miércoles, 31 de marzo de 2021

Cíclope 3.0 - 30-03-21


Ángeles Fumando


Cíclope 3.0 del martes 30 de marzo de este año 2021.  Antes de entrar a comentar el programa de hoy, ¿a qué te recuerda esa foto de cabecera, esos Ángeles Fumando?  



Efectívamente, a la ilustración de una carpeta de Black Sabbath, el LP Heaven and Hell de 1980, realizada por el diseñador norteamericano Lynn Curlee.






No sé si Curlee conocía la foto antigua.  Puede que sí porque las coincidencias son extraordinarias.  Sea como sea, se nos antojó utilizarla de cabecera que, por cierto, no sé a quién se debe la foto original, su autor o autora.

Anécdotas aparte entramos en la música que suena en la edición de Cíclope 3.0 de hoy que comienza con ímpetu y energía con una banda, un sexteto original de la capital de Finlandia, Helsinki, y que responden al nombre de Underwater Sleeping Society.



 
 

Capitaneados por Jussi Hietala (primero por la izquierda en la fila superior de la foto) se reunieron en 1999 y grabaron por primera vez en 2001.  Entre ese año y 2016 tienen en su haber seis discos.  El Cíclope rescata el álbum del año 2008, The Dead Vegas, y reseña dos temas: ese impetuoso Saw You At My Funeral con el que hemos comenzado y Body Blues.  De ellos hace cinco años que no se tiene noticia alguna, pero lo mismo un día de estos vuelven a la carga.




Del ayer más inmediato al hoy más actual con una banda muy apreciada por el Cíclope, los irlandeses God Is An Austronaut.




Irlanda se siente orgullosa de contribuir a la exportación del rock del siglo XXI teniendo a unos paisanos como ellos.  Dios es un Astronauta, la banda formada en 2002 por los hermanos gemelos Kinsella (las dos figuras del centro de la foto) , Torsten, guitarra eléctrica, voz y teclados, y Niels, guitarra bajo y guitarra eléctrica, sacaron el nombre del grupo de una cita de la película de 1990 Razas de Noche (Nightbreed) dirigida por Clive Barker.  El primer disco porque prometían, el segundo porque también era bueno, y así hasta el último, el que hace número 10 en su discografia, aparecido el 21 de febrero de este año en curso, escuchar a God is an Astronaut siempre es confortante.  El Cíclope extrae un par de canciones de Ghost Tapes # 10, su nuevo trabajo que recoge, una vez más, el buen hacer de estos irlandeses.





En la misma estantería donde se ponen los discos de God is an Astronaut también se pueden colocar la banda que suena a continuación, un grupo de nombre curioso: ...And You Will Know Us By The Trail Of Dead.


Una interesante y poderosa combinación de furia Punk y un Rock Progresivo ambicioso, eso puede definir el perfil de esta banda norteamericana original de Austin, Texas.  Un crítico de música les auguró un futuro nefasto con ese nombre porque de comercial no tenía, ni tiene, nada.  Pero es que los músicos del proyecto en cuestión no se plantearon nunca escalar los Hit-Parades porque la conciencia de la no comercialidad de su música era algo que ha tenido siempre claro, transparente y diáfano como la luz del día.  A veces, cuando comenzaron, se hacían llamar Trail of Dead, abreviando el nombre, o utilizaban el acrónimo AYWKUBTTOD, formado por la primera letra de cada palabra del nombre.  Pero les daba igual, qué demonios.  ¿Y el nombre, por cierto?  ¿De dónde lo habían sacado?  Ellos mismos contaron en una entrevista que lo habían tomado de un antiguo canto ritual maya que tiene un gran parecido con otro canto, también antiquísimo, un canto ritual de origen egipcio.  Es la típica respuesta cansada para una pregunta demasiado habitual, impostura que adopta el aburrimiento en las clásicas entrevistas de promoción.
El grupo vio la luz a finales del año 1994 con Jason Reece en las guitarras eléctricas, voz y batería y Conrad Keely, guitarras eléctricas, voz y batería.


Conrad Keely

 


















Jason Reece















Ambos se conocieron en Hawai y pasaron a establecerse durante meses en Olympia, Washington.  La empatía entre ambos fue tejiendo el tapiz sobre el que descansaban ideas para canciones, estructuras de sonido, y con el sueño en los ojos volvieron a su Austin natal, dispuestos a encontrar a quien estuviera en disposición de entrar a formar parte del proyecto.  Porque estaba claro que necesitaban la colaboración de otros músicos para poder concretar el trabajo.  Pasaron a ser un cuarteto que les permitió concentrarse a cada uno en su labor instrumental y a lo largo de los años finales del siglo pasado se mostraron como unos feroces iconoclastas, con actuaciones en vivo donde acababan destruyendo los instrumentos, pateando los amplificadores y retorciendo los micrófonos.  A medida que avanzaron los años fueron refinando gradualmente sus formas y estilo sin perder nada de su pasión musical.  Cerrando el siglo XX sus actuaciones en vivo se fueron traduciendo en unos manifiestos más controlados y pulidos, creando un espectro de Rock Alternativo de los más épicos de principios de la primera década del siglo XXI, una época en la que el Rock Épico no estaba precisamente de moda.  Grabaron por primera vez en 1997 y desde entonces todo lo que han hecho es, como mínimo, interesante.  A veces, en vivo, amplían la formación a quinteto.  O más miembros.


