Cíclope 3.0 - 24-10-23

 

Cádiz, Playa de la Victoria, octubre 2023

Cíclope 3.0 del martes 24 de octubre de 2023.  Para empezar déjame que te hable un poco del andamiaje y tornillería del programa de hoy.  El Cíclope se había fijado en algunos trabajos de música donde la guitarra española y acústica son protagonistas principales y, con esa máxima, se puso a buscar obras e intérpretes específicos.  Como tiene la costumbre de iniciar los programas mirando hacia atrás en el Tiempo encontró una huella que le llamó la atención: la voz de una niña recitando lo que parece el fragmento de un poema.  Tirando de memoria llegamos a un dato posible:  en los 70 había una carpeta con diseño fácilmente reconocible porque pertenecía al diseñador, arquitecto, publicista e ilustrador británico Roger Dean.  Era el disco de un guitarrista que manejaba tanto las guitarras españolas y acústica como la eléctrica, y ese hombre era, y es, Steve Howe.  Así comienza la edición de Cíclope 3.0 de hoy.

Stephen James Howe, conocido como Steve Howe es guitarrista, famoso sobre todo por ser miembro de la banda británica Yes, uno de los grupos más representativos del Rock Progresivo de la década de los años 70, entonces denominado Rock Sinfónico.  Howe entró a formar parte de Yes en 1971, sustituyendo a Peter Banks.  Howe resultaba curioso: tenía influencias de músicos como el guitarrista de Country americano Chet Atkins (1924-2001), Django Reinhardt (1910-1953) y el dúo Les Paul & Mary Ford, famosos en los años 50.  Con ese plantel de admiraciones, es difícil creer que se convertiría en uno de los guitarristas más influyentes del Rock Progresivo.  Cuando Howe comenzó buscó formar parte de algún grupo.  Se presentó a las pruebas de audiciones que algunas bandas solicitaban por aquellos años finales de los 60, entre otras Nice o Jethro Tull, pero resultaron infructuosas.  Sería el Destino el que le deparase el feliz encuentro con aquel grupo que estaba buscando, urgentemente, un cambio para los puestos del guitarrista y el teclista.  El resto estaba perfectamente estructurado: Jon Anderson, voz; Chris Squire, guitarra bajo y Bill Bruford, batería.  Pero el teclista Tony Kaye y el guitarrista Peter Banks, no, no encajaban en las formas que el grupo quería desarrollar.  Así, un día, Anderson contacta con Howe.  Le confiesa que le gusta su forma, sus maneras de manejar la guitarra y le propone formar parte de la banda que está siendo reformada.  Venga, vale, Howe da su consentimiento y ocupa su sitio en el seno de Yes apareciendo por primera vez en el LP The Yes Álbum, grabado entre octubre y noviembre de 1970 y publicado a principios de 1971.  Ahí, Steve Howe tocaba, él sólo con la guitarra acústica, una composición propia titulada The Clap, grabada en una actuación en vivo en la sala Lyceum de Londres.

Ese año de 1971, en septiembre, Yes entraban en los estudios de grabación de nuevo con el último fichaje, el sustituto del teclista Tony Kaye que no fue otro que Rick Wakeman.  En el mes de enero de 1972 se publicaba Fragile, la declaración de principios del quinteto de lo que serían capaces de desarrollar a partir de ese momento en adelante.  Pero el protagonista en el programa de hoy no es el grupo, es su guitarrista, Steve Howe, un músico que, hasta septiembre del año 2009, ha publicado 19 álbumes en solitario.

El primero que editó, paralelamente a sus labores como miembro de Yes, fue el LP Beginnings.

¿Cuál es la huella que resonaba en la memoria del Cíclope?  La voz de una niña que parecía recitar el fragmento de un poema.  El corte con el que se abre la cara A de este primer LP de Steve Howe comienza así: una niña (su hija) recita un fragmento del poema At Night, original de Alice Meynell, escritora, poeta, editora, crítica y sufragista inglesa.

Alice Meynell (1847-1922)

Doors of Sleep es el tema que abre ese primer trabajo de Howe que contó con la colaboración de compañeros de Yes en activo como el batería Bill Bruford y alguno que entraría en la banda un tiempo después como el batería Alan White, que sustituyó a Bruford cuando este se marchó a King Crimson, y el teclista Patrick Moraz, que sustituiría a Rick Wakeman.  Los créditos incluían también a tres miembros de la banda Gryphon: el guitarrista Graeme Taylor, el guitarra bajo y flauta Malcolm Bennet y el batería David Oberlé, además de otras colaboraciones de colegas de la música.

De la huella en la memoria del Cíclope queda este otro dato: el tema Humor por un día.  El tema en cuestión va incluido en el LP Fragile de Yes, al igual que The Clap del disco The Yes Album, está compuesto por Steve Howe.  The Clap está interpretado con la guitarra acústica, Mood For A Day con la guitarra española.

Este ha sido el comienzo del programa de hoy con la mirada puesta en la guitarra acústica y española.  Con ella vamos a continuar, ahora dejándola en manos de un dúo de origen mexicano que responde al nombre de cada uno de los miembros del tándem: Rodrigo y Gabriela.

Rodrigo Sánchez y Gabriela Quintero, se conocieron cuando tenían 15 años.  Crecieron en Ciudad de México, unidos por la extraordinaria afición hacia el Heavy Metal.  Antes de convertirse en el dúo de guitarras acústicas reconocido desde hace unos años, Gabriela y Rodrigo, influidos profundamente por Metallica, combinaron sus talentos por un tiempo en el grupo de metal Tierra Ácida, tocando en Ciudad de México en los clubes más alternativos que la ciudad podía ofrecer.  Es cierto que el grupo grabó algo de material (un cassette), pero Tierra Ácida nunca tuvo un gran éxito y nunca grabaron un álbum.  Sánchez y Quintero se concentraron en aprender más estilos de guitarra, dar lecciones durante el día y tocar bossa nova en bares de hoteles por la noche para seguir subsistiendo.  Aburridos y frustrados con sus posibilidades en América, los dos decidieron probar suerte en Europa, y en el viejo continente, en Irlanda, en Dublín, encontraron el eco necesario para desarrollar su actividad.

