan.
Por desgracia la cinta no vale, pero no vale nada.  Si hay que salvar algo yo salvaría algunos fragmentos de la banda sonora que no es que sean el no va más pero si lo escuchas mientras te estás cortando las uñas de los pies hasta te entretienen.  El score lo firman dos estadounidenses con raíces hispanas: Jorge Martínez y Armando Cristian Pérez, más conocido en el escenario musical como Pitbull.
Pitbull, en la foto de la izquierda, es un rapero, compositor, actor y productor discográfico estadounidense famoso, sobre todo, en las pistas de baile de las discotecas.  Aquí, en la banda sonora de Gotti se marca un solo de guitarra eléctrica que es la canción escogida de dicho score, el tema titulado Somebody to Be.



Estamos escuchando música de bandas sonoras o fragmentos de composiciones que suenan brevemente en algunas películas.  Ahora nos quedamos con un compositor de bandas sonoras que reune en su figura el significante y significado de Compositor de Scores por antonomasia, me refiero al gran Ennio Morricone que nos dejó hace muy poco, el pasado 6 de este mes de julio.



Ennio Morricone
(1928-2020)
Su extraordinaria versatilidad le llevó a estar presente en todos los géneros del Cine aunque en el tema de las películas de Oeste su forma y estilo es inconfundible.  Hoy, que estamos enredando con bandas sonoras, no lo vamos a recuperar en su faceta del Spaguetti Western sino en el score de una película en la que trabajó a medias en la composición con la gran Dama del Folk, Joan Baez.



Joan Baez


La película en cuestión fue Sacco y Vanzetti, de 1971, dirigida por Giuliano Montaldo.  Basada en hechos reales, la cinta narra el controvertido juicio a Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzettidos inmigrantes italianos, trabajadores y anarquistas, que fueron juzgados, sentenciados y ejecutados por electrocución el 23 de agosto de 1927 en Massachusetts por el presunto robo a mano armada y asesinato de dos personas en 1920 en South Braintree, Massachusetts.



Bartolomeo Vanzetti
(1888-1927) y Nicola Sacco (1891-1927)





Carpeta del disco de la banda sonora de la película donde se especifica que Joan Baez canta el fragmento que se hizo más popular, Here's To You.

Y llegamos al final del programa de hoy.  No vamos a terminar con una composición de la que lleguen a sonar unos segundos, en este caso suena entera en la película El Mago de Oz.  La foto de cabecera que ilustra esta entrada en el blog viene de ahí, del camino de las losetas amarillas: las manos de la malvada bruja que quieren apoderarse de los zapatos de Dorothy.



Judy Garland (1922-1969), Dorothy, canta la que puede ser una de las composiciones más inmortales y nostálgicas que se han dado a lo largo de la Historia del Cine: Over the RainbowEl Mago de Oz, dirigida por Victor Fleming en 1939, tiene un score original compuesto por Herbert Stothart, E.Y. Harburg y Harold Arlen.  La canción Over the Rainbow pertenece a Harburg y Arlen.






Así acabamos.

Espero que te guste el programa.


Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-21-07-20






miércoles, 15 de julio de 2020

Cíclope 3.0 - 14-07-20 - Especial Thiago Nassif "Mente"





Thiago Nassif


Cíclope 3.0 del martes 14 de julio.  Hoy la edición está dedicada al músico brasileño Thiago Nassif con motivo de la publicación de su nuevo álbum Mente, publicado el pasado día 3 de este mes de julio.  Mente es un disco brillante, un collage sonoro que añade un paso adelante en la producción de este multinstrumentista, pieza clave en el desarrollo de la música realizada en Brasil.


A Nassif lo conocimos a raíz del Especial Arto Lindsay que realizó el Cíclope entre los meses de septiembre y diciembre del año 2017.  Ese año, Lindsay publicaba su disco Cuidado Madame donde Nassif, además de componer a medias un tema con su colega y amigo se encargó de la producción.  Nassif contactó con Radio Tomares y a través de la emisora entablamos una amistad vía correo electrónico donde contó su labor en el disco de Lindsay y nos dejó conocer su último trabajo hasta ese momento, Três, editado un año antes, en 2016.  El 20 de febrero de 2018 escuchamos en Cíclope 3.0 íntegramente aquel álbum, al igual que haremos hoy con su nuevo disco.




