miércoles, 23 de febrero de 2022

Cíclope 3.0 - 22-02-22 - Especial The Jazz Butcher # 2


The Jazz Butcher



Cíclope 3.0 del martes 22 de febrero de 2022.  Segunda entrega del Especial The Jazz Butcher que comenzábamos el último martes del mes de enero, inaugurando esa segunda edición de Especiales Discografía en el programa.
Hoy empezamos por el final de la primera etapa de este Especial Jazz Butcher, con aquel álbum titulado A Scandal in Bohemia de 1984, el segundo disco de la banda, del que escuchábamos dos temas.  En esta ocasión recuperamos unos cuantos más.



En el disco aparecen por primera vez personajes de los que habla Pat Fish como si de un relato sonoro se tratase: Marnie, Betty Page...  No funcionan como alter-egos sino como figuras que protagonizan aventuras de la vida cotidiana.  El disco se graba con una banda de respaldo estable, o al menos fue así durante algunos trabajos.  David J, guitarra bajo, Owen Jones en la percusión y batería, Max Eider guitarra principal, y Pat Fish en la voz, guitarra y textos de las canciones.  La mejora con respecto a su primer LP, In Bath of Bacon de 1983, radica en el sonido.  Ese primer trabajo contó con la producción casi naif del grupo.  El segundo trabajo contó con la labor de John A. Rivers, prestigioso ingeniero de sonido que venía de mezclar y producir un buen número de trabajos del sello discográfico 4AD.  


David J

















Max Eider





Owen Jones














Pat Fish


Un año después de la aparición de A Scandal in Bohemia, en 1985, aparecía Sex and Travel.





























Portada y contraportada de un disco con el perfil clásico de la música de The Jazz Butcher: canciones cortas que cuentan historias sobre cosas cotidianas, domésticas y personas que protagonizan esos relatos sonoros, composiciones envueltas en música melódica al más puro estilo de la New Wave de los 80.  Y están hechas de una manera que es puro Jazz Butcher, es decir, puro Pat Fish.  Aquí, una máquina de escribir ordinaria se convierte en la percusión ideal para una canción monótona (Holiday) sobre un caballero de habla inglesa de vacaciones que, como dice la letra de la canción, normalmente la gente inglesa habla con amabilidad, cuando está de vacaciones.  Con melodías elaboradas con magníficos arreglos, la voz de Jazz Butcher, Pat Fish, tiene su registro habitual, mezcla de simpatía e ironía.  Volvía a repetirse la misma formación que en el álbum anterior, incluido el productor John A. Rivers.  Pero sería el último álbum que contase con la participación de David J como miembro regular en la banda.  Como última intervención dejaría algún tema compuesto a medias con Butcher.  Se marcha para comenzar un nuevo proyecto con antiguos compañeros de Bauhaus, un nuevo grupo llamado Love & Rockets.



Pat Fish y David J

Entre el álbum de 1985 y el próximo de 1986, Fish une sus fuerzas creativas a las de Max Eider y publican un EP de 4 canciones titulado Conspiracy firmado por The Jazz Butcher versus Max Eider.


Ellos dos solos más la aparición casual del músico escocés Alex Green (1930-2017) elaboran este disco dedicado a la memoria inmortal del actor el gran Peter Lorre.  Según Pat Fish: "Eras uno de los Grandes, Peter".  Los temas aparecerían posteriormente como parte de álbumes recopilaciones, pero lo de Conspiracy se añadiría al nombre de la banda como vamos a ver en breve.

Tras la marcha del bajista David J, The Jazz Butcher mantendría la formación habitual excepto la figura del guitarra bajo que ocuparía otro músico: Graham Fudger, alias Felix, de quien no encuentro foto alguna para poder ilustrar su imagen.  Pero lo que importa es que sería el nuevo miembro que contribuiría a hacer un disco tan relajado como Distressed Gentle Folk, firmado por The Jazz Butcher Conspiracy.