La labor musical del dúo registrada en discos comienza con grabaciones autoeditadas entre el final de los años 90 y el comienzo del nuevo siglo.  Su debut a través de un sello discográfico lo realizan en el año 2002, siguen con un álbum grabado en vivo entre las ciudades de Manchester y Dublin y, en 2006, aparecería el álbum Rodrigo y Gabriela del que el Cíclope extrae el corte Ixtapa.  Varios trabajos recogen actuaciones en vivo y en estudio, pero en el año 2019 aparecía un disco particularmente interesante bautizado con el nombre de Mettavolution.

El título del álbum se deriva de dos palabras distintas: Metta, en sánscrito, significa bondad amorosa, compasión por uno mismo y por los demás; la palabra evolution, de raíz latina, ofrece varios significados, incluido un cambio fundamental en la forma de pensar acerca de algo.  Este disco es el primero tras cinco años de actividad en directo, en vivo, este álbum es el reencuentro con la inspiración y el trabajo reflexivo.  Revisan sus inspiraciones fundamentales, se reconectan con la emoción física y con el núcleo emocional de la música que hicieron juntos por primera vez.  El producto final lo desarrollan en un material que elaboran en su estudio en Ixtapa, en la costa del Pacífico de México, lo probaron y luego lo enviaron al productor y colaborador Dave Sardy, en Los Ángeles, que lo escuchó, entusiasmado, para aportar, sugerir algunas ideas, añadiendo guitarra bajo, percusión y algunos efectos de sintetizador.  Pero el corazón de Mettavolution son las guitarras españolas y acústicas de Rodrigo y Gabriela que realizan una versión muy interesante de aquel tema de Pink Floyd de 1971, Echoes, del álbum Meddle.  El original dura 23 minutos con 31 segundos, la versión de Rodrigo y Gabriela un poco menos, 18 minutos y 58 segundos.  Por si no la conoces, te dejamos con ella, a ver qué te parece.

La idea de esta edición de Cíclope 3.0 se origina por el recuerdo de una canción interpretada con una guitarra española.  Seguimos con guitarras pero no necesariamente españolas, o acústicas, aunque se traten temas eminentemente españoles, andaluces para ser más concreto.  Hay un trabajo extraordinariamente interesante titulado Lorca, canciones españolas.  La base del repertorio de esta obra son las canciones populares que grabó Federico García Lorca al piano con la voz de Encarnación López Júlvez, conocida artísticamente como La Argentinita convirtiendo en clásicos títulos como Anda jaleo, La Tarara, Los cuatro muleros o Zorongo gitano, entre otros.  En el año 2019 aparecía Lorca, Spanish Songs (Lorca, canciones españolas)

 

un trabajo realizado entre la cantaora y actriz española, de Córdoba, Mariola Membrives

y el guitarrista, compositor y cantante norteamericano, Marc Ribot.

Mariola Membrives se desliza con suavidad y sabiduría entre los ámbitos del Jazz, el Flamenco y la interpretación en la escena teatral.  Hasta el momento ha realizado obras de música situadas en fronteras sutiles como la grabación Llorona del año 2014, a dúo con el contrabajista japonés de jazz Masa Kamaguchi.  Se ha encargado de recrear la primera revisión del mítico Omega de Enrique Morente con el título Omega 20.16, con quinteto de jazz y guitarra flamenca en 2017.  Es la voz flamenca de los espectáculos FreeBach212 de La Fura dels Baus y Federico García de Pep Tosar.

Marc Ribot fue, durante un tiempo, guitarrista de Tom Waits y su forma de tocar la guitarra, sus sugerencias, fueron una influencia muy importante para Waits.  Sin lugar a dudas, Ribot, que nació zurdo pero que aprendió a tocar la guitarra con la mano derecha, es una figura particularmente creativa, luminosa.  Tres cortes extraemos de ese álbum, Lorca, Spanish Songs.  Entre ambos, Membrives y Ribot, desarrollan una visión y consiguen una lectura renovada de esas canciones que dejaron García Lorca y La Argentinita.

Pues con el entusiasmo, sin apenas darnos cuenta, hemos llegado a la recta final del programa.  No nos queda mucho tiempo pero al menos podemos escuchar un par de temas más que van a estar en manos de esta banda inglesa que responde al nombre de Slowdive.

Habitualmente se les identifica como una banda de shoegaze, ese estilo, irónicamente bautizado en los medios musicales británicos, Slowdive manejan guitarras saturadas y sonidos psicodélicos de ensueño, pero también exhiben un conjunto más amplio de inspiraciones (folk-rock, techno ambiental, por nombrar algunos) que la mayoría de sus coetáneos de los 90.  El sonido distintivo de la banda, que combina grandes cortinas de guitarras llenas de efectos con tempos fúnebres y voces prístinas y frágiles, ha evolucionado continuamente desde sus primeros sencillos ruidosos.

Slowdive se formó en Reading, Inglaterra, a finales de 1989.  Estuvieron juntos un tiempo para después colaborar en otros proyectos.  La mayoría de los miembros permanecieron involucrados en el grupo Mojave 3 y en una serie de actividades individuales.  La reorganización del proyecto original la realizaron casi dos décadas después de su formación para llevar a cabo una gira y meterse en los estudios de grabación y publicar un par de álbumes.  Qué agitación.  Se funda el grupo pero lo dejan, para después volver y ponerse a producir como si el Mundo se fuera a terminar al día siguiente.  Pero fue un caos luminoso, la creatividad en estado primigenio.  A día de hoy, en 2023, siguen elaborando esa música que los comentaristas y la crítica musical británica tildan de shoegaze, sarcásticamente hablando, mirarse los zapatos, es decir, el guitarrista, sentado o de pie, está inclinado hacia delante, mirándose la punta de los zapatos mientras la guitarra suena glin-glin-glin-glon-glan-glin-glin-glin...de ahí el concepto de guitarras guinglineantes.

El pasado 1 de septiembre, Slowdive han vuelto a la carga con un disco calmado, sereno, titulado Everything is Alive, con carpetas de diferente color: roja, porque el LP de vinilo es rojo transparente o gris verdoso, porque el tinte de esa carpeta es de dicho color.

Dos cortes de este álbum ponen el punto y final a esta edición de Cíclope 3.0 que espero que te guste.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-24-10-23

Cíclope 3.0 - 17-10-23

Cíclope 3.0 del martes 17 de octubre de 2023.  A pesar de lo que muestra la foto de cabecera de la entrada de hoy, el programa no está dedicado al Club de Fans Oficial de The Beatles, pero sí a la música del cuarteto de Liverpool.  No a canciones de los Beatles interpretadas por los 4, sino a versiones de algunos de sus temas realizadas por músicos del ámbito del Jazz, con algunas excepciones.

