Cíclope 3.0 - 08-04-25

Cualquier método es válido
si se trata de escuchar Cíclope 3.0
 

Cíclope 3.0 del martes 8 de abril de 2025.

Los preparativos del contenido del programa los realiza el Cíclope, habitualmente, escuchando música que suena de fondo mientras pasa rápido carpetas de discos, cajas de CDs, o lee con una velocidad de vértigo listados de intérpretes en mp3.  En los preliminares de esta edición sonaba de fondo la música de Ten Years After.

Ten Years After fue una banda británica de música inspirada en el Blues.  El proyecto comenzó a gestarse sobre 1960, cuando algunos de sus miembros futuros estaban ubicados en otros grupos como le sucedía al alma-máter de la banda, el guitarrista y cantante Alvin Lee (primero por la izquierda en la foto anterior).

Lee le daría forma a Ten Years After mediada la década de los 60 y en 1967 publicaban su primer larga duración.  El sonido del grupo estaba cimentado en un Blues arrasador y crudo.  Su campo de acción llegó desde los años 60 hasta mediados los años 70.  Desaparecieron en los albores de los 80 para reunirse de nuevo durante esos años.  Siguieron durante los 90 y parte del nuevo siglo, siempre con una tendencia a la reinvención sin abandonar sus orígenes.  El final de la existencia del proyecto Ten Years After ocurrió cuando fallecía su fundador, Alvin Lee.  Nacía en 1944, en Nottingham, Inglaterra; moría en Estepona, España, en 2013.

Detrás del proyecto queda una larga y extensa discografía bluesera, con LPs como el que abre esta edición de Cíclope 3.0, A Space In Time, de 1971, probablemente el disco más asequible y el que les reportó mayor fama en tierras americanas, sobre todo por un Single como I'd Love To Change The World, el corte que abre hoy el programa, sonido de guitarra eléctrica limpia, con un perfil calmado y lírico que ayudó a que fuera una de las canciones más programadas en las emisoras de FM de aquel verano de 1971.

De una guitarra poderosa y lírica, a otra que bebe de las bandas de Rock fuerte de los 70.  Publicaron su primer disco en 1974 y desde entonces no han dejado de estar presentes en la actividad musical.  Son de Sevilla y responden al nombre de Storm.  Su primer LP lo bautizaron con el nombre de la banda pero con el artículo The por delante.

 

Unas veces al grupo se le llama The Storm y otras Storm, como es su nombre auténtico.

El origen del proyecto está en un grupo de mediados casi finales de los años 60 que se llamaba Los Tormentos.  Con ese nombre, los hermanos Ruiz Geniz, Ángel, guitarra, y Diego, batería, se plantean afianzar la idea de formar un grupo de Rock Duro.  Sería su manager de aquellos años, José Luis Fernández de Córdoba, el que les sugirió cambiarse el nombre y bautizarse como Storm.  Esa banda sería la que aparecería en vivo tal y como recoge la instantánea anterior, la banda que se movería por circuitos de Madrid, Barcelona, Sevilla...el grupo que conseguiría un contrato con el sello discográfico BASF y que mostraba en estudio lo mismo que hacían en vivo: Rock Fuerte, Rock Duro con influencias claras y transparentes de los discos y grupos que escuchaban y admiraban.  Interpretaban canciones cantadas tanto en español como en inglés y composiciones instrumentales.  Traemos hoy a Storm al programa para recuperar un par de temas de aquel The Storm de 1974 y para escuchar un corte de su nuevo disco presentado en diciembre del año pasado y con amplia actividad en directo en este 2025.  El disco se titula Eternal Youth, Juventud Eterna, y para conocerlo en una primera toma de contacto nos quedamos con el corte que le da título al disco.

    

Tras algunos cambios, Storm en la actualidad queda así:

Ángel Ruiz Geniz, que sigue siendo la guitarra poderosa que le da nervio al proyecto.

Su hermano Diego a la batería

José Ramón Torres, 

guitarra bajo

Manuel Muriel Rivas, teclados

Los cuatro además cantan.  Hay dos colaboraciones en este nuevo trabajo de Storm, una la del guitarra bajo Daniel Escortell, del grupo Derby Motoreta's Burrito Cachimba, la otra colaboración es la del cantante de Medina Azahara, Manuel Martínez.

