sábado, 30 de septiembre de 2023

Cíclope 3.0 - 12-09-23 - Especial Ryuichi Sakamoto y 2

 

Ryuichi Sakamoto
(1952-2023)



Cíclope 3.0 del martes 12 de septiembre de 2023.  
Pido disculpas por el retraso y el desorden a la hora de publicar las entradas del programa en el blog, la causa ha sido la estancia hospitalaria y el pos-operatorio que me ha dejado fuera de la órbita, de la cadencia habitual de emisión de Cíclope 3.0 y posterior enlace en la entrada correspondiente del blog.  Menos mal que las diferente ediciones del programa en Radio Tomares han cumplido con las fechas del almanaque.  Sólo queda ponerlas al día y a eso vamos, con el programa del martes 12 de septiembre, Especial dedicado a la figura de Ryuichi Sakamoto.  Fallecía el pasado 28 de marzo de este año en curso.  El 9 de mayo le dedicábamos el programa y prometí que volveríamos con él en una segunda entrega y esa segunda parte está aquí para volver a escuchar su música, para tal vez descubrir piezas que no conocías o, sencillamente, para volver a escuchar composiciones que envuelven como un consuelo cálido, o refrescante, según se escuche.

Comenzamos con una banda sonora de película, la de la cinta japonesa titulada Kaibutsu, traducida al inglés y al español como Monstruo, un drama dirigido por Hirokazu Koreeda este año 2023, con guión de Yuji Sakamoto que, a pesar del apellido, no tiene nada que ver con Ryuichi.  La banda sonora de la cinta no es original, compuesta para la ocasión, sino que está formada con material ya existente de 
Sakamoto, grabaciones como el corte con el que hemos comenzado titulado Aqua, recuperado del álbum BTTB (acrónimo de Back To The Basicde 1999 junto a otros temas extraídos de Out of Noise del año 2009 y 12, el testamento sonoro de Sakamoto del año 2023 que se publicaba el 20 de enero, un trabajo que reúne una colección de 12 canciones seleccionadas de los bocetos musicales que grabó como un diario sonoro, durante su batalla de dos años y medio contra el cáncer.  
Para deslizarnos a lo largo de estos 60 minutos dedicados a su música vamos a seguir el mismo patrón que utilizamos para el primer Especial Ryuichi Sakamoto In Memoriam, es decir, no vamos a trazar un orden cronológico, sino que saltaremos de aquí a allá.  De lo último que se conoce de él, la banda sonora de la película Monstruoa lo que fue el segundo trabajo que firmaba con sus compañeros de la Yellow Magic Orchestra publicado en 1979 con el título de Solid State Survivor.


Este Solid State Survivor fue el segundo álbum de la banda japonesa de música electrónica Yellow Magic Orchestra, lanzado en 1979. Posteriormente fue publicado en 1982 en el Reino Unido en LP y cassette, también en 1992 en los Estados Unidos en CD.
Con Solid State Survivor, un conjunto enérgico de canciones síntesis de música disco y pop, el trío continúa la línea trazada cinco años antes por Kraftwerk, solo que sigue un camino más diversificado y alegre.  Donde Kraftwerk había sido serio y estructural, este disco establece la plantilla de YMO para el pop electrónico con menos minimalismo y un uso más variado de líneas de sintetizador.  Consiguen momentos verdaderamente llamativos como la versión del tema de los Beatles, Day Tripper, que es el corte que recupera el Cíclope.
El álbum fue un ejemplo temprano de Synth-Pop o Techno-Pop, un género que la banda ayudó a desarrollar junto con su álbum anterior, Yellow Magic Orchestra de 1978.  El álbum también es conocido como Behind the Mask, título de la canción del mismo nombre e incluida en el LP y que había sido banda sonora en 1978 para un comercial de reloj de pulsera de cuarzo de la marca Seiko.  La canción ha tenido numerosas versiones producidas por otros artistas, sobre todo Michael Jackson que, junto a Quincy Jones, produjo una versión un poco más dance-funk del clásico techno con letras adicionales, originalmente pensada para su álbum más vendido, Thriller, de 1982.  A pesar de la aprobación del compositor Sakamoto y el letrista Chris Mosdell, finalmente se eliminó del álbum de Jackson debido a problemas legales con la gerencia de Yellow Magic Orchestra.  Sin embargo, Eric Clapton y The Human League, entre otros, realizaron más tarde varias versiones del tema en cuestión, antes de que la versión de Jackson finalmente apareciera en su álbum póstumo en 2010.