Vamos a utilizar dos discos como columna vertebral, dos antologías tituladas Come Together - Guitar Tribute To The Beatles Vol. 1 y 2 

publicados el primero en 1993 y el segundo en 1995, ambos bajo la coordinación de 

Mike Mainieri, 

productor, intérprete del vibrafono, piano, percusionista y compositor estadounidense.  

Muchos de los músicos que van a sonar en el espacio de hoy los puedes encontrar en esos dos álbumes.  Otros participan con trabajos concretos que reseñaremos en su momento.  Vamos a comenzar con un guitarrista norteamericano nacido en Lindenhurst, Long Island, Nueva York, en 1966 y que responde al nombre y apellido de Mark Whitfield.

Comenzó a tocar la guitarra bajo con 15 años, para inmediatamente cambiarla por la guitarra eléctrica, una guitarra que se movía entre los sonidos del Soul y del Jazz.  Teniendo a George Benson como punto de referencia, Whitfield ganó una beca para el Berklee College of Music de Boston.  Una vez terminados los estudios comenzó a desarrollar una actividad cada vez más amplia y fructífera ssiendo apoyado por el mismísimo Benson.  Con Whitfield comenzamos este homenaje a The Beatles con una versión del tema que abre el LP Abbey Road, Come Together.

El guitarrista noruego Terje Rypdal posee una exquisita fluidez para moverse en las intersecciones de la música académica, el jazz y el rock.  Como instrumentista ha influido directa o indirectamente en prácticamente todos los guitarristas de Europa que han seguido sus formas.  Además de innumerables obras de Jazz, Rock y Fusión, es un compositor académico de talla mundial con seis sinfonías, dos óperas y numerosas obras de cámara y sonatas.  La primera vez que grabó fue en 1968, un LP titulado Bleak House.  Después aparecería Sart en 1970 como miembro de la banda de Jan Garbarek, grabación aparecida en el prestigioso sello discográfico independiente alemán ECM.  Tras esta publicación Rypdal firmaría un contrato en solitario y publicó su debut homónimo para el sello en 1971.

De él recuperamos una versión de una de las canciones del segundo LP de los Beatles, With The Beatles, la canción Not a Second Time.

Este tema de Terje Rypdal lo puedes encontrar en el segundo volumen de Come Together - Guitar Tribute To The Beatles; el de Mark Whitfield, en el volumen 1.

Ahora nos vamos a quedar con un músico que, a pesar de su apellido, no tiene nada que ver con George Harrison.  

Joel Harrison nacía en 1957 en Washington, D.C.  Alrededor de los nueve años comenzó a tomar lecciones de guitarra, centrándose inicialmente en la música académica.  Finalmente pasó a la guitarra eléctrica y, a los 14 años, descubrió la música de los Beatles, Jimi Hendrix y Eric Clapton, entre otros.  Después de sus años de escuela secundaria tocando en varias bandas de rock, se matriculó en el Bard College de Nueva York donde empezó a profundizar en el Jazz y a estudiar composición.  También pasó un tiempo en el Creative Music Studio en Woodstock.  Como músico ya formado comienza a grabar y publicar en 1996.

En el año 2005, exploró la música de George Harrison con Harrison on Harrison, tocando con el saxofonista David Liebman, el pianista Uri Caine y el batería Dan Weiss.

Harrison on Harrison es una colección de canciones de George Harrison con los Beatles y de composiciones pertenecientes a su discografía en solitario.  Del grupo de temas que el guitarrista de los Beatles firmó con el colectivo, el Cíclope recupera en versión de Joel Harrison una de las canciones del doble Álbum Blanco, While My Guitar Gently Weeps.

Posterior a The White Album serían las canciones que formaban parte del doble EP, Magical Mystery Tour, de los Beatles.  Entre esas canciones está The Fool on The Hill que es precisamente la canción de la que realizan una versión el septeto femenino afincado en Brooklyn, Artemis.

Formado el proyecto en el año 2017, bautizado en honor a Artemisa, diosa griega de la caza, Artemis, es un colectivo de Jazz formado por siete intérpretes femeninas, siete mujeres de las más aclamadas del jazz moderno.  Están coordinadas por la pianista, compositora y arreglista de jazz canadiense Renee Rosnes (en la foto superior, segunda por la izquierda).  El grupo debutó en 2020 con el álbum de título epónimo Artemis.

El grupo se distingue no sólo por reunir a siete artistas singulares, cada uno de ellas reconocida por su destacada carrera en solitario; sino por su alineación multigeneracional y global, con miembros provenientes de EE. UU., Canadá, Francia, Chile, Israel y Japón.

En aquel disco homónimo del año 2020, Artemis incluyen la versión de The Fool on The Hill.

De un colectivo femenino, instrumental, a otro proyecto pero en este caso vocal, el coro The Kennedy Choir.

También se les conoce como Choral Beatles, título del álbum publicado en el año 2006, disco tributo a los 4 de Liverpool.  Una producción bastante ingeniosa que presenta canciones clásicas del cuarteto  arregladas por el maestro y director del coro el músico argentino Raúl Fritzsche.

Los más puristas llegaron a recibir con ciertas reservas las versiones que realiza el coro, a veces bastante parecidas a los originales, otras aceptando a duras penas las alegres interpretaciones que añaden cierta profundidad emocional.  Pero cuando el coro argentino canta con una alegría suave que no viene al caso, como es el caso de Eleanor Rigby, entonces los y las más exigentes terminan rasgando la carpeta del disco y pasándose a escuchar los temas originales para calmarse.  Para esos beatlemaníacos acérrimos la noticia de que las ganancias de este CD se destinaron a alimentar y vestir a niños en Argentina, fue el argumento válido para que el álbum se vendiera, o vendiese.  Recuperamos la versión que realizaban del tema Let It Be.

Recuperamos el ámbito del Jazz con un compositor y guitarrista neoyorkino, el hombre de la foto a la derecha, nacido en 1944 y fallecido en 2017: John Abercrombie.

De nuevo recuperamos el volumen 1 del disco Come Together - Guitar Tribute To The Beatles, el álbum que reúne a tantos y tan extraordinarios músicos relacionados con el Jazz, el Rock...la Música (con mayúsculas) en definitiva.  Abercrombie aporta una versión que resulta ser una auténtica perla, la transcripción que realiza para guitarra eléctrica del tema aparecido en la banda sonora de la película de los Beatles, A Hard Day's Night, And I Love Her.