Distressed Gentle Folk, de 1986, es probablemente el disco más relajado de la banda.  Esta afirmación es producto de una mirada retrospectiva a su discografía, donde ocupa un lugar relevante porque, entre otros aspectos, el registro de composiciones no lo ocupa solo Pat Fish sino que se amplía con dos canciones originales de Max Eider, el hombre de confianza, la mano derecha de Fish.


Funda protectora del LP Distressed Gentle Folk


El disco tiene un cierto aire country que impregna el perfil del trabajo, así como aires swing de jazz, el doo-wop y un toque de nostalgia.  Fish amplia los seudónimos llamándose The Jazz Butcher, Butch o Butcher, dándole así más colorido a los créditos.  Pero una sombra siniestra se cernía sobre el grupo: Max Eider, el guitarra principal, el hombre de confianza de Fish, dejaría el grupo tras la grabación de este LP y provocó un terremoto emocional en su compañero.  Pero eso será parte del próximo Especial The Jazz Butcher, el último martes del próximo mes de marzo.

Espero que te guste el programa de hoy.

Enlace:

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miércoles, 16 de febrero de 2022

Cíclope 3.0 - 15-02-22

 



Cíclope 3.0 del martes 15 de febrero de 2022.  El pasado día 11 Cíclope 3.0 cumplió ocho años en antena a través de la sintonía de Radio Tomares.  Un año más quiero dar las gracias a Radio Tomares por permitirme desarrollar el proyecto del programa y a Pablo Franco y José Antonio Granero por su labor como Técnicos y Controladores de Sonido.  Sin su ayuda no me sería posible hacer realidad Cíclope 3.0

Y sin más comenzamos el programa de hoy recuperando sonidos de ayer con una banda que se reunió en 1974 en su ciudad natal, Guildford, en Surrey, Inglaterra, y que se bautizaron con el nombre Guildford Stranglers para inmediatamente acortarlo y dejarlo como Stranglers.  




Aunque saltaron a la fama durante la explosión inicial del Punk británico, Stranglers (con el artículo The unas veces y otras no) siempre se destacaron de las demás bandas de la generación de 1977.  Tenían talento para delimitar líneas claras de transgresión, su música no sonaba con la furia basada en guitarras rápidas y fuertes de Damned, Sex Pistols o The Clash.  Eran una versión sucia del Garage Punk de los años 60 con una resaca psicodélica siniestra.  Con el paso del tiempo desarrollaron un sonido más orientado al Pop, todavía oscuro pero con melodías potentes.  Hay una primera época que abarca desde el principio (mediada la década de los años 70) que contrasta con una segunda tendencia que aflora en los años 80 influida por el perfil de Jean-Jacques Burnel (en la foto, el primero por la derecha), el guitarra bajo y cantante de origen franco-inglés que fue quien dio ese cambio de rumbo en las formas del grupo con la publicación del álbum La Folie de 1981.


Una colección de canciones potentes daba un giro a lo que hasta el momento había hecho la banda.  La emblemática La Folie, cantada en francés por el bajista, no es la única perla de un álbum que incluye una de las composiciones más poderosas que ha realizado el grupo, Golden Brown, con esa textura de fondo de sintetizador/clavicémbalo envuelto en un ritmo marcado por voces ronroneantes.  Esta es la canción que le sirve al Cíclope como punto de fuga para ir delimitando el plano del espacio de hoy.


La Folie veía la luz el 9 de noviembre de 1981.  El 1 de enero de 1983 lo hacía Feline, donde The Stranglers se alejaban de las melodías beligerantes con las que se dieron a conocer.  Entre la melancolía y la calma, canciones como Midnight Summer Dream European Female (In Celebration Of) reflejaban cambios que no indicaban un nuevo camino a seguir sino sencillamente épocas en las que el grupo experimentaba con otras estructuras.  De esas dos citadas, nos quedamos con la segunda.  La otra, ese Sueño de Medianoche de Verano, de título tan shakespiriano, nos sirve, por alusión, para conectar con lo que sigue en la selección del programa de hoy.

Campanadas a Medianoche es el título de una película de Orson Welles de 1965 con guion del mismo Welles basado en textos originales de William Shakespeare.  Chimes at Midnight, Campanadas a Medianoche, también es el título del nuevo trabajo de Madrugada.




