miércoles, 25 de enero de 2023

Cíclope 3.0 - 24-01-23

 


Selene
- Albert Aublet (1851-1938)

Cíclope 3.0, edición del martes 24 de enero de 2023.

El programa de hoy está ocupado por piezas de música eminentemente serenas, tranquilas, como la atmósfera que nos transmite la contemplación de la Luna.  Al comienzo, un maestro en el arte de las formas etéreas, Brian Eno.


El año pasado, 2022, a sus 74 años de edad, Brian Eno, en la foto de la izquierda, publicaba disco nuevo.  Fue el 14 de octubre y ese nuevo trabajo de estudio recoge composiciones basadas en la voz.  





Foreverandevernomore, el trabajo nuevo de Eno, del que escuchamos dos cortes, es un reencuentro con el compositor/intérprete que esta vez canta sin tratar la voz, sin doblarla sobre sí misma o realizando algún otro tipo de enosificación.  Este año 2023 verá el estreno del documental Eno, dirigido por Gary Hustwit.

Hustwit (foto derecha) es un cineasta y fotógrafo independiente estadounidense.  Es  conocido por sus documentales de diseño, que examinan el impacto de las tendencias en diseño gráfico, tipografía, diseño industrial, arquitectura y planificación urbana.  Brian Eno trabajó con él en el documental Rams del año 2018, semblanza del diseñador industrial alemán Dieter Rams, encargándose de la banda sonora.



Rams con algunos objetos diseñados por él. 









Portada del disco de la banda sonora del documental Rams, publicado en 2020






Para realizar el documental EnoHustwit  ha tenido  acceso sin restricciones al enorme archivo del músico que abarca unas 400 horas de material a lo largo de sus 50 años en activo.  La mayor parte de este material, que incluye música inédita, primeros proyectos artísticos, entrevistas y grabaciones sin editar, nunca se había hecho público.  A la espera de esa prometedora cinta recuperamos un trabajo de Eno del año 2010 titulado Small Craft On A Milk Sea.


Pequeña embarcación en un mar de leche es un trabajo realizado entre nuestro hombre y dos músicos que colaboran con él en la creación y en la interpretación, Jon Hopkins y Leo Abrahams.  El álbum se publicaba el 2 de noviembre de 2010 y es muy interesante por la música así como por la actitud de nuestro protagonista, que en pleno siglo XXI, en vez de aislarse, ha seguido abierto a trabajar con otros creadores para sacar una obra.  Parte de su labor a lo largo del Tiempo ha consistido en trabajar la creatividad propia y facilitar la de los demás a través de su papel como productor y también permitiendo que se trabajara con él en sus discos y en sus ideas.  Por eso, repito, este disco es tan interesante, porque muestra no vivir en un mundo cerrado de sonidos y atmósferas intergalácticas, aislado de todo y de todos, sino que se abre e interactúa con músicos más jóvenes que él como es el caso de los dos que ya he nombrado y con los que nos vamos a quedar después de escuchar unos cuantos temas de ese Small Craft On A Milk Sea.


Empezamos con Leo Matthew Abrahams (a la derecha).  Nacido en Londres en 1977, es compositor, guitarrista y productor musical.  Comienza a formar discografía propia en pleno siglo XXI, en el año 2005.  Entró en contacto con Brian en una tienda de instrumentos musicales de Notting Hill, donde Abrahams estaba tocando una guitarra.  Eno se quedó escuchando y comentó: 
Le vi probar una guitarra, el único que he visto en una tienda de guitarras que para comprobar el sonido no estaba tocando “Stairway to Heaven”, así que pensé: lo mismo es bueno. 

Y sí, le convenció.  Le invitó a su estudio y Leo Abrahams participó en el disco Drawn from Life, de 2001.  A partir de ese momento su nombre aparecería formando parte de los créditos en una larga nómina de diferentes artistas como Paul Simon, Jarvis Cocker, Florence + The Machine, Grace Jones, Nick Cave y muchos más.