...And You Will Know Us By The Trail Of Dead
 sobre el escenario, en una de sus actuaciones


El año pasado, el 17 de enero, antes de la declaración de la pandemia de la COVID-19, lanzaban el álbum X: The Godless Void and Other Stories, un trabajo en el que nos vamos a detener para escuchar unas tres composiciones que, creo, merecen la pena.




En la recta final del programa de hoy rescatamos momentos de música sin palabras, música instrumental de la mano de un grupo que ha sonado en otras ocasiones y que tienen nuevo trabajo.  Desde Barcelona llegan los sonidos de Exxasens.





La idea de Exxasens se forma en la cabeza de Jordi Ruiz (en la foto anterior en el centro) allá por el año 2007.  Rock instrumental basado en el sonido de poderosas guitarras eléctricas.  Una de esas guitarras está en manos del fundador, que dirige el viaje sonoro de un proyecto que grabó por primera vez el año 2008 cuando se publica Polaris.  Este año 2021 la banda publica Polaris XXI que no es otra cosa que aquel primer álbum pero vuelto a grabar, a mezclar, para conseguir un resultado francamente brillante.  No es que hayan tomado el master original y lo hayan remasterizado, no, han vuelto a grabar los 10 temas originales para dotarlos de una amplitud de sonido, de una profundidad que no tenían entonces, a pesar de que sonaban muy bien.  Un par de cortes de esta nueva versión de Polaris debidamente rebautizada como Polaris XXI, en alusión al nuevo siglo y los nuevos tiempos.




El cierre final lo ponen unos paisanos de ...And You Will Know Us By The Trail Of Dead porque Explosions in the Sky también son de Austin, Texas.




Rock potente, sin palabras, instrumental es el que hace esta banda que han pasado otras veces por Cíclope 3.0 y que hoy suenan en la recuperación de un disco suyo del año 2016, su último álbum por el momento.  El título, The Wilderness y el tema Logic of a Dream.  Y con la lógica de un sueño el Cíclope se despide hasta la semana que viene.



 

Espero que te guste el programa.


Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-30-03-21




miércoles, 24 de marzo de 2021

Cíclope 3.0 - 23-03-21

 


Turning to Spring
- Robert y Shana Parkeharrison


Cíclope 3.0 del martes 23 de marzo de 2021.  Primer Cíclope de la Primavera, programa que hoy comienza rescatando la música de un grupo de corta, breve existencia y sin embargo de imborrable recuerdo: Redskins.



Redskins


Originales de la ciudad británica de York, Redskins fue una banda ubicada en los años 80.  Su característica radicaba en las letras de sus canciones, cargadas de contenido ideológico/político con fuertes críticas al sistema burgués y su música, con influencias que iban desde el soul al rockabilly pasando por el punk rock.  Tuvieron formato de trío capitaneado por la voz y guitarra de Chris Dean (primero por la izquierda en la foto superior), comentarista de la prestigiosa publicación New Musical Express, que asumía su labor en la banda bajo el alias de X. Moore.  Los otros dos miembros fueron Martin Hewes en la guitarra bajo y Nick King en la batería.  Se les unieron, tanto en el estudio de grabación como sobre el escenario en directo, una fluida sección de metales (trompetas, saxos) cuyos miembros más permanentes fueron Lloyd Dwyer y Steve NicolRedskins eran miembros del Partido Socialista de los Trabajadores y de la International Socialist Tendency, la IST, de tendencia trotskista no ortodoxa.  El primer single que publicaron, Lev Bronstein, estaba dedicado a la memoria de Trotsky y se publicó en 1982 a través del sello independiente británico CNT.  En 1984, en el Festival Jobs for a Change, fueron atacados por un grupo de neonazis que lo tenían entre sus objetivos ya que, al principio, cuando Redskins vivían en su York natal, formaron un grupo llamado No Swastikas mostrando una absoluta repugnancia por Hitler y compañía.  Tras ese incidente, el batería Nick King abandonó la banda y fue sustituido por Paul Hookham, que venía de haber estado en las filas de English Subtitles, Lemons o Woodentops.  Antes de que una discográfica potente como London Records les firmara un contrato publicaron un single más con el sello CNT, la canción Lean On Me que posteriormente aparecería en el primer y único álbum que grabó el trío, Neither Washington...Nor Moscow.


El disco aparecía en 1986, meses antes de que la banda se separase.  El título, Ni Washington ni Moscú, era un lema de la IST e incluiría el single Lean On Me retocado en su posproducción, con esos extraordinarios arreglos de metal y con el perfil de la música que hacía el trío.  El nombre del disco además era el subtítulo de cada una de las dos caras del LP: Cara A Neither Washington...; Cara B Nor MoscowUn par de temas es lo que recupera el Cíclope: The Power Is Yours y, cómo no, Lean On Me.