El término neo geo, o nuevo mundo, se deriva del propio Sakamoto como una forma de describir la diversidad musical mundial con respecto al género, algo similar a la música mundial y el ritmo mundial.  El concepto le sirvió para bautizar uno de sus LPs.
Neo Geo, publicado en 1987, es un álbum firmado por nuestro protagonista en solitario con una nómina de colaboradores tan larga como variada.  La combinación estelar que realiza de estilos musicales occidentales y orientales es una seña de identidad del compositor/intérprete, un éxito triunfal para él como creador y una garantía asegurada para la audiencia.  En este trabajo toma una canción folclórica tradicional japonesa y la combina con un ritmo funk elaborado por colaboradores como Bootsy Collins Bill Laswell (ambos guitarra bajo), Sly Dunbar en la batería, David Van Tieghem percusión.  En el tema que recupera el Cíclope, Risky, la colaboración vocal es de Iggy Pop, un Iggy Pop  moderado que presta la voz y la letra, y no parece en absoluto un intruso.
Del año 1987 saltamos hacia atrás, al año 1981, para reencontrarnos de nuevo con la Yellow Magic Orchestra.


Technodelic
 aparecía en el año 1981 en Europa con la portada que aparece en la foto a la derecha.









En Japón, la portada fue diferente.





Si no recuerdo mal, este LP de YMO fue el primero que se publicó en España y lo hizo en 1982, un año después de su edición original.  
Technodelic fue el quinto álbum de estudio de la banda y se destaca por su enfoque experimental y el uso intensivo de samples digitales que no se usaron combinados hasta mediados o finales de la década de 1980, lo que resultó en un sonido más minimalista y vanguardista en comparación con su trabajo anterior.  La cantidad de información técnica y específica de instrumentos y aparatos de electrónica utilizados es exhaustiva y la dejo estar, sobre todo por los términos y tecnicismos utilizados.  Prefiero entrar en otros detalles como por ejemplo que 
al igual que con muchos de los lanzamientos de YMO, los títulos de las canciones están impresos en japonés e inglés, haciendo uso de los kanji, uno de los tres sistemas de escritura japonesa junto con los silabarios hiragana y katakana, para los que existen reglas generales a la hora de combinarlos, pues cada uno tiene una función diferente.
Se considera el primer álbum lanzado que presenta principalmente samples y bucles, lo que influye en el uso intensivo de muestras y bucles en la música popular.  El enfoque de Yellow Magic Orchestra para muestrear música fue un precursor del enfoque contemporáneo de construir música cortando fragmentos de sonidos y haciendo bucles usando tecnología informática.  Del álbum Technodelic de la YMO, el Cíclope recupera una composición de Ryuichi Sakamoto, Seoul Music.
De los vericuetos de la electrónica a las espirales de instrumentos acústicos, en concreto el piano, el instrumento por antonomasia para trabajar de Ryuichi Sakamoto.  Con el violonchelo de Jaques Morelenbaum y su esposa, la vocalista Paula MorelenbaumRyuichi se marchó a Brasil para grabar, interpretar en vivo y esponjar armonías brasileñas de músicos como Antonio Carlos Jobim, Caetano Veloso o João Gilberto.  El resultado quedó registrado en dos álbumes, uno del año 2003 y que se publicaría con el título A Day in New York, grabado en vivo en el estudio e incluía canciones que habían estado interpretando juntos en la gira por Estados Unidos del año 2002 de su álbum anterior, Casa, un tributo a Antônio Carlos Jobim.  El énfasis de las composiciones que forman el disco está en las formas que tienen de interpretar las canciones.  La música es exquisita, suavemente discreta y brillante como un espejismo de calor.  El matrimonio Morelenbaum aporta, cada uno, su toque de distinción:



Paula, con su voz y sensibilidad extraordinaria, capaz de arrebatar a cualquier oyente realizando sus interpretaciones.




Su compañero sentimental, Jacques, con el violonchelo, mantiene un sentido de descubrimiento en su forma de tocar, y la inclusión del instrumento de arco ofrece una sensación casi de música de cámara a esta música de cuna brasileña, trayendo otra dimensión al sonido.
Hay dos colaboradores importantes:


Luiz Brasil en la guitarra







Y Marcelo Costa en la batería y percusión.







Pero la verdadera revelación del álbum es Sakamoto, que se llega a integrar de tal forma que cuesta creer que no sea brasileño.  Es hábil en el apoyo rítmico y nunca insiste demasiado en sus solos.


De este álbum escuchamos Corazón vagabundo, una canción original de Caetano Veloso.




Ya que nos hemos situado en Brasil vamos a dar un paso de dos años hacia atrás, al año 2001 cuando se publicaba Casa-Tribute to Jobim, la obra en la que se recoge el origen del amor de Sakamoto por la música y los compositores/intérpretes de Brasil.