Imaginativo, experimental, poliédrico, Thiago Nassif nació y creció en Sao Paulo, en Brasil, formándose en ingeniería de sonido y producción musical.  Inició su trabajo en la escena de música experimental de São Paulo improvisando en galerías y talleres de arte buscando las sensaciones visuales que los sonidos generan.
Su primer trabajo discográfico, su primer collage sonoro, data del año 2009 y llevaba por título Garçonnière.  Pero sería con el siguiente álbum, Práxis, aparecido en enero del año 2011, cuando Nassif se asentaría en la música con un grupo de colaboradores surgidos de los movimientos de artes visuales, personas relacionadas con el mundo de la Arquitectura, Escultura, Pintura, Fotografía.  Hasta la Filosofía forma parte del crisol de influencias que convergen en la creatividad del músico.  Las formas del arte visual, referencias múltiples en su música, se plasman en composiciones que son una transcripción de paisajes abstractos, de movimientos en el espacio, de figuras geométricas que delimitan paisajes sin aristas.
En el año 2016 aparecería Três, con el músico trasladado a Río de Janeiro, donde había contactado con Arto LindsayLindsay sería el productor del álbum y se crearía una camaradería entre ambos que supondría el inicio de una nueva creatividad para ambos como músicos.  Como ya he dicho, Nassif coproduciría el álbum del año 2017 Cuidado Madame de Lindsay, interviniendo también como músico de la banda que acompañó a Arto.
Las canciones de Nassif en el disco Três comenzaron a tomar formas familiares, con ruido y texturas electrónicas utilizadas para aumentar la cimentación de las composiciones.  Es lo que sigue haciendo en su nuevo trabajo, Mente, aunque con un sonido más denso y un enfoque más fuerte en el ritmo.

Interior de la carpeta de Mente
El disco se mueve entre la música brasileña contemporánea y el ruido. El título tiene un doble significado: en portugués Mente  significa igual que en español, pensamiento o capacidad intelectiva, pero en portugués también se puede traducir como mentir o mentira.  Un acercamiento consciente de Thiago a las condiciones políticas de su país.  En el álbum, Nassif trata sus influencias de NoWave, la música electrónica, el jazz y el rock de forma aún más intensa que en sus anteriores trabajos.  Canta tanto en inglés como en portugués y utiliza su voz en una búsqueda constante por encajarla dentro del puzzle de su música.  Posee una mente giratoria en busca siempre de nuevas frecuencias y experimentos.



Contraportada de Mente
Como creador inteligente y briilante,  Thiago Nassif a la hora de componer parte de un caos luminoso: comienza con un juego de ritmos en su cabeza, cuando consigue encontrar una línea por donde seguir, los textos de sus composiciones comienzan a tomar forma.  No tiene una idea concreta sobre qué temas va a tratar sino cuando llega a los estudios de grabación y empieza a enredar con el sonido es entonces cuando las ideas literarias aparecen.  Como instrumentista maneja un amplio abanico entre teclados y sintetizadores pero es en la guitarra eléctrica donde pone un acento especial: una guitarra crujiente, distorsionada, pero sin lugar a dudas funky toma el centro del escenario con otra guitarra, esta vez acústica pero procesada como un sintetizador vívido que agrega sacudidas al ritmo.
En esta ocasión se ha reunido de nuevo con Arto Lindsay, que produce el álbum además de componer un tema a medias y, por supuesto, tocar la guitarra.
Se reúne de la buena compañía de músicos y cantantes con los que ya había trabajado en sus discos anteriores, figuras de la vanguardia musical de Río de Janeiro como el guitarrista Pedro Sá



