jueves, 26 de septiembre de 2024

Cíclope 3.0 - 24-09-24 - Especial Siouxsie and The Banshees # 1


Susan Janet Ballion más conocida como
Siouxsie Sioux

Cíclope 3.0 del martes 24 de septiembre de 2024.  Último martes de mes y este día comenzamos un nuevo Especial Discografía en Cíclope 3.0

En el mes de junio cerrábamos el Especial Joe Jackson.  Tendríamos que haber comenzado un nuevo Especial en julio, pero hacer la primera entrega para marcharnos de vacaciones en agosto y continuar con la segunda entrega en septiembre...no nos gustaba la idea.  Mejor dejarlo para la nueva temporada, para septiembre, y así el último martes del mes empezar una nueva entrega del esquema Especial Discografía.  Y eso es lo que hemos hecho.  El martes 24 levantamos la estructura gótica necesaria para que la suprema sacerdotisa del Rock Gótico, Siouxsie Sioux, desarrolle todos los cambios posibles junto a su banda, The Banshees.  Estamos dispuestos a compartir contigo la discografía completa del grupo y hoy nos vamos a ocupar de sus dos primeros LPs, previamente vamos a ir situándonos en el Tiempo.

A pesar de sus numerosos cambios de formación y cambios de textura, Siouxsie and the Banshees fue una de las bandas más longevas que surgió de la comunidad Punk de Londres a finales de la década de los años 70.  A lo largo de una labor musical que duró dos décadas, evolucionaron de una banda de Punk artístico primitivo y abrasivo a una unidad elegante y sofisticada.  El proyecto del grupo surge en el Bromley Contingent, un grupo notorio de fanáticos rabiosos de los Sex Pistols.  Deben su nombre a Bromley, un suburbio de Londres ubicado en el Condado de Kent, donde vivían muchos de los que llegarían a estar dentro del movimiento Punk británico.  De hecho sería el pilar en lo que respecta al desarrollo de la corriente punk en el Reino Unido y sus posteriores transformaciones en ámbitos no solo musicales, sino también estéticos y visuales.

La formación inicial de los Banshees comienza en 1976 con Siouxsie Sioux al frente vocal




Steven John Bailey, conocido como Steven Severin, guitarra bajo



Marco Pirroni en la guitarra



John Simon Ritchie, que poco después asumió el nombre artístico de Sid Vicious, en la batería



El año de creación del proyecto fue 1976, el mes y el día del bautizo, 20 de septiembre, el primero de los dos días que duró el Punk Festival, celebrado en el Club 100 de Londres.  Tocaron junto a Sex Pistols.  La actuación de la banda de Siouxsie, completamente improvisada, consistió en una interpretación salvaje de 20 minutos de la oración Padre Nuestro, The Lord's Prayer, que aparecería en el segundo LP de la banda, Join Hands, de1979.
Una vez pasada la ceremonia de bautizo, Siouxsie and the Banshees se reforma: el batería John Simon Ritchie pasó a tocar la guitarra bajo en Sex Pistols y ya no dejaría de llamarse Sid ViciousMarco Pirroni no dejó la guitarra pero ya no seguiría tocándola en The Banshees sino que entraría a formar parte de Adam and the Ants.  Tan solo quedaron Siouxsie Sioux en la parte vocal y Steven Severin en la guitarra bajo.  Los nuevos miembros serían John McKay en la guitarra


y Kenny Morris en la batería


Sería una formación con visos de durar, por lo menos, un par de años.  

El 18 de agosto de 1978 aparecía el primer single de la banda 
Siouxsie and the Banshees con el título Hong Kong Garden.  Iba incluido en lo que sería su primer larga duración, The Scream, que se publicaba el 13 de noviembre de ese año de 1978.