Nos quedamos a partir de este momento con la guitarra eléctrica como instrumento de base.  De una guitarra eléctrica sevillana a una guitarra norteamericana nacida en el estado de Maryland y trasladada años después a Brooklyn, en Nueva York.  Tiene apellido japonés pero no se le conoce ascendencia japonesa.  Se llama Elise Okusami pero artísticamente se la conoce por su nombre artístico: Oceanator.

Oceanator se aficionó a la música desde muy joven, formando su primera banda en cuarto de primaria y tocando a nivel regional.  Grababa y publicaba su música con su hermano y un amigo en común.  Después del instituto, asistió al Vassar College de Nueva York, donde estudió historia y música.  Tras graduarse, se mudó a Nueva York y se sumergió en la escena punk y underground, tocando con varias bandas, seis en total, mientras mantenía un trabajo a tiempo completo.  Sería en el año 2016 cuando  comenzó a operar bajo el nombre Oceanator.

Su instrumento, la guitarra eléctrica, que es capaz de apoyar la música que escribe e interpreta: una trenza que combina Rock independiente intenso y distorsionado, con ganchos cimbreantes de música Pop incisiva.  Lleva 5 discos publicados hasta el momento, aquí en Cíclope 3.0 vamos a escuchar una selección de dos: el último, publicado el 30 de agosto de 2024 titulado Everything Is Love and Death

y Nothing's Ever Fine, editado el 8 de abril de 2022

Cuando Oceanator comenzó en el mundo de la música buscaba una vía de expresión personal.  Lo que la ayudó a encontrar su propio estilo fie la colaboración de algunos músicos como un casi paisano suyo, el compositor, intérprete y productor Bartees Strange.

Su nombre completo es Bartees Leon Cox Jr.  Este hombre combina la música electrónica, el rock alternativo, el folk y más en sus impredecibles canciones.  Bartees Strange surgió de Washington, D.C., en 2020. El perfil ecléctico de su música llamó la atención del sello discográfico independiente escocés 4AD y le publicó su segundo trabajo firmado en 2022 con el título Farm to Table.  Entonces es cuando nuestro hombre cambia de continente y de América, de Washington, se traslada a Europa, Inglaterra, asentándose en un bucle entre las dos capitales.  Colaboró con Oceanator en la producción de su trabajo anterior al del año 2024 y por su parte, Strange también busca el sonido de la guitarra eléctrica aunque desde una perspectiva diferente al de la estética que utiliza Oceanator y otros elementos del Pop y del Rock.  Él busca más el sonido de la guitarra eléctrica relacionada con el Jazz y pide la colaboración de un guitarrista avezado en esas lides: Chris Connors.

Su guitarra es fundamental en el corte que recuperamos de Bartees Strange, Hold The Line, de su álbum para la 4AD, Farm To Table.

Farm To Table - 2022

Estamos en la recta final del programa y el tiempo que nos queda lo vamos a ocupar con el sonido de una guitarra eléctrica en manos de una mujer.  Hace un rato sonó la guitarra urgente de Oceanator, ahora y cerrando esta edición de Ciclope 3.0 una compositora y guitarrista llamada Mary Halvorson.

Original de Brookline, Massachusetts, en 1980, Halvorson comenzó su formación musical con el violín antes de decantarse por la guitarra tras escuchar a Jimi Hendrix.  Al principio quería ser músico de rock.  Su primer profesor fue un músico de jazz, por lo que cambió de rumbo.  Mantiene su identificación con el Jazz con cierta ambivalencia, y con razón, ya que su interpretación se desarrolla fuera de los géneros.  Ella es guitarrista, líder de conjunto y compositora, quien continuamente rompe con las convenciones musicales establecidas con un sonido instrumental característico y una estética que evoluciona con cada disco que publica.  Combina raíces profundas del Jazz con el Rock Independiente, Folk y otras tradiciones musicales.  Discográficamente comenzó su labor en el año 2002.  Desde entonces ha ido manteniendo una actividad que uno se pregunta si descansa alguna vez, si hay alguna ocasión en la que se tome la tarde libre y se vaya con la familia a disfrutar del sol, porque con los amigos queda, pero queda para tocar, porque la música es su vida.  Conoce todos los formatos posibles: ha tocado y grabado sola, como dúo, trío, cuarteto, quinteto, sexteto, septeto, octeto...  Si por circunstancias se ve imposibilitada de liderar algún formato, como sucedió con el confinamiento durante la pandemia del COVID 19, el resultado, cuando se levanta la prohibición es que, producto del trabajo en casa, obtuvo material para grabar dos álbumes.  Dirige talleres de creatividad e improvisación.  Y lo mejor de todo: opina que aún está aprendiendo.  Hoy la traemos al programa en formato de Quinteto