Pedro Sá







El teclista Ricardo Dias Gomes













El batería Vinicius Cantuária













La cantante y guitarrista Ana Frango Elétrico


















La vocalista Gabriela Riley










El teclista Bruno Di Lullo
















El guitarra y teclista Eduardo Manso











El guitarra bajo Felipe Zenícola













Jonas Sá en los teclados













A la guitarra también Marcos Campello









Otro teclista, Vitor Araújo








Hay más músicos pero no he conseguido fotos con las que ilustrar su presencia en el disco.  Además la influencia de otros artistas como el pintor y teórico André Sztutman, el multidisciplinar Lucas Rehnman o la pintora y fotógrafa Fernanda Zerbini, están presentes en la obra de Nassif.
Este Especial lo comenzamos recuperando un tema de su álbum Três, el titulado Pensamentos, para situarnos en el sonido y en la forma de hacer de NassifMente lo escuchamos al completo pero sin seguir el orden de las canciones tal y como aparecen en el disco.  Así que lo primero que suena de este nuevo trabajo de Thiago es el tema Plástico, compuesto por él y donde hace una crítica a las galerías de arte conocidas como White Cube que, según Nassif, manejan unos principios de métodos opresivos y protectores de las formas del arte.  Continúa también en su delgada línea entre la crítica social y las metáforas que implican nuestro uso del plástico.  Se inspira en la obra Parangolé  del artista plástico brasileño Hélio Oiticica.  Parangolé es un conjunto de obras que surgen como una deshinibición intelectual, de la necesidad de una libre expresión, según explica su autor.



Fragmento de la obra Parangolé



Hélio Oiticica
 (1937-1980)


Nassif utiliza las teorías artísticas de Oiticica para construir esta composición en la que la música actúa como una pintura que te puede vestir, envolver, moldeando el perfil del cuerpo del oyente.  Música que te atrapa, que te empuja o que te desplaza de tu sitio.
Soar Estranho, composición de Thiago Nassif, ha sido la tarjeta de presentación del nuevo disco.  Se ha promocionado como single y como video-clip.  El título, traducido como Sonido Extraño, también podría significar Sudor Extraño.  Es como el título del disco, Mente, que puede significar tanto Mente como Tú mientes.  Hay cierto deleite en el juego de palabras, donde se yuxtapone lo cerebral con lo corpóreo, al tiempo que ofrece una crítica conocedora del gobierno brasileño y su política posterior a la verdad.  El mismo Nassif comenta:
Elegí ese nombre principalmente porque el portugués es el único idioma que conecta dos posibilidades semánticas: pensar y mentir. Y también porque ahora estamos viviendo en una era de verdad pospolítica,  donde Brasil se encuentra actualmente en la cima de las listas de este movimiento.
En Pele de Leopardo Nassif vuelve a encargarse de la composición para manejar la guitarra en un tema cuya columna vertebral está estructurada sobre el cuerpo rítmico del funk y el groove.
La bossa nova electrificada está en Vóz Única Foto Sem Calçinha, donde hay una doble e interesante intervención femenina.  Por un lado la coautora del tema, Fernanda Zerbini, que escribe a medias la canción con Nassif, por otro lado la voz que interpreta la composición, Ana Frango Elétrico.


Fernanda Zerbini es pintora y fotógrafa.  Escribe letras de canciones siguiendo un peculiar método de trabajo: toma notas en su bloc de bocetos, palabras que se le vienen a la cabeza en una especie de asociación libre producto de la transpiración del inconsciente porque las palabras llegan mientras traza perfiles, dibuja líneas... No usa comas ni signos de puntuación.  Está dibujando y mientras tanto escucha música, deja por escrito las palabras que le suenan más interesantes y termina creando sus propias narraciones de forma libre.




