jueves, 1 de junio de 2023

Cíclope 3.0 - 30-05-23 - Especial Joe Jackson # 3


 

La ciudad de Nueva York hoy en la foto de cabecera de esta entrada porque es la protagonista de las composiciones del disco que nos ocupa esta edición de Cíclope 3.0, la del martes 30 de mayo de 2023, dedicada a la tercera entrega del Especial Joe Jackson.

Jackson había comenzado en la industria fonográfica con las formas libres del Punk y la New Wave en sus dos primeros LPs, había tocado diferentes estilos dentro del Rock como el reggae, el ska en el tercero.  Con el cuarto disco se bañó en los ritmos sincopados del Swing y el Jump Blues de la década de los 40 y con el quinto trabajo, el que nos ocupa hoy titulado Night and Day, abría una cara más en su poliedro creativo acercándose con una música Pop de miras altas a maneras de expresión que le acercaban a compositores que han estado con un pie en el academicismo y otro en la música popular.  Pero vamos a dar un paso atrás, vamos a situarnos en el Tiempo.

1982 siempre será conocido como el año en que los punks adquirieron clase, o al menos cuando Joe Jackson y Elvis Costello , rivales por el título de Angry Young Man reinante en Gran Bretaña, decidió que no eran solo rockeros, sino realmente compositores en la Tin Pan Alley.  Ambos se habían dado a conocer antes de 1982, pero Night and Day de Jackson, publicado en junio de 1982 e Imperial Bedroom de Costello en julio del mismo año anunció al mundo que ambos eran compositores serios, muy alejados de los punks clamorosos y los new wave simples.  En retrospectiva, las ambiciones de estos dos jóvenes de 27 años (ambos nacidos en agosto de 1954, con solo dos semanas de diferencia) parecen un poco grandiosas pero las cosas son como son.


Imperial Bedroom de Costello, con el paso de los añós, se ha ganado una reputación más fuerte, más seria que Night and Day de Jackson, que fue un álbum mucho más popular, escalando puestos en las listas de Estados Unidos hasta el número cuatro, gracias al Single Steppin' Out.  Night and Day tuvo un mayor éxito porque es más accesible que Imperial Bedroom, no mejor.  El disco de Costello es una obra oscura, densa, por momentos difícil de seguir, que pide del oyente una atención específica.  Night and Day maneja unas formas más accesibles en una primera escucha, nos resulta más familiar, se sigue con soltura.




Night and Day veía la luz el 25 de junio de 1982.


Los créditos están formados con la intervención de músicos que ya habían trabajado con Jackson en el estudio y en directo, como Graham Maby al bajo, en la foto anterior.




Sue Hadjopoulos, en la foto de la derecha, además de manejar un amplio espectro de instrumentos de percusión también se encarga de la flauta y de hacer coros.



Otro percusionista es Larry Tolfree, que también había trabajado ya con Jackson.  En esta ocasión Tolfree además de los timbales y algún que otro elemento de percusión se encarga de la batería.
Hay un par de músicos de los que no se tienen fotografías, son el percusionista Ricardo Torres y el violinista Ed Rynesdal que participan, cada uno, en dos cortes del disco.  
La música y los textos de las canciones pertenecen a Jackson excepto TV Age, con letra de nuestro protagonista y música escrita entre él y el guitarrista Steve Tatler, en la foto siguiente



Del piano, piano eléctrico, órgano, sintetizador, saxofón alto, vibráfono, componer la música, escribir las letras y cantar como voz principal, de todo eso se encarga Joe Jackson.



Night and Day, como su nombre indica, está dividido en dos partes, Noche y Día: la cara A corresponde a la Noche, la cara B, al Día.  Este es un aspecto curioso porque ambas son igualmente nocturnas y diurnas, el lado diurno más reflexivo y la parte nocturna más animada.  En el andamiaje y tornillería de la obra están las presencias de tres figuras de la música, el compositor Cole Porter (1891-1964),



el compositor, pianista y director de orquesta George Gershwin (1898-1937)



y el saxofonista Charlie Parker (1920) -1955)




que interpretó precisamente una composición de Cole Porter titulada Night and Day 