Fue un debut discográfico bastante bueno.  The Scream fue acogido por una audiencia que recibió el caleidoscopio de sonido del grupo como una deseada y esperada lluvia en una pertinaz sequía, porque fueron años donde lo distinto, lo diferente, agarraba como una planta deseosa de florecer.  El instrumento que dirige las composiciones es la guitarra eléctrica en manos de John McKay, saxofonista ocasional.  El espectro del sonido del grupo oscila entre los picos de la guitarra metalizada, oscura, y la batería, que incide aunque no desarrolla un cierto tribalismo.  Lo de música tribal vendría después, cuando los timbales de base de la batería reuniesen vibraciones más marcadas.  Pero eso será después.  Siouxsie canta e interpreta con una voz distintiva y dominante.  Comenzaba, en este disco, a contar historias y a trenzar meditaciones líricas sobre vidas y situaciones fracturadas con las que ganó una atención bien merecida a lo largo de los años.  Esta primera entrega de la labor musical de la banda recogía algo que fue constante en su discografía: los singles.  Auténtica pesadilla para los coleccionistas, los sencillos que se publicaron, los Singles, fue una auténtica prueba de paciencia para quienes intentaban conseguirlos porque las ediciones variaban según el país.  Un ejemplo de esto fue el sencillo Metal Postcard

Se publicó en Alemania primero, por lo cual  Metal Postcard aparecía con el título en alemán Mittageisen.  Meses después lo haría en Inglaterra y otros países europeos.  El mercado americano es otra historia.
En la cara B del sencillo, copia alemana, inglesa o transilvana, aparecía el tema no incluido en ningún LP, Love In A Void.

Otras de las canciones que ocuparían formato de Single fue The Staircase (Mystery).  El tema de la variedad y dispersión de los Singles llevó a la discográfica de la banda a publicar, con el paso de los años, un par de álbumes recopilación de sencillos.  Y aún y así, se quedaron fuera un montón de composiciones, sin olvidar las caras B de esos sencillos, ocupadas habitualmente por temas que no han aparecido en formato larga duración nunca.  Cierto que solían ser temas de relleno, pero hubo algún caso que en verdad merecía la pena recuperar algún que otro corte.
Las canciones de The Scream están escritas por los cuatro miembros de la banda o por dos, o por tres.  Siouxsie se encarga en cuatro ocasiones de escribir las letras.  Son todos temas originales, excepto una versión, Helter Skelter, de los Beatles.  La producción del álbum cuenta con la colaboración del grupo, pero principalmente está dirigida por un hombre fundamental en la música de finales de los 70 y principios de los 80, Steve Lillywhite.
Llegamos a 1979, al 7 de septiembre, fecha de la publicación del segundo LP de nuestros protagonistas con el título Join Hands.



Idéntica formación que en el álbum anterior para un trabajo en el que el perfil de música tribal adquiere cuerpo a través de la percusión del batería Kenny Morris.  Un álbum relativamente más oscuro que el anterior pero que adquiere sentido a medida que la banda siguió creando.  Pero en el momento de ver la luz, el LP no fue tan bien acogido como su antecesor, el disco de debut que fue recibido con los brazos abiertos.  Este, no.  La acogida fue fría por parte de algunos sectores de la audiencia que, imagino, esperaba una prolongación del primer disco, o una revisitación del mismo.  Probablemente lo más acertado fuese que Siouxsie y compañía se encogieran de hombros si a alguien no le había guastado.  Lo que tenían que hacer era continuar por el camino que habían comenzado a trazar y así ver, con perspectiva, a qué Destino tenían que llegar.  De hecho, el Tiempo les dio la razón aunque, como es habitual, todo el mundo no quedó contento.  De la producción del segundo disco se encargó Nils Stevenson.  De este Join Hands escuchamos cuatro temas en esta primera entrega del Especial Siouxsie and the Banshees.  Quedan por escuchar un par más que lo podremos hacer en la edición de octubre, el mes próximo.
Espero que te guste el programa.

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jueves, 19 de septiembre de 2024

Cíclope 3.0 - 17-09-24

 


Mediado el mes de septiembre, por estas tierras del Sur aún perdura el calor, conocido por estos lares como el calor del membrillo


Cíclope 3.0 del martes 17 de septiembre.  El programa de hoy arranca desde las premisas del Rock para continuar hacia disciplinas eminentemente jazzísticas.  Y todo porque los músicos que rodean al compositor intérprete que abre el espacio de hoy eligió a colegas de trabajo implicados técnica y emocionalmente con el mundo de la música afroamericana.  La figura que abre hoy Cíclope 3.0 es Lou Reed.