Mientras se iba haciendo el programa, escuchando las trompetas, los saxos que incluyen Redskins en ese Lean On Me, me acordé del elemento Saxofón entre los instrumentos que, cualquier grupo o solista de la década de los 80 que se preciara, incluían en sus composiciones.  Que el saxo ya se utilizó en el área del Rock en los 60 y en los 70 es una realidad pero con la sistematización que se produce en los 80, no.  Ejemplos hay para dar y regalar y volver a empezar.  Por poner un ejemplo, los siguientes invitados: Spear of Destiny.


Spear of Destiny oscilaron entre la formación de cuarteto, original, hasta convertirse en quinteto y vuelta de nuevo a cuarteto.  Al frente estaba Kirk Brandon (primero por la izquierda) voz, guitarra eléctrica, compositor que junto al guitarra bajo Stan Stammers (también rubio, en el centro) organizaron las cenizas de la banda Theatre of Hate para elaborar ideas que en aquel otro proyecto se habían quedado como simples demos 



Theatre of Hate
 Theatre of Hate intentaron hacer lo   que Spear of Destiny logró realizar:   una cierta épica musical no exenta de   grandilocuencia.

 Teatro del Odio tuvo una corta vida   entre 1980 y 1982.  Corta discografía   también a pesar de que en algunas   bases de datos aparecen discos de   ellos por un tubo que no son otra   cosa que recopilaciones de   grabaciones en vivo, algunas con un   sonido cercano a un bootleg casero, y   remezclas de temas de sus dos   primeros álbumes.

 




Westworld
- 1982 con producción de Mick Jones de The Clash


Una vez Theatre of Hate desaparece, inmediatamente los dos miembros Brandon y Stammers comienzan el proyecto Lanza del DestinoTeatro del Odio graban por última vez en 1982, en 1983 como si se tratara de la continuación aparece el primer álbum de Spear of Destiny.  Suenan de una forma tan semejante que parece un disco nuevo de aquellos, pero con un sonido más acabado, unas ideas más asentadas y, en definitiva, un perfil más hecho.

Se estrenan con un LP bautizado con un título de reminiscencias literario-cinematográficas: Grapes of Wrath, editado el 15 de abril de 1983.  Las uvas de la ira es el título de una novela de John Steinbeck publicada en 1939.  Un año más tarde, en 1940, John Ford la adaptaba a la gran pantalla siguiendo el guión de Nunnally Johnson basado en la obra.  Brandon, con una inclinación especial por lo grandilocuente, escogió el nombre de Spear of Destiny basándose en el hecho narrado en los Evangelios donde se cuenta cómo el centurión romano Longino atravesó el cuerpo de Jesucristo crucificado.  A esa lanza se la conoce como Lanza del Destino.

Sin embargo la música del grupo, las letras de sus canciones, no presentaban aspectos de carácter relioso.  Sí épicos.  The Wheel, uno de los dos temas que escoge el Cíclope, es lo que Theatre of Hate no llegaron a hacer en su corta existencia.  Spear of Destiny podría haber sido el epílogo de aquellos pero en realidad fueron una reencarnación surgida de cenizas haciendo más válido todo el proceso creativo.



  

Al año siguiente, en 1984, también en el mes de abril, aparecía el segundo LP de la banda, One Eye Jacks.


Al igual que en el anterior el sonido está cruzado constantemente por el saxofón, en este caso con dos músicos dedicados a los instrumentos de viento y metal: Mickey Donnelly y Neil Pyzer.  Ambos consiguen resaltar la melancolía de un tema como These Days Are Gone, el segundo que escoge el Cíclope recuperando algunos aspectos de las vibraciones de los años 80 para pasar ahora a la música hecha hoy, en el año 2021, con una interesante, muy interesante banda alemana: The Notwist.



The Notwist


Ahora mismo son un trío pero llegaron a estar juntos hasta seis miembros oscilando después entre cuatro o cinco.  Es un proyecto dirigido por dos hermanos, Markus y Micha Acher (en primer plano y de izquierda a derecha).  Se criaron en una familia de músicos en la pequeña ciudad  de Weilheim, cerca de Munich, en Alemania.  El padre era un multinstrumentista cuyo sueño era tener una banda de Dixieland con sus hijos por lo que se preocupó que los niños aprendieran música desde muy pequeños.  Recibieron clases de flauta dulce, la dominaron con soltura en muy poco tiempo y el padre consideró que era el momento idóneo para que cambiaran el objeto de sus estudios y pasaran a otros instrumentos.  Micha pasó a tocar la trompeta y Markus la batería.  Tocaron con su progenitor en la formación Dixie Stompers de Nueva Orleans; también participaron en otros proyectos de perfil jazzístico pero los hermanos Acher se sentían encasillados, momificados hasta que descubrieron las formas del Rock Underground estadounidense como Dinosaur Jr., Minor Threat o Jerry's Kids.  Comenzaron como Notwist a mediados de la década de los 80 y en 1989 graban como tales por primera vez.  En quel tiempo la música que hacían era una mezcla poderosa de rock fuerte: grunge, post-hardcore...  Un año después, en 1990, comienzan a mostrar una tendencia por la evolución, por los cambios, con Micha en la guitarra bajo y su hermano mayor, Markus, en la voz y guitarra eléctrica.  Se estructuran como trío con la adición de un músico amigo, Martin Messerschmid, a la batería.  Como están en una búsqueda continua y constante de un sonido que cambia también cambian los miembros para pasar de trío a cuarteto, de cuarteto a quinteto y de quinteto a sexteto para de nuevo quedar como trío.  Depende de lo que hagan, depende del material que compongan.