En el año 2005 creó su primer álbum firmado con su nombre y apellido y en 2006 firmaba su segundo trabajo, Scene Memory (portada a la izquierda) de estilo ambiental, escrito e interpretado por él mismo, tocando la guitarra eléctrica y creando sonidos y efectos por ordenador.  Un corte para recrear la creatividad de Abrahams.


El otro músico de la tríada es Jon Hopkins, en la foto de la dereha.  Hopkins, estéticamente cercano a Eno, es un compositor inglés de formación clásica.  Creció en Wimbledon y fue un niño talentoso que estudió piano en el Departamento Junior del Royal College of Music durante cinco años.   Junto con su fascinación por las obras de Ravel y Stravinsky, también se enamoró de la música electrónica a una edad temprana y era fanático de bandas como Depeche Mode y Pet Shop Boys.  Durante su adolescencia, comenzó a hacer acid house y drum'n'bass, usando el dinero que ganó en concursos de piano para comprarse sintetizadores y equipos de grabación.  Creció y desarrolló una intensa actividad como teclista en proyectos a lo largo de la recta final de la década de los 90, trabajando paralelamente como músico de sesión para poder mantener económicamente su existencia.  En el comienzo del siglo XXI, en el año 2001, aparece su primer disco firmado con su nombre y apellido.  En 2005, Brian Eno se fija en él y le llama.  Quedan en el estudio de grabación de Brian que le muestra los instrumentos que tiene por allí y le sugiere que a lo largo de 24 horas vaya grabando lo que se le ocurra.  ¿Improvisaciones?  Eso es, que improvise y que lo vaya dejando grabado.  A ver qué sale.  En un par de días Brian estaba telefoneándole para que formara parte de los créditos en su álbum Another Day On Earth.

Desde el año 2001 lleva 10 trabajos con su nombre y apellido, una de ellos el álbum firmado a medias entre Leo Abrahams, Brian Eno y él.  Del año 2014 data el EP Asleep Versions que cuenta con la intervención vocal de la guitarrista y cantante Raphaelle Standell en el tema que recupera el Cíclope, Form By Firelight


Raphaelle Standell



De tierras británicas nos trasladamos a tierras turcas, en concreto a la capital Estambul de donde es originario el proyecto conocido con el nombre de Pregnant Head.



Pregnant Head (Cabeza embarazada), es el laboratorio musical de una sola persona originaria de Estambul, Turquía.  Se sabe que es un hombre, o por lo menos es lo que se puede ver en su página de Facebook con la foto anterior como única información gráfica.  En el año 2013 publicó Disintegration, una larga duración con temas como los que recogemos en esta edición calmada y tranquila de Cíclope 3.0:  Cella y Organic.



Portada del álbum de Pregnant Head


Le he escrito, pero no me ha contestado.  Le preguntaba su nombre y apellido, si era él el que aparece en esa foto...algunos músicos escogen el anonimato como forma de comunicación con una hipotética audiencia y si no quieren desvelar ningún dato salvo los imprescindibles pues muy bien, no voy a ser yo quien les fuerce.  Recuerdo un grupo (no su nombre) a quien le escribí preguntándole lo básico: cuántos eran, si es que no era el proyecto de una sola persona, cuántos discos tenían, que el que había descargado de su web me había gustado mucho...me contestaron con un escueto "gracias, se lo comentaré a los demás".  Insistí en saber cuántos eran, me contestó que ya me lo había dicho, ¿a mí?  perdona, estarás escribiendo/hablando con otra persona porque a mi no me has dicho nada...silencio (era una conversación en Facebook, por Messenger)...y va el tipo y me escribe el nombre y apellido de cada uno de los 4 pero seguidos, sin separación ni coma ni nada.  Cerré la charla agotadora con un sincero. ¡Qué salado eres, chaval!  Así que, por si las moscas, no fuerzo a desvelar identidad de nadie que, al parecer, prefiere permanecer en el anonimato.  Lo de incluir la foto de Pregnant Head porque me ha dado coraje que no me conteste.
Pues de anonimato también podemos hablar con el siguiente caso, Robert Nikolajev.