 

Lewis Allan Reed, conocido como Lou Reed, nacía el 2 de marzo de 1942 en Brooklyn, y fallecía el 27 de octubre de 2013 en East Hampton, New York.  Una de las defunciones que, cuando suceden, uno casi no se llega a creer porque a Reed se le consideraba algo intrínseco a la Vida.  Pero nos queda su música, grabada, como el LP con el que iniciamos hoy las buenas vibraciones, el disco titulado Rock And Roll Heart.



Año 1976, el mismo en el que Reed actuaba en vivo como recoge la foto anterior, con cigarrillo en mano.



Este fue el primer álbum de Lou Reed para el sello discográfico Arista Records y da la sensación que quería presentar algo vendible para su nuevo patrocinador.  Los cortes de ritmo rápido con gancho Pop dominan el set, las 12 canciones pasan rápidamente en unos eficientes 38 minutos, y en lugar de las meditaciones características de Reed sobre el lado oscuro de la vida, las letras son (en su mayor parte) breves ráfagas de versos y estribillos en los que el artista canta las alabanzas de los buenos tiempos en general y del Rock & Roll en particular.  Nos quedamos con dos cortes de este álbum: Ladies Pay y una canción recuperada de los tiempos de The Velvet UndergroundA Sheltered Life, una composición nunca grabada hasta el momento que la Velvet interpretó al menos en una ocasión, en vivo, pero que no estaba registrada en ningún disco.  

Este álbum de Reed es el que nos sirve como punto de fuga para realizar una especie de cirugía para dar con las raíces de los músicos que acompañan a nuestro hombre.  Son tres: saxofones, guitarra bajo y batería, a saber:




Marty Fogel, de Montclair, New Jersey, saxofonista (saxo tenor y soprano) cuyo estilo roza la Fusión, el Rock y el Pop, así como el Hard Bop.









También originario de New Jersey, Bruce Yaw (1946-2019) en el contrabajo.








En la batería Michael Suchorsky, bajo la mirada atenta de su mentor, Lou Reed.



En la banda que acompañaba a Reed también se encontraba Michael Fonfara, 

(1946-2021) teclista canadiense que estuvo junto a Reed en grabaciones entre los años 1974 y 2005.

De esta banda, tres de sus miembros (Marty FogelBruce Yaw Michael Suchorskycontinuaron juntos en un nuevo proyecto, Everyman Band, a los que se les unió el guitarrista David Torn.  



Everyman Band



Este cuarteto grabaría dos álbumes entre 1982 y 1985.





El álbum de 1982 se bautizó de forma homónima



 




Para el segundo trabajo, titulado Without Warning y publicado en 1985, tuvieron la fortuna de que el prestigioso sello ECM se fijara en su Jazz de fusión y le editaran el disco.


Como estamos mirando con lupa el árbol genealógico de los músicos que acompañaron a Lou Reed en Rock And Roll Heart y en discos anteriores y posteriores, ahora nos vamos a quedar con el saxofonista Marty Fogel en solitario.


Fue en 1989 cuando vio la luz Many Bobbing Heads, At Last.... un trabajo de 

Marty Fogel donde utilizaba los saxos soprano y tenor y el clarinete, acompañado por el buen hacer de músicos como 





Dean Johnson, contrabajista de Jazz









Michael Shrieve, batería y percusionista norteamericano, miembro fundador de Santana, donde estuvo tocando a lo largo de una serie de años antes de cambiar la batería y la percusión por instrumentos electrónicos.




Queda por reseñar la guitarra de David Torn, músico fundamental no sólo en este disco de Marty Fogel, sino en solitario o en cualquier otro proyecto donde esté implicado.  En este trabajo de Fogel la labor de Torn no se circunscribe a tocar y a participar de la composición, también coproduce el álbum.  El álbum capitaneado por Fogel está formado por composiciones propias o del grupo que le acompaña y tan solo hay espacio para una versión, un tema original de Don Cherry.  Nos quedamos con dos cortes de este disco.

La foto de David Torn que se reproduce más arriba es de 1985.  En la actualidad, Torn tiene esa hermosa melena solo que un tanto canosa.