Tras la publicación de Joe Jackson's Jumpin' Jive en 1981, problemas de salud y sentimentales lo mantuvieron apartado de la escena durante unos meses.  Se divorcia de su mujer, Ruth, se traslada a Nueva York y es allí donde trabaja teniendo como punto de fuga la ciudad de los rascacielos, empapándose del ambiente de la gran ciudad, de los compositores e intérpretes que admira.  Hasta la portada del disco es un homenaje a la metrópolis.  El disco se grababa entre los meses de enero y febrero de 1982 y se publicaba el 25 de junio de ese año.  Las letras de las canciones hablan de temas que están en la calle, en la cabeza de la gente, por ejemplo Real Men trata de la cultura gay de la ciudad a principios de la década de 1980.  Y el trabajo mezcla diferentes estilos, como es la ciudad de Nueva York, mezcla y mestizaje: Jackson, toma de aquí y de allá, estructuras de música latina, estructuras clásicas de Porter, de Gershwin, ritmos modernos como el reggae, el ska, y sale un trabajo que triunfa, comercialmente, a la misma vez en Estados Unidos e Inglaterra.  Pero todos esos adornos elegantes en las composiciones, en el diseño de la carpeta del disco, según los grandes popes de la Crítica Musical son evidentes en la superficie, que es el problema con el disco: la superficialidad. Todo está estilizado, con la sensación de eclipsar la escritura, lo cual es un poco irónico considerando que Jackson se esfuerza claramente por ser un compositor sofisticado cosmopolita en este álbum.  La mezcla de ritmos latinos, trompetas y pianos de jazz, sintetizadores elegantes y melodías pop llamativas se siente asombrosamente como una noche bulliciosa y deslumbrante en la gran ciudad.  No hay diferencias marcadas entre el lado nocturno y diurno, hay una fiesta que unifica el espíritu del trabajo, es decir que crea un estado de ánimo y lo mantiene muy bien. Donde decepciona, según los críticos, es en la sustancia de las canciones, porque aproximadamente la mitad de las composiciones tienen más que ver con el sonido que con lo que dicen.  Se pusieron trascendentales los popes de la música.
La producción recayó sobre el mismo Jackson, a medias con David Kershenbaum, el que fue productor de sus dos primeros LPs.
El programa lo abrimos con el tema que se publicó como segundo Single, Breaking Us in Two, primer corte de la cara B y por lo tanto el primero del lado diurno.  Seguimos con la canción que se utilizó como tarjeta de presentación del LP, Real Men, también en el lado Día.  Pasamos al corte Cancer y nos va a faltar uno para completar la cara B, Día.  Será el el tema A Slow Song, que suena al final, como cierre de esta edición.
La cara A, Noche, la vamos a escuchar como si de un sólo tema se tratase.  Los cinco cortes que la forman no tienen separación entre uno y otro, funcionan como una suite y como tal he preferido respetarla para que puedas apreciar tal y como lo ideó Jackson.  Comienza con Another World, le sigue Chinatown, T.V. Age, Target y termina con Steppin' Out.
Night and Day se publicó en 1982, en 1997, el sello A&M donde Jackson publicó sus discos, lanzó un CD remasterizado digitalmente fabricado en Europa.  En 2003, el mismo sello lanzó una edición de lujo remasterizada a partir de las cintas maestras originales.  Esta edición, publicada con la misma portada que la de 1982, incluye un segundo disco con seis demos, cinco pistas de la banda sonora de la película homónima Mike's Murder de 1983 (el álbum que sigue en la discografía a este Night and Day) y cinco pistas del álbum doble en vivo de 1988, Live 1980/86.


























De este último nos vamos a quedar con dos temas en vivo incluidos en la edición de Luxe de Night and Day , la versión a capella de Is She Really Going Out With Him? de su primer LP más el tema que le daba título a dicho disco, Look Sharp!  Así, más A Slow Song, el corte que faltaba para terminar la  cara B o Día, cerramos el programa por hoy, la tercera entrega del Especial Joe Jackson que espero que te haya gustado.