Robert Nikolajev
es quien se cubre con el paraguas y puede aparecer en grabaciones firmadas con su apellido o en los créditos de una banda llamada Dima Disk como único miembro, porque Nikolajev o Dima Disk es lo mismo.  Original de la ciudad de Tallinn, en Estonia, publicaba el año pasado, 2022, un cassette (sí, un cassette, de toda la vida analógica anterior) titulado Transplant Rejection (Rechazo de transplante) que incluye el tema Stifled  que lo traemos al programa para que aprecies cómo sin tener ni un céntimo de euro, algunas personas son capaces de sacar adelante ideas, aunque tengan que utilizar un cassette para ello.  Me fascina esa fuerza.  Música tranquila desde Estonia.




Portada, absolutamente casera, del trabajo Transplant Rejection de Nikolajev




El ínclito cassette

  

Pues así de tranquilos hemos llegado a la recta final del programa de hoy.  El tiempo que nos queda lo vamos a ocupar con un músico alemán y un disco del año 2020.  El álbum se titula Lys y lo firma Christian Löffler.


Christian Löffler, a la izquierda, es cofundador del sello alemán Ki Records.  Ki es la palabra japonesa para decir árbol, y como un árbol construye un tronco sólido de artistas internacionales que han ido creciendo en la diversidad de sonidos y géneros, compartiendo una cierta melancolía intimista en sus composiciones que tienden a la utilización de teclados y ambientes electrónicos sin olvidar formas heredadas del mundo analógico, el formato vinilo, de carpetas diseñadas con esmero y buen gusto.


Nacido en Alemania, país de larga tradición musical donde el ámbito de lo electrónico ha dado, y sigue dando, cosechas fructíferas, Christian Löffler comenzó a tocar música a la edad de 14 años.  Al vivir en una región apartada cerca del Mar Báltico, sin un entorno musical, tuvo que aprender por sí mismo lo esencial para hacer música electrónica.  Al pedirle que describa su propia música afirma que trata de combinar la melancolía con la euforia.   En el año 2020 se publicó el disco Lys (en la foto anterior), un trabajo del que escogemos un par de composiciones que son Versailles y el tema que le da título al trabajo, Lys, con la intervención vocal de la cantante llamada Menkel.


Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-24-01-23




jueves, 19 de enero de 2023

Cíclope 3.0 - 17-01-23

 


El ángel herido
- Hugo Simberg (1873-1917)

Cíclope 3.0 del martes 17 de enero de 2023.

Contemplando el cuadro de Hugo Simberg que sirve de foto de cabecera para la entrada de hoy, me acuerdo de un cuento de Gabriel García Márquez incluido en su libro La increíble y triste historia de la cándida Eréndira y de su abuela desalmada.  Es una narración en la que un ángel se choca con unos cables de alta tensión y cae al suelo.  En el programa de hoy los ángeles van a tener un protagonismo significativo porque el Cíclope se ha dedicado a buscar canciones que hablen de estos seres mitológicos, asexuados y presentes en tantas culturas, mitologías y religiones.  Los hay benefactores y también porculizantes, de una profunda religiosidad y de un absoluto paganismo.  No vamos a profesar ninguna creencia especial más allá de lo puramente legendario, que cada cual escoja una posible protección.  A nosotros, al Cíclope y a quien escribe, el consuelo de la Música es más que suficiente.  Así que sin más dilaciones comenzamos esta edición de Cíclope 3.0 con unos ángeles extraños, los de Laurie Anderson.