 
David Torn estudió con Leonard Bernstein (como parte de la serie de jóvenes compositores de la Sinfónica de Nueva York).  Aunque estuvo obsesionado con la música desde muy joven, afirmó que la trayectoria de su vida cambió después de escuchar a Jimi Hendrix a fines de los años 60.  Continuó estudiando de forma privada con John Abercrombie, Pat Martino, Paul Weiss y Arthur Basile.  Tocó en una serie de bandas experimentales y de improvisación, incluida la Zobo Funn Band de Ithaca durante los años 70, y cayó bajo la influencia del Jazz fusión.
Torn se describe a sí mismo como un guitarrista de texturas.  Es, además, productor, compositor de música para películas, artista de grabación y músico de sesión.  Es conocido por su innovador estilo de interpretación que emplea un sistema de bucle digital desarrollado por él mismo.  Su sonido urgente, atmosférico y lleno de efectos difumina las fronteras entre el Rock, el Jazz y la música de vanguardia.  Él fue el que fundó la Everyman Band junto a Marty Fogel.  Ha liderado proyectos que contaban con la colaboración de Bill Bruford, Tony Levin o Mark Isham.  Como músico acompañante ha trabajado con David Bowie y David Sylvian, Madonna, Laurie Anderson, Meshell Ndegeocello y Tori Amos, entre otros.  Con su nombre y apellido, ya sea en solitario o en colaboración con otros músicos, Torn posee una discografía enjundiosa.

En 1990 se publicaba Door X que, aunque está firmado con su nombre y apellido, en realidad es un trabajo realizado a medias con el que fue bajista de la banda Japan, Mick Karn, que además toca el clarinete.  De este disco, el Cíclope extrae una versión del admirado por Torn, Jimi Hendrix, y su Voodoo Chile.

Con anterioridad, en 1984, la primera vez que Torn firma un disco, que es el que inaugura su catálogo en solitario, lo haría junto al batería y percusionista norteamericano Geoffrey Gordon (1952-2012) en la foto de la derecha.


El disco lleva por título Best Laid Plans y supuso la apertura a un catálogo amplio y rico por parte de Torn que mostraba feliz una de sus grandes influencias: el uso de los loops realizados por su admirado Robert Fripp.  Por cierto, es curioso, David Torn ha aparecido últimamente en otra ocasión por aquí por Cíclope 3.0 y ha sido la semana pasada, en la cuarta entrega del Especial David Sylvian.  Colabora con su guitarra en el álbum Secrets of the Beehive, en concreto en el tema The Boy with the Gun.  Es sencillamente un dato de tipo anecdótico.
Entramos en la recta final del programa de hoy.  Ya que estamos con guitarras poliédricas que abarcan una amplia gama de registros, vamos a cerrar esta edición de Cíclope 3.0 con un músico que ya ha pasado en varias ocasiones por el programa.  Es de origen noruego, nació en Oslo, es guitarrista, y por edad está por delante de Torn y de un montón de músicos más.  Si hablamos de guitarras con texturas, de cruzar estilos, de mezclar formas, de traducir en vanguardia una larga tradición, este hombre tiene mucho que contar y decir.  Se llama Terje Rypdal y contribuye al festín de la Música.




Rypdal, en 1975, con 28 años, grababa Odyssey, uno de los álbumes de Jazz más aclamados de todos los tiempos.  Estuvo acompañado por un bajo, una batería, un órgano y un trombón.  El mismo Rypdal, además de componer y tocar la guitarra eléctrica, se encargó del sintetizador y del saxo soprano.  El disco se grababa en el mes de agosto de 1975 y ese mismo año veía la luz.  Es una magnífica combinación entre Rock y Jazz, una mezcla aplastantemente potente con largas y meditativas reflexiones eléctricas.  Cerramos con este músico y con dos cortes de este LP doble: Over Birkerot y Adagio.
Y así nos despedimos.
Espero que te guste el programa.

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jueves, 12 de septiembre de 2024

Cíclope 3.0 - 10-09-24 - Especial David Sylvian # 4

 


David Sylvian en 1987

Cíclope 3.0 del martes 10 de septiembre de 2024.  Encantados de estar de nuevo contigo comenzamos una nueva temporada en la sintonía de Radio Tomares.  Te lo cuento todo en la locución del programa, al principio.  Bueno, todo no, te explico por qué, siendo este martes el segundo martes de septiembre, nos lo tomamos como si fuera el primero y por dicho motivo escogemos para el reencuentro con las ondas radiofónicas el esquema Especial Discografía que, como bien sabes, se lo estamos dedicando a la figura del músico británico David Sylvian.  Ese es el Especial Discografía de los primeros martes de mes; el último martes, a partir de este mes de septiembre, será otro Especial el que nos ocupe el espacio, el Especial Discografía dedicado a Siouxsie & The Banshees.  Pero eso será a partir del último martes de este mes y los siguientes.  Ahora, lo que nos ocupa es el Especial David Sylvian en su edición número 4 que va a estar ocupado por dos álbumes.  Empezamos con el disco que nuestro protagonista publicaba en el año 1987 bajo el título Secrets of the Beehive.