La banda noruega Madrugada entró en pausa tras el fallecimiento de Robert Buras (1975-2007), guitarrista y uno de los miembros fundadores de la banda.  Lo último que grabaron en estudio fue el álbum Madrugada, publicado en 2008.  Desde entonces y hasta hoy el vocalista Sivert Hoyem ha grabado en solitario.  La banda se reunió de nuevo con una formación distinta para conmemorar con actuaciones en vivo la publicación de su primer disco, Industrial Silence, del año 1999.  Actuaciones en directo que aguijonearon la creatividad de Hoyem para escribir canciones nuevas no para sus aventuras en solitario sino para recuperar el espíritu de Madrugada.  Y así, casi 14 años después de aquel álbum de título homónimo del 2008, reformada la lista de miembros colaboradores en el proyecto, Madrugada publicaba el 28 de enero de este año su nuevo trabajo: Chimes at Midnight.  



Dice el refrán que nunca llueve a gusto de todos y este nuevo disco del grupo ha dejado indiferente a muchos de sus seguidores.  Suena, dicen, como una prolongación de los trabajos en solitario del vocalista, Sivert Hoyem, sin aportar nada.  Para los más benevolentes es un buen trabajo.  Lo cierto es que, sin ser excesivamente brillante, tampoco es un mal resultado.  Tiene buenas composiciones y aunque la guitarra de Robert Buras se sigue echando de menos, la labor del guitarrista Cato Thomassen, alias Cato Salsa, deja una más que buena impresión cuando se le escucha en temas como Stabat Mater.



Cato Salsa

Hasta 3 cortes entresaca el Cíclope de este nuevo álbum de Madrugada, uno de ellos es una de las canciones que dejó escritas el malogrado Robert Buras que reescriben los miembros de la banda para este disco de reencuentro.

Seguimos con algunas novedades de este año 2022, entre otras, el EP adelanto del próximo larga duración de Placebo.



Brian Molko
Brian Molko, guitarrista, cantante y compositor, con una fuerte inclinación por la vestimenta y el maquillaje andrógino y la pasión por los riffs de guitarra de perfil punky, capitanea Placebo desde mediada la década de los años 90.  En una especie de pirueta mental, se ha llegado a decir que Placebo son una versión glamurosa de lentejuelas y maquillaje de Nirvana.  Esta idea artefacto no ha pesado sobre el proyecto que se originó en 1994 cuando Molko, de ascendencia escocesa y estadounidense y educado en Inglaterra, cruza su camino con el guitarra bajo de origen sueco Stefan Olsdal.


Stefan Olsdal
Se conocían porque habían compartido el mismo colegio en Luxemburgo.  Pero no sería sino en 1994 cuando coinciden en Londres y comienzan a trabajar juntos.  Primero se llamaron Ashtray Heart, trabajaron durante unos cuantos meses un sonido originado por los discos que escuchaban: Sonic Youth, Pixies, Smashing Pumpkins, Nirvana.

Ese mismo bagaje de influencias estaría en la base de un cassette publicado en 1995 ya con el nombre definitivo de Placebo y con formato de trío: Molko, Olsdal y el puesto de batería ocupado primero por Robert Schultzberg, sustituido por Steve Hewitt y de nuevo ocupado por Schultzberg.



Robert Schultzberg

  


Steve Hewitt

Las mismas canciones del cassette bautizado con el nombre de la banda aparecerían un año después, en 1996, en formato Vinilo/CD con el mismo título, y comenzó a expandir las buenas vibraciones del proyecto que ha oscilado habitualmente entre el formato trío y el binomio dúo, hasta nuestros días.  