Su formación musical comenzó aprendiendo a tocar el violín en la ciudad que la vio nacer en 1947, en Glen Elyn, en Illinois, USA, pero el caldo de cultivo donde desarrolló su ingenio fue el de las artes visuales.  Ha incorporado a su obra gráficos, iluminación, escultura, mímica, diapositivas, películas, discursos, música y muchos dispositivos electrónicos, algunos de ellos de diseño propio.  Comenzó a trabajar mediada la década de los años 70 actuando en museos y salas de conciertos de Europa y América del Norte.  Sus puestas en escena mezclan géneros como la narración de cuentos, el teatro, el ritual, la danza, la música, el entretenimiento popular y los deportes.  Su primera incursión en el mundo de la música fue en el campo de la música Pop, en 1981, cuando aparecía el Single O Superman, una canción construida sobre voz tratada con vocoder, bucles de efectos y efectos en bucle para dar como resultado un tirabuzón de sentimientos de 8 minutos y 21 segundos dedicados a la memoria del compositor Jules Massenet (1842-1912) y que estaría incluido en el álbum Big Science de 1982.  En Inglaterra, en Estados Unidos, el tema O Superman escaló las listas de éxitos de forma sorprendente pero en algunos ámbitos no caló la originalidad de la compositora.  Recuerdo que en la Fonoteca de Radio Nacional de España en Sevilla, el encargado de clasificar los discos lo tenía registrado como Disco Malo.  No radiar.  Era un Single pero no se reproducía a 45 r.p.m. sino a 33.  Además, estaba rayado, como se podía escuchar nada más empezar la canción.  Lo de rayado era porque el A-A-A con el que comienza el tema está en bucle y resultaba además que estaba mal grabado porque sonaba acelerado.  Claro, de 33 r.p.m. si se ponía a 45...  En fin.  Anécdotas a parte, Laurie Anderson en 1992 comenzó una relación amistosa con su mayor admirador, Lou Reed, amistad que avanzó sentimentalmente hasta el matrimonio en el año 2008, unión que duró hasta la muerte de Reed en octubre del año 2013.  Pero estaba hablando de la compositora Laurie Anderson, que visitó Sevilla con un espectáculo suyo en la Expo 92, que tras aquel Big Science de 1982 ha seguido grabando con colaboradores habituales como el guitarrista Adrian Belew o el compositor, músico, percusionista, batería, teclista, artista de performance, videoartista y actor estadounidense, David Van Tieghem.


Con ellos dos y otros músicos, Anderson publicaba en 1989 el disco Strange Angels, el más musical de los álbumes que había grabado hasta el momento e, incluso, de los que ha llegado a grabar después.  Canta más que nunca, por lo menos hasta ese momento, y realizó un álbum de Pop sencillo con temas como el que le da título al trabajo y que nos sirve para abrir este programa un tanto conceptual: Cíclope 3.0 con canciones sobre ángeles.


En Nueva York, Laurie Anderson desarrolló muchas de sus performances y, en Nueva York nos quedamos con una de las bandas más interesantes y seminales que ha dado la gran metrópolis: son los 4 que aparecen en esa foto tan colorida, un grupo de tonalidad tan amplia como diversa, son Talking Heads.


El segundo LP de Talking HeadsMore Songs About Buildings and Food (carpeta foto de la derecha), aparecía en 1978.  La producción corrió a cargo de la banda capitaneada por David Byrne, a medias con Brian EnoEno no interfirió en la forma de componer de Byrne, lo dejó en absoluta libertad.  Cuando la estructura de las canciones estuvo acabada solo había que decidir qué perfil definitivo podía tener,  Eno reforzó la guitarra bajo de Tina Weymouth y la batería de Chris Frantz con idea de marcar un mayor énfasis bailable en el resultado final de las canciones como la que ha seleccionado el Cíclope, Gracias por enviarme un ángel.

De bailes, de danzas sacras y profanas...ángeles bailando...de esto y algo más habla el que fue vocalista de Led Zeppelin, Robert Plant.