Enlace:



jueves, 25 de mayo de 2023

Cíclope 3.0 - 23-05-23

 


Visitation
Robert y Shana ParkeHarrison

Cíclope 3.0 edición del martes 25 de mayo de 2023.  Comenzamos suscribiendo ese refrán que dice De tal palo, tal astilla haciendo referencia a personas que imitan o adquieren algunas características o cualidades de sus padres.  En dos ocasiones le dedicamos el programa a dos Especiales con dicho epígrafe pero hoy tan sólo se da al comienzo porque empezamos con una banda californiana llamada Spain, con parte de sus miembros relacionados con el mismo árbol genealógico: tres mujeres y un hombre descendientes de una misma pareja, el músico de Jazz norteamericano Charlie Haden y Ruth Cameron.




Charlie Haden (1937-2014) estuvo casado con Ruth Cameron Haden (1947-2021)







de América del Norte también, 
cantante de Jazz, productora (estuvo en cuatro álbumes de su marido ejerciendo como tal), actriz y fotógrafa del mundo del Jazz estadounidense.
Entre los dos engendraron cuatro ramas que florecieron en el árbol genealógico siguiendo los pasos de sus padres:



Josh, guitarra bajo y cantante





Petra
, violín





Rachel, guitarra bajo y vocalista












Tanya, violonchelista









Josh Haden formó la banda Spain en los primeros años de la década de los 90 del siglo pasado.  Cuando ideó el proyecto contó con sus tres hermanas que estaban colaborando con bandas como Foo Fighters, Weezers o músicos como Beck, por citar algunos.


Los cuatro Haden 

aparecen en el primer álbum del grupo, titulado The Blue Moods of Spain, de 1995.  El grupo tenía formación de cuarteto y se convertirían en septeto con la participación de las tres hermanas Haden.  La presentación de la banda se llevó a cabo en vivo en el estudio de la emisora KCRW-FM de Santa Mónica, California.  Dicha presentación se publicó en formato EP titulado The Morning Becomes-The KCRW Session que se incluiría en la versión CD del primer álbum del grupo.  Poco tiempo después las tres hermanas se marcharon, Petra y Rachel para seguir con el proyecto That Dog (Petra continuó como líder del cuarteto, trío después de la marcha de Rachel), Rachel siguió con sus colaboraciones y Tanya, que estuvo en los créditos de discos de Silversun Pickups o Sea Wolf.  Además, se casó con una estrella de Hollywood, el actor Jack Black.



 

Así que Josh se quedó sólo al frente del proyecto Spain, en formación de cuarteto, que era la base hasta que se convirtió, temporalmente, en septeto con sus tres hermanas.  Spain publicó en 1999 She Haunts My Dreams y en 2001 I Believe.  El Cíclope recupera primero el álbum de 2001 que incluye el tema She Haunts My Dreams que fue el título del segundo álbum (cosas que pasan, nombran el disco de una forma y la canción que le da título se les olvida incluirla) y después escuchamos un corte de su primer disco.  Actualmente Spain ha publicado un nuevo trabajo firmado en 2022 y titulado World of Blue, temas ya grabados, vueltos a grabar y en este 2023 se ha editado un disco, Spain Rio Theater Santa Cruz, que recoge una actuación en vivo en California el 17 de junio de 2001.  Parece ser que el rastro de Pop suave mezclado con Jazz descafeinado no les ha dado para mucho más.

Pasamos ahora a una interesante, muy interesante banda de Jazz.  Llegan desde Londres, donde comenzaron en el año 2016.  Pertenecen a la organización de desarrollo de artistas y educación musical de Jazz, Tomorrow's Warriors, se llaman Nérija, son un septeto y está formado por mujeres.



Nérija


Una cosa antes de seguir: fíjate en el nombre, Nérija, con acento en la e.  Hay otra banda con el mismo nombre pero sin acento en la e, Nerija, que no tienen nada que ver.




Nerija, el grupo de la foto, fue un combo lituano de música Pop-Rock que estuvieron en activo entre 1970 y 2004, cuando tan solo se quedaron cuatro miembros del total original.  Después no se ha sabido nada más de ellos.