Las canciones de los Beatles aparecen habitualmente firmadas por el tándem Lennon-McCartney excepto las que compuso George Harrison.  Las había que eran del binomio, otras eran más de Lennon que de McCartney, y viceversa.  Yesterday es una canción mccartneytiana de la que se han hecho versiones por un tubo pero me parece que pocas, por no decir ninguna, tan original como la que recupera el Cíclope para esta ocasión, la adaptación en forma de marcha procesional de Semana Santa, para banda de palio, versión que realizó en el año 2022 el proyecto The Great Supplanters, uno de los alter-egos del polifacético Dr. Soy, a su vez alter-ego del músico multinstrumentista sevillano Ignacio Sierra Valverde.  Te puede gustar o no, pero no se le puede negar originalidad y, sobre todo, creatividad.

Del binomio Lennon-McCartney con inclinación hacia McCartney, ahora escoramos hacia el otro lado, hacia Lennon.  De nuevo recuperamos el doble EP Magical Mystery Tour para quedarnos con la canción que se debe sobre todo a John, aquella surrealista I am the Walrus en versión de un dúo de guitarras formado por Adam Rogers y David Gilmore.

Adam Rogers es un guitarrista estadounidense especializado en Post Bop, Jazz contemporáneo y música académica. Nacido en la ciudad de Nueva York en 1965, Rogers comenzó a tocar el piano y la batería alrededor de los cinco años, y se interesó por primera vez en la guitarra eléctrica después de escuchar, en su adolescencia, discos de Jimi Hendrix. También a esa edad descubrió el jazz y comenzó a tomar clases privadas.  Perfeccionó su oficio estudiando música en la Escuela de Música Mannes de la New School.  También fue durante este período que obtuvo una valiosa tutoría al estudiar jazz con guitarristas como John Scofield o Barry Galbraith y otros.  Formalmente fue miembro de bandas como Michael Brecker Group o la Orquesta Mingus.

La otra parte del dúo es el guitarrista de jazz estadounidense David Gilmore.  ¡Ojo! Gilmore, que no Gilmour, que se llama igual, David, y cuyo apellido, fonéticamente, es tan extraordinariamente parecido.  Cualquiera se confunde, yo, el primero, que cuando escuché el tema pensé: ¡Qué raro! Gilmour tiene un estilo, una forma de tocar la guitarra que hasta sus seguidores suenan como él, y esto no tiene nada de ese estilo concreto.  Claro, como que no es él.  La versión que realizan ambos guitarristas, David Gilmore y Adam Rogers, está recogida en el segundo volumen del álbum Come Together - Guitar Tribute To The Beatles.

Hace años, al principio de la década de los años 70, sobre 1971, TVE dedicó un ciclo de cine a la figura de Marilyn Monroe.  Pasaron varias películas suyas en homenaje a su imagen, su figura, su personalidad.  Creo recordar que fue en la segunda cadena, llamada por aquel entonces UHF, siglas que se corresponden con las inglesas Ultra High Frequency o Frecuencia Ultraalta.  No vamos a entrar en más detalles técnicos porque no vienen al caso.  El segundo canal de TVE era y sigue siendo un espacio amplio y plural con una programación de interés.  Allá por 1968 ó 1969, creo que fue en el 69, una noche la UHF emitió la película los Beatles Magical Mystery Tour, íntegramente en Versión Original, sin subtítulos (porque no los tenían) y además en blanco y negro.  Bueno, estaba hablando del Especial Marilyn Monroe que hicieron en el programa Cine-Club.  La última película que proyectaron fue Vidas rebeldes, de John Huston, de 1961.  Para cerrar el Especial pasaron un montaje con fragmentos de las películas en las que había actuado, trozos de documentales, todo ilustrado con la canción Yesterday de los Beatles en versión de Ray Charles (1930-2004).  Muchos espectadores conocimos esa versión por ese montaje, una adaptación dramática y emocionalmente abrasiva.

Esa canción no sería la única vez en la que Charles hiciera una lectura de una composición de los 4 de Liverpool, aunque ya sabemos que el titular fue uno solo.  En 1968, Charles publicaba un Single con Eleanor Rigby en la Cara A.  De nuevo McCartney.

Nos queda poco tiempo y el listado de canciones de los Beatles interpretadas por otros músicos tiene bastantes nombres.  Así podemos retomar el esquema el año que viene, en octubre, mes en el que se conmemora la aparición del primer Single de John, Paul, George y Ringo publicado el día 5 de octubre de 1962, hace 61 años.  Vamos a aprovechar el tiempo que nos queda escuchando a un par de guitarristas importantes y grandes como una catedral.  

Alan Holdsworth está considerado como uno de los mejores instrumentistas del Jazz Fusión, pero nunca ha recibido realmente el reconocimiento que merece.  Nacido en Bradford, Yorkshire, Holdsworth recibió clases de música de su padre, que era pianista.  No tomó la guitarra hasta los 17 años, pero aprendió a tocar el instrumento rápidamente, combinando el aprendizaje con el de otro instrumento, el violín.  Pero se centraría en la guitarra y gracias a ella y a su forma de tocar, una banda de principios de los 70 llamada Soft Machine le propuso formar parte del grupo.  De alguna manera, trabajar con Robert Wyatt y compañía le abrió una serie de caminos que cultivó y con excelentes resultados creativos.  Se mudó a Londres, colaboró en proyectos como Gong, aparecía en los créditos de discos de músicos como Jean-Luc Ponty, Bill Bruford, Jack Bruce.  Con Bill Bruford, John Wetton y Eddie Jobson, Holdsworth formó la banda U.K. un supergrupo inglés fundado en 1977, de corta pero sustanciosa discografía.  De los Beatles recupera una canción del LP Rubber Soul, Michelle.  Este corte y el último que suena en el programa de hoy los encuentras en el volumen uno de Come Together - Guitar Tribute To The Beatles.  El último tema lo firma otro guitarrista experimental y extraordinariamente interesante, Adrian Belew.

En la historia de King Crimson hay una serie de etapas que delimitan estética y contenido.  El proyecto de Robert Fripp ha pasado por diferentes arcos de creatividad desde que se instituyó la Corte del Rey Carmesí en 1969.  Hay una etapa que comienza en el año 1981 y que llega hasta 1984, etapa en la que aparecen 3 álbumes, sobre todo dos, que van a marcar una nueva espiral en el devenir de la Corte, y esa nueva espiral viene determinada por la intervención de un músico experimental como es el guitarrista y cantante Adrian Belew.