 

Situándonos arriba de la foto y descendiendo, vemos a Ches Smith, batería.  En la fila siguiente, situado a la derecha, Jon Irabagon, saxo alto.  A su lado, con bufanda color naranja, John Hebert, contrabajo.  A la derecha, con bufanda negra, Jonathan Finlayson, trompeta.  Y finalmente, Mary Halvorson, que además de tocar la guitarra, compone y produce el álbum Bending Bridges que se publicaba el 8 de mayo de 2012.  Pueden parecer músicos muy jóvenes, sin embargo a pesar de la edad, tienen unos curriculum profesionales que no veas.

Ahora, lo que hace el Quinteto.

Escuchamos dos cortes de este álbum, Bending Bridges: Forgotten Men In Silver y That Old Sound, dos formas de hacer música, sobre todo el primero de los dos temas, donde puedes apreciar la forma de hacer que tiene esta guitarrista.

Hasta aquí la edición de hoy.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-08-04-25

Cíclope 3.0 - 01-04-25 - Especial David Sylvian # 11

David Sylvian

Cíclope 3.0 del martes 1 de abril de 2025.

Primer martes de mes, por lo tanto Especial Discografía hoy el Especial David Sylvian Edición Número 11.  El programa de hoy gira alrededor de dos trabajos.  Uno empezábamos a escucharlo en la edición anterior, Manafon, del año 2009; el otro, del año 2011, lleva por título Died In The Wool-Manafon Variations.  Pero antes de entrar en esos dos álbumes, un recuerdo del pasado inmediato de Sylvian.

Entramos en materia musical recordando el álbum doble de 1986, Gone to Earth.  Del segundo disco, el que es íntegramente instrumental, un corte, Answered Prayers, resuelto con guitarra acústica y sonidos atmosféricos.  La guitarra en manos de Bill Nelson, el que fue alma-máter de la banda británica Be Bop Deluxe; la atmósfera realizada por David Sylvian.  El tema, lo componen entre ambos, y nos sirve para entrar en dos discos particularmente complejos, que piden atención por parte del oyente porque son trabajos difíciles pero no por ello imposibles de escuchar.  Son producto de la evolución creativa de nuestro protagonista, un proceso del que ha ido avanzando muestras, breves, en su discografía sobre todo desde el final del siglo XX, cuando Sylvian, después de publicar en 1987 Secrets of the Beehive y permanecer durante un tiempo colaborando con otros músicos en proyectos diferentes, sin firmar ningún disco con su nombre y apellido en solitario, vuelve en 1999 con Dead Bees On A Cake, el disco de reencuentro con él en solitario tras doce años de actividad variada pero junto a otros compositores e intérpretes.  Lo siguiente sería el álbum Blemish donde nuestro hombre rompe con su estética de paisaje interior de líneas quebradizas para mostrar, con instrumentación espartana, composiciones desnudas inmersas en una estética que, a veces, a la audiencia les resulta un tanto seca.  Y cuando digo seca no quiero decir que no sean temas buenos o que resulten marcianos.  Quiero decir que tienen una forma desprovista de adornos, que no son complacientes, que hay que prestarles atención.  Recuerdo la primera vez que escuché una obra de Heinrich Schütz (1585-1672), fue La Pasión según San Lucas.  Estaba hecho a la polifonía de la época, pero no a ese sonido seco como una piedra que recogía la obra en cuestión.  Pues con Sylvian y el camino que sigue desde principios de este siglo XXI, con la publicación en 2003 de su álbum Blemish, sucede algo parecido.  Su forma de entender la música ha cambiado porque su creatividad se ha enriquecido, aunque no todos sus seguidores lo escuchen como un florecimiento sino todo lo contrario.  Ya se sabe que nunca llueve a gusto de todos.