Robert Plant and the Band of Joy, fue una banda de rock con sesgos folk original de Inglaterra, que con diferentes formaciones actuaron entre 1965 a 1968 y de 1977 a 1983.  Junto a Plant también estuvo otro miembro futuro de Led Zeppelin, el batería John BonhamPlant revivió el nombre de la banda en 2010 para una gira de conciertos por América del Norte y Europa, pero para la ocasión simplificó el nombre originario, Robert Plant and the Band of Joy, y lo dejó como Band of Joy, incidiendo más en la utilización de instrumentos acústicos, aspecto que ya había trabajado en el año 2007 junto a la cantante y violinista Alison Krauss, elaborando a medias el álbum titulado Raising Sand.  También Led Zeppelin habían manejado instrumentos acústicos y cuando el cuarteto ya no existía como tal, Plant aseguró que el grupo a lo largo de su historia siempre había hecho canciones de base folk.  Hubo algunos seguidores que pensaron que había perdido el juicio y sin embargo no podía estar más acertado: muchos de los temas que interpretaron venían del folk, como por ejemplo aquel Babe I'm Gonna Leave You incluido en Led Zeppelin I, el primer disco que grabó el Zepelín.  Era un tema folk tradicional que cantaron, entre otros artistas del Folk, Joan Baez.  Lo que pasaba es que los arreglos de Jimmy Page convertían la composición en una canción tremenda.

Volviendo a Plant en solitario.  En el año 2010 aparecía el disco Band of Joy, homenaje claro, transparente y diáfano a aquella banda.  En el álbum Plant hace mención a un baile, la Danza del ángel.
Vamos a entrar ahora en una zona donde los ángeles a los que vamos a hacer referencia son de color negro y comenzamos con The Rolling Stones.



The Rolling Stones
en la época de Mick Taylor (segundo por la izquierda)

Fallecía Brian Jones, guitarra, compositor y, para muchos seguidores de los Rolling, entre los que me encuentro, pieza clave y fundamental porque sin él, las cosas ya no fueron lo que habían sido.  Le sustituyó un guitarrista extraordinario, Mick Taylor, que llegó a durar en el grupo más de lo que se le profetizó.  Comenzó en 1969 interviniendo en el álbum Let It Bleed, estuvo en la gira norteamericana y por lo tanto en el LP Get Yer Ya-Ya's Out! (The Rolling Stones In Concert) de 1970.  Siguió en 1971 en Sticky Fingers, 1972 en Exile on Main Street, 1973 Goat's Head Soup y finalizaba su colaboración con Jagger y compañía en 1974, tocando en siete de los diez cortes que forman el disco It's Only Rock 'N Roll.  

Nos centramos en el álbum de 1972, el complicado Exile On Main St., complicado por lo que tuvieron que sudar, sobre todo Mick Jagger, para conseguir un resultado de mezclas finales del doble LP.  Keith Richards andaba por aquellos tiempos engorilado con la heroína, llegaba a grabar cada día con un estado de ánimo diferente, dependiendo de la hora y de la última dosis que se hubiera metido.  Según llegó a contar Jagger era imposible seguir una lógica sobre lo que ya estaba hecho, canciones que estaban cogidas con alfileres, que había que seguir trabajando sobre las bases que se tenían y no había forma.  Un día el vocalista se decidió y tomó el camino más tortuoso pero más fructífero: intentar llegar a algo mínimamente coherente y, a ser posible, sacar todo lo mejor de aquel montón de cintas que eran el master original de las sesiones de grabación más accidentadas que había vivido en su vida.  Y al final, Exile On Main Streetes probablemente uno de los discos de The Rolling Stones más completos que se pueden escuchar de su larga y extensa discografía porque el doble LP reúne rock & roll, blues, soul y country e incluye canciones como la que entresaca el Cíclope para la ocasión, Sweet Black Angel.  De un Dulce ángel negro a un Ángel negro, a secas.  Lo firma la banda The Cult.