Este es un álbum de estudio del año 2001 del trío formado por el matrimonio  Morelenbaum, Jacques y Paula, y el pianista Ryuichi Sakamoto.  Es un homenaje al músico y compositor brasileño Antônio Carlos Jobim, con la mayoría de las canciones grabadas en su casa de Río de Janeiro, utilizando su piano de cola.  El matrimonio Morelenbaum fueron una parte de la vida de Antonio Carlos Jobim en su última década, actuando en vivo y grabando con él y dando forma a la música de sus últimas grabaciones, por lo tanto, es completamente apropiado que los Morelenbaum, junto con nuestro protagonista, viajasen a la idílica sala de música de Jobim en su casa, sobre Río de Janeiro, para hacer algunas grabaciones íntimas en el lugar donde él compuso música, con Sakamoto tocando su piano de cola.  Se realizaron más grabaciones en otros dos estudios de Río, y se grabaron dos pistas adicionales en vivo en Tokio, pero el ambiente de intimidad permanece intacto a lo largo del disco.  Todas las canciones presentes en este disco se han publicado antes, muchas datan de 1958, pero hay algunos temas del material de Jobim no grabados anteriormente, que son estrenos, aunque en los créditos no se los menciona.  Hay al menos una primera grabación que se puede verificar, Tema Para Ana, un dúo breve y atractivo para violonchelo y piano escrito por Jobim para su esposa, Ana, y que no se publicó hasta un año después de la muerte del compositor en 1994.  La voz oscura de Paula es suave, ya sea cantando en inglés o portugués, es la personificación de la playa brasileña misma.  Y el violonchelo de Jacques amplifica el elemento de melancolía que atraviesa gran parte de Jobim.



El trío recibe ayuda de músicos como Paulo Jobim, en la foto de la derecha, guitarrista, hijo de Antonio Carlos Jobim.



Luiz Brasil, guitarrista brasileño, citado más arriba.

El percusionista Marcos Suzano, otro paisano también habitual en el tejido musical de Brasil.






El bajista Zeca Assumpçao









La voz de Ed Motta, un profundo especialista de la música popular brasileña.  






Todos estos músicos aportan su saber hacer e imponen ritmos abiertos en todo lo que es el contenido del disco.  La portada en sí es un viaje de nostalgia con clase, una fotografía del Pan de Azúcar, la playa de Ipanema y el paisaje circundante de Río.  De este álbum homenaje a Jobim recuperamos el tema O grande amor.

De nuevo volamos hacia atrás.  Del año 2001 a 1992, de Brasil a España, de Río de Janeiro al Cine con Pedro Almodóvar y su película Tacones lejanos cuyo score original firmó nuestro protagonista, Ryuichi Sakamoto.
Sí, la cinta es de 1991, pero el disco con la banda sonora se publicaba un año después, en 1992.  Los efectos combinados de voz, música y letras es una de las características más destacadas de Almodóvar como cineasta.  Encuentra su economía musical más significativa en los boleros altamente expresivos que están al frente de esta película.  Almodóvar explicó que escuchó una enorme cantidad de canciones para encontrar las que usó en la película.  Finalmente eligió Piensa en mí de Agustín Lara y Un año de amor de Nino Ferrer/Mogol/Alberto TestaLuz Casal, famosa como cantante de rock, interpretó las dos canciones que serían incluidas en su disco A contraluz, lanzado en 1991.
En la banda sonora aparecen un par de piezas compuestas por Miles Davis en la década de 1960, que estaban inspiradas en el flamenco: Soleá y Saeta, originales de Gil Evans, ambas incluidas en su disco Sketches of Spain.  El tejido de la banda sonora se amplía con canciones como Pecadora, un merengue de Los Hermanos Rosario.  También suenan dos temas compuestos por George Fenton originalmente para la película Las amistades peligrosas de 1988.  Pero el grueso principal de la banda sonora de Tacones lejanos, el score original, se debe a Ryuichi Sakamotoque demuestra, una vez más, su extraordinaria capacidad para levantar una arquitectura sonora debidamente ensamblada con el espíritu de la historia.  Sin embargo la partitura no gustó a Almodóvar que, al final, accedió a dejarla tal y como el compositor había ideado.  Escuchamos el tema principal del score de la película.

De una banda sonora a otra, en este caso un score compartido entre tres músicos, la banda sonora original de la cinta dirigida en el año 2015 por Alejandro González Iñárritu, The revenant, El renacido.