Desde 1989 a nuestros días han publicado unos 12 discos, el último aparecía el 29 de enero de este año en curso con el título Vertigo Days, un trabajo más que interesante del que vamos a escuchar unos tres temas.



Es un disco realizado con algunas colaboraciones que merecen la pena reseñar.  Comenzamos con Into the Ice Age con la participación de una clarinetista llamada Angel Bat Dawid.







Angel Bat Dawid

Angel Bat Dawid, nacida como Angel Elmore, es compositora, clarinetista   y  pianista, dotada de una extraordinaria capacidad  creativa para la improvisación.

Originaria de Kenia, hija de misioneros cristianos, vivió los primeros cuatro años de su vida en su país natal para trasladarse, posteriormente con cinco, a Estados Unidos, en concreto a la ciudad de Chicago.  Fue iniciada a la música por su padre y su madre cuyos antecedentes y gustos musicales tenían sus raíces en el Funk, el Jazz, la Música Clásica y los grandes musicales de Broadway.  Con cinco años su padre la llevó una tarde al cine a ver la película Amadeus de Milos Forman.  La niña se quedó tan impresionada por la música de Mozart y por el violín que pidió aprender a tocarlo en la Orquesta de la escuela.  Pero en vez de entregarle un violín el primer día de clase le dieron un clarinete.  La criatura se quedó tan estupefacta como si, ante un plato de sopa hubiera pedido una cuchara y en su lugar le hubiesen dado un tenedor.  En aquellos días, los únicos discos que había en casa de sus padres que tuvieran al clarinete como protagonista eran los discos de un tal Benny Goodman...el clarinete no le sedujo nada, absolutamente nada.  Comenzó, a trancas y barrancas, el aprendizaje del instrumento y en pleno estudio se le cruzó en el camino el Concierto para clarinete y Orquesta en La mayor de su admirado Mozart y eso fue una epifanía que estructuró su camino.




Al mundo del Jazz y la música improvisada llegó hace unos años.  No es habitual que aparezca una mujer que toque el clarinete y esa extrañeza la vivió en primera persona cuando tenía que demostrar que, a pesar de ser una flor rara, era cierto: mujer, negra, toca el clarinete.  A veces tenía que insistir para ser escuchada, otras era directamente aceptada como fueron los casos de músicos de primera línea de vanguardia jazzística en Chicago como Damon Locks, Jaimie Branch, Matthew Lux o Ben Lamar Gay.  En muy poco tiempo, la potencia, destreza, espíritu y carisma de su proselitismo musical ha llevado a 
Angel Bat Dawid de ser una improvisadora relativamente desconocida a intérprete ubicua en la vanguardia de Chicago.  Se estrenó discográficamente hablando en el año 2019 con un álbum, The Oracle, realizado íntegramente por ella: sobregrabando y mezclando todos los instrumentos, grabando su voz sólo a través del teléfono móvil en diferentes lugares.

El año pasado, 2020, aparecía LIVE, un disco firmado por ella y Tha Brothahood, escrito tal y como se pronuncia, grabado en vivo y del que el Cíclope extrae un tema, London.



Volvemos a Vertigo Days, el disco de The Notwist firmado este año de 2021.  El grupo se merece un Especial, o dos, en el programa.  No el Especial Discografía sino algo más inmediato, uno o dos espacios dedicados a picotear desde el primer álbum al último para que te puedas hacer una idea de cómo han ido cambiando las estructuras musicales del grupo.  Lo haremos, sin lugar a dudas, por ahora recuperamos su último trabajo que tiene canciones tan atractivas como la que suena a continuación: Exit Strategy to Myself.

Otro de los temas que tiene colaboración de un invitado es Al Sur.  En este caso es otra invitada, Juana Molina.


Juana Molina es una compositora, intérprete y actriz argentina, de Buenos Aires, hija del fallecido cantante de tangos y boleros Horacio Molina y de la arquitecta, actriz y modelo Chunchuna Villafañe.  Su discografía arranca en el año 1996 y por cuestiones de tiempo no podemos escuchar qué hace en solitario.  Digo lo del tiempo porque he preferido terminar el espacio de hoy con el proyecto paralelo a Notwist que tienen los hermanos Acher.  Otro día escucharemos la música de esta argentina ubicada en un género que han dado en llamar folktronica, neofolk o folkexperimental (¿?)  Por ahora, pra cerrar, lo hacemos con Tied + Ticlked Trio.



Tied + Ticlked Trio
 (los hermanos Acher en la esquina inferior derecha)


Tied and Tickled es una técnica sexual japonesa.  Consiste en atar a una persona y hacerle cosquillas mientras se le realizan una serie de preguntas que pueden ir desde qué ha hecho últimamente en su trabajo a solicitar el recorrido que hay entre dos puntos de la ciudad, la distancia con la playa más cercana...siempre con sentido del humor, sin intenciones sado-masoquistas.  Ese concepto tan curioso y extraño es el que les sirvió a los hermanos Acher para bautizar el proyecto Tied + Tickled Trio a finales de la década de los 90 del siglo pasado.  No es que dejaran Notwist para embarcarse en otra aventura sino que formaron este proyecto paralelo para darle salida a una serie de ideas que estaban conectadas con sus principios como músicos, el Jazz que aprendieron de su padre pero tratado de otra forma porque el objetivo del grupo, que en verdad no es un trío sino un sexteto, es fusionar elementos de la música electrónica con los aspectos más familiares y tradicionales del Jazz contemporáneo.