Los orígenes de The Cult, en lo que al nombre se refiere, es un proceso de síntesis: comenzaron en 1983 en Inglaterra, en concreto en Bradford, West Yorkshire, llamándose Southern Death Cult y como tales graban un LP.  Poco tiempo después se convirtieron en Southern Death para finalmente, en enero de 1984,  bautizarse como The Cult.  El miembro fundador es Ian Astbury (en la foto anterior el que se cubre con un sombrero) que buscaría la participación de un guitarrista fundamental como Billy Duffy (en la misma foto, el primero por la izquierda).  Partiendo de formas góticas Post-Punk, transformándose en un grupo que recuperaba los esquemas del Rock duro británico, pasándolo todo a través del pseudomisticismo de The Doors y la contundencia de Led Zeppelin, The Cult, como trío, cuarteto o quinteto, han sabido sembrar su trayectoria con fructificaciones de buen Rock.



La canción Ángel negroBlack Angelse incluye en su disco de 1985 titulado Love





The Cult
como trío en 1985.  De izquierda a derecha
Ian Astbury voz, Jamie Stewart guitarra bajo y teclados,
Billy Duffy guitarras


Entramos en el meridiano de esta edición, va a sonar el sexto tema de los trece que forman el programa de hoy.  Cuando una figura de la música fallece, sobre todo del Pop-Rock, es más que sabido que a partir de la fecha de fallecimiento comenzarán a aparecer una serie de discos que recogen grabaciones inéditas, grabaciones alternativas, remezclas, remasterizaciones y un largo etcétera.  Algunas merecen la pena por ser originales, porque en verdad nunca antes habían visto la luz pero, en muchos casos, son más de lo mismo para coleccionistas incondicionales.  El caso que recuperamos está en el lado soleado, grabaciones escondidas que merecen la pena airear.  La canción que nos va a ocupar se titula simplemente Angel y pertenece al legado del gran Jimi Hendrix.


Este zurdo genial, nacido el 27 de noviembre de 1942, fallecía con 28 años el 18 de septiembre de 1970.  Su discografía póstuma es más extensa que la que publicó en vida, con álbumes oficiales y otros no tanto.  En pleno siglo XXI ha continuado apareciendo material no publicado anteriormente, grabaciones recuperadas de la herencia que dejó, sin pretenderlo, entre sus objetos personales y archivo sonoro.  La hermanastra del guitarrista, Janie Hendrix, encargada de coordinar el tema de derechos de autor y todo lo que conlleve la herencia hendrixiana, se ha ocupado que cualquier sello discográfico que esté interesado en la edición de parte de ese material desconocido lo haga pero con garantías de que van a tratar el sonido lo mejor que se pueda para ofrecer grabaciones de calidad y no simples bootlegs.

Así aparecía en el año 2010 un disco cuadruple titulado West Coast Seattle Boy - The Jimi Hendrix Anthology, una caja con 4 CDs más un DVD con imágenes del guitarrista.  Del segundo CD el Cíclope se queda con un tema sencillo, tranquilo, titulado Angel.

De la guitarra de Hendrix a la guitarra de un músico de origen noruego, Terje Rypdal.

Terje Rypdal, nacido en 1947 en Oslo, Noruega, es un guitarrista y compositor centrado en el mundo del Jazz y la música académica.   Tuvo un comienzo donde ejerció de músico relacionado con el Rock, rock de maneras más vanguardista, experimental, y en 1968 se acercó a las formas jazzísticas junto a un paisano suyo, el saxofonista Jan Garbarek.   El paso siguiente le supuso un avance en el mundo del Jazz cuando se une al sexteto capitaneado por el pianista y batería George Russell.  Ya se sentía afianzado en el ambiente y formas jazzísticas pero la guinda del pastel, lo que supuso su confirmación, fue la actuación en el Festival de Jazz de Baden-Baden, en Alemania, en 1969, cuando formó parte de la banda liderada por el trompetista Lester Bowie.

De Rypdal 
hemos escogido El ángel azulBlue Angel, de su álbum de 1994, If Mountains Could Sing.



Como con Rypdal nos hemos situado en el ámbito del Jazz vamos a seguir porque, entre otras cosas, es un buen entorno, y seguimos con una dama, una señora del Jazz Vocal, Sara Vaughan.

