Cíclope 3.0 - 25-02-25 - Especial Siouxsie And The Banshees # 5

Siouxsie Sioux fotografiada por
Watal Asanuma 

 

Cíclope 3.0 del martes 25 de febrero de 2025.  Último martes de mes y por lo tanto Especial Discografía, en esta ocasión con la quinta entrega del Especial Siouxsie And The Banshees que comienza donde terminábamos la edición del mes de enero, con el álbum doble Nocturne, álbum que recoge la doble actuación en el Royal Albert Hall de Londres los días 30 de septiembre y el 1 de octubre de 1983.

El disco se publicaba ese mismo año, el 25 de noviembre.  Nos quedaban algunos temas por repasar y eso es lo que hacemos al principio del programa de hoy, recuperar canciones como Slowdive, Night Shift, Switch, Spellbound y Helter Skelter.  Composiciones de sus álbumes A Kiss In The Dream House, Juju y The Scream.  El sonido de la actuación en vivo es muy bueno y algunos temas suenan mucho mejor en directo que en estudio como es el caso de la canción de los Beatles, Helter Skelter, que aparecía en el primer LP del grupo, The Scream, de 1978.

Entramos en 1984 y, en el seno de la banda, la guitarra eléctrica y los teclados siguen en las mismas manos, las de Robert Smith.

Probablemente para Siouxsie Sioux la guitarra continuaría en las mismas manos sencillamente porque no era necesario realizar ningún cambio.  Pero los aspectos legales de contratos y demás papeleos exigían que Smith (primero por la izquierda en la foto), se dedicara a su proyecto, The Cure.  Aunque la suprema sacerdotisa mirase hacia otro lado cuando se hablaba del tema, la cuenta atrás para que el guitarra saliera del grupo había empezado y antes de que se cumplieran los plazos el trabajo en común consiguió sublimar un poco el mal rollo que significaba el tener que plantearse una sustitución.  Mientras tanto, la creatividad tenía que continuar y sin más dilación empiezan a barajarse algunas armonías, algunas estructuras de canciones...comenzaba a gestarse un nuevo disco y en esta nueva entrega participaban todos los miembros del proyecto.  Robert Smith no destacó en solitario en ninguno de los temas que se iban fraguando sino que participaba del nombre colectivo y las composiciones iban quedando firmadas por Siouxsie And The Banshees.  El 8 de junio de 1984 salía a la luz el nuevo LP de la banda que llevaba por título Hyaena.

El orden de las canciones en un disco es algo que conlleva una intencionalidad, no aparecen así porque sí sino que siguen un proceso metonímico donde cada composición tiene una razón para ocupar esa posición.  Personalmente considero que comenzar un disco con una composición como la que abre el disco, el tema titulado Dazzle, es poner el listón muy, muy alto: esperas que sigan temas así, por lo menos uno más, o dos si es posible.  Pero…no, hay más canciones buenas pero como ese corte de apertura, ninguno.  Nunca el grupo había sonado de una manera tan...¿cómo decirlo?...tan épica, tal vez.  Tuvieron el acompañamiento de The Chandos Players, una formación acedémica de intérpretes de cuerdas barrocas que, ocasionalmente, intervinieron con grupos y solistas Punks o Pospunks.  Hyaena es un disco bastante bien valorado, extraordinariamente atmosférico y oscuro.  El grupo al completo se encarga de la música y también de las letras aunque con alguna excepción donde el texto es original del guitarra bajo, Steven Severin, como ocurre en composiciones como esta: Bring Me The Head Of The Preacher Man, Traeme la cabeza del predicador, una canción hecha a la medida de la sacerdotisa suprema del Rock Gótico, Siouxsie Sioux.