Tres músicos compositores/intérpretes confluyen tras la partitura:



Bryce Dessner, compositor academicista norteamericano, guitarra de la banda asentada en Brooklyn The National


Alva Noto, cuyo nombre real es 
Carsten Nicolai es un artista y músico alemán afincado en Berlín.  Para sus producciones musicales utiliza el seudónimo de Alva Noto.  Forma parte de una generación de artistas que trabaja intensamente en el ámbito de transición entre la música, el arte y la ciencia.  Con una fuerte adhesión al reduccionismo, lleva sus experimentos sonoros al campo de la música electrónica creando su propio código de signos, símbolos acústicos y visuales.
El tercero es nuestro hombre, Ryuichi Sakamoto.  
La banda sonora de la película The revenant 
está compuesta por Sakamoto y Alva Noto con música adicional de Bryce Dessner.
Sakamoto y González Iñárritu se pusieron en contacto originalmente después de que el director usara composiciones de Sakamoto en su película Babel de 2006.  Tras una pausa profesional de un año en 2014, después de que le diagnosticaran un tipo de cáncer de garganta, el trabajo de Sakamoto en The revenant marcó su regreso a la industria a pesar de que todavía estaba en medio de la recuperación.  En octubre de 2015, se supo que tanto Noto como Dessner se unirían a nuestro protagonista en la banda sonora de la película.  La intervención de Alva Noto, un colaborador frecuente de Sakamoto, fue solicitada personalmente por él mismo debido a su preocupación por el estado de su salud, para poder asegurar que se cumpliría con la finalización de la partitura.
El álbum de la banda sonora se publicó digitalmente el 25 de diciembre de 2015 y en CD el 8 de enero de 2016.
La partitura fue nominada a Mejor partitura original en los Premios Globo de Oro de 2016 y Mejor Música de Cine en los Premios de Cine de la Academia Británica, BAFTA, de 2016.
La partitura fue declarada no elegible para el Premio de la Academia a la Mejor Partitura Original en los Oscar de 2016 porque fue compuesta a partir de la música de más de un compositor.  De ese score escuchamos el tema principal.

La colaboración entre el autor intelectual del microsonido, Carsten Nicolai, conocido por el nombre artístico de Alva Noto y Ryuichi Sakamoto viene de lejos y continúa donde terminó su primera serie de sesiones, el álbum Vrioon del año 2002.  Después llegarían otras: Insen, 20 de Marzo 2005; Revep, 6 de Junio 2006; Utp_, 14 de Julio 2008; Summvs, 2011; The revenant – OST, 25 de Diciembre 2015 y Glass, 16 de Febrero 2018.  Exceptuando el caso del score de The revenant, la instrumentación sigue siendo la misma: Sakamoto en el piano tocando acordes densos y melancólicos que suenan y se desvanecen gradualmente entre la programación de batería digitalmente nítida y limpia de Noto y sus ondas sinusoidales.


Insen
- 2005
Ryuichi Sakamoto & Alva Noto


Pero esta vez, Noto simplemente no establece un lecho de ritmos acentuando la interpretación de Sakamoto, sino que juega con los sonidos y los manipula.  El resultado es un conjunto más unificado de composiciones que se pliegan y entrelazan entre sí, lo que elimina la sensación de improvisación que glosaba su primer disco.  Estoy hablando del álbum Insen del año 2005, del que escuchamos un fragmento.  Es un trabajo donde la compensación da como resultado un disco más cohesivo con una dirección nítida y enfocada que es fácilmente uno de los mejores lanzamientos de Alva Noto y otra joya en una corona musical llena de ellas para Sakamoto.

En el año 2000, el 17 de mayo, veía la luz un EP firmado por Sakamoto con el título Lost Child.  Es una misma composición con el mismo nombre separada en tres versiones diferentes con instrumentación distinta.  La completa es la que reúne a Mari Fujiwara en el violonchelo, Fuminori Shinozaki primer violín, Yuuko Iwasaki segundo violín, Hirohito Furigawara viola y Ryuichi Sakamoto piano, además de componer, arreglar, mezclar y producir el disco.  De las tres versiones nos quedamos con la que reúne todos los instrumentos.
Así hemos llegado a los últimos minutos de esta segunda entrega del Especial In Memoriam por Ryuichi Sakamoto.  Vamos a terminar con dos cortes del álbum Async del año 2017.