Pero vamos ya con los dos discos que ocupan esta edición de Cíclope 3.0 empezando por el titulado Manafon, del año 2009.

Es lógico que nos  preguntemos por  qué  Sylvian 

bautiza  un disco con esa  palabra, Manafon, y qué quiere decir, a qué alude.  Esa foto de un paisaje pastoril y calmado es precisamente Manafon, una pequeña comunidad rural situada en las colinas de Montgomeryshire, la parte norte del condado galés de Powys.  La comunidad de Manafon consta de dos pueblos principales a un kilómetro de distancia uno del otro, Manafon y New Mills.  El resto de la población vive en granjas y viviendas dispersas y en el pequeño asentamiento rural de The Green.  Pero, ¿por qué utiliza nuestro protagonista el nombre de dicha localidad?  Se puede pensar que por motivos sentimentales: porque de pequeño pasaba allí sus vacaciones de verano, en casa de sus abuelos; porque el gran amor de su vida vivía allí; porque posee una casa en medio del campo, con un huerto, donde se retirará cuando se jubile.  Pues no, no es por nada de eso.  En Manafon vivió Ronald Stuart Thomas (1913-2000).  

Conocido popularmente como R.S. Thomas, fue un poeta galés y pastor anglicano, famoso por su pronunciado sentimiento nacional y su espiritualidad.  En 1995 fue postulado para el Premio Nobel de Literatura.  Sylvian lo admiraba, muestra de ello es que utiliza fragmentos de su poesía en los textos que forman las composiciones de este álbum, Manafon, la fascinación por su figura es el  motivo por el que nuestro protagonista escogió ese nombre para su trabajo.

Manafon, al igual que su antecesor, Blemish, es un trabajo complejo.  Y a medida que va pasando el tiempo y Sylvian sigue componiendo, el resultado del proceso de creación va haciéndose más difícil de asimiliar, luego hay que dedicarle más tiempo, más atención.  Manafon es oscuro, cargado de dificultades emocionales y musicales, de sonidos no lineales y música improvisada, con temas literarios en los textos que expresan una tensión entre la desesperanza y el amor por la vida cotidiana.  Un aspecto muy importante: los textos que canta Sylvian están improvisados por él.  Hay líneas escritas, existentes antes de entrar en los estudios, fragmentos que corresponden a poemas de R.S. Thomas, por ejemplo.  Gran parte de la carga literaria de los textos refleja las propias luchas existenciales de nuestro protagonista, aunque utiliza la tercera persona como vehículo de transmisión de las ideas.  Manafon y Died In The Wool-Manafon Variations son un ejemplo de cómo trabaja el músico: en una especie de laboratorio musical.  Se graban los instrumentos por separado, algunos músicos tocan juntos...es la voz lo último que se añade, con un Sylvian poniendo todo de su parte, interpretando con un saber armónico extraordinario.  Algunos de los músicos de estudio que participan en Manafon han trabajado con Sylvian anteriormente, o por lo menos han trabajado entre sí.  Entre otros  se encuentran

el saxofonista británico Evan Parker

el pianista también británico John Tilbury

el guitarrista 

Christian Fennesz, que ya había tocado con nuestro protagonista en ocasiones anteriores

el también guitarrista inglés
Keith Rowe

El guitarrista y DJ, Otomo Yoshihide

Werner Dafeldecker,

contrabajo 

Burkhard Stangl guitarra

Michael Moser, violonchelo

Estos tres últimos, Dafeldecker, Stangl y Moser, tres miembros de unos de los grupos austríacos de música más importantes e influyentes del panorama de la vanguardia europea, Polwechsel.  Conozco un álbum de los dos que tienen y es muy curioso el paralelismo entre lo que hacen y este álbum de Sylvian en el que intervienen.  Todos los nombrados y siete colaboradores más son los que aparecen en el staff de músicos que hacen posible un disco en el que no hay batería, tampoco percusión.  No quiero que se me olvide el homenaje que realizan todos los que manejan la guitarra en el disco al también guitarrista Derek Bailey (1930-2005)

uno de los guitarristas experimentales más influyentes y audaces de Inglaterra, evolucionando desde la escena del jazz tradicional de los cincuenta hacia la escena del jazz vanguardista del Londres de los sesenta.  Él participó en el disco de Sylvian Blemish, de 2003, una de las últimas intervenciones que realizó antes de enfermar y morir dos años después.