La última vez que Placebo entró en unos estudios para grabar fue en el año 2013, año de publicación de Loud Like Love.  Después, en 2015, aparecía MTV Unplugged, grabado en vivo con algunas interpretaciones de temas no incluidos en su discografía.  En 2016 aparece un álbum retrospectivo, A Place For Us To Dream, una recopilación de 36 temas realizada por ellos mismos que incluía un tema nuevo, Jesus' Son.  Desde entonces y hasta 2021, Placebo no habían vuelto a publicar nada, lo cual no significa que hayan estado inactivos o que el proyecto se hubiese disuelto porque tras la aparición de esa extensa antología el grupo se embarcó en una gira mundial que les llevó a México, Australia y Europa.  En 2018 actuaron en el Meltdown Festival en Londres, evento organizado por Robert Smith.  En 2019 se meten en los estudios para organizar el material que formará el álbum Never Let Me Go, el disco que sufrió un parón lógico debido a la declaración de la Pandemia COVID-19 en 2020.  Sería ya en 2021, el 17 de septiembre, cuando aparecería Beautiful James, el primer adelanto de ese esperado nuevo larga duración.  El 9 de noviembre de ese 2021 vería la luz el segundo single: Surrounded By Spies.  El 11 de enero de este año 2022 se publicaron esos dos sencillos más el tema Try Better Next Time en un EP bautizado con ese mismo nombre.  



El tema que le da título al EP más el primer single es lo que escuchamos hasta que llegue la edición de Never Let Me Go.



El tiempo que queda del programa de hoy está dedicado a un hombre que, por desgracia, nos ha dejado: el pasado día 7 de febrero fallecía Benito José Peinado Parra, conocido como Benito Peinado, el alma y motor de Dulce Venganza.  Compositor, cantante, pintor, trabajaba sobre el diseño de collages desde hacía tiempo.  Se ha ido a la edad de 58 años, cuando aún le quedaba tanto que decir.  El Azar juega esas extrañas combinaciones: ahora que su música grabada había visto la luz el pasado mes de noviembre del año 2021, el Destino lo arrebata y se lo lleva y nos queda su ausencia.
Se ha ido un músico y un amigo.  Recuerdo los tiempos del programa Cámara de Ecos en la desaparecida emisora RadioCadenaEspañola-RadioCadenaPop, que presentaba y realizaba quien escribe estas líneas, y las entrevistas que le hice a Benito.  Más que entrevistas eran conversaciones en las que hablábamos sobre todo de música, de lo que estaba haciendo, de canciones suyas, nuevas, y de la música que le gustaba.  Su abanico de preferencias era amplio y heterogéneo porque poseía un alma camaleónica y no se quedaba sólo en un género, en un estilo, en unas formas.  Los principios de Dulce Venganza se identificaron con el Pop Tecno y para algunos comentaristas de la industria fonográfica era una etiqueta inamovible, sin embargo el carácter de Benito no le dejaba ser encasillado y sus actuaciones en directo y grabaciones fueron indicando que el camino se bifurcaba, se diversificaba, y el músico creaba nuevas estructuras de expresión.  Es una de las muestras de cómo la Música es un constante devenir.  Benito escuchaba mucha música y esponjaba todo aquello que fuese luminoso y original haciéndolo suyo, pasándolo por su crisol personal.  Comenzó moviendo las caderas con un Pop Tecno, cierto, pero cambió, cambiaba constantemente, buscando nuevas vías de expresión.  Siempre estuvo rodeado de músicos versátiles que sabían recoger las ideas que quería materializar en canciones y colaboraron con él guitarras de la talla de Juanjo Pizarro, Andrés Herrera El Pájaro, y guitarras bajo como Jesús Arispont o Miguel Suárez.
Lo último que se supo de Dulce Venganza, lo último que se conoció de sus grabaciones en estudio fue allá por 1991 cuando se publicó Vida & Color.  Dos años después, en 1993, José María Sagrista grababa y mezclaba en los Estudios Central de Sevilla un álbum que quedó registrado en un máster original… máster que se perdió y del que no se ha sabido nada hasta la década de los años 20 de este siglo XXI.  Sería el segundo trabajo publicado por el sello discográfico sevillano Felices Años 20 precisamente en su primer aniversario, en noviembre del año 2021 y se editó con el título Las pistas perdidas de Dulce Venganza10 canciones nuevas, grabadas hace casi 30 años, vueltas a masterizar con algún instrumento añadido, pero canciones originales, no publicadas hasta el momento.  Las letras se deben a Benito Peinado, en la música tiene un 50% de responsabilidad, el otro 50 % recae fundamentalmente sobre Juanjo Pizarro,  guitarra, poderosa guitarra que es la columna vertebral de cada una de las canciones del álbum.  En los créditos están músicos como Paco Cabello, Pacoco, guitarra bajo, fundamental en tantas bandas del Pop y del Rock de Sevilla como por ejemplo HELIO; Juan Acuña, Juanvi, teclados y programaciones; Goyo, batería de Los Bombones y All la Glory, percusión adicional; Bendito Venganza voz principal, con el apoyo en los coros de José María Sagrista y Juanjo Pizarro.  La producción final del disco recae, en el bloque de las guitarras, sobre Juanjo Pizarro y José María Sagrista; la producción general, teclados y programación rítmica recae sobre Juan Acuña, Juanvi. Por cierto, que me perdonen los músicos responsables del sonido final porque en la locución del programa comento que la producción recaía sobre Juanjo Pizarro y no fue así.  La prisa por sintetizar las ideas para dejar espacio para la música me hizo cometer ese error.  
Las pistas perdidas de Dulce Venganza sonó aquí en Cíclope 3.0 cuando se publicó, en noviembre de 2021, en concreto el martes día 30.  Hoy escuchamos cinco temas que no sonaron en aquella ocasión: Sobre una nube de frambuesa, Oro y amor, Soy así, Lolita y La venganza siempre es dulce.
Las pistas perdidas de Dulce Venganza, además de ser un disco, también es una novela, cuyo título, Las cosas nunca son como uno quiere que sean, ha servido para expresar las emociones que ha suscitado en muchas personas el fallecimiento de Benito La novela, más bien el relato largo es una narración premeditadamente caótica porque la trama, la acción, se desarrolla como un collage de ideas donde se entrecruzan pasiones musicales, literarias y cinematográficas del autor.  Ya lo comenté y no me cansaré de hacerlo: el envoltorio, la carpeta del disco LP/CD/Novela es un lujo de coleccionistas.  Muy pocos discos llegan a tener, sobre todo, en pleno siglo XXI, un continente como el que tiene este.  El diseño y las fotografías son del alma y motor del sello Felices Años 20, Paco Cruces, Paco Trilita.