El cuarto LP de Sylvian es posiblemente el disco más accesible que ha llegado a grabar en todo el tiempo que lleva trabajando como compositor e intérprete en el mundo de la música.  Es un trabajo delicado, con influencias de jazz como es habitual en su obra, que cuenta con elegantes arreglos de cuerdas, con la colaboración de una serie de músicos, amigos de nuestro protagonista, siempre dispuestos a intervenir cuando él solicita la intervención en una nueva aventura.  Son 9 composiciones reducidas a lo esencial, haciendo un uso juicioso de los sintetizadores, los loops de cinta y los  pianos tratados, entre otros elementos.  La voz evocadora de Sylvian está al frente y en el centro.

Gone to Earth, el LP doble inmediatamente anterior, se grababa entre 1985 y 1986.  Veía la luz en el 86.  Los secretos de la colmena se publica en 1987.  La constancia de nuestro hombre es admirable, y su productividad, brillante: las 9 canciones de este álbum del 87 fueron escritas de una sola vez, según señala Sylvian.  La rápida creación del álbum implicó abandonar piezas que podían parecer centrales para el trabajo en su conjunto.  Algunos de esos cortes se han recuperado, por ejemplo: la reedición del disco en pleno siglo XXI en formato CD incluye un corte más (pasa de 9 a 10) con la inclusión de Promised (The Cult of Eurydice), una canción que no pudo entrar en el LP original por motivos de espacio.

Esa intensidad en la elaboración del disco empujó a Sylvian a buscar guía espiritual y cambiar las cosas de manera creativa.


A principios de la década de los años 90, el periodista y escritor británico Martin Power, publicó The Last Romantic, una biografía autorizada de David Sylvian, reeditada y ampliada en 2004.  Power recogía varios testimonios sobre el perfil personal del músico.  El primer manager de la banda Japan, Simon Napier-Bell, recuerda en el libro que el joven artista le confió: Quiero ser una estrella de rock menor, siempre dispuesto a aprender.  Es un comentario verdaderamente humilde y autocrítico, que sigue resonando muchos años después: su música sigue siendo una brillante fuente de soledad, toda impulsada por el deseo de estar escondido pero buscado.  Una celebración de todas las cosas perdidas y sin nombre.  Secrets of the Beehive fue y es un punto y aparte en la labor creativa de Sylvian porque tras el lanzamiento y su primera gira propiamente en solitario, se centró más en el trabajo colaborativo.  Grabó un par de álbumes ambientales con Holger Czukay; dos álbumes francamente interesantes con Robert Fripp.  Hasta llegó a trabajar con artistas como Fennesz.  Así que esos primeros cuatro discos marcan una fase distinta de su carrera, probablemente la última vez que su trabajo sería recibido por una audiencia masiva, estableciendo un camino hacia el futuro solitario que soñaba.  En 1987, Secretos de la colmena presagia claramente el ataque de profunda depresión que seguiría en su vida personal y que obstaculizaría su creatividad durante algún tiempo.  Hay una naturaleza lánguida en el disco, un sentimiento evocado por la musicalidad minimalista y la exquisita y cuidadosa voz de barítono de nuestro protagonista.  Marcó, de alguna forma, el final de la carrera Pop de Sylvian, que esperaría 12 años para lanzar otro álbum en solitario.  En este Especial David Sylvian # 4 casi escuchamos al completo el LP, exceptuando un tema, para que pueda entrar al menos un corte del otro disco que escucharemos.

El álbum, canción a canción, lo detallo en la locución del programa.  La nómina de músicos colaboradores es enjundiosa.  Hay un cooperador de base que es Ryuichi Sakamoto, cuyos arreglos orquestales, usualmente exuberantes, se utilizan en esta ocasión como texturas en lugar de ser puntos focales.