La otra figura femenina importante en la canción Vóz Única Foto Sem Calçinha es la voz de Ana Frango Elétrico, cantante, compositora, guitarrista, pintora y poetisa.  Tiene dos álbumes grabados, el último fue publicado el año pasado.  Quería haber terminado esta edición de Cíclope 3.0 con un par de temas de su último disco pero no ha dado tiempo para más.  Tan solo señalar que recuperaremos la figura de esta mujer en un futuro cercano porque merece la pena.
Para el tema que escuchamos a continuación, Trepa Trepa, se vuelve a dar el binomio Nassif-Zerbini en la composición.  Uno de los temas más experimentales del disco donde se utilizan las voces como un instrumento más.
Una de las vertientes de las composiciones de Thiago Nassif es la plasticidad de las imágenes que sugiere.  Transparente, compuesta por él, Lucas Rehnman y Pedro Sá, muestra una atmósfera de misterio y tensión desde el comienzo, crece poco a poco y tiene toda la energía de la banda sonora de una película.  No una película de imágenes concedidas, es una película imaginaria sugerida por la música per sé.  Es muy interesante esa inspiración en la era berlinesa de David Bowie, especialmente la parte más electrónica del álbum Low, la Cara B, ocupada por amplios pasajes de teclados.  Una influencia que aquí adquiere nuevas formas.




Arto Lindsay se encarga de la producción del álbum Mente de Thiago Nassif y también toca la guitarra, y compone a medias un tema como Feral Fox donde hacen mención en el texto a Jimi Hendrix.





Rijo, Jórra, Já compuesta por Thiago y André Sztutman, presenta de nuevo esos paisajes abstractos que son parte de la música de Nassif.  Aquí está presente el juego de las palabras homónimas, una influencia que llega a través de la novela Impresiones de África del año 1910 original de Raymond Roussel (1877-1933), poeta, novelista, dramaturgo, músico y jugador de ajedrez francés.  
Un piano que se cruza con sintetizadores para crear una narrativa sonora electrificada sugiriendo imágenes muy visuales es lo que resulta ser Cor, compuesta por Thiago.
Y así llegamos al final del programa de hoy.  Mente se cierra con el tema Santa, compuesto por Guilherme Lírio, Pedro SáFernanda Zerbini y Thiago Nassif.  Es una composición robótica, pulsante, que toma prestados elementos de Funk Carioca, Samba, Jazz, No-Wave...todo mezclado a través de diversos collages.  La letra de esta canción fue escrita por Zerbini y Thiago por correo electrónico, siguiendo las formas de escritura de Zerbini que se ha han reseñado más arriba.  Según cuenta Thiago, leyó las anotaciones realizadas por Zerbini y comenzó a armar la letra del tema, cambiando un poco la estructura, eligiendo las partes que más le gustaban.
La canción trata sobre personas andróginas y transgénero que superan los paradigmas binarios convencionales del sexo.  Se trata de una especie que no tiene polaridades, una nueva solución emergente para nuestra sociedad y una especie no involucrada.  Se trata de la esfinge que se levanta voluntariamente, de un recién nacido que generará posibilidades para nosotros. Una especie de santo.
Santa se compuso como un ritmo Afoxé que proviene del Candonblé (religión animista, originaria de la región actual de Nigeria y Benin, traída a Brasil por africanos esclavizados y establecida en ceremonias privadas, una convivencia con fuerzas de la naturaleza y ancestros) y también se basa en el ritmo Funk Carioca creado en las favelas de Río de Janeiro.
Nassif reseña la labor de Bella, una artista del sonido que crea sus propios instrumentos.  Dice que fue ella la que agregó las capas de ruido
Claudio Brito tocó las percusiones Candonblé por encima de la electrónica que creé, Pedro Sá y Guilherme Lírio me ayudaron a armonizar la canción, Jonas Sá me ayudó con los arreglos y grabó los sintetizadores.
Según Arto Lindsay
Thiago Nassif es el faro de la nueva generación de compositores brasileños.  Con su mezcla de pop, ruidos y tropicalia, ha ganado reconocimiento mundial.
Y tiene mucha razón.  Nassif es un músico de los pies a la cabeza.
Mente se publicó el pasado día 3 de este mes de julio a través del sello británico GEARBOX que ha hecho una espléndida labor tanto en la edición del álbum-CD como en la promoción y distribución del disco.








































































Mente, firmado por Thiago Nassif, donde el compositor e intérprete busca los intersticios en los que se encuentran lo visual, lo conceptual y lo auditivo.
Un disco a tener muy en cuenta.


Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-14-07-20