Manafon veía la luz el 14 de septiembre de 2009.  Pasó por tres etapas de grabación realizadas en tres ciudades diferentes: Londres, Tokio y Viena.  Tres años a su vez de grabación.  A pesar de estos músicos de vanguardia, Manafon no es un disco de jazz vanguardista, ni una obra de música de vanguardia.  Desdibuja todos los límites, todas las líneas.  El resultado final es un sueño oscuro y exuberante que cae en cascada, flota, se cierne y cambia de forma y matiz con frecuencia, y lo hace con fluidez.  Del disco, del proceso de grabación y de su resultado final decía nuestro hombre:

No había nada escrito cuando entramos al estudio, era pura improvisación libre.  Por lo tanto, la selección del grupo de músicos para cada improvisación fue fundamental.  Ese mismo día, supe qué piezas me convenían.  El proceso consistió en tomar el material y luego escribir y grabar la línea vocal en un par de horas. Así que no pude analizar mi contribución, y esa, en cierto modo, fue mi forma de improvisar, y disfruté de la rapidez de la respuesta.

Continúa diciendo: 

Tomo las sesiones de grabación y trabajo en ellas posteriormente. Intento improvisar letras y melodías sobre la marcha, escribiendo y grabando todo en cuestión de horas.  Las pistas básicas se editan poco o nada.  La estructura se mantiene prácticamente igual que en las sesiones originales.  A veces añado una introducción o sobregrabo otros elementos a la toma original.

Fue él mismo quien se encargó de la producción.  El disco se publicó en el sello discográfico Samadhisound, propiedad de él y de su hermano Steve Jansen.

En el programa de hoy, como dije al principio, utilizamos de base dos discos, dos álbumes que vamos a interrelacionar porque entre otros motivos están relacionados por el contenido.  Died In The Wool-Manafon Variations, tuvo tres fechas diferentes de publicación.  Por orden cronológico son las siguientes: Japón, 18 de mayo; Reino Unido,  23 de mayo y por último, EE. UU., 31 de mayo.

 

Este disco doble presenta, como su nombre indica, una serie de variaciones, remezclas si prefieres, de algunos temas incluidos en el trabajo inmediatamente anterior, Manafon.  Aquí la lista de colaboradores está formada por 37 músicos de los cuales 6 ya habían participado en el trabajo anterior.  Algunos ya habían tocado antes con Sylvian como es el caso de su hermano, el batería y percusionista Steve Jansen, que se encarga de los platillos, o la presencia del trompetista Arve Henriksen, también colaborador en los proyectos de su amigo.  Lo que vamos a hacer con este Died In The Wool-Manafon Variations es escuchar los temas que hay en común con Manafon.  Primero los cortes originales incluidos en este y el resultado de la variación realizada en Died In The Wool...  La primera diferencia llamativa es la duración: las Variaciones Manafon son más breves que las originales de las que parten.  No es mucho, un par de minutos de diferencia a lo sumo, pero el contenido varía sobre todo porque las Variaciones tienen un tratamiento más variado en la instrumentación, no tan espartanos.  El primer bucle que escuchamos es el tema que le da título al álbum de 2009, Manafon, y la vatiación correspondiente: de cinco minutos con cinco segundos a tres minutos, casi cuatro.  Los dos cortes van separados.  Lo que escuchamos a continuación es el tema Random Acts Of Senseless Violence, Actos aleatorios de violencia sin sentido.  Este corte lo vamos a empezar a escuchar en su versión original incluida en Manafon pero no lo vamos a escuchar al completo sino que el Cíclope hace una mix, mezcla los dos cortes como si fueran uno sólo.  Dura 10 minutos y 29 segundos.  Cuando llegue al minuto 4 y 18 segundos, entra, sin solución de continuidad, el mismo tema pero en la Variación Manafon.  Es muy fácil de distinguir, verás: el tema original comienza con sonidos abstractos y la voz de Sylvian canta las dos primeras líneas del texto, algo así como Under yellow light Comes the face of tomorrow.  Esto no lo vuelve a repetir en esos 4 minutos y 18 segundos.  En ese momento vuelve a decirlo, y es precisamente el comienzo de la Variación Manafon del tema Random Acts Of Senseless Violence.