Volviendo al septeto Nérija decía que se formó en el año 2016.  El proyecto surge en el seno de la organización británica asentada en Londres, Tomorrow's Warriors, comprometida con defender la diversidad, la inclusión y la igualdad en las artes a través del Jazz, con un enfoque especial en "Músicos negros, mujeres dedicadas a la música y aquellas personas cuyas circunstancias financieras o de otro tipo podrían bloquearles las oportunidades de seguir una carrera en la industria de la música".  La organización fue cofundada en 1991 por Janine Irons, educadora y productora musical inglesa, junto a Gary Crosby, contrabajista, compositor, arreglista musical y educador de Jazz británico, miembro fundador del célebre grupo Jazz Warriors en la década de los 80.  Los miembros de Tomorrow's Warriors, además de participar en Jam Sessions informales, pueden unirse a proyectos ya formados que se incluyen en las secciones que reciben los nombres de  Tomorrow's Warriors StringTing, Tomorrow's Warriors Female Collective, una Junior Band (para jóvenes músicos con edades comprendidas entre los 11 y los 15 años), Tomorrow's Warriors Youth Orchestra y la emblemática Nu Civilization Orchestra.

La banda Nérija está inscrita dentro de Tomorrow's Warriors Female Collective y para saber quién es quién retomamos la foto donde se ve a las siete integrantes y les ponemos nombre a cada una.




De izquierda a derecha son: Rosie Turton, trombón, Nubya Garcia, saxo tenor, Sheila Maurice-Grey, trompeta, vocalista y artista visual, Cassie Kinoshi, saxo alto, compositora y arreglista, Lizy Exell, batería, Inga Eichler, contrabajo y Shirley Tetteh, guitarra eléctrica.  Esta es la formación que autoedita un EP en el año 2016 con el nombre del proyecto, Nérija.  El mismo EP de cinco cortes verá la luz más tarde, en el mes de marzo de 2019, publicado por el mismo sello discográfico que en agosto de ese año editara el primer larga duración del grupo, Blume.


La música que desarrolla Nérija se basa en el dinamismo del Hard Bop de la década de los 60 así como en el Funk, el Soul y el Hip-Hop.  De Blume el Cíclope escoge dos temas, Riverfest EU (Emotionally Unavailable).  Blume es su primer disco grande, su primer larga duración donde se encontraron con la primera baja en el proyecto: la contrabajista Inga Eichler, de origen alemán pero asentada en Londres, se despide y es sustituida por un hombre, Rio Kai.



Nérija
en la actualidad, con 
Rio Kai sujetando el contrabajo


La gran mayoría de los miembros de Nérija colaboran en otros proyectos, por ejemplo Rio KaiCassie KinoshiSheila Maurice-Grey Shirley Tetteh tocan también en otro proyecto de Jazz, Seed Ensemble.  Sin embargo pocos llegan a tener discografía propia.  Una de las integrantes del grupo que sí ha grabado en solitario es Nubya García, saxo tenor, compositora y locutora de radio residente en Londres.

En el año 2020 publicó un álbum titulado Source, un disco de nueve composiciones que reflejan la música y la cultura de su educación afrocaribeña.


Los 9 temas dan una visión profundamente intuitiva, disciplinada y personal del Jazz moderno que elabora esta mujer que, entre otras cosas, es la líder, la que coordina el alma de Nérija.  De ese disco nos quedamos con un corte, Stand With Each Other.


En 2017, Nubya García lanzó un trabajo con 6 cortes titulados Nubya's 5ive donde ya daba muestras de su visión disciplinada y personal del Jazz moderno proyectando ese crisol en un tiempo presente que considera la tradición y la innovación como una sola entidad multifacética. De aquel Nubya's 5ive de 2017 nos quedamos con un tema donde la batería va a desempeñar un papel importante.  A ver qué te parece este Hold.

En la recta final del programa nos trasladamos desde Londres capital hasta la ciudad de Liverpool, la ciudad musical cuna de tantos grupos y solistas, de actores y actrices y de directores de Cine como Terence Davies, realizador que siempre tiene presente la música en sus películas.  Ahora mismo se me viene a la memoria la cinta de 1988 Voces Distantes (Distant Voices, Still Lives).  Pero no nos vamos a despedir con el Liverpool de los Beatles, o de Julian Cope, por citar un par de nombres.  Nos vamos a quedar con un Liverpool más misterioso, el que trabaja un dúo que responde al nombre de King Hannah.