Comienzan como dúo, con Markus tocando la batería, teclados y programación y Micha en la trompeta, trombón, teclados, órgano y contrabajo.  Aún siendo un dúo, se bautizan como trío y amplían la nómina de miembros hasta formar un sexteto con músicos paisanos de la ciudad de Weilheim: Johannes Enders, saxo tenor, flauta y teclados, Ulrich Wangenheim saxo tenor, clarinete bajo y flauta, Andreas Gerth teclados y diversos instrumentos electrónicos y Christoph Brander batería y sampler.  Todos participaron en el debut discográfico de la banda, un álbum de título homónimo aparecido en 1998.

Sobre el papel, cualquier intento de vincular el Jazz de la vieja escuela con rastros de electrónica burbujeante podría parecer algo trillado, algo ya hecho que sonaría a repetido, sin embargo Tied + Ticlked Trio logran llevarlo a cabo admirablemente.  En otras manos este proyecto podría resultar manido pero la clave aquí es la sutileza y el espacio que prosperan en el contexto de su entorno abierto y sin prisas.  Para cerrar Cíclope 3.0 de hoy suenan dos temas hecho uno: Motorik y Ship Monk, de su álbum Observing Systems del año 2003.



 

Espero que te guste el programa.


Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-23-03-21



jueves, 18 de marzo de 2021

Cíclope 3.0 - 16-03-21

 



Cíclope 3.0 del martes 16 de marzo.  Hace tiempo, el último martes del mes de octubre del año 2014, Cíclope 3.0 estuvo dedicado a Australia.  En alguna otra ocasión salió un programa australiano, sin intención de dedicar el espacio al país de los canguros, sino por casualidad, porque la selección tenía la misma nacionalidad como  denominador común.  El programa de hoy vuelve a recalar en el continente australiano aunque, desde un punto de vista geológico, Australia no constituya un continente.  Sea como sea, partiendo de un disco de una banda australiana nos vamos a enredar en las ramas de colaboraciones de músicos aborígenes.  El Cíclope ha realizado una labor detectivesca investigando el contenido de los créditos del disco The Makarrata Project de Midnight Oil.



 


Midnight Oil


19 años después de haber editado Capricornia, lo último que grabó el grupo antes de disolverse, aparece The Makarrata Project, un MiniLP que se va forjando a mediados de la década de los 10 de este siglo XXI.  

Makarrata, en Yolngu, el idioma aborigen australiano, es un término filosófico que esencialmente describe la unión para encontrar la paz y hacer justicia después de un conflicto.  La palabra se abrió camino en el léxico australiano en 2017 como parte de la Uluru Statement of the Heart, un documento publicado por los delegados de la Convención Constitucional Nacional de las Primeras Naciones que pedía una Comisión Makarrata.  El contenido de las letras de las canciones se centra en la difícil situación de los Primeros Pueblos australianos, en los problemas indígenas y las relaciones de los hombres blancos con los aborígenes desde varios ángulos.

Inspirándose en el texto de Uluru Statement of the Heart, una declaración entre el gobierno australiano y los pueblos aborígenes e isleños del Estrecho de Torres para supervisar la toma de acuerdos y las decisiones futuras, el MiniLP de siete canciones The Makarrata Project vio la luz el 30 de octubre del año 2020, cuando algunos de los músicos que hicieron posible el disco ya habían fallecido o lo harían poco después de la publicación del mismo como es el caso de Bones Hillman, guitarra bajo y voz del grupo que murió el 7 de noviembre de ese año a la edad de 62 años, víctima de un cáncer.

El disco posee un espíritu altamente colaborativo donde músicos indígenas australianos intervienen en un material completamente nuevo.  No nos da tiempo para escuchar los siete cortes al completo pero al menos unos tres temas nos servirán para tomarle el pulso a un trabajo del que sacaremos la labor de algunos músicos que intervienen, de ahí la labor detectivesca del Cíclope.

La canción First Nation, que abre el trabajo, presenta a la banda Midnight Oil arropando la intervención de dos figuras de la música australiana, la cantante de música Pop Jessica Mauboy, oriunda de la ciudad de Darwin, capital de Territorio del Norte, y el músico rapero Tasman Keith, oriundo de Bowraville, una ciudd de Nueva Gales del Sur y perteneciente a la etnia de Gumbaynggirr.



Jessica Mauboy

   















Tasman Keith











Nos quedamos ahora con otro de los temas del disco The Makarrata Project, el que tiene la colaboración del tándem Dan Sultan y una figura importante en el mundo de los músicos aborígenes, Gurrumul Yunupingu.