Nacido como Robert Steven Belew en Covington, Kentucky, su primer instrumento de interés fue la batería, que tocó en la banda de música de su escuela secundaria.  Poco después de descubrir a los Beatles, Belew tomó la guitarra y aprendió por sí mismo a tocar y escribir canciones originales.  El resto de los años 60 y principios de los 70 los pasó perfeccionando sus habilidades como guitarrista.  Fue entonces cuando optó por cambiar su nombre a Adrian por la sencilla razón de que era un nombre que siempre había admirado, y rebautizado así comienza a actuar en vivo con una banda local llamada Sweetheart, realizando versiones, vestidos con trajes de la época de los años 40.  Se convirtieron en una atracción local popular.  Una noche, Frank Zappa los escuchó en un espectáculo en 1977.  Zappa estaba buscando un guitarrista de apoyo para su banda que saldría pronto de gira.  Zappa le invitó a una audición que tuvo como resultado que Belew entrara a formar parte del combo.  Fue durante la larga gira de Zappa por Estados Unidos en 1978 cuando, una noche, uno de los asistentes preguntó con mucho interés quién era el guitarrista que sacaba sonidos tan peculiares de su guitarra eléctrica.  Le dijeron el nombre y apellido y ese asistente guardó la información para contactar más tarde con él.  El asistente, espectador, era  David Bowie.  Hablaron y de esa conversación surgió el que Belew se uniera a la banda de gira de Bowie cuando finalizara la gira de Zappa.  Adrian Belew trabajaría con el Duque Blanco y aparecería en álbumes como Stage, de 1978, y Lodger, de 1979.  Después estarían sus colaboraciones con Talking Heads, su participación directa en la Corte de Robert Fripp, King Crimson y muchos más.  Su trabajo en solitario, incorporando una amplia gama de sonidos y efectos en los que imita, con su guitarra, ruidos de animales o estruendos mecánicos,  habilidades y armonías que han ido creando su propio estilo reconocible, fluido y expresivo.  Pues este hombre pone el punto y final a esta edición de Cíclope 3.0 ocupada por versiones de canciones de los Beatles.  Belew escoge un tema del Álbum Blanco, Blackbird.

Antes de facilitar el enlace al programa de hoy, volvemos al principio de esta entrada, a la foto de cabecera, que reproduce el carnet del Club Oficial de The Beatles, en Liverpool.  Si querías contactar con el Club tenías que hacerlo a través de una publicación, una revista española que se llamaba "Mundo Joven".  Escribías a la Sección de Clubes y Contactos diciendo que tenías interés en pertenecer, en este caso, al Club Oficial de los Beatles etcétera.  Una vez se publicaba tu petición el Club contactaba contigo a través de la delegación española que estaba en Barcelona.  El pago de unas 200 pesetas había que abonarlas en sellos de Correos.  Se les enviaba más una foto carnet, y una vez fueses aceptado/a te mandaban el carnet y fotos por un tubo de los Beatles.  Recibías noticias relacionadas con los 4 de Liverpool, información de ediciones de discos.  El Club tenía una subdelegación en Valencia que organizó una exposición con las portadas de los discos de los Beatles, LPs, Singles, EPs, incluyendo alguna que otra rareza.  Esta exposición no se llegó a realizar porque el Club cerró sobre 1972.  Todos los miembros recibimos la copia de una carta escrita a máquina y firmada por la presidenta del Club, Freda Kelly, que comunicaba que dado que ya no existía un grupo con el nombre de Beatles no tenía sentido que siguiera existiendo un Club con su nombre.  No sé si aún estará entre nosotros, pero si mira ahora la cantidad de asociaciones y clubes que existen con el nombre de Beatles...se replantearía la decisión.

Pertenecí al Club desde los 15 años, es decir, estuve casi dos años recibiendo material fotográfico y reseñas discográficas, entre otras la primera crítica que hicieron desde el Club del álbum Imagine de John Lennon.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-17-10-23

Cíclope 3.0 - 10-10-23

Burl Ives (1909-1995)

Cíclope 3.0 del martes 10 de octubre de 2023.

La foto de cabecera recoge un momento de descanso en el rodaje de la película The Spiral Road (Camino de la jungla) de 1962, dirigida por Robert Mulligan y protagonizada por Rock Hudson (1925-1985) y Burl Ives.  La instantánea, que recoge esos minutos de asueto, presenta una figura de físico prodigioso que bien podría ser un momento de intimidad en la existencia de Papa Noel o de Dios Padre.  El programa de hoy va a estar ocupado principalmente por esa segunda acepción, la de Dios Padre Creador.  No porque vayamos a escuchar composiciones de cantantes, músicos que definan sus creencias metafísicas o no, sino porque la figura del Señor está presente en diferentes manifestaciones de la música, ya sea como auto de fé o, sencillamente, como figura de referencia.  Vamos a comenzar esta edición de Cíclope 3.0 precisamente por el principio opuesto al Bien, es decir, el Mal, habitualmente identificado por la figura del Diablo.  La canción se titula así, The music of the Devil, la firma Graham Parker.

El mes que viene, en noviembre,  Parker, en la foto inmediatamente superior, cumplirá 73 años.  Su forma de hacer música viene de lejos, desde la década de los años 70 del siglo pasado.  

Después de cumplir la mayoría de edad, Parker realizó trabajos ocasionales que iban desde criar ratones y conejillos de indias hasta trabajar en una gasolinera.  Con respecto a la música, hasta ese momento, había tocado en varios grupos de pub rock desconocidos, incluida una banda de covers que había tocado en Marruecos y Gibraltar.  Comenzó a seguir seriamente una carrera musical a partir de 1975.  Ese año, Dave Robinson, uno de los cofundadores del nuevo sello independiente Stiff, escuchó una de las maquetas de Parker y le animó a continuar de una forma seria ayudándolo a formar una banda de acompañamiento llamada The Rumour.

Graham Parker & The Rumour

En primer plano, Graham Parker a la izquierda, con gafas oscuras; a la derecha, con chaqueta clara, Martin Belmont, el guitarrista que ha acompañado a Parker desde el principio.  