Poseedora de una de las voces más maravillosas del siglo XX, Sarah Vaughan se ubicó junto a Ella Fitzgerald y Billie Holiday en el escalafón más alto de las cantantes de Jazz.   A menudo daba la impresión de que con su amplio rango, vibrato perfectamente controlado y amplias habilidades expresivas, podía hacer lo que quisiera con su voz.  El legado de Vaughan como intérprete y artista de grabación es muy difícil de igualar en el futuro.  


Del año 1956 data el álbum Sassy en el que la diva incluye su canción A Sinner Kissed An AngelUn pecador besó a un ángel.

  
Seguramente cuando sonaron The Rolling Stones y The Cult con sus respectivas canciones en las que hablan de ángeles de color negro pensabas que, inmediatamente, iba a entrar el tema más popular que habla de ángeles.  Pues no.  En aquel momento, no, ahora sí lo va a hacer porque nos vamos a quedar con un hombre cuya ambición por cantar ópera se vio frustrada por el hecho de haber nacido como un mulato pobre en Cuba a principios del siglo XX.  Lo sabes, la canción en cuestión no es otra sino Angelitos negros y ese mulato no es otro que Antonio Machín.



Antonio Machín
(1903-1977)



Antonio Machín rompió la barrera del color en una de las orquestas más características de Cuba, la Orquesta del Casino Nacional de La Habana, convirtiéndose en embajador musical en Estados Unidos y Europa.  Fue una figura fundamental en la historia de la música cubana que no siempre es recordada como tal.  Si bien es quizás el sonero más grande de la era anterior a la guerra, su producción registrada de este período es frustrantemente desigual.  Varios discos documentan la carrera de Machín entre 1929 y 1938, un período prolífico en el que pocas veces se igualó la soberbia calidad de sus mejores interpretaciones.  Machín también era por naturaleza un alma itinerante, lo que puede explicar su relativa oscuridad en la actualidad.  De La Habana se fue a Nueva York en 1930, de Nueva York a Londres y París en 1935 y, finalmente, de París a Madrid justo antes de la Segunda Guerra Mundial, donde residió hasta su muerte en 1977.  La característica más destacada de la vida temprana de Machín fue su ambición por cantar ópera (tenía registro de tenor) que se vio frustrada por el hecho de haber nacido como un mulato pobre en Cuba a principios del siglo XX.  En 1926 Machín llegó a La Habana desde Sagua La Grande, su ciudad natal en el norte de la isla, decidido a convertirse en cantor.  Pronto se convirtió en un vocalista destacado en el Casino Nacional de La Habana, el primer cantante de color en hacerlo.  En 1930 realizó una gira con la Orquesta del Casino Nacional a los Estados Unidos, donde el 26 de abril la orquesta actuó en el Palace Theatre de Nueva York.  Allí Machín cantó El Manisero (El vendedor de maní), que fue la primera canción cubana en convertirse en un éxito nacional en los Estados Unidos.  Igualmente significativo fue el hecho de que el público estadounidense escuchara por primera vez auténtica música cubana.  Machín y la Orquesta del Casino Nacional prepararon el escenario para la moda de la rumba estadounidense de los años 30.


Por supuesto, si estamos escuchando canciones sobre ángeles, sus Angelitos negros no podían faltar.  Aparecía por primera vez en el LP de 1957 titulado Un cubano en Madrid.

Sin darnos cuenta nos vamos situando en la recta final del programa.  Antes nos ubicamos en la esfera del mundo del Jazz con la guitarra de Terje Rypdal, en Noruega, y ahora volvemos a ese país con el vocalista de una de las bandas más interesantes de los últimos tiempos entre finales del siglo XX y principios del XXI, un cantante y compositor llamado y apellidado Sivert Höyem, voz de la banda Madrugada.



Sivert Höyem

De voz broncínea, este hombre alto y delgado que está al frente vocal de Madrugada posee una discografía en solitario muy interesante.