Tráeme la cabeza del predicador es una frase con copyright.  Aparece en los textos bíblicos de los Evangelios, en concreto en el Evangelio de Mateo, capítulo 14, versículos 1-12; Evangelio de Marcos, capítulo 6, versículos 14-29 y Evangelio de Lucas, capítulo 9, versículos 7-9.  Ahí se narra el viaje que hace a Roma el rey Herodes y cómo se enamora de la esposa de su hermano Filipo, Herodías.  Después de que Herodías se divorciara de Filipo, Herodes la convirtió en su esposa.  Juan Bautista reprochó al tetrarca su ilícita unión con la mujer de su hermano mayor.  Esto hizo que Herodías sintiera un profundo odio por Juan, logrando que Herodes lo encarcelara.  Durante un festín en honor a Herodes por su cumpleaños, la hija de Herodías, Salomé, accede a bailar para el tetrarca delante de todos los invitados realizando la performance de la famosa Danza de los 7 Velos.  Herodes, flatulento y saturnal, excitado por el vino, la observa con concupiscencia bajo la tensión de un marcado ataque de priapismo y le promete que le dará todo lo que le pida, hasta la mitad de su reino si accede a compartir su intimidad.  Tras una breve consulta con su madre, Salomé le pide la cabeza de Juan Bautista en un plato.

Salomé - Jean Benner (1836-1906)

Este disco de nuestros protagonistas es uno de los más valorados, tanto por la audiencia como por la crítica musical.  Otro tema con letra de Severin es Ponting Bone.  Y cerramos la audición de Hyaena con Blow The House Down.

Entramos en la recta final de este Especial Siouxsie And The Banshees Número 5 abriendo el disco que se publicaba el 21 de abril de 1986 con el título Tinderbox.

Vamos a tomar la portada del disco como punto de referencia para adentrarnos en el contenido.

La carátula reproduce la fotografía, en blanco y negro, de un tornado tomada por Lucille Handberg cerca de la ciudad de Jasper, Minnesota, el 8 de julio de 1927.  No he encontrado ninguna instantánea de Mrs. Handberg, tan sólo esa foto que se ha convertido en una imagen clásica en el diseño de carpetas de discos porque ya se había utilizado anteriormente.  Es el caso del disco Bitches Brew de 1970 de Miles Davis.

O el LP Stormbringer de 1974 de Deep Purple.

Antes de hablar del contenido musical vamos a pararnos en la composición de la banda.  Robert Smith se había marchado y el puesto de guitarrista fue ocupado por un músico británico, John Valentine Carruthers.

Carruthers, entre Severin (izquierda) y Budgie (derecha), fue guitarra y teclista del proyecto Siouxsie y compañía desde mediados de 1984 hasta principios de 1987.  Venía de la banda Clock DVA, uno de los primeros grupos que surgieron durante la formación de la escena electrónica de Sheffield en 1978.  El término DVA, que significa dos en ruso, estaba tomado de la novela satírica de ciencia ficción de Anthony Burgess, La naranja mecánica.

Originalmente Clock DVA se centró en la música experimental inspirada en la ciencia ficción y el ocultismo aunque este último se fue desvaneciendo con el paso del tiempo y más tarde reflejarían la floreciente música corporal industrial y electrónica que había comenzado a filtrarse en las escenas musicales Underground.  

La intervención de John Valentine Carruthers en Clock DVA se concentró en la grabación de un EP en 1982 y un larga duración en 1983.  Una vez lo reclutó Siouxsie, se dedicó por completo a su actividad como Banshee interviniendo, en la grabación en estudio, de un EP en 1984 y en dos álbumes, uno de 1986 y otro en 1987.  Como es lógico, aparecería también en directo, en todo lo relacionado con giras de promoción y actuaciones en vivo.

De Tinderbox de Siouxsie And The Banshees, año 1986, nos va a dar tiempo a escuchar un par de temas empezando por Candyman, el segundo Single que se editó como tarjeta de presentación de este disco que marcó un cambio en la estética, en el sonido del grupo.  El tema con el que cerramos es The Sweetest Chill.  En la próxima entrega del Especial Siouxsie And The Banshees sonaran el resto de temas de este álbum de 1986 y te contaré más cosas.

Espero que te guste el programa de hoy.