Los comienzos de nuestro hombre estuvieron marcados por ese sesgo de perdedor que tienen muchos músicos y autores: fue un punto de referencia para la New Wave que afloró desde mediados los años 70 con representantes como Elvis Costello, Joe Jackson y Paul Weller, pero fue eclipsado, por ejemplo, por Costello, que publicaba su primer LP después de que lo hiciese Parker pero que encontró un apoyo más sólido por parte de la discográfica que lo publicó de lo que se encontró Parker con la suya.

El caso es que han pasado los años y este hombre sigue en activo.  Ha vuelto este año de 2023 con una nueva entrega titulada Last Chance To Learn The Twist

Desde sus inicios, Parker ha desarrollado una vigorosa fusión de Rock & Roll impulsivo y Folk-Rock confesional, resaltando una pasión indignada, un sarcasmo mordaz y una ira controlada.  Ha firmado álbumes con su nombre y apellido, amparado por la compañía del grupo The Rumour y, desde hace unos años, por el proyecto The Goldtops, como es el caso de su último trabajo publicado el pasado 8 de septiembre.  Por cierto en el combo The Goldtops está su inseparable guitarrista Martin Belmont.  Parker ha estado encontrando su camino de regreso al sonido de Pub Rock que inspiró sus primeros trabajos.  En este nuevo álbum de 2023, suena mayor y más sabio en comparación con algunos trabajos publicados últimamente, pero nunca suena cansado o desgastado porque es un artista vital dotado de un talento brillante que resplandece.  Todavía tiene ese toque que lo hace funcionar de manera diferente como es el caso del primer tema que escuchamos de su último trabajo, la canción The Music of the Devil, La música del diablo.

Vamos a saltar ahora hacia atrás en el Tiempo, vamos a recuperar el primer álbum de Graham Parker editado bajo su nombre y apellido, aquel disco cuyo sello discográfico no supo qué hacer con él, dónde incluirlo, cómo promocionarlo.  Se titula Howlin' Wind, veía la luz en 1976 e incluye canciones como esta: Don't Ask Me Questions.  

Esta canción que acaba de sonar en el programa es el punto de fuga para que el Cíclope realice la selección musical de esta edición.  Más que la canción completa es el estribillo que dice:

Hey Lord, don't ask me questions

Hey Lord, ain't no answer in me

Señor, no me hagas preguntas

Señor, yo no tengo respuestas

El Señor, Dios, Dios Padre Creador...una de las figuras más utilizadas, junto con el Diablo, el Demonio, el Mal, en la Historia de la Música Popular sin olvidar a la Música de estructura Académica.  Así que el Cíclope se ha dedicado a buscar algunas canciones en el campo del Rock relacionadas con el concepto Dios, Señor.  Y comienza por registrar una cuyo título es específicamente claro y transparente como la luz del día: Presence of the Lord.  La firma Blind Faith.

Blind Faith fue la banda que presentó al mundo la noción de Supergrupo de Rock, un combo formado por varios músicos que ya habían alcanzado popularidad y elogios de la crítica antes de unir fuerzas para hacer música.  Son rostros conocidos los que aparecen en la foto: de izquierda a derecha, Eric Clapton, Steve Winwood, Ginger Baker y Rick Grech.  Blind Faith también estableció, sin saberlo, una de las características más comunes de los supergrupos: la mayoría presentaban suficientes músicos con currículums y egos fuertes para que los conflictos internos fueran casi inevitables y, como consecuencia, generalmente se desmoronaban a la primera de cambios.  El caso que nos ocupa no iba a ser menos: un álbum que resultó un éxito, una gira internacional de conciertos que dejó unas ganancias altas y productivas...nada de eso fue suficiente.  El grupo logró ascender y caer en menos de un año y, finalmente, resultó ser una nota importante, curiosa en las carreras de los cuatro gigantes del rock británico: Clapton, Winwood, Baker y Grech.

Blind Faith nació, por un lado, después de que Cream se disolviera como proyecto en parte porque el guitarrista Eric Clapton no estaba seguro de la dirección creativa del grupo, pero también porque al bajista Jack Bruce y al batería Ginger Baker les resultaba casi imposible estar de acuerdo en algo.  Mientras tanto, el vocalista y teclista Steve Winwood había fundado Traffic después de dejar el Spencer Davis Group para explorar una aventura de aires psicodélicos mezclada con algo de jazz y blues.  Tuvieron problemas para negociar sus egos y encontrar el equilibrio entre la composición y el trabajo instrumental dentro de la banda, y en 1969, Traffic desapareció para volver a unirse poco después.

Clapton y Winwood eran amigos, se admiraban mutuamente.  Ya habían tocado juntos en varias ocasiones, por lo que cuando ambos se vieron en libertad tras la ruptura de sus respectivos grupos, investigaron la idea de formar una banda juntos.  Un día, Ginger Baker pasó por los estudios donde Clapton y Winwood estaban trabajando sobre un material nuevo.  Baker no dijo nada.  Encendió un cigarro, se quedó escuchando y en un momento dado se sentó a tocar la batería.  A Clapton y Winwood les gustó la forma en que la ambiciosa percusión de Baker se fusionaba con sus canciones nuevas que exploraban una mezcla más sutil de Blues y R&B de lo que había hecho Cream.  Sin embargo, Clapton desconfiaba de reunirse de nuevo con Baker: ¿otra vez las broncas porque no se ponían de acuerdo en tal o cual aspecto?, ¿otra vez...?  Fue el entusiasmo de Winwood ante la idea lo que prevaleció y Baker se unió a la banda.  El nombre del grupo se le ocurrió a Clapton tras escuchar los argumentos positivistas de Winwood que confiaba plenamente en la buena marcha del proyecto.  Para el guitarrista, su amigo tenía una auténtica Fe Ciega.  El grupo se convirtió en cuarteto con la incorporación del bajista Rick Grech, que había estado tocando con la célebre banda británica Family.  Tras la disolución de Blind Faith pasaría a las filas de los renovados Traffic.

Blind Faith grabó un LP de título homónimo.  El disco se publicó en Europa y en Estados Unidos pero con carpetas diferentes.  La cubierta inglesa es la foto de la derecha.  En Estados Unidos y en España, esa foto de una adolescente en topless fue censurada.  En su lugar esa instantánea fue sustituida por una foto del grupo

Portada americana y española.  Aquí se publicó el LP si no fue en 1969 fue a principios de los 70.  Se editó y desapareció.  Hubo que esperar a la década de los 80, a principios, para que se reeditara y entonces sí, ya con la cubierta original.