El resto del disco, lo que nos da tiempo a escuchar en esta edición, va a ser la composición Emily Dickinson, dedicada a la poeta estadounidense nacida en 1830 y fallecida en 1886.  Utilizará Sylvian fragmentos de poemas de esta autora y escucharemos el original y la variación, diferenciados por la instrumentación usada y el tiempo de duración, la variación tendiendo a resolver todo en menos tiempo.

Estamos pisando la recta final del programa por hoy y antes de finalizar vamos a efectuar un ejercicio de recuperación como hicimos en la entrada del programa, vamos a recuperar algo del pasado inmediato de nuestro protagonista, algo que mostraba cómo esa estética, esas formas que desarrolla en pleno siglo XXI y que comenzó en 2003 con la publicación de Blemish, no es algo ajeno al contenido de su crisol creativo.  Sylvian grababa en 1987 Secrets of the Beehive,  último disco publicado con su nombre y apellido.  Tardaría 12 años en volver a entrar en un estudio de grabación para elaborar un trabajo personal que aparecería con su firma en solitario, sería en 1999 cuando vería la luz Dead Bees On A Cake, un trabajo con el perfil pleno del músico, incluidos algunos cortes de una belleza lejana y disonante como tiene Dobro # 1, un tema breve, muy breve, pero que dejaba ver una composición de minerales y tierras personales que desarrollaría pocos años después.

El final del programa lo ponemos con un binomio formado por el mismo tema pero con variación.  The Greatest Living Englishman aparece en Manafon y es una composición de las más largas, 10 minutos, casi 11.  Ese mismo El inglés vivo más grande, en la Variación se queda en 3 minutos y le añade Sylvian un subtítulo: Coda.  Raro es el corte compuesto sólo por él, casi todos, exceptuando uno o dos, están compuestos de forma grupal, sobre todo por los músicos  que participan de una forma más directa.

Hoy no tenemos tiempo para más pero en el próximo Especial David Sylvian que será en mayo, seguiremos ampliando la audición.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-01-04-25

Cíclope 3.0 - 25-03-25 - Especial Siouxsie And The Banshees # 6

 

Steven Severin, Siouxsie Sioux, Budgie y John Carruthers

Cíclope 3.0 del martes 25 de marzo de 2025.  Último martes de mes y por lo tanto Especial Discografía, hoy con la entrega número 6 del Especial Siouxsie And The Banshees.  Comenzamos en el punto donde dejábamos su música en la edición del mes de febrero, con el álbum de 1986, Tinderbox.

Los temas del álbum los escribieron entre todos los miembros del grupo, que se encargó también de los arreglos y de la producción final.  La novedad más importante en la unidad del proyecto fue la entrada de un nuevo guitarrista, John Valentine Carruthers, el cuarto guitarrista/teclista que ocupaba un puesto tan importante en el sonido de la banda.  Antes que él habían estado

John McKay, entre 1978 y 1979, en los LPs The Scream y Join Hands.

John McGeoch (1955-2004), el músico que ocupó durante más tiempo el puesto de guitarrista/teclista y, en este caso, también saxo.  Activo en el grupo entre 1980 a 1982, en los LPs Kaleidoscope, Juju y A Kiss in the Dreamhouse.

Robert Smith, entre 1983 y 1984, en dos LPs, Nocturne y Hyaena.

En el disco Kaleidoscope de 1980, junto a McGeoch, colaboró como guitarrista invitado en 3 cortes, el cofundador de Sex Pistols, Steve Jones.  John Carruthers permanecería desde 1986 hasta 1987, en los álbumes Tinderbox y Through the Looking Glass.  Tras él, la posición guitarrista/teclista se dividió en dos, dos instrumentos por separado por lo que el proyecto pasaría de cuarteto a quinteto.  Pero eso sería más tarde, ya llegaremos a esa situación.  Ahora lo importante es cómo manejó la situación Carruthers, cómo encajó en el grupo donde el perfil del sonido de la guitarra era algo tan importante.

John Valentine Carruthers, un tanto desconocido en Europa excepto en Inglaterra, donde su nombre y apellido mantenía una reputación desde que formó parte del grupo Clock DVA, banda originaria de Sheffield, Inglaterra, que practicaban estructuras entre la música Industrial y el Post-Punk.  Encajó en la banda desde el primer minuto y se convirtió en el cuarto guitarrista en pasar por el grupo.  