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Cíclope 3.0 - 18-02-25

Juano Azagra

 

Cíclope 3.0 del martes 18 de febrero de 2025.  El programa de hoy gira alrededor de un disco y del músico que lo firma: el álbum se titula Discovery y el músico, Juano Azagra.  Se trata de un trabajo formado por 9 cortes, nueve versiones de canciones cercanas a Juano, canciones admiradas, queridas, que forman parte del tejido emocional de él como oyente.  El trabajo que ha hecho Juano no ha sido una labor de repetición, sonar como los originales, por el contrario: con ingenio e imaginación ha re-creado, es decir, ha vuelto a crear composiciones que se ubican en los años 80, 90 y el siglo XXI.  Son 9 cortes como ya he señalado y no nos va a dar tiempo de escucharlos todos pero hasta donde podamos llegar lo haremos.  Las canciones que queden fuera las recuperaremos en otra ocasión.  Vamos a seguir un orden empezando por la pieza original para inmediatamente  escuchar la versión azagraniana.  

Para situarnos en la estela de la música de nuestro hombre reseñar que fue quien lideró bandas como Bombones

grupo Pop que iniciaba su existencia al poco de empezar este siglo XXI.  En la foto de la izquierda, Juano, guitarra y voz, a la izquierda, con chaqueta celeste.  En la parte inferior derecha, Miguel Ángel Campos, Goyo, batería, que estaría en los primeros tiempos de otro proyecto, All La Glory, con Juano componiendo, cantando y tocando la guitarra.

Suscribiendo el principio de este programa que, como bien sabes, dice escuchamos la actualidad musical a través del Prisma del Tiempo, vamos a comenzar con una muestra del pasado inmediato de Juano Azagra, vamos a retroceder hasta 2016, año en el que se publica Everybody's Breaking Everybody's Heart

el segundo disco firmado por All La Glory

Y de ese álbum el tema Looking for a Thrill, cuatro minutos y veinticuatro segundos de Power Pop lucido y enérgico.  Es lo que más le gusta porque es lo que más le interesa a Juano hoy: la melodía, el esquema de canción Pop.  Con ese corte del segundo disco que nos ha servido como punto de fuga, entramos de lleno en el disco aparecido hace muy poco de nuestro protagonista, un trabajo firmado con su nombre y apellido y que aún no tiene una forma física.  Actualmente, a día de hoy, se puede escuchar en las plataformas multimedia habituales y en programas de radio como este, Cíclope 3.0, en la sintonía de Radio Tomares.

    

Discovery, el título del nuevo disco firmado por Juano Azagra, responde a una doble interpretación: es el nombre de la nave espacial de la película de 1968 dirigida por Stanley Kubrick, 2001: una odisea del espacio, una de las películas favoritas de Juano.  Por otro lado, discovery, subrayando el significante inglés cover, hace alusión al significado de versión de una composición, que es precisamente el sentido último y fundamental de este trabajo.  Así que, tras All La Glory entramos de pleno en el álbum protagonista de esta edición y empezamos a escucharlo por uno de los originales que lo forman, el corte You Only Live Once de los neoyorkinos The Strokes.

La banda, liderada por Julian Casablancas 

(apoyado en el quicio de la puerta) marcaron parte del comienzo del movimiento de resurgimiento del Garage Rock de principios del siglo XXI.

El álbum First Impressions of Earth del año 2006 es el que incluye el tema You Only Live Once que Juano remodela y aleja del sonido de perfil garajero para acercarlo a sus formas Pop.  Lo primero que escuchamos de Discovery.

Hay versiones que, a mi particularmente, me gustan más que los cortes originales.  Es lo que ocurre con este que vamos a escuchar a continuación: The Bluest Eyes in Texas.  Cuando lo escuché en Discovery supe que iba a estar entre mis favoritos.  La canción pertenece a un quinteto de Nashville, Tennessee, llamado Restless Heart.

En 1988, Restless Heart publicaban Big Dreams in a Small Town, el LP en el que aparece ese Los ojos más azules de Texas que, insisto, prefiero en la versión que hace Juano Azagra.

Seguimos con las canciones originales que son los puntos referenciales del álbum Discovery.  Ahora una canción Pop en una voz femenina, la voz de Pink.