Uno de los cortes de este espléndido disco sería uno de los más programados en las emisoras de FM de la época, el tema Presence of the Lord que es el que selecciona el Cíclope.

Del R&B de finales de los 60 al R&B elaborado en pleno siglo XXI con esta banda, North Mississippi Allstars

North Mississippi Allstars comenzaron como un trío, después fueron cuatro miembros, pasaron a cinco...pero de base, es un dúo formado por los hermanos Luther y Cody Dickinson, izquierda y derecha en la foto anterior.  Ambos tocan la guitarra pero quien la maneja fundamentalmente es Luther.  Cody es más prolífico con los instrumentos y lo mismo te lo encuentras sentado a la batería que manejando una tabla de lavar como instrumento de percusión.  El proyecto, cuando comenzó a mostrar de lo que eran capaces sus integrantes, ofrecieron una lectura nueva y enérgica de la música de su región de Hill Country: Delta Blues, Bluegrass, mezclado todo con Hip-Hop, Funk, Ragtime y Rockabilly.  Los hijos del legendario productor de Memphis, Jim Dickinson, nacieron en el condado de Fayette, Tennessee, y la familia se mudó más tarde al norte de Mississippi, donde los niños absorbieron el sonido Country-Blues de la región.  Desde su debut en el panorama de la música grabada allá por la primavera del año 2000, North Mississippi Allstars han seguido ofreciendo una asombrosa diversidad de estilos y colaboraciones bajo un paraguas de raíces sin complejos.

En el año 2001, el 9 de octubre, se publicaba 51 Phantom, un larga duración en el que de nuevo el grupo consigue que el blues suene tan enérgico, estridente y terroso como ha sonado en años.  La figura del Dios bíblico, el Señor, está presente en la temática de los textos del góspel, del blues como es este caso: Lord Have Mercy, Señor ten piedad.  A título anecdótico, North Mississippi Allstars es uno de los grupos actuales favoritos de Mike Scott, el vocalista y alma mater de The Waterboys.

Del área norteamericana de Mississippi nos movemos al viejo continente, Europa, en concreto a las frías tierras de Suecia donde nos encontramos el arrebato de la música caliente de un quinteto de riffs de guitarras abrasivas.  Responden al nombre de The Hellacopters

La banda se formó en 1994 en Estocolmo y grabaron por primera vez en 1996.  Estuvieron en activo desde entonces hasta el año 2008, fecha en la que se separaron para volver a reunirse en el año 2016 hasta nuestros días.

Son miembros de un proyecto sueco como ha quedado dicho, pero tocan Rock & Roll norteamericano en la línea de Grand Funk Railroad, Bachman-Turner Overdrive, MC5 o The Stooges.  No tienen empacho en demostrarle mostrarle al mundo que la música Rock todavía está viva con su pura intensidad, sin añadidos.  Ese poder puro y duro está presente en Grande Rock, el álbum que se publicaba el 8 de junio de 1999, sin que se encuentre en ese vinilo ni un solo indicio de Rock Alternativo o Hair Metal de los 80, tan solo herencia desarrollada del Rock de los 70 en temas como The Devil Stole the Beat from the Lord, El Diablo le robó el ritmo al Señor.

Del Rock de principios, de las formas rockerizadas y abrasivas de las guitarras eléctricas, al otro lado de la estética: de la tradición a la experimentación con un músico capaz de convertir la señal de una emisión en Irán de radio de onda corta en una canción de amor.  Su nombre real era Holger Schüring, nacía en la ciudad de Danzig, actual Gdansk, Polonia el 24 de marzo de 1938 y fallecía el 5 de septiembre de 2017 en Weilerswist, cerca de Colonia, en Alemania.  Se le conoció por su apodo artístico, Holger Czukay,

por eso y por ser  miembro fundador del influyente grupo de krautrock Can.  Fue una de las figuras fundamentales de la cultura underground de su época.  A lo largo de su larga y expansiva carrera, Czukay cerró con éxito la brecha entre la música Pop y la Vanguardia, siendo pionero en el uso de samples y explorando la importancia de la música mundial en la cultura occidental.

Después de enamorarse de la música a una edad temprana, pasó sus años de formación estudiando para ser compositor y director, pero sus ideas frecuentemente eran demasiado radicales para los gustos convencionales.  Después de ser descalificado de un festival de jazz por su música inclasificable, más tarde fue expulsado de la Academia de Música de Berlín por una insolencia artística similar.  Bajo la tutela del compositor de vanguardia Karlheinz Stockhausen, Czukay continuó refinando sus ideas y pronto se convirtió en profesor.  A través del estudiante Michael Karoli, obtuvo su primer contacto con artistas como los Beatles, los Rolling Stones, la Velvet Underground.  Se centró en la guitarra bajo

y se asoció con Karoli, su compañero protegido de Stockhausen.  Dentro del ambiente donde se movían conocieron a Irmin Schmidt, otro estudiante formado por las ideas y disciplina de Stockhausen, György Ligeti y John Cage.  Se les unió el batería Jaki Liebezeit y el vocalista estadounidense Malcolm Mooney.  A principios de 1968 formaron el grupo Inner Space que rápidamente renombraron como Can.  Después vendrían más cambios, etcétera, etcétera.  

Centrándonos en la figura de Czukay, Movies, de 1980, el primer trabajo en solitario después de la disolución de Can encuentra al bajista explorando temas de rock progresivo con instrumentación variada, letras orientadas a canciones y muestras de medios de cine, televisión y onda corta.  Fue la utilización de los samples lo que puso a Czukay en la misma categoría que David Byrne o Brian Eno.  Movies es un álbum repleto de texturas agradables y divertidas, con poco de la oscuridad con la que Can jugaba.  El Cíclope extrae una petición de este trabajo, el tema Oh Lord Give Us More Money, Oh Señor, danos más dinero.

Entramos en la recta final del programa de hoy.  Nos queda tiempo para escuchar unos cuatro temas con la referencia de la figura del Señor en el texto de las canciones.  Uno de los mejores trabajos de Peter Hammill en solitario es el álbum The Future Now.

Se grabó entre el 18 de marzo y el 26 de abril de 1978, se publicaba a finales de ese año.  El resultado final es uno de sus mejores y más desconcertantes discos.  Hay hermosas baladas de piano, extraños experimentos e himnos de rock, algo normal en un artista tan polifacético que, por cierto, se afeitó la mitad del vello facial para la llamativa foto de portada.  No es un fotomontaje, es real.