En la edición de febrero de este Especial Siouxsie And The Banshees escuchamos dos cortes de Tinderbox, The Sweetest Chill y Candyman.  Del LP se extrajeron dos singles como tarjetas de presentación.  El primero, Cities in Dust, en el mes de octubre de 1985, un año antes de la publicación del álbum.  El segundo, Candyman, veía la luz en febrero de 1986 y el 21 de abril de ese año, se editó el álbum.  Hoy recuperamos el tema estrella del larga duración, Cities in Dust, y más composiciones como 92 Degrees, una canción que comienza con un fragmento de la película It Came from Outer Space, traducida como Vinieron del Espacio y también como Llegó del más allá.  Es una cinta de 1953, dirigida por Jack Arnold con guión de Harry Essex basado en una historia de Ray Bradbury.

Lo que se escucha al comienzo del tema es a uno de los personajes decir: ¿Sabías que se cometen más asesinatos a 92 grados Fahrenheit que a cualquier otra temperatura?  Lo leí en un artículo.  A temperaturas más bajas, la gente está tranquila.  A más de 92 grados, hace demasiado calor para moverse.  Pero a 92 grados, la gente se vuelve irritable.

Tinderbox es, de los discos de Siouxsie y compañía, el que tiene un ritmo musical más rápido.  La mayoría de temas presentan una batería con un ritmo rockero urgente, una guitarra agresiva pero con mucha textura y una voz que canta de forma valiente, segura.  Las canciones son intensas y se desarrollan de forma consistente, dando, como resultado final, un muro de sonido musicalmente uniforme.  La versión CD del álbum incluye una serie de cortes que no aparecen en el LP original porque se utilizaron como cara B de los singles como por ejemplo Lullaby, que fue cara B de Candyman.  

Con esa Canción de cuna cerramos la audición de Tinderbox y pasamos al siguiente álbum, un larga duración que comenzó a gestarse entre agosto y septiembre de 1986 y que se publicaría el 2 de marzo de 1987 bajo el título de Through the Looking Glass

  

La idea del disco tiene dos puntos de fuga: uno, el contenido y dos, el título.  El contenido está formado por 10 cortes, 10 versiones de temas admirados por el grupo.  Hacer un álbum de versiones era una idea que les rondaba desde hacía tiempo porque Siouxsie Sioux y compañía siempre habían tenido, como referente, el LP Pin Ups de David Bowie, un disco de versiones tremendo.  Por otro lado, desde que grabaron el tema de los Beatles, Dear Prudence, el grupo estuvo reinando en la posibilidad de gestar un disco sólo de versiones.  Y llegó el día en el que se pusieron a hacerlo y lo terminaron.  

He señalado que el disco tiene dos puntos de fuga: el contenido, un deseo aguijoneado por la admiración del álbum de versiones Pin Ups, de David Bowie, y el otro, el título, A través del Espejo, alusión clara a la obra Alicia a través del espejo (Alice Through the Looking Glass), la segunda parte de Alicia en el País de las Maravillas (Alice in Wonderland), de Lewis Carroll.  Pero hay más: el sello discográfico que inaugura la banda se llama Wonderland...  Para Siouxsie la figura de Alicia de Carroll era fundamental.

El disco vio la luz, como he señalado un poco más arriba, el 2 de marzo de 1987.  A las pocas semanas, antes de que la crítica especializada y la audiencia en general se pronunciaran al respecto, un fan adelantado llamó la atención sobre el álbum: ese fan era nada más y nada menos que David Bowie, que contactó con el grupo para que fueran invitados especiales en dos conciertos de su gira Glass Spider.