Los collages son originales de BenitoPaco Trilita se encarga de dar un orden caótico al desorden lógico del tapiz de fotos, dibujos, grabados...en el centro, debidamente acoplado a la carpeta, el CD.










Cuando sacas el LP de su funda protectora de papel te quedas perplejo: un picture disc, un disco pintado por ambas caras con motivos distintos unos de otros. 


Y en la otra apertura de la carpeta, donde iría un segundo LP si el disco fuese doble, ahí te encuentras con la novela 







Benito José Peinado Parra ya no está entre nosotros, pero nos queda su música, que siempre podremos escuchar las veces que hagan falta.  Después de treinta años sin vernos nos reencontramos el 21 de noviembre del año pasado, 2021, la noche de la presentación del disco-novela.  Quedamos para más adelante, teníamos que hablar de un montón de cosas, pero no ha podido ser.  La noticia de su muerte fue un mazazo certero.  Es cierto: Las cosas nunca son como uno quiere que seanDulce Venganza, In Memoriam.



Con Benito


Espero que te guste el programa.


Enlace: 

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-15-02-22




jueves, 10 de febrero de 2022

Cíclope 3.0 - 08-02-22


 

Cíclope 3.0 del martes 8 de febrero de 2022.  Comenzamos haciendo honor al lema del Cíclope: escuchamos música a través del Prisma del Tiempo.  Y así es porque en esta ocasión nos trasladamos hasta 1970 para recuperar una canción del segundo álbum de Genesis, el disco titulado Trespass.