Los créditos del disco son austeros: David Jackson en el saxofón, Graham Smith en el violín (venía de colaborar con Hammill en el álbum de 1977 Over; con Van Der Graaf Generator en el álbum The Quiet Zone/The Pleasure Dome, también de 1977); Peter Hammill voz, instrumentos, letras, producción.  El disco contiene todo un auto de fé sobre Dios y el Estado Vaticano titulado Mediaeval y cuya letra creo que merece la pena que conozcas.  Dice así:

Dios vive en la catedral,

al menos es lo que dice el arzobispo.

¡Sed súbditos de la Iglesia!

¡Todo el poder al Estado de la Ciudad del Vaticano!

Las llaves de oro de la catedral

encajan bien con la sotana del obispo.

Él vive una vida espiritual de riqueza material.

¿Son las cosas tan diferentes ahora?

Ah, sí, ahora:

Guardad vuestras oraciones para el futuro y rezad por el futuro.

Oh, Dios ya se fue de la catedral,

ahora impera el otro poder.

Podemos empaquetarlos en los libros de historia, pero la Edad Media no se acabará y la respuesta a nuestras oraciones es un valium junto a la cama.

Ahora escuchamos a los expertos en la televisión, ahora tenemos fe en la ciencia y el progreso y sólo hacemos el amor de rodillas.

Y los extraños siguen encerrados en los asilos, y el Papa estéril prohíbe el uso de la píldora anticonceptiva.

Y los ricos siguen enriqueciéndose,

y los pobres siguen pagando por ellos,

y Dios vive en un refugio subterráneo,

esperando el día del Juicio Final.

Si no abrimos los ojos muy pronto

la Edad Media se quedará aquí para siempre.

El tema está resuelto con tan solo dos elementos: la voz de Hammill, grabada en diferentes pistas para conseguir una polifonía rica en matices y una guitarra eléctrica que resuelve la salida.  Muchos oyentes han querido reconocer la guitarra de Robert Fripp pero no intervino en esta grabación.  Ha colaborado en varias ocasiones con nuestro hombre pero no en esta ocasión.

Saltamos de los años finales de los 70 a la primera década del siglo XXI.  Año 2006, fecha de publicación de un trabajo amplio, extenso y muy interesante titulado Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards, Huérfanos: luchadores, charlatanes y bastardos, un álbum triple firmado por Tom Waits.

 

 

El álbum incluye una colección de 24 rarezas y 30 canciones nuevas de Tom Waits, y está separado en categorías: el primero, bajo el título de Brawlers (Luchadores  incluye canciones de Rock y Blues; el segundo, con el título de Bawlers (Charlatanes), recoge baladas y melodías más melancólicas; finalmente el tercer disco, Bastards (Bastardos), recopila canciones experimentales y piezas habladas.  Tiene un trabajo minucioso el seleccionar un gran montón de canciones.  Es como tener un gran montón de material para una película que hay que dejar resumida en 90 minutos.  O un montón de textos que ensamblar para dejar una narración mínimamente coherente, organizada de un modo significativo.  En el caso de la música hay que ver en perspectiva todo el material de modo que tenga una experiencia sonora equilibrada.  Hay una división temática, y también una división de ritmo.  Las fuentes de las canciones tuvieron diferentes puntos de fuga y también fueron escritas en diferentes momentos.  Tiene un mérito conseguir hacerlas trabajar juntas.

Resumiendo, Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards es una colección de tomas descartadas, rarezas, melodías de bandas sonoras y compilaciones exclusivas, algunas de las cuales sobreviven aquí en una nueva forma.  El tema que recupera el Cíclope es un corte del grupo Brawlers, la canción Lord, I've Been Changed, Señor, he sido cambiado

un tema tradicional que interpretó el cantante y músico norteamericano John P. Hammond, en la foto, en 2001 en su álbum Wicked Grin.  Hammond ha tenido una larga amistad con Tom Waits y ese disco del año 2001 consta enteramente de composiciones de Waits, excepto el tema reseñado.  Waits tocó la guitarra, cantó coros en el álbum y también fue su productor.

En la recta final de este programa sobre canciones que hacen alusión a Dios, al Señor como figura retórica o imagen a la que dirigir preguntas sin respuesta nos quedamos con el que fue motor de la banda australiana The Triffids, David McComb.

McComb (1962-1999) en el centro de la foto, con los brazos cruzados, formó la banda Dalsy en la escuela secundaria.  De esos Dalsy surgiría en 1980 la banda The Triffids.  Existieron como grupo hasta 1989, a partir de esa fecha McComb continuaría en diferentes proyectos hasta que en la década de los 90 empezó a gestar una colección de canciones que aparecerían en formato de disco en 1994 bajo el título Love of Will.

El disco se grabó y mezcló entre los meses de junio y agosto de 1993 y vio la luz en el mes de marzo de 1994.  Nunca tuvo suerte McComb.  Aunque fue un músico respetado no consiguió alcanzar un status de ventas considerables como para sentir que podía vivir con holgura de la música.  Pero, ¿fue eso lo que quería?  ¿Perseguía ser un superventas?  Su forma de realizar los arreglos de las canciones que componía, su voz, su manera de cantar, sus canciones...no están hechas para el consumo inmediato.  De hecho pretendía que sus composiciones no fueran flor de un momento sino que perdurasen por lo menos unos años.  Eso de la canción tarareable que se olvida al mes...no, eso no era música ni nada parecido.  De su único álbum en solitario el Cíclope saca un tema que habla del Señor, The Lord Burns Every Clue, El Señor quema cada pista (o cada clave).

Y como punto y final, una metáfora del habitat del Señor, el Paraíso.  Quien la plantea es David Byrne, alma, motor y fuerza de Talking Heads.

El Paraíso, en inglés, se dice Heaven, y según Byrne, el Paraíso es un lugar donde nunca ocurre nada.  La metáfora está en la comparación que hace del lugar: Heaven es el nombre de un bar donde nunca sucede nada.

Heaven es uno de los cortes que se incluyen en el álbum Fear of Music, firmado en 1979, el tercer LP de la banda que contó con la prestigiosa firma de Brian Eno no sólo en la producción sino también en los teclados e inclusive haciendo coros.

Con Talking Heads terminamos.

Espero que te haya gustado el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-10-10-23