Höyem, en solitario, sonó en el Especial Discografía que le dedicamos a su grupo aquí en Cíclope 3.0 y hoy vuelve con una canción que hace referencia a esos seres alados que revolotean por esta edición.  Little Angel va incluida en el álbum Endless Love, quinto de su discografía y cuarto grabado en estudio.
Ahora sí nos ponemos en la recta final de esta edición de Cíclope 3.0 dedicada a canciones que hablan de ángeles.



Cinco y cuarto de la mañana, los ángeles se han ido, es una de las canciones que David Bowie componía para su álbum del año 2002 titulado Heathen.




En pleno siglo XXI esta nueva entrega del Duque Blanco marcó, de alguna manera, un nuevo comienzo para David Bowie.  En realidad no hay una nueva dirección musical.  Nos encontramos a un Bowie examinando los sonidos de su pasado, completamente a gusto con su legado, creando un álbum colorido y satisfactorio que se siente como un álbum clásico suyo, lo que no quiere decir que Heathen recuerde un álbum en particular o una época en concreto, pero sí hay un intento deliberado de recuperar la atmósfera, el tono de sus trabajos de los años 70.  Por esa razón es por la que busca la intervención de un viejo conocido de aquella época, el productor Tony Visconti que no solo produce a medias con el Duque Blanco el disco, sino que además toca la guitarra bajo, la guitarra eléctrica y realiza arreglos de cuerdas.  El binomio Bowie/Visconti no evita las instrumentaciones electrónicas o la producción moderna, en todo caso, lo aceptan, pero entretejiendo todo sutilmente en el sonido de Bowie, sin llamar la atención sobre los bucles de batería, los sintetizadores de guitarra y los centrifugados de electrónica.  Es un álbum que recoge versiones más que interesantes de Neil Young y de Pixies, con colaboraciones tan llamativas como las de Dave Grohl y Pete Townshend, ambos en las guitarras.

Una guitarra eléctrica nos sirve para seguir el rastro de la música hasta Varsovia, Polonia, donde suena una banda llamada Riverside.


Riverside es un proyecto fundado en la capital polaca en el año 2001 por el guitarrista Piotr Grudziński (en la foto anterior, primero por la izquierda) y el batería Piotr Kozieradzki (segundo por la derecha), a los que se unieron más tarde Jacek Melnicki y Mariusz Duda (segundo por la izquierda).  Melnicki dejó la banda poco antes del lanzamiento de su debut y fue reemplazado por el teclista Michał Łapaj (primero por la derecha).


Grudziński fallecía en 2016, lo que llevó a la banda a continuar como trío en el estudio y como cuarteto en vivo con el guitarrista Maciek Meller que más tarde, en 2020, se convertiría en miembro oficial.


Wasteland se publicaba dos años después de la muerte del guitarrista fundador de a banda, Piotr Grudziński.  No estaba muy claro quién iba a dirigir, a coordinar las ideas para que la banda continuara adelante y fue Mariusz Duda, guitarra y voz, el que se erigió como motor para seguir.  En el año 2018 aparecía ese Wasteland que incluye la canción Ángel guardian.

Terminamos hoy Cíclope 3.0 con una composición instrumental que habla de ángeles sin palabras.  Su autora es una compositora, intérprete de teclados que responde al nombre y apellido de Lyndsie Alguire.


Alguire es una artista residente en Montreal, Canadá, que trabaja las disciplinas de la música y la fotografía.  Utiliza piano, sintetizador, grabaciones de campo y voz, evocando en sus trabajos imágenes y texturas melancólicas.  De formación en piano clásico, pasó a estudiar ingeniería de audio y fotografía cinematográfica, integrando estos medios en su oficio.



Lyndsie Alguire
con otra presencia en una instantánea de su producción fotográfica





En 2022 publicaba …Like Butterfly Wings, el álbum que incluye Angels on the OutsideÁngeles en el exterior, el tema instrumental con el que cerramos este Cíclope 3.0 dedicado a esos seres que, a pesar de tener alas, no son pájaros, aunque vuelan.




Espero que te guste el programa.


Enlace:

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