King Hannah son Hannah Merrick y Craig Whittle.  Se forma el proyecto en su Liverpool natal, en el año 2017.  Dos años antes, Craig Whittle, multinstrumentista, había estado en un evento universitario con actuaciones de grupos, solistas...en uno de aquellos grupos cantaba una mujer cuyo registro vocal le llamó poderosamente la atención: tenía un estilo inquietante y malhumorado que no lo dejó indiferente, al contrario, se quedó con su cara, preguntó el nombre.  Que se llamaba Hannah y que había nacido en Gales.  Antes de retirarse del escenario aquella mujer tomó la guitarra eléctrica y cantó acompañándose ella sola.  No fue amor a primera vista ni un flechazo lo que sintió Whittle.  Fue algo cercano a una obsesión: aquella voz ahumada, hipnótica, lo dejó pillado.  Quiso el Destino que dos años después de haberla escuchado cantar y tocar la guitarra, Whittle coincide con ella en un bar-restaurante, trabajando ambos como parte del servicio de camareros.  Ella le está enseñando cómo poner los cubiertos en las mesas y él deriva el tema a otra cosa: que si está dispuesta a escribir música con él e interpretarla.  ¿Cómo?  La cara de extrañeza de ella sirve como punto de fuga para que él se sincere y le cuente que la vio en Liverpool, en aquel Festival en la Universidad...risas y ¡huy, qué lejos está eso!  Yo ya no toco...bueno, cuando estoy sola.  Entre un turno de trabajo y otro canturrean acompañados por la guitarra acústica de Whittle.  Él lo va transcribiendo a la guitarra eléctrica, un día se lo enseña a ella.  Van adquiriendo confianza uno en el otro para tocar juntos, para dejar fluir la creatividad.  Toman confianza y sugieren ideas, uno y la otra.  Y un día del año 2018 se ponen manos a la obra.  Ambos tocaban la guitarra pero Merrick prefiere estar más suelta y asume ser la voz principal mientras que Whittle se hace cargo de la guitarra eléctrica, los teclados, los arreglos musicales...  Se entretienen en hacer bien las cosas y en mayo de 2019 publican un sencillo autogestionado.  El Single llega a oídos de Krista Schimdt de City Slang Records a la que llama poderosamente la atención.  Contacta con el dúo y le pide escuchar más material.  Hay un par de temas más que saldrían en Single, se publicarían en septiembre de 2020 por el sello City Slang Records, el mismo sello que reuniría aquellos primeros sencillos para incluirlos en el EP de seis cortes Tell Me Your Mind and I'll Tell You Mine publicado en noviembre de 2020.




Schimdt, la dueña del sello discográfico, les presentó al productor Ted White que agregó sintetizadores y guitarras adicionales junto con una sección rítmica compuesta por guitarra bajo y batería, para dejar que Whittle respirase y pudiera tocar la guitarra plenamente.  En septiembre de 2021 King Hannah se embarca en su primera gira por el Reino Unido con formato de quinteto.  Vuelven, graban una serie de singles que se irán preparando para la aparición de su primer larga duración, I'm Not Being Sorry, I Was Just Being Me, que lo hará en febrero de 2022.  Para promocionar este álbum debut, la banda se mete  posteriormente en una Gira completa por Europa y Estados Unidos.  El disco funciona, consigue audiencia, logran el respeto de los popes de la crítica primero nacional, la inglesa, después del resto de Europa y parte de Estados Unidos y se hace de un espacio personal en las baldas donde se colocan los discos de Portishead, por ejemplo, a los que se asemejan en lo que a música atmosférica se refiere.


Me entusiasma la música, las canciones de King Hannah, y las carpetas de sus discos me parecen perfectas, el colmo de la neutralidad.

Con el primer larga duración del dúo/quinteto nos despedimos, con tres cortes, Big Big Baby, The Moods That I Get In y Go-Kart Kid (Hell No1) nos despedimos de ti hasta la semana que viene.  Ya sabes, si quieres compartir la pasión por la música aquí tienes un punto de encuentro, en Cíclope 3.0, en la sintonía de Radio Tomares.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-23-05-23



jueves, 18 de mayo de 2023

Cíclope 3.0 - 16-05-23


El gran Jacques Tati escuchando música 


Cíclope 3.0 del martes 16 de mayo de 2023.  Esta edición comienza mirando hacia atrás y a lo largo del espacio de hoy, suscribimos el lema del Cíclope, ese que afirma que escuchamos la actualidad a través del prisma del Tiempo, y para ello nos remontamos unos cuantos años, hasta 1964 en concreto, para recuperar la música de una banda dedicada al Rhythm and Blues.  De su cantante se llegó a decir que era de piel blanca pero que tenía el corazón de un negro, por su voz y su identificación innata hacia el Blues.  Él era Eric Burdon y el grupo en el que cantaba se llamaba The Animals.