Dan Sultan, cantante de perfil soulero, nació en 1983 y se crio en la ciudad de Melbourne.  Hijo de padre irlandés y madre aborigen australiana de los pueblos Arrernte y Gurindji.  Guitarrista, compositor e intérprete de rock alternativo, a pesar de su juventud  lleva ya unos siete álbumes grabados desde principios de este siglo XXI, en concreto desde 2006.  Comparte la canción Change the Date con un músico aborigen muy interesante, Gurrumul Yunupingu.



Gurrumul Yunupingu


Geoffrey Gurrumul Yunupingu fue un músico aborigen australiano que cantaba principalmente en el idioma yolngu.  Nació en 1971 en Galiwin'ku, Elcho Island, en la costa de la Tierra de Arnhem, al norte de Australia.  Pertenecía al clan Gumatj, su madre era de la nación Galpu.  
Yunupingu nació ciego, nunca aprendió braille, no tuvo un perro guía ni usó un bastón blanco.  Tocaba la batería, los teclados, la guitarra acústica y eléctrica y el didyeridú, un instrumento de viento del que más adelante te contaré algunas peculiaridades.  Yunupingu hablaba un inglés muy escueto, apenas un puñado de palabras.  Fallecía con 46 años el 25 de julio de 2017 en el pueblo de Tiwi, en la ciudad de Darwin, Territorio del Norte.  El tema que interpreta junto a Dan Sultan y que aparece entre las composiciones que forman The Makarrata Project está grabado obviamente antes de su muerte y es una muestra de cómo el trabajo que publican Midnight Oil se fue haciendo a lo largo de años hasta cristalizar en el año de su publicación, 2020.  Entre los discos que nos ha dejado Gurrumul Yunupingu está Rrakala, de 2011, del que el Cíclope extrae un tema, Baru, cantado en yolngu.



  

Antes de seguir con el MiniLP The Makarrata Project explicar un poco qué es ese instrumento de viento de los aborígenes australianos que se llama didyeridú.



El término didyeridú no es de procedencia aborigen, es la adaptación al español de la palabra inglesa didgeridoo que es como denominaron los británicos en sus primeras incursiones en el país como onomatopeya de su sonido.  En muchos idiomas aborígenes se utiliza otras palabras para designar el instrumento como por ejemplo yidaki, eboro o maluk.  El didyeridú es un instrumento de viento perteneciente a la familia de las trompetas.  Básicamente es un tubo de madera que se hace sonar al hacer vibrar los labios en el interior.  El árbol del que normalmente se construye es un yidaki, un tipo de eucalipto agujereado de forma natural por las termitas, que se comen la parte central del tronco.  La antigüedad del didyeridú se remonta en los tiempos al aparecer en algunas pinturas rupestres.  Los propios aborígenes lo sitúan entre 20.000 y 40.000 años de antigüedad.




Volvemos al Proyecto Makarrata, el trabajo que vuelve a reunir a Midnight Oil.  Habían grabado por última vez en el año 2001 y en 2002, debido a las ocupaciones en el campo de la política de Peter Garrett, el vocalista de la banda, que no puede cubrir además de las grabaciones, fundamentalmente, todo lo que supone salir de gira internacional, el grupo decide separarse...por lo menos, por el momento.


Peter Garrett, el vocalista de Midnight Oil, aunque pretenda pasar desapercibido es imposible.  Su altura de dos metros y medio y su cabeza permanentemente rapada llaman la atención.  Desde el año 2004 ha sido miembro del Partido Laborista de la Cámara de Representantes australiana para la sede de Kingsford Smith, Nueva Gales del Sur.  Tras la victoria del Partido Laborista en las elecciones de noviembre de 2007, Garrett fue nombrado Ministro de Medio Ambiente, Patrimonio y las Artes por el Primer Ministro Kevin Rudd.  De hecho ya había sido nombrado en el año 2003 miembro de la Orden de Australia por su contribución a la defensa del medio ambiente y su dedicación a la defensa de la música australiana, desde las muestras aborígenes a la actualidad.

El resto de Midnight Oil no se quedó ocioso: formaron un nuevo proyecto, Ghostwriters, capitaneado por Rob Hirst, batería, y Rick Grossman, guitarra bajo de los también australianos Hoodoo GurusHirst también estuvo interviniendo en grabaciones de Peter Green, además de hacer unos cuantos discos en solitario.

Al final de todo ese arco de tiempo, comenzando la década de los años 10 de este siglo, Midnight Oil vuelven a la carga, de forma discreta, sin mucha alharaca, y preparando la cristalización de ideas como el MiniLP que hoy nos ocupa.  Volvemos al Proyecto Makarrata y a otro de los temas compuestos por la banda con la intervención de dos invitados de lujo, dos aborígenes: Kev Carmody y Sammy Butcher.  Ambos interpretan Wind in my Head.  Cada uno, por separado, tiene su historia.