Esta mujer en la foto de la derecha es Alecia Beth Moore, original de Doylestown, Pensilvania, cantante, compositora, bailarina y actriz cuyo nombre artístico, Pink, se debe a su tez sonrosada y al personaje que interpreta Steve Buscemi en la película Reservoir Dogs con el apodo de Mr. Pink.

En el año 2012, Pink sacaba a la luz su sexto álbum, The Truth About Love, un disco con emotivas canciones Pop como la que sedujo a nuestro hombre, el corte Try que está bien, muy bien, concedido, pero la versión que hace Juano es particularmente brillante.

El siguiente corte original también pertenece a una mujer que se llama y apellida Joan Osborne.

Su nombre completo es Joan Elizabeth Osborne, pero para firmar discos y aparecer en los carteles que anuncian actuaciones suyas, optó por quitarse el segundo nombre y simplificar las cosas con el primero y el apellido.  Es cantante y compositora original de Anchorage, Kentucky.  Sus composiciones tienen influencias de Country, Folk, Tamla Motown y, ocasionalmente, Rock.  Adquirió reconocimiento sobre todo a raíz de la publicación de su segundo álbum, Relish, lanzado en 1995.

Este es el disco que contiene One of Us, una canción calmada que Juano pasa a través de su crisol personal para añadir un punto más dentro de su último trabajo, Discofery, firmado con su nombre y apellido.

El programa que comienza con tanto entusiasmo y que no pierde ni un ápice a medida que avanza, llega a su fin.  Son 5 cortes originales con sus correspondientes versiones más el extra del corte de All La Glory, 11 en total aunque, tú dirás que, falta ese último, el que hace el número 11.  Es cierto, y suena, y es el tema Smell Like Teen Spirit.

Fue una mezcla de una serie de circunstancias el que Nirvana se convirtieran en los abanderados de un ¿estilo de música? como lo que se denominó Grunge Rock.  Personalmente nunca me convenció la etiqueta que, como tal etiqueta, encajaba en el círculo donde se creó: el de la moda de diseño de ropa, por mucho que fuese de segunda mano.  Bueno, Nevermind de Nirvana publicado en el año 1991 supuso una venta de esas supersónicas.  Lo que nos interesa, el tema Smell Like Teen Spirit original tiene ese perfil fuerte, potente, que en manos de Juano se reconvierte con un sonido más mullido, más suave, sin que por ello pierda el interés.  Esta es una característica básica en todas las versiones del disco Discovery, el enriquecimiento al conseguir deconstruir los originales para alcanzar un fin distinto, sin dejar de ser las piezas originales, aunque como en este último caso en la versión del tema de Nirvana, haya una rearmonización que cambie la dureza por cierta calma.

Volveremos sobre el álbum Discovery de Juano Azagra porque quedan cuatro canciones que revisar y porque siempre es gratificante escuchar música hecha con tanto sentimiento y emoción.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 11-02-25

 

Cíclope 3.0 del martes 11 de febrero de 2025.  Estamos de cumpleaños porque el 11 de febrero de 2014 comenzaba a emitirse Cíclope 3.0 en la sintonía de Radio Tomares.  Así que este martes 11 de febrero de 2025 cumplimos 11 años en antena con el programa número 493.  En verdad la numeración no es correcta o al menos no se corresponde con la realidad porque ha habido más ediciones, lo que sucede es que, por circunstancias relacionadas con la Salud, ha habido que repetir espacios ya emitidos.  Eso ocurrió, por ejemplo, durante el confinamiento provocado por la pandemia del COVID 19.  O las veces que algún bache en la Salud personal de quien escribe le ha impedido estar ante el micrófono.  Pero Cíclope 3.0 continúa, gracias a la labor técnica de Pablo Franco, Especialista de Sonido y Control, que hace posible que los sesenta minutos del programa se hagan realidad cada semana en Radio Tomares.  Y con éste prólogo entramos en la narración sonora del programa de hoy que comienza con una canción contundente: Eleanor Rigby.