Async es el primer álbum en solitario de Ryuichi Sakamoto, el primer disco de estudio desde que le diagnosticaron cáncer de garganta, que detuvo su carrera durante gran parte de 2014 y 2015.  En este trabajo publicado el 28 de abril de 2017, en el reencuentro con su música, Sakamoto cita la naturaleza, objetos cotidianos y esculturas como influencias sobre asincronía, y las piezas incorporan grabaciones de diversos lugares al aire libre, así como museos, incluyendo una escultura de sonido diseñada por Harry Bertoia.  Además del piano y el procesamiento electrónico, Async cuenta con instrumentos acústicos como un shamisen o samisén, un instrumento de música japonés pero de origen chino que tiene 3 cuerdas (como un banjo casi cuadrado y con tan sólo 3 cuerdas), un cuenco tibetano para cantar y la guitarra portátil del compositor Christian Fennesz, así como elementos orquestales.  El álbum se centra en combinar sonidos tanto musicales como no musicales, y parece funcionar como escenas de la vida cotidiana.  Como sugiere el título, las partes individuales de la mayoría de las piezas del álbum se mueven a ritmos o intervalos diferentes, haciendo que parezcan que todo es producto del azar.  Utiliza pianos preparados inspirados en John Cage y puede parecer que todo el disco es muy teórico, muy académico y que no hay emoción, pero no es así.  Sakamoto aborda su trabajo desde una perspectiva humana, y hay más melodía de la que podría parecer en la superficie.  Dos cortes cuentan con poemas hablados que reflejan la vida, los sueños y la muerte.  Life, Life incluye la lectura de David Sylvian de And This I Dreamt, and This I Dream de Arseni Tarkovsky, padre del director de Cine Andréi Tarkovsky, y Fullmoon  presenta un collage de varias voces recitando The Sheltering Sky de Paul Bowles en diferentes idiomas.
Async, es cierto, no es uno de los álbumes más accesibles de Sakamoto, pero si el oyente está dispuesto a dedicar varias escuchas hasta que todo tenga sentido, termina siendo bastante poderoso.  Como muestra, dos cortes: Andata y el tema que le da título al álbum, Async.
Así cerramos esta edición de Cíclope 3.0

Espero que te guste el programa.

Enlace:



jueves, 21 de septiembre de 2023

Cíclope 3.0 - 19-09-23


Margot Ortega, oyente fiel de Cíclope 3.0 y comisaria de la exposición fotográfica Físicos prodigiosos: Albañiles en reposo, sufriendo las fuertes turbulencias que produce el devenir de la música del programa, viajando del ayer más lejano al presente más rabioso

 

Cíclope 3.0 del martes 19 de septiembre de 2023.  En esta edición aplicamos una vez más el lema del Cíclope: Escuchamos la actualidad a través del Prisma del Tiempo y comenzamos remontándonos hasta 1968 con unos veteranos del panorama del Rock, Jethro Tull.



La foto inmediatamente anterior recoge la apariencia física de Ian Anderson (flauta en ristre) y el resto de los actuales Jethro Tull.  La banda se reunió como proyecto pasados los años intermedios de la década de los 60, sobre 1966/67.  Grababan por primera vez en 1968 un álbum de bajo presupuesto titulado This Was que arrastró a un montón de seguidores y buenas críticas por parte de la prensa especializada.


El álbum de debut es un disco con marcados rasgos de Blues y Jazz, muy diferente a los siguientes álbumes de la banda.


El título del LP, This Was, se le ocurrió a Ian Anderson, y con él quiso hacer una declaración de principios afirmando que el sonido de Blues que presentaba el disco reflejaba solo un estadio temporal de lo que iba a ser el futuro estilo del grupo.  La famosa portada del trabajo presenta a los miembros del grupo caracterizados como ancianos mendigos, imagen que Jethro Tull ofrecerían durante los primeros años en sus actuaciones en directo.

El guitarrista Mick Abrahams (en la portada del disco, en el centro), dejó la banda poco después del lanzamiento del LP en Estados Unidos por desavenencias con Ian Anderson sobre el estilo musical que debería seguir el grupo y sobre el liderazgo del mismo.  Abrahams defendía que Jethro Tull siguiera haciendo un tipo de música cercana al Blues, Anderson no, y además se arrogó el derecho de ser el creador del proyecto.  Adiós, Abrahams.  Para compensar el mal sabor de boca, el guitarrista formó su propia banda, Mick Abrahams Band.  En Jethro Tull sería sustituido por la guitarra de Martin Barre.

Este primer disco de Jethro Tull incluye la única canción que no está cantada por Ian Anderson, Move On Alone, y que está interpretada por Mick Abrahams.


El LP incluye una versión del tema jazzístico Serenade to a Cuckoo, de Roland Kirk (1935-1977), en la foto músico cuya técnica de flauta (la denominada percusión de boca) influiría totalmente en el estilo personal de Anderson.

Y todo esto para llegar al primer tema de música que suena en el programa, un corte de aquel This Was de Jethro Tull, una versión de un blues clásico que va a tener importancia en el devenir del espacio de hoy.  La composición tradicional es Cat Squirrel en versión de Anderson y compañía.