Se presentaron en 1969 con un disco titulado From Genesis to Revelation.  Por aquel entonces la formación estaba constituida por Peter Gabriel, voz y flauta, Tony Banks, teclados, Michael Rutherford guitarra bajo y Anthony Phillips guitarra eléctrica y acústica.  La batería estaba en manos de John Mayhew.  Mayhew era el tercer batería del grupo, entró en 1970.  Antes que él estuvo ocupando el sitio Chris Stewart, el primer batería de Genesis que ocupó el puesto con la banda recién formada en 1968.  En 1969 fue reemplazado por John Silver que aparece en los créditos de From Genesis to Revelation.  En agosto de ese año, 1969, Silver abandonó al grupo para ser sustituido por John Mayhew, que estaría hasta 1971, cuando se produce el último cambio definitivo en las filas del proyecto: a Mayhew lo sustituiría Phil Collins y a Anthony Phillips otro guitarrista versátil, Steve Hackett.  Esa sería la formación definitiva, 1971, que llevó a Gabriel y compañía por los senderos más brillantes de la creación hasta 1974, cuando se publica The Lamb Lies Down on Broadway y Gabriel deja al grupo para seguir en solitario.  Pero me estoy enrollando como una persiana vieja y me estoy yendo por las ramas.  Estamos en 1970, Trespass.




Las carpetas de los discos Nursery Crime de 1971, Foxtrot de 1972, o este Trespass, tenían en común que eran dobles, se abrían.  Las originales, claro, aquí en España cuya edición comienza en 1971 (los dos primeros álbumes no vieron la luz) las cubiertas de los discos son cerradas, ni más diseño ni más textos de las canciones cuando las versiones originales sí los incluían.  



Trespass sería el primer paso en la estructura de rock progresivo que tuvo el grupo.  Hay una canción que sería de las más demandadas por el público en directo, The Knife, sin embargo el Cíclope escoge la atmosférica Montaña Blanca (White Mountain) para comenzar esta edición y continuar precisamente con uno de los miembros originales, el guitarrista Anthony Phillips.


La formación primitiva de Genesis.

Anthony Phillips primero por la izquierda en la primera fila inferior.






Anthony Phillips
 en los tiempos actuales


 









Phillips es compositor, productor, multinstrumentista y cantante.

Estuvo en las filas de Genesis entre 1967 y 1970.  Como músico en solitario tiene una actividad rica y prolífica, reconocido compositor de música de biblioteca en el Reino Unido.  Su música ha aparecido periódicamente en anuncios, ha compuesto bandas sonoras de películas para la gran pantalla así como para series de televisión.  Lo que trae el Cíclope al programa de hoy son dos fragmentos de The Geese And The Ghost, publicado en 1977, el primer álbum en solitario posterior a su trabajo en las filas de Genesis.




El disco fue una extensión de los elementos folclóricos pseudomedievales que se encuentran en Trespass.  Un compañero de aquellos GenesisMichael Rutherford, colabora tocando la guitarra bajo, los teclados e inclusive compartiendo autoría de algunas de las composiciones.  Phil Collins entraría en el grupo Genesis y no estuvo tocando junto a Phillips, pero lo conocía, eran buenos amigos y contribuyó también a hacer posible ese The Geese And The Ghost poniendo la voz en un par de temas que son precisamente los dos que escuchamos.
Vámonos ahora a terrenos mitológicos con una criatura conocida como Grifo.


Cuadrúpedo alado, el Grifo era un ser con cabeza de águila de pico agudo, con la parte frontal de un pájaro gigantesco; la parte de atrás era de león, cola incluida.  Para no enrollarme con origenes de la figura y otras historias, reseño qué era esa criatura porque es el nombre que escogieron unos músicos ingleses para bautizarse como banda: Gryphon.


 
Gryphon es uno de los grupos de folk-rock más inusuales que surgieron en Inglaterra en la década de 1970, principalmente porque no limitaron su fusión de géneros musicales al folk-rock.  Engendrados en el Royal College of Music, comenzaron haciéndose un nombre en el folk-rock, pero su formación clásica y su enfoque de la composición, la grabación y la interpretación pronto los llevó al campo mucho más amplio del rock progresivo.

El grupo debutó en 1973 con un álbum bautizado con el nombre de la banda.  Eran un cuarteto en ese momento, sin un teclista a tiempo completo.  El material es esencialmente folk-rock progresivo con elementos de jazz y swing yuxtapuestos en unas estructuras de canciones folclóricas tradicionales, obras atribuidas a Enrique VIII y otras de origen popular.  Lo raro de su sonido lo daba la utilización de instrumentos poco usuales usados como instrumentos de base: El fagot, el cromorno y las flautas dulces conseguían un todo como mínimo peculiar.