En la presentación afirmo que la edición de hoy tiene mucha cuerda.  De hecho, Eleanor Rigby está resuelta con un cuarteto de cuerdas doble: 

4 violines, 2 violas y 2 violonchelos.  Aunque son 8 instrumentos no es un octeto.  Un octeto es otra historia.  Fue George Martin, el productor del grupo, el que le sugirió a McCartney doblar la formación de cuatro instrumentos, no utilizar una orquesta pequeña, ni un cuarteto solo, no: dos.  Posteriormente, cuando Paul escribe Yesterday, en principio para guitarra y voz, sería Martin el que le sugirió el uso de un cuarteto para acentuar el carácter melancólico de la composición.  El guitarra bajo se resistió pero al final reconoció que era imprescindible para lograr la cohesión que buscaba.

Eleanor Rigby, del LP Revolver de 1966 de los Beatles, un disco repleto de canciones encomiables.  El tema está escogido precisamente por la cuerda, como este otro, aparecido años después y firmado por The Kinks.

Los hermanos Davies en los extremos de la foto: Ray, en la izquierda y Dave a la derecha.  The Kinks en 1971, año de la publicación del álbum Muswell Hillbillies y también de la banda sonora de la película Percy.

Por cuestiones legales, por temas del contrato (al igual que Eleanor Rigby aparece atribuida al tándem Lennon-McCartney aunque está escrita por Paul McCartney) la banda sonora de Percy se da como original de The Kinks aunque en verdad quien la firma es Ray Davies.

La película Percy, dirigida y coproducida por Ralph Thomas en 1971, es la historia del primer trasplante de pene del mundo.  Probablemente se inspiró en una película anterior, Myra Breckinridge, dirigida por Michael Sarne en 1970 y basada en la novela homónima de Gore Vidal.  La obra de Vidal y por lo tanto el guión de la película ataca el machismo americano con un relato sobre el cambio de sexo.

La cinta Percy prácticamente no se vio en Estados Unidos, pero fue lo suficientemente popular como para dar lugar a una secuela, Percy's Progress, de 1974, también dirigida por Ralph Thomas pero sin el ingenio de Ray Davies en la banda sonora.  Volvemos a él, a lo que son los diferentes fragmentos que conforman la música que suena en la película.  Davies incluye una versión muy curiosa de la canción Lola, para esta ocasión instrumental.  Resalta sobre todo esa capacidad que siempre mostró Ray para componer e interpretar baladas cargadas de emoción como es el caso del fragmento que recuperamos, el que se titula The Way Love Used To Be, resuelto por la voz y la guitarra acústica de Ray acompañado por una orquesta de cámara.

Podría parecer que, a medida que avanza el programa, vamos aumentando el número de cuerdas: arrancamos con dos cuartetos de cuerdas, seguimos con una orquesta de cámara...si eso fuese así, ahora tendríamos que escoger una composición en la que interviniera una orquesta filarmónica, o sinfónica, más o menos numerosa.  Pero, no.  En vez de ampliar vamos a simplificar: nos quedamos con un cuarteto de cuerdas porque el corazón de esta edición de Cíclope 3.0 está ocupado por la suite La vida de mi historia, para voz y cuarteto de cuerdas, la última creación de Martín León Soto, conocido artísticamente por el acrónimo formado por las primeras sílabas de su nombre y dos apellidos, MALESO.

Diseño de la portada: Fernando Pinteño, sobre el lienzo El caminante sobre el mar de niebla del pintor alemán Caspar David Friedrich (1774-1840)

La vida de mi historia es una suite de 12 partes o movimientos, 11 con voz y 1 instrumental.  Está compuesta en letra y música por Martín León Soto, que se encarga también de los arreglos.  

En esta ocasión, Martín no toca ningún instrumento, pone la voz y canta las letras que están a la misma altura que la música: forman un bucle indisociable que le dan a la obra la categoría de admirable.  Los cuatro miembros del cuarteto, mirando la foto de izquierda a derecha, son: Rafael Muñoz-Torrero, violín 1, José Manuel García Belmonte, violín 2, MALESO, Blanca Arbea, viola, Alejandro Martínez, violonchello, y José Manuel González, director del cuarteto.