De 1968 saltamos dos años atrás, a 1966, también con un LP de debut de ese año, 66, un estreno realizado por tres músicos: Eric Clapton en la guitarra, Ginger Baker en la batería y Jack Bruce en el bajo y voz.  Escogieron el sencillo nombre de Cream.




El 9 de diciembre de 1966 se publicaba Fresh Cream, un disco que representa tantas primicias, tantos comienzos de caminos diferentes que es difícil llevar la cuenta. Cream.  fue el primer supergrupo y  su primer álbum no solo dio origen al poder que significó la asociación de los tres músicos, sino que también fue fundamental en el origen del Rock Fuerte, Rock Duro y en el nacimiento del Jam Rock.  Pero si suena este disco en esta edición de Cíclope 3.0 es porque incluye una versión de ese blues tradicional, Cat Squirrel, con el que hemos comenzado en la visión que daban de él Jethro Tull, ahora la visión de Cream, y ahora el título del tema Cat Squirrel dándole nombre a un nuevo proyecto capitaneado por un veterano en el mundo de la Música, Mike Vernon.



De veteranía pueden hablar los miembros de Cat Squirrel porque el quinteto está compuesto por músicos de larga trayectoria que además han tocado juntos en diferentes ocasiones a lo largo del tiempo.  El motor de estos Cat Squirrel es la figura del centro, ese hombre que peina canas y que responde al nombre y apellido de Mike Vernon.  Forma la banda buscando la intervención del guitarrista Kid Carlos

un músico de Blues que ha ido absorbiendo los discos que escuchaba desde que comenzó a tocar la guitarra con 12 años en su Guillena natal, en la provincia de Sevilla, hasta continuar paso a paso tocando en vivo, aprehendiendo en un constante devenir donde cada vez se iba haciendo más rico en matices.  Con Vernon tocó en el álbum en solitario de este titulado Just A Little Bit del año 2015.  Para Kid Carlos te puedes imaginar lo que supone formar parte de este proyecto trabajando junto a dos leyendas del mundo del Blues como Mike Vernon, que produjo muchos de los discos que escuchó cuando aprendía a tocar Blues y, en aquel momento,
quién le iba a decir que, años más tarde, se iba a encontrar trabajando activamente con él como parte de Cat Squirrel, junto a otra leyenda del Blues como es Mingo Balaguer (primero por la izquierda) uno de los mejores armonicistas de Blues que existen en el panorama internacional.  Cuando Kid Carlos estaba inmerso en el aprendizaje de la guitarra asistía como espectador y oyente a las actuaciones de Mingo, con quien ha realizado dúos de armónica/guitarra y, actualmente, vuelven a compartir horas y horas de creatividad.
El segundo músico por la izquierda en la foto del quinteto es el contrabajista Oriol Fontanals

que también ha trabajado con anterioridad con Mingo Balaguer en su álbum de 2020 Blue Shadow.  
Fontanals tiene una larga lista de intervenciones y colaboraciones con músicos internacionales de Europa y Estados Unidos.  A día de hoy está especializado en todos los estilos del blues tradicional, desde Chicago, West Coast, Jump, Delta y RagTime hasta Rhythm & Blues, Rock & Roll, Boogie Woogie, Gospel, Swing, Country, Dixieland, Jazz criollo y calipso.

La batería está en las manos de Pascual Monge, una especie de músico/crisol de varios instrumentos.  Desde pequeño mostró un extraordinario interés por la música y ya con 8 años tocaba la batería sin haber recibido clases formales, tan solo tocando con discos de rock, soul y blues que le pasaban familiares o amigos de la familia.  Aunque nació en Oviedo, Asturias, desde pequeño vivió en la localidad de Almajano, provincia de Soria.  Sería en el Conservatorio de Soria donde recibiría clases de saxofón y solfeo, además de aprender las
nociones básicas de piano, de nuevo como con la batería, de forma totalmente
autodidacta.  Con el paso del tiempo descubrió que sus intereses musicales se
habían ido centrando en el Blues.  Kid Carlos, Mingo Balaguer Pascual Monge ya habían trabajado juntos.  Vernon descubrió a Monge en Madrid, tocando la batería para el guitarrista y cantante de Blues norteamericano John Primer.