Kev Carmody


Kevin Daniel Carmody nacía en 1946 en Cairns, al norte de Queensland.  Pertenece al pueblo de los Murri y es la voz, la realidad de los aborígenes australianos al recoger en las letras de sus canciones las luchas que han mantenido con la sociedad moderna.  Su padre fue un descendiente de irlandeses de segunda generación y su madre una australiana indígena.  Trabajaban como pastores, moviendo rebaños a lo largo de rutas ganaderas.  Cuando contaba 10 años de edad, Carmody y su hermano, tres años menor, fueron separados de sus padres bajo la política de asimilación como parte del programa de la Junta de Protección Aborigen y él y su hermano se criaron en una familia blanca y enviados a una escuela católica en Toowoomba.  Aunque Carmody tenía la intención de fortalecer sus posibilidades de ser asimilado a la corriente principal australiana, no tuvo más remedio que enfrentar lo real: la discriminación contra los aborígenes y la hipocresía de la Iglesia Católica.  Hechos así alimentarían el contenido de las letras de sus canciones recogiendo una realidad de la que nadie antes había hablado.  Australia es un país con unas distancias considerables por lo que asistir, por ejemplo, a la escuela para recibir la educación básica puede convertirse en una aventura de espacio y tiempo.  Después de recibir una educación escolar a medias volvió a sus raíces rurales, trabajando durante diecisiete años como jornalero en el campo y como esquilador de ovejas, apelmazando y prensando bolsas de lana.
En 1978, con 33 años, divorciado y con tres hijos, Carmody se matriculó en la Universidad Darling Downs Institute of Advanced Education.  Sabía leer y escribir, pero debido a su escolaridad limitada, sus habilidades de lectura y escritura no estaban a la altura de los niveles universitarios requeridos.  Sin dudar ni un ápice le sugirió al tutor de estudios que, hasta que su escritura fuera adecuada, presentaría sus trabajos como si se tratasen de exámenes orales en un formato musical acompañándose con su guitarra.  Esto era una forma de enfocar la situación absolutamente novedosa en los esquemas universitarios pero no exenta de validez porque estaba en línea con la tradición indígena de la historia oral.  De esa tradición se alimentó la base del conocimiento de Carmody, de datos y hechos que no se podían encontrar en los libros de Historia de la biblioteca pero reales.  Y así llegó a completar su licenciatura en Arte, logrando además estudios de posgrado y un Diploma de Educación en la Universidad de Queensland, comenzando, para finalizar su proceso académico, un doctorado en Historia.
Mientras estuvo en la Universidad había utilizado la música como un medio para implementar la historia oral en las materias académicas y eso le llevó a su posterior carrera como músico.  Su primer disco, Pillars of Society, data de 1988.  El Cíclope recupera uno de los temas más populares de su discografía, From Little Things Big Things Grow, que habla sobre la lucha por los derechos territoriales del pueblo Gurindji del Territorio del Norte.  La canción está incluida en su álbum de 1993 Bloodlines.





La colaboración de Kev Carmody en el MiniLP de Midnight Oil está hecha a medias con otro músico australiano indígena, Sammy Butcher.



Sammy Butcher


Nacido en Papunya, Territorio del Norte, Sammy Butcher es conocido por ser uno de los mejores guitarristas de Australia Central y por ser miembro cofundador de Warumpi Band junto a su hermano Gordon, Neil Murray y George Burarrwanga.  Sus raíces no pueden ser más genuinas: su padre era originario de Walpiri de Pikilyi, cerca de Yinjirrimardi; su madre del sur, de la tribu Pitjantjatjara.  
Butcher publicó un álbum en 2004, Desert Surf Guitar, bajo el patrocinio de CAAMA, iniciales correspondientes a la Asociación de Medios Aborígenes de Australia Central, organización fundada en 1980 para exponer la música y la cultura aborigen al resto de Australia.  El título Desert Surf Guitar se inspira  en las colinas de arena que rodean Papunya.  Ha sido imposible encontrar el disco, sin embargo sí podemos escuchar la guitarra y la voz de Sammy Butcher en un álbum grabado a medias con su amigo y compañero de aventuras musicales Neil Murray, un disco aparecido en 2019 que lleva por título Tjungu y del que escuchamos un par de temas donde canta y toca, y qué bien, la guitarra.  Para compensar la ausencia del otro disco.





Dos viejos amigos cantando y tocando juntos la guitarra, eso es el resultado del álbum firmado a medias entre Sammy Butcher y Neil Murray.
Murray fue cofundador de Warumpi Band pero, además de eso, ¿quién es este hombre?  Si buscas en Google te van a aparecer muchos Neils Murrays, todos relacionados con diferentes profesiones: ginecólogos, dentistas, directivos de empresas dedicadas al comercio internacional de calamares en lata...  Si agudizas más la búsqueda te encuentras con que la famosa escritora J. K. Rowling está casada con Neil Murray pero este hombre no está relacionado con la música y menos aún es aborigen australiano.  Encontrarás, por fin, el nombre y apellido de dos músicos que se llaman exactamente igual y que comparten la misma profesión pero sólo uno de los dos es el hombre al que buscamos.


El primero con el que se topa uno en el buscador es con el músico de la foto a la derecha: se llama y apellida Neil Murray, nacido el 27 de agosto de 1950 en Edimburgo, Escocia, comenzó tocando la batería para después centrarse en la guitarra bajo para tocar, entre otros grupos y proyectos, con Whitesnake, Black Sabbath, Brian May, Cozy Powell...  En algunas bases de datos de música en Internet aparece como miembro de 
Warumpi Band lo cual es un error porque el Neil Murray de la Warumpi Band es otro, precisamente nuestro hombre, el que buscábamos.