       


Ryuichi Sakamoto en 1987






En las guitarras, eléctricas y acústicas, dos músicos:




David Torn, guitarra americano






Phil Palmer, guitarra británico





En los arreglos orquestales y arreglos de cuerda, Ryuichi Sakamoto, ya citado, y otro músico:



Brian Gascoigne, pianista y compositor, más conocido por sus bandas sonoras para películas y por su participación como músico de sesión.



Dos músicos se sientan en la batería y se encargan de los tambores y de la percusión en general:


Uno es el batería de origen británico 
Danny Cummings






El otro batería, alguien carcano a David Sylvian, su hermano 

Steve Jansen



En el contrabajo otro músico de origen británico,
Danny Thompson





Uno de los colaboradores habituales en las grabaciones de Sylvian, el trompetista norteamericano, Mark Isham, compositor nominado al Oscar que trabaja en una amplia variedad de géneros, incluidos el jazz, la música electrónica y la música cinematográfica.  En este caso no toca la trompeta sino el fliscorno.

La producción del disco recae sobre el mismo David Sylvian Steve Nye, que vuelve a repetir aunque en esta ocasión su labor como productor es menos invasiva y menos llamativa.  Algo para resaltar, el envoltorio del disco, la portada, debida al equipo de diseño conocido como 23 Envelope.  Los textos de las canciones así como la música, la voz y un montón de instrumentos, quedan en manos de nuestro protagonista Sylvian.

Y llegamos al segundo álbum que vamos a escuchar en esta cuarta entrega del Especial David Sylvian.  Es más correcto decir que vamos a escuchar un tema de los dos que forman el álbum Flux + Mutability fimado a medias entre David Sylvian y uno de los elementos más activos de la banda alemana Can, el músico Holger Czukay.  La primera vez que trabajaron ambos juntos fue en 1985, en el segundo trabajo de Sylvian, en el disco titulado Alchemy: An Index Of Possibilities, realizado junto al trompetista norteamericano Jon Hassell (1937-2021).  En ese disco, Czukay intervenía mezclando sonidos de un dictáfono y señales de radio de onda corta.  La segunda vez que cruzan sus ingenios Czukay y Sylvian sería en 1988 con el álbum Plight & Premonition donde contaron con la intervención de otro miembro de la banda alemana Can, el batería y percusionista Jaki Liebezeit (1938-2017).  Dos cortes largos ocupaban el larga duración, el mismo esquema que repetirían un año después, en 1989, con el disco Flux + Mutability.



  

Para la ocasión se buscan colaboraciones como las de otro miembro de Can, el guitarrista y violinista Michael Karoli (1948-2001) y el trompetista alemán Markus Stockhausen que toca el fliscorno.  Por cierto, este músico es hijo del compositor Karlheinz Stockhausen (1928-2007), compositor alemán, reconocido por los críticos como uno de los compositores más importantes, pero también controvertidos, del siglo XX y principios del XXI, conocido sobre todo por su obra pionera en la música electrónica y la composición aleatoria en serie.

De este trabajo nos vamos a quedar con la segunda pieza titulada Mutability (A New Beginning Is In The Offing), una composición que presenta únicamente guitarras y teclados, interpretados por Sylvian y una flauta africana de la que se encarga Michael Karoli.

Y ya no nos da tiempo sino para recuperar el álbum con el que hemos ocupado el grueso del programa de hoy, volvemos a Secret of the Beehive y a un tema que no se incluyó en la primera versión en LP ni tampoco en la primera reedición del álbum en formato CD.  Lo haría años después.  Los primeros que incluyeron una de aquellas canciones que quedaron fuera de la edición en LP por falta de espacio fueron los japoneses.  En la reedición japonesa de Secrets of the Beehive aparecida el 3 de abril de 1991 incluyeron esta Promise (The Cult Of Eurydice).  Después, esa reedición llegaría a Europa.  Pues con esta Promesa (El culto a Eurídice) te decimos hasta la semana que viene, ya sabes, aquí en Cíclope 3.0, en la sintonía de Radio Tomares.

Espero que te guste el programa.


Enlace:

https://www.radio.tomares.es/index.php/blog/ciclope-30-10-09-24