Las 12 partes de la suite La vida de mi historia se pueden escuchar de forma independiente pero he preferido que suenen en orden y completa, para captar la intencionalidad del autor, para escuchar cómo es la obra de principio a fin.  Lo digo en la locución y lo repito: esta es una obra soberbia que tiene el ADN completo de Martín León Soto como creador: el contenido literario de las letras de cada uno de los movimientos así como todo el crisol de su capacidad como compositor.  MALESO es un proceso de creatividad en constante progreso.  Sus últimas obras han tenido voz y el acompañamiento espartano de una guitarra y un piano.  Llegaba ahí después de haber hecho música y escribir letras acompañándose de varios instrumentos y ahora, lógicamente, tras desplegar las diferentes facetas del poliedro de esa creatividad colorista, se sitúa en el centro de la intimidad de la música y escribe una especie de compendio emocional formado por los relatos musicales Para entrar a vivir, Manzanilla, Geometría del amor, Conquistador, Canción capicúa, Hice daño, El once, Te quiero por la mañana, Dylan en We Are The World, Vieja provinciana, Eterno, Sobrevolaré Sevilla.

La vida de mi historia de MALESO es una espiral existencialista con la que logra una cota en su trayectoria creativa que es, sin lugar a dudas, digna de admiración, porque escribir una partitura musical que conjuga la realización con un cuarteto de cuerdas es algo muy serio no porque tenga que ver con el academicismo y se convierta en una manifestación cariacontecida y encorbatada, no por Dios, sino porque  es una labor de funambulista, un trabajo en el que hay que tener mucho cuidado, mucho pulso, mucho conocimiento para armonizar voz, texto e instrumentación.  Con esta obra, MALESO no rompe con su actividad anterior sino que la amplía, va hacia delante.  Lo he dicho más arriba: es un proceso de creatividad en constante progreso.

Volveremos a escuchar las partes de la suite La vida de mi historia de MALESO pero ya lo haremos desordenando el orden, mezclando dos o tres, recuperándolas.

Y ahora llegamos al final del programa, lo cual implica, hoy en concreto, cierta dificultad porque, ¿qué ponemos para cerrar después de estar escuchando una obra de palabra plena?  Pues no se me ocurre otra alternativa que no sea música instrumental y para cubrir esa opción me he acordado de un proyecto paisano de Martín León Soto.  Él es natural de Jerez de la Frontera, Cádiz, y de Jerez es el cuarteto El Tubo Elástico.

          

Tienen, hasta el momento, dos álbumes en su haber: El Tubo Elástico, 2015, e Impala, 2018.  Rock instrumental, catalogado como Rock Progresivo, elaborado con muy buenas intenciones y mejores resultados.  Con esta banda interesante a la que volveremos, con un corte de cada uno de sus dos trabajos, nos despedimos.

 

Impala - 2018

El Tubo Elástico - 2015

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 04-02-25 - Especial David Sylvian # 9

 

David Sylvian

Cíclope 3.0 del martes 4 de febrero de 2025.  La edición de hoy la ocupa el Especial David Sylvian Número 9.

Comenzamos en el punto en el que terminábamos el Especial del mes de enero,

escuchando el álbum Blemish, del año 2003, firmado por nuestro protagonista con su nombre y apellido.  Es un disco diferente a todo lo que ha hecho Sylvian hasta el momento, es una obra más difícil, más rara, donde el músico le da rienda suelta a su mundo interior, a su necesidad de mostrar un lado, una zona más oscura de lo que habitualmente enseña, de lo que habitualmente hace.  Hasta el momento, esa intimidad otoñal, esa fragilidad de paisaje interior expuesta en toda su longitud y altitud ha tenido una doble vertiente, dependiendo si utiliza o no la palabra: composiciones cantadas con un esquema de tiempo entre los 7 ó 10 minutos, y composiciones instrumentales sin voz donde la abstracción se prolonga desde los 11 minutos hasta los 35 o más.  Para esta ocasión Sylvian se libera de toda presión y, en primer lugar, produce él sólo el álbum.  Lo publica en el sello discográfico Samadhisound, propiedad de su hermano Steve Jansen y de él mismo.  Exceptuando dos colaboraciones puntuales, la del guitarrista y compositor Derek Bailey (1930-2005) que coescribe tres cortes y la de Christian Fennesz que se encarga de los arreglos electrónicos en un tema, de todo lo demás se encarga Sylvian: compone letra y música, canta, toca todos los instrumentos, realiza los arreglos, mezcla y produce.  El resultado es comparable a esos trabajos personales que han firmado, por ejemplo, músicos como Scott Walker (1943-2019) en 1995 en su álbum Tilt

O Mark Hollis (1955-2019), el motor del proyecto Talk Talk, y su trabajo titulado de forma homónima aparecido en 1998.