Neil James Murray, más conocido por su primer nombre y apellido, es un músico australiano, nacido en Ararat, Victoria, Australia, en 1956.  Es de la zona de Papunya, Territorio del Norte, luego es paisano de Sammy Butcher.  
Murray es músico, cantautor, guitarrista, escritor y maestro de escuela.  Trabaja como músico tanto en solitario como acompañado por una banda que responde al nombre de The Rainmakers.

Hago un alto en los comentarios sobre la música que escuchamos en el programa de hoy para hacer una recomendación de lectura, un libro relacionado con Australia y con las distancias entre ciudades y pueblos.  No tiene que ver con los aborígenes pero sí con lo que supone moverse, trasladarse, vivir en Australia.



Al señalar que
Neil Murray es escritor y maestro de escuela me he acordado del escritor y periodista, nacido en Lakemba, Australia, Kenneth Cook, que escribió esta interesantísima novela, Pánico al amanecer (Wake in Fright) de 1961, que 50 años después de su primera publicación sigue reeditándose como es el caso de la versión española editada en octubre de 2020 traducida por Pedro Donoso en la colección Al Margen de Sajalín Editores con un prólogo magnífico de Kiko Amat.  Narra cómo se le llega a complicar la vida a un maestro de escuela que, al terminar las clases un viernes, se dispone a tomar unos días de vacaciones aprovechando un puente de unos cuatro días.  Para llegar a su casa tiene que tomar un tren que sale los viernes y que no puede perder porque el próximo sale el miércoles de la semana siguiente lo que conllevaría que perdiese los días de asueto.  Un viaje que dura unas siete horas.  Cualquier cosa menos quedarse estancado en un pueblo perdido en medio del desierto.  Y sí, no podrá viajar porque se queda sin un céntimo después de perder en una partida de juego de azar.  Y la vida se le complica de forma contundente.  Te recomiendo su lectura.



Kenneth Cook
(1929-1987)


   
En la recta final de la edición de Cíclope 3.0 de hoy, terminamos con esa banda citada en unas cuantas ocasiones más arriba, Warumpi Band.



Warumpi Band

 
Formada en 1980, Warumpi Band fue una banda aborigen australiana que vio la luz en Papunya, Territorio del Norte, cosa que no es de extrañar porque sus miembros eran originarios de esa zona.  Comienzan como un cuarteto integrado por Sammy Butcher, guitarra eléctrica y guitarra bajo, su hermano Gordon Butcher a la batería, Neil Murray en la guitarra rítmica y coros y el cuñado de Sammy Butcher, George Burarrwanga, encargado de la parte vocal y de soplar en el didyeridú. Este último fallecía el 10 de junio de 2007 víctima de un cáncer de pulmón.
La palabra Warumpi deriva del dialecto Luritja del grupo aborigen del mismo nombre del Territorio del Norte y hace alusión al sitio donde duermen y sueñan las hormigas melíferas.

Las hormigas melíferas o mielera es una especie autóctona de los desiertos de Australia, África y América del Norte.  El nombre se debe a su alimentación basada en néctar y fluidos vegetales dulces.  Cuando llenan su abdomen se asemejan a una uva de tamaño pequeño.  Mientras que las hormigas obreras reúnen alimentos y trabajan en la colonia, las melíferas destinadas como reservas, después de alimentarse, reposan dentro del hormiguero guardando nutrientes dentro de sus abdómenes enormes.  Cuando las obreras vuelven a la colonia y hay escasez de alimentos las hormigas melíferas regurgitan su comida almacenada para alimentar al resto del hormiguero.  Mientras todo eso ocurre, las melíferas esperan colgadas del techo, durmiendo y soñando.
Una vez ubicado el significado del significante warumpi, continuamos con la banda que utilizan la palabra para bautizarse como colectivo.
A lo largo de los años, los integrantes de Warumpi Band se vieron ampliados por colaboraciones esporádicas como por ejemplo la de Gurrumul Yunupingu.  
El grupo comenzó tocando versiones de los temas estándar del Rock 'N' Roll y realizó una gira por todo el Territorio del Norte.  En 1983 participaron en el Aboriginal Country Music Festival donde fueron votados como la Mejor Banda.  Ya interpretaban material compuesto por ellos.  Precisamente en 1983, en el mes de octubre, lanzaron un single tarjeta de presentación de la música que hacía el grupo y el tema escogido fue Jailanguru Pakarnu que presentaba como principal peculiaridad el estar cantado en el dialecto Luritja.  Fue la primera canción con estructura Rock que usaba un idioma aborigen para cantar.  Despertaron el interés de los medios de comunicación y la banda viajó a Melbourne y Sydney tanto para dar conciertos en vivo como para realizar apariciones en Radio y Televisión.  Llegaron a estar de gira como teloneros de Midnight Oil y grabaron a través del sello discográfico que había creado el proyecto de Peter Garrett.  
Cerramos con tres canciones de Warumpi Band, con su primer single, de 1983, Jailanguru Pakarnu, traducido al inglés como Out from Jail, que se incluiría el álbum Go Bush! de 1987, y dos cortes del disco de 2004 titulado Too Much Humbug.



 






  






 














Espero que te guste el programa.  Hasta la semana que viene.


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