Y llegaron las críticas y los comentarios.  La crítica especializada dijo, en primera instancia, que era más que una obra para pasar el tiempo aunque no algo que significara un éxito rotundo.  Con el paso de los meses el álbum adquirió, para la misma crítica, el sentido de una oportunidad para que el proyecto Siouxsie And The Banshees, reenfocara el sentido de su existencia y el camino por el que debía de seguir su música.  Sin embargo, ha habido trabajos mucho peores de otros artistas en este sentido, en el de hacer un disco de versiones.  En este caso hay una diversidad atractiva y vertiginosa que lo convierte en una excelente opción.  La gama de versiones abarca hitos de distintas eras de la Historia de la Música.  Pero como nunca llueve a gusto de todos, la audiencia se dividió entre quienes aplaudían la pluralidad y quienes se rasgaron las vestiduras porque la suprema sacerdotisa del Rock Gótico había optado por hacer versiones horribles de viejos éxitos.  Las opiniones más acertadas vinieron de algunos de los músicos cuyas canciones habían versionado.  En el programa de hoy vamos a escuchar cuatro, comenzando por el tema Hall of Mirrors

Hall of Mirrors, del grupo Kraftwerk, incluida en su álbum Trans-Europe Express de 1977, pasa de ser una composición embrujada por el cuarteto alemán a un tema mucho más dinámico, con toques de guitarra a lo  Morricone.  Fue Ralf Hütter, primero por la derecha en la portada de la carpeta del disco, quien elogió la versión, declarando que, ...en general, consideramos las versiones como una muestra de nuestro trabajo.  La versión de "Hall of Mirrors" de Siouxsie and the Banshees es extraordinaria, resulta una excelente reinvención.

En 1968 aparecía el primer LP de The Band.

El disco lleva por título Music From Big Pink e incluye, entre otros temas, uno titulado This Wheel's On Fire, una composición hecha a medias entre Rick Danko (1943-1999), músico canadiense, compositor, cantante, guitarra bajo y cofundador de The Band, y Bob Dylan.  This Wheel's On Fire es una canción que se encuentra en la lista de grandes favoritas de Siouxsie y compañía, pero no en la versión de The Band sino en la que realizaron Julie Driscoll y Brian Auger a finales de los años 60 principios de los 70.

Driscoll era un referente supremo para Siouxsie por su forma de ser, de peinarse, de vestir y, sobre todo, de cantar.  This Wheel's On Fire tiene unos potentes arreglos de cuerda de los que se encargó el músico Martin McCarrick, guitarra y violonchelista inglés que se convertiría en miembro oficial de The Banshees después de este álbum.

Estamos en la recta final del programa y nos queda tiempo para escuchar un par de cortes más de Through the Looking Glass, el disco de versiones de Siouxsie And The Banshees.  Vámonos ahora con la banda sonora de una película, una cinta de dibujos animados, que no es otra que El Libro de la Selva.

Esta película de animación del año 1967 dirigida por Wolfgang Reitherman, con guión de Larry Clemmons basado en la obra homónima de Rudyard Kipling y producida en los Estudios de Walt Disney, cuenta con la banda sonora original escrita por el tándem George Bruns y Richard M. Sherman.  La versión que realizaba Reitherman daba como resultado una comedia musical de la que resultan reconocibles algunos temas.  Personajes simpáticos como la malvada serpiente Kaa

interpreta una canción, Trust In Me, Confía en mi, que no es otra cosa que las artes infames de la serpiente pitón para hipnotizar a una criatura pequeña dejándola sin voluntad para así poder aplastarlo hasta la muerte y devorarlo.  Esa misma canción, en la voz de Siouxsie Sioux, ahora es una nana cargada de  erotismo.  Como acompañamiento sólo necesita de la percusión de Budgie y el arpa de Julie Aliss.

El punto y final del programa de hoy lo pone la versión que realiza la banda del tema Strange Fruit.

El crítico Terry Atkinson escribió sobre esta versión de Strange Fruit: "Solo alguien tan descarado como Siouxsie Sioux regrabaría Strange Fruit de Lewis Allan, una canción tan fuertemente identificada con Billie Holiday.  Y solo alguien tan serio y sensible podría lograrlo así.  Una solemne sección de cuerdas tras la voz y, lo mejor de todo, un puente de jazz de marcha fúnebre de Nueva Orleans realzan la evocadora interpretación de Siouxsie.  Tales toques inventivos impregnan un gran álbum".

La revista Mojo incluyó la versión de Strange Fruit en el CD del año 2007 Music Is Love: 15 Tracks That Changed the World Recovered By....

Así cerramos esta sexta entrega del Especial Siouxsie And The Banshees.  En abril terminaremos de escuchar el álbum Through the Looking Glass y avanzaremos en la discografía del grupo.

Espero que te guste el programa de hoy.

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