Este disco originalmente no estuvo pensado como una obra individual de Hollis sino como un disco de Talk Talk que se titularía Mountains of the Moon.  Desajustes de opiniones y la falta de posible comercialidad motivó que Hollis tomara el trabajo y lo realizara él mismo con la compañía de un staff de músicos colaboradores.  Ni en el caso de Scott Walker o en el de Mark Hollis están solos ante la ejecución de los diferentes cortes, hay un grupo de instrumentistas colaborando con ellos, no es lo mismo en la situación de Sylvian donde él lo hace todo.

Hemos comenzado este Especial con el tema The Heart Knows Better y para cerrar la audición de Blemish lo vamos a hacer con el corte que le da título al disco, una composición de cerca de 14 minutos que es la que abre el álbum.

Así que Blemish es un álbum firmado por David Sylvian y publicado en 2003.  Un año antes, en 2002, él y su hermano Steve Jansen, comienzan a enredar ideas sobre un nuevo proyecto de música.  Una de las características de la creatividad de Jansen es la capacidad que tiene para formar nuevos proyectos que entran en los estudios de grabación, realizan un disco, lo promocionan en giras más o menos largas y después ese proyecto desaparece para dar lugar a otro que se asemeja al desaparecido pero que no es igual.  Es una representación metafórica de la música, de una serie de ideas que van cambiando, se van transformando.  El primer proyecto que formó Jansen fue tras la separación de Japan y data de mediados de la década de los 80, cerca del final.  The Dolphin Brothers tuvo formato de dúo: Jansen y el teclista de Japan, Richard Barbieri.  Un sólo álbum, Catch the Fall, año 1987 y el proyecto desapareció.  Después trabajarían ambos juntos firmando discos con el nombre y los apellidos de cada uno.  Jansen firmaría algunos trabajos de forma individual, se volvería a reunir con Barbieri y con el guitarra bajo de la banda Japan, Mick Karn.  Los tres firmarían un proyecto bautizado con el acrónimo formado por la inicial de sus apellidos, JBK.  Otro acrónimo, N.M.L. (No More Landmine) que en 2001 lanzaba una especie de gran colaboración, Zero Landmine, una composición ejecutada por una larguísima lista de músicos entre los que se encuentran Brian Eno, Ryuichi Sakamoto, David Sylvian...  Lo más reciente es el proyecto, activo aún, Exit North.  Y además innumerables colaboraciones en los discos y en las giras de un montón de músicos.

Bueno, pues en 2002 comienza a idear un nuevo proyecto contando con la intervención de su hermano David, un proyecto que recibe el nombre de Nine Horses y que está pensado como dúo.  Sylvian está escribiendo lo que dentro de un año será Blemish, pero eso no le impide pensar en ese nuevo horizonte que le ha presentado su hermano.  Comienzan a gestar composiciones donde Jansen se encarga de la música y Sylvian de los textos.  Esto va a ser muy importante porque el resultado final va a sonar a la música de Sylvian en solitario, sin embargo él no es responsable directo de la musicalidad lograda, es más, se ha distanciado de esa atmósfera brumosa que ha caracterizado sus discos desde que comienza a grabar en 1984.  De hecho el cambio sustancial que supuso Blemish, el estar trabajando en una estética, una forma distinta, le supuso cierta complicación para readaptarse a esas maneras que él conocía tan bien.  Su hermano volvía a dar una nueva lectura a esa manera de entender la música por dentro pero nuestro hombre buscaba otros caminos.  De todas formas continuaron.  Sylvian aprovechó una pausa creativa en la labor de Nine Horses y se mete en los estudios de grabación para resolver el disco en el que había estado trabajando.  Año, 2003.  Disco, Blemish.  Situación en ese momento: creativamente hablando, atasco, no sale nada.  Fue Sylvian quien sugirió que, en vez de dúo, tal vez Nine Horses necesitara de un tercer miembro que aportara ideas allí donde los otros dos no veían nada, pero donde se hacía imprescindible una resolución.  Así surgió el nombre de Burnt Friedman.