Para que los hilos del tapiz sonoro de instrumentistas quedara cerrado faltaba la figura del músico que está situado en la foto primero por la izquierda, Mingo Balaguer.  La indiscutible reputación de Mingo en el mundo del Blues como intérprete de la armónica y cantante es algo que le precede.  Su curriculum vitae es algo que ya se ha comentado en varias ocasiones en las diferentes entradas de este blog donde aparece su nombre y apellido.  Mingo conocía a Mike Vernon desde que era un adolescente y escuchaba discos donde el apellido Vernon aparecía por aquí y por allá, sobre todo como productor de músicos de la talla de John Mayall y una larguísima nómina.  Si para Kid Carlos conocer y tocar con Mingo Balaguer, a quien admiraba desde que era pequeño, fue un hito, para Mingo resultó una emoción paralela el día que Mike le consultó a Kid la posibilidad de llamar a Mingo para que formara parte del combo de Cat Squirrel.  Imagínate a Mingo con 14 años, leyendo los créditos de los LPs de Fleetwood Mac, Savoy Brown, Ten Years After...y tantos y tantos más donde el nombre y apellido del productor era Mike Vernon.  Ahora, al cabo de los años, quién le iba a decir a él, intérprete de la armónica, empapado de Blues, que iba a tocar en una banda capitaneada por aquel productor admirado que le llamaría para que coparticipase de la creatividad de un nuevo proyecto junto a buenos amigos y colegas de música.
Y ahora el alma mater de dicho proyecto, Mike Vernon.

Michael William Hugh Vernon, conocido como Mike Vernon, nacía el 20 de noviembre de 1944 en Harrow, Middlesex, Inglaterra.  Fue nombrado miembro de la Most Excellent Order of the British Empire, es decir, Excelentísima Orden del Imperio Británico (MBE) en el año 2020 por sus servicios a la música.  Es compositor, intérprete, fundador de sellos discográficos, pero donde ha participado más ampliamente ha sido en las funciones de productor.  Como tal, fue el principal responsable del boom del blues británico a finales de los 60, trabajando en discos de John Mayall, Fleetwood Mac, Chicken Shack, Duster Bennett, Savoy Brown y Ten Years After.  Su nombre y apellido aparecen como productor de trabajos de perfil fundamentalmente de Blues por lo que, a los nombres citados, se les añaden Champion Jack Dupree, Eddie Boyd, Buddy Guy, Otis SpannJohn Mayall's Bluesbreakers (con Eric Clapton, Peter Green y Mick TaylorClimax Blues Band, Dr. Feelgood, George 'Harmonica' SmithBacon Fat, Jimmy
Witherspoon, Freddie King, Lightnin' Slim, Kandye Cane, Jerry 'Boogie' McCain, Bo Diddley with Johnny 'Guitar' Watson, Jimmie Vaughan, Billy Boy Arnold, Keith RichardsRon Wood, Johnnie Johnson and Richie Sambora, Lazy Lester, Sherman Robertson, Oli Brown, Laurence Jones and Sari Schorr... la lista no tiene fin, sin olvidar otra lista formada por solistas y grupos no relacionados directamente con el Blues como David BowieBloodstone, Olympic Runners, Rocky Sharpe & The Replays, Edwin Starr, Level 42Roachford, Roger Chapman, Six Was Nine, Danza Invisible y Los Secretos.

Como intérprete, Mike Vernon grabó cuatro álbumes firmados con su nombre y apellido.  El primero, titulado
Bring It Back Home
apareció en 1971 bajo uno de sus sellos discográficos con Vernon en la parte vocal, guitarra bajo, guitarra eléctrica y producción.  Que esté en los créditos cubriendo las guitarras bajo y eléctrica es circunstancial porque en el LP colaboran, entre otros guitarras, Paul Kossoff (1950-1976) que estuvo en la banda Free y Rory Gallagher (1948-1995).

El LP se publicó en España el mismo año de su edición, 1971, pero cambió la portada original en blanco y negro por esta otra que recoge la foto de la derecha.

De ese primer LP de Mike Vernon en solitario recuperamos el tema del que participa la guitarra de Rory Gallagher, Come Back Baby.  
Son tres cortes los que escuchamos de Cat Squirrel de su primer disco, Blues What Am, Blues de primera clase.




Grabado en Sevilla en los Estudios Sputnik entre el 9 y el 12 de mayo de 2022.  Las grabaciones adicionales se llevaron a cabo en los Estudios  Kidville en Guillena, durante los meses de junio a agosto de 2022.  Las mezclas finales realizaron en los Estudios Sputnik entre los meses de octubre y noviembre del mismo año.
Blues What Am, el primer trabajo de Cat Squirrel se pondrá a la venta el próximo día 6 de octubre.  Habrá una presentación en vivo, en Sevilla, aquí tienes el cartel con todos los datos necesarios.