El cromorno es un instrumento de viento hecho de madera, con una lengüeta encapsulada y con forma de bastón invertido.  Gozó de popularidad durante el Renacimiento y el interés por la Música Antigüa que se desarrolló a mediados del siglo XX lo devolvió a la actualidad, volviéndose a utilizar.  Por lo menos por algunos músicos como el binomio fundador de Gryphon, Brian Gulland y Richard Harvey.


Brian Gulland




Richard Harvey


  
En aquellos comienzos el cuarteto se cerraba con el guitarrista Graeme Taylor y el batería David Oberlé.


Graeme Taylor




Dave Oberlé




Gryphon se había separado a fines de la década de 1970, pero guardó una audiencia amplia, tanto de seguidores que lo habían escuchado a lo largo de sus años de actividad como una audiencia nueva que fue descubriendo lo que habían hecho gracias a las reediciones de su discografía en CD.  En los años transcurridos desde su ruptura, Richard Harvey ha seguido una carrera de varios niveles componiendo música de cine, música de cámara clásica e incursiones en el rock colaborando con Kate Bush y Elvis CostelloBrian Gulland apareció en discos de Richard & Linda Thompson y Billy Squier, Graeme Taylor pasó por la Albion Band y también trabajó con Richard & Linda Thompson.  Por último Dave Oberlé inició una actividad comercial en el periodismo del rock.
Sería en pleno siglo XXI cuando Gryphon reviviría con una formación que reunía a algunos de los antiguos miembros: a Graeme Taylor, Brian Gulland y Dave Oberlé, se les sumaron el virtuoso Andy Findon en clarinetes, saxos y flautas, Rob Levy en el bajo y Clare Taylor en el violín y teclados.


Andy Findon





Rob Levy





Clare Taylor




Gryphon
en la actualidad







En el año 2018 sorprendieron a sus admiradores con un nuevo álbum, Reinvention.  Dos años más tarde, en 2020, publicaban nuevo trabajo, Get Out of My Fathers Car, un disco  con una gama de estilos tan variados que no tiene precedentes en la historia de la más excéntrica de las bandas.  De aquellos Gryphon que comenzaron en la década de los 70 está ausente, como músico, el guitarrista Graeme Taylor.  No toca la guitarra pero es el productor del disco autoeditado por la banda.
Ya que estamos con sonidos de raíces folk vamos a continuar en esta línea con otra banda británica, en este caso el colectivo que responde al nombre de Tunng.


 
El colectivo indie experimental del Reino Unido Tunng se formó en torno a la asociación de dos músicos compositores e intérpretes: Mike Lindsay y Sam Genders.


Mike Lindsay
 y Sam Genders

  
A menudo etiquetados como grupo de future folk o folktronica por los críticos que tuvieron dificultades para ubicar el sonido de la banda, el grupo entrelazó instrumentos acústicos con instrumentos electrónicos más una serie de sonidos ambientales.  Genders y Lindsay comenzaron su asociación musical componiendo bandas sonoras para películas pornográficas suaves y, a partir de esos comienzos audaces, pronto decidieron formar una banda que uniría la voz suave de Genders con la guitarra y la composición de canciones de Lindsay.  Para completar su sonido, el dúo incluye a dos miembros más.  Formación de cuarteto que no cuajó y de nuevo Tunng vuelven a ser dúo por un breve espacio de tiempo.  Deciden incluir más guitarras, más instrumentos y al proyecto se le suman las voces de Becky Jacobs y Ashley Bates y los multinstrumentistas Martin Smith y Phil Winter.