Burnt Friedman, alias artístico de Bernd Friedmann, es un músico y productor alemán que trabaja bajo una variedad de nombres de proyectos en los campos de la Electrónica, el Dub y el Jazz.  Sylvian conoció a Friedman una vez que el álbum Blemish estuvo en la calle y él comenzó a dar una gira de promoción para que se conociera el disco.  Coincidió con el colega músico, intercambiaron ideas y Friedman le propuso a nuestro protagonista intervenir, si se le apetecía, en una colaboración que estaba haciendo con un batería alemán.  El batería en cuestión era Jaki Liebezeit (1938-2017) batería de la legendaria banda de rock alemán, Can.  Con ellos dos, Sylvian grabó un tema original suyo, The Librarian, compuesto para Nine Horses, que aparecería en el primer álbum de esa banda y en el Mini-LP de 12 pulgadas, Out In The Sticks, del binomio Burnt Friedman & Jaki Liebezeit.  Vería la luz en el año 2005, al igual que el primer disco de Nine Horses.  Dependiendo de los países, en unos aparecería antes el mini-LP de Burnt Friedman & Jaki Liebezeit, en otros se publicaría primero el álbum de Nine Horses.  Lo que sí es cierto es que el tema citado, The Librarian, se publicó en formato Maxi-Single seis meses antes de la aparición del Mini-LP Out In The Sticks, de Burnt Friedman & Jaki Liebezeit.  La idea primigenia del proyecto Nine Horses comienza en 2002, sí, pero entre que ni Jansen ni Sylvian tienen claro del todo por dónde van a tomar, qué sendero seguir, qué sentido lleva el vector que está dando muestras de vida, entre pausas más o menos prolongadas de inactividad creativa...el caso es que, al final, el primer disco vería la luz en 2005 bajo el título Snow Borne Sorrow.

  

Nine Horses (de izquierda a derecha)
Burnt Friedman, David Sylvian y Steve Jansen

Ellos tres serán el motor del grupo, pero no estarán solos, les acompañarán un plantel de colaboradores extraordinarios entre los que se cuentan algunos incondicionales como Ryuichi Sakamoto al piano; en la trompeta un músico que ha sonado no hace mucho por aquí, el trompetista noruego Arve Henriksen, un hombre que utiliza la técnica del falsete para cantar y dar la sensación de que estás escuchando una voz femenina de soprano.  Aquí no canta, toca la trompeta.  Quien sí utiliza la voz es la cantante sueca Stina Nordenstam, una intérprete de formas del Jazz, del Folk y del Pop, que esta ocasión colabora en las voces de apoyo.  La selección de cortes que vamos a escuchar del primer disco de Nine Horses, Snow Borne Sorrow, van a ser composiciones realizadas por el tándem Sylvian/Jansen, Jansen/Sylvian, Friedman/Sylvian y tan solo un corte compuesto por Friedman/Motzer/ Sylvian, donde el apellido Motzer pertenece al guitarrista norteamericano Tim Motzer, uno de los colaboradores que aparecen en los créditos.

En el programa de hoy escuchamos hasta 5 cortes del primer disco de Nine Horses, el álbum Snow Borne Sorrow, todos tienen en común la semejanza con el tipo de composiciones que ha hecho David Sylvian desde 1984 hasta 2003, año de publicación de Blemish.  Lo interesante es que no es producto directo del ingenio de nuestro protagonista sino de su hermano y del tercer miembro del proyecto, Burnt Friedman.  La próxima edición del Especial David Sylvian, la que corresponde al mes de marzo, seguiremos escuchando este disco.  Por ahora, punto y final.

Espero que te guste el programa.

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