Volveremos en próximas ediciones con Cat Squirrel ahora nos movemos por las ramas genealógicas de la música para ir transitando del Blues al Swing.
Jumpin' Jive de Joe Jackson del año 1981, que supuso una revitalización de ese  género, el Swing, y el consiguiente resurgimiento del estilo desarrollado por diferentes proyectos dentro de lo que se conoció como Neo-Swing.  Uno de esos proyectos fue esta banda, Big Bad Voodoo Daddy



Big Bad Voodoo Daddy proceden del Sur de California, en concreto de Ventura, en Estados Unidos donde una serie de músicos se reunieron en 1989 alrededor de la figura del líder y fundador, Scotty Morris, (en la foto anterior en el centro, tocado con sombrero)  Morris eligió el nombre del grupo después de que el legendario guitarrista Albert Collins, tras una actuación a la que asistió Morris, le firmara un póster que decía:  To Scotty, the big bad voodoo daddy.

Sería en 1994 cuando el combo publicara su primer larga duración, bautizado de forma homónima y del que extraemos un par de cortes.


Neo-Swing, solistas o grupos que se dedicaron en la recta final del siglo XX a la recuperación de estilos como el Swing.  La banda que suena a continuación no recuperó nada, creó Swing en el momento, allá por la década de los años 40, respondía al nombre de The International Sweethearts of Rhythm y tenía una característica principal: fue la primera banda integrada exclusivamente por mujeres en los Estados Unidos.

  
  
The International Sweethearts of Rhythm tocaron swing y jazz en un circuito nacional que incluía el Teatro Apollo en la ciudad de Nueva York, el Teatro Regal en Chicago y el Teatro Howard en Washington DC todo a lo largo de la década de los 40 del siglo pasado.  Durante los movimientos feministas de las décadas de 1960 y 1970 en Estados Unidos, International Sweethearts of Rhythm se hizo popular entre escritoras y musicólogas feministas que se propusieron cambiar el discurso sobre la historia del jazz para incluir a músicos tanto hombres como mujeres.  


La flautista Antoinette Handy (1930-2002) fue una académica que documentó la historia de estas mujeres de color dedicadas a la música.


Los miembros originales de la banda se habían conocido en Mississippi en 1938 en Piney Woods Country Life School, una escuela para niños y niñas pobres y afroamericanos.


La mayoría de los que asistieron a Piney Woods eran huérfanos, incluida la directora de la banda Helen Jones






que había sido adoptada por el director y fundador de la escuela Laurence C. Jones (1882-1975)




En 1941, International Sweethearts of Rhythm se convirtió en un grupo profesional y cortó las conexiones con Piney Woods.  Los miembros de diferentes razas, incluidas latinas, asiáticos, caucásicas, negras, indias y puertorriqueñas, le dieron a la banda un sabor internacional.  Llegaron a pasar por la Orquesta hasta 50 mujeres.  
Una gran cantidad de grabaciones de la orquesta han desaparecido con los años.  En 2012, el álbum recopilatorio International Sweethearts of Rhythm: Hottest Women's Band of the 1940s fue seleccionado por la Biblioteca del Congreso para su conservación en el Registro Nacional de Grabaciones por ser cultural, histórica o estéticamente significativa.  Esa es la única grabación que se puede encontrar en los medios actuales y es la que recuperamos hoy en Cíclope 3.0 a través de dos de sus cortes.
Entramos ya en la recta final de la edición de hoy y más que recta en los últimos minutos de programa que van a estar ocupados por otro colectivo íntegramente femenino, un septeto neoyorquino que responde al nombre de Artemis.



Toman el nombre en honor a la diosa helena de la caza, Artemisa, Artemis es un colectivo de jazz de mujeres conocido por su jazz post-bop profundamente sofisticado y hábil.  El grupo debutó en 2020 con el epónimo Artemis, seguido en 2023 por In Real Time.
Formado en 2017, Artemis está dirigida por la pianista canadiense y directora musical Renee Rosnes, y originalmente contó con la participación de la trompetista tenor Ingrid Jensen, la saxofonista Melissa Aldana, la clarinetista Anat Cohen, la bajista Noriko Ueda, la batería Allison Miller y la vocalista Cécile McLorin SalvantRosnes inicialmente reunió al grupo para una gira europea, con la esperanza de mostrar y aprovechar los talentos de cada intérprete.  Después de algunas actuaciones en vivo bien recibidas en el Carnegie Hall y el Festival de Jazz de Newport de 2018, la banda lanzó su álbum debut homónimo, Artemis, en el año 2020 en el prestigioso sello discográfico de Jazz Blue Note Records.  En 2023, Artemis regresó con su segundo álbum, In Real Time.


 
La idea era escuchar un corte de cada disco para cerrar esta edición de Cíclope 3.0 pero el Tiempo nos vence con su estrategia de siempre y tan solo nos da para escuchar un tema del primar álbum, un corte titulado Goddess of the Hunt.
Y con esta Diosa de la caza nos despedimos.

Espero que te guste el programa.

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