Becky Jacobs












Ashley Bates




Martin Smith











Phil Winter


A una gran variedad de instrumentos se le suman efectos de  tocadiscos, programación y percusiones varias.
Hasta ese momento, Tunng era más un proyecto de estudio que un colectivo de músicos que actuaran en vivo, seis músicos que, inicialmente, habían optado por no actuar en directo, siguiendo las ideas de uno de los miembros fundadores, Sam Genders.  Después de un puñado de Singles, Tunng publica en el año 2005 un álbum de debut, This Is... Tunng: Mother's Daughter and Other Songs.
Ahora sí, ahora es tiempo de actuar en vivo y mostrar de qué son capaces.



El álbum de debut, publicado después de varios sencillos de los cuales solo se repiten dos pistas aquí, presenta diez fascinantes vistazos al mundo sonoro distintivo y ya completamente formado que Tunng continuaría explorando y desarrollando en futuros lanzamientos: en esencia es folk acústico, una suave pastoral , generosamente adornada con florituras electrónicas.  Las composiciones transmiten una sensación de antigüedad curiosamente provincial y, de hecho, cada uno de estos números despliega una melodía armoniosa, algo similar a un canto fúnebre, que recuerda a la música tradicional de baladas inglesas.
Lo último que ha editado el sexteto ha sido el álbum Tunng presents...Dead Club, en septiembre del año 2020.  Lanzaron una serie de podcasts, ocho en total, con el título The Dead Club.  Incluían discusiones centradas en la muerte y entrevistas con filósofos, escritores y otras figuras creativas cuyo trabajo toca temas relacionados con la muerte.  El acompañamiento musical del podcast consistió en material nuevo de Tunng que también se centró en temas de la muerte, y ese material se recopiló para su séptimo álbum de estudio, Tunng presents...Dead Club.


Para repasar la labor musical de Tunng, el Cíclope recupera un tema del álbum del año 2005 y dos de ese, por ahora, último trabajo publicado en 2020.
En la recta final del programa de hoy nos trasladamos hasta Noruega para quedarnos con un trío llamado Midnight Choir.




Son oriundos de Noruega aunque suenen a banda americana por su admiración hacia las armonías y figuras musicales del gran país.  Cuidado porque si buscas información del grupo te puedes encontrar con otra banda de nombre semejante y que se diferencian por el artículo The.  The Midnight Choir es un quinteto inglés, de la ciudad de Sheffield, que se dieron a conocer a principios del año 1983 y que practicaban un Post-Punk hasta 1987, año de la disolución del grupo.
Midnight Choir no tienen que ver nada con esa otra banda.  Ellos son noruegos, de la ciudad de Skien, comenzaron en 1992 y no graban nada desde principios de este siglo XXI, en concreto desde 2003.
Comenzaron siendo una banda que tocaba en la calle con el nombre de Hashbrown.  Sería el teclista noruego Lasse Hafreager el que los escuchó y decidió ofrecerles la oportunidad de grabar un disco siempre y cuando estuvieran dispuestos a cambiar de nombre (Hashbrown significa Papas Fritas, y le resultaba poco serio).  Ellos se justificaron diciendo que era un nombre provisional y optaron por el de Midnight Choir, tomando como referencia la primera línea del texto de la canción Bird on a Wire del segundo disco de Leonard Cohen:
Like a bird on the wire

Like a drunk in a midnight choir

Aunque tienen colaboración de varios músicos, Midnight Choir son, en esencia y desde el comienzo, un trío formado por Paal Flaata, voz y guitarra y los hermanos Ron Olsen, bajo acústico, y Atle Bystrom, guitarras y otros instrumentos.  Esta formación es la que graba el primer álbum de la banda.  A partir del segundo trabajo, Bystrom era sustituido por el multinstrumentista Al DeLoner.


Para repasar su forma de hacer música, el Cíclope recupera dos de sus trabajos.  Comienza con el tercer álbum de la banda, Amsterdam Stranded, aparecido en 1998, un álbum que contaría con la producción de Chris Eckman de la banda Walkabouts, uno de los grupos admirados por los miembros de Midnight Choir.


Olsen's Lot, el segundo álbum del trío, se publicaba en 1996 y fue la primera ocasión en la que Chris Eckman les producía un disco.  

Con ellos, con este Coro de Medianoche cerramos la edición de Cíclope 3.0 de hoy.

Espero que te guste el programa.


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