La formación cambiaría en el tiempo en el que estuvieron juntos, pero la original es la que aparece en la foto: a la izquierda, en la guitarra bajo, Bryan Chandler, más en primer plano Eric Burdon, por detrás de este John Steel en la batería, Hilton Valentine en la guitarra y al órgano el alma mater del proyecto, Alan Price.

The Animals se fundó en Newcastle-upon-Tyne, en el noreste de Inglaterra, en 1963.  Sus raíces se encuentran en Alan Price Rhythm & Blues Combo, que a su vez se había desarrollado a partir de otros dos grupos populares de Newcastle: Kansas City Five y Kontours.  El Combo contó con Alan Price en los teclados y voces, Hilton Valentine en la guitarra, Bryan  Chandler en el bajo y John Steel en la batería. Eric Burdon, que había cantado en los Kansas City Five, se había ido de Newcastle a Londres cuando Price abandonó los Five a favor de los Kontours, pero cuando volvió a casa, se unió a Price como vocalista principal.  El poderoso estilo del grupo les proporcionó una audiencia fiel y adoptaron un nuevo nombre, Animals.  Dependiendo de quién cuente la historia, el nombre proviene de su actitud feroz en el escenario o de un saludo a un buen amigo apodado Animal.  Lo del artículo The sería una sugerencia de la discográfica, dados los tiempos que corrían.  De la primera descarga de bandas británicas que saltó a la fama tras la irrupción de los Beatles en Estados Unidos, ninguna fue más dura e imponente que la de The Animals.

Editaron su primer álbum en 1964 y realizaron una doble edición: en Inglaterra y en Estados Unidos.



 

Edición inglesa









Edición americana





También fueron uno de los primeros grupos ingleses en captar la atención internacional mientras se alineaban con el Blues.  Si bien los Rolling Stones estaban inmersos en ese género, The Animals acortaron caminos hacia su meta y alcanzarían antes sus objetivos precisamente con su segundo sencillo, House of the Rising Sun, incluido en la edición del LP americano pero no en la versión inglesa.

The House of the Rising Sun es una canción folclórica americana de autoría anónima cuyos orígenes se remontan al siglo XVI.  Narra la vida de alguien que ha tenido poca fortuna en Nueva Orleans, estado de Luisiana.  La canción había sido grabada en varias ocasiones, la primera data de 1933 y la realizó el dúo formado por Clarence Ashley, banjo, guitarrista y cantante, y Gwen Foster, guitarrista y cantante, que firmaron la composición en el más clásico estilo Blues titulándola Rising Sun Blues.  Como House of the Rising Sun se grabó en 1960 por Joan Baez y en 1962 aparecerían dos interpretaciones más, una debida a la pianista y cantante de Jazz Nina Simone y la otra por Bob Dylan.  La versión que recupera el Cíclope, la de The Animals, casi se podría tildar de primer gran éxito del Folk-Rock, con la voz de Burdon, su disposición dramática y los riffs inolvidables del órgano de Alan Price.  El comienzo del programa de hoy lo hacemos con Price, Burdon y compañía, con su primer Single, Baby Let Me Take You Home y el segundo sencillo, House of the Rising Sun, ambos de 1964.


The Animals comenzaron en 1963 organizados alrededor de la figura del pianista y organista Alan Price (foto de la izquierda).  En 1965 Price abandonó el seno del grupo para fundar su propia banda, The Alan Price Set, con la que tuvo cierto éxito a partir de 1966.  Continuó en solitario, colaborando con otros músicos y proyectos, tocando el piano eléctrico y el órgano, cantando, componiendo y eventualmente ejerciendo de actor.


De su discografía, considerable vamos a rescatar un LP firmado en 1975 titulado Metropolitan Man, un álbum compuesto en letra y música por Price, con él sentado al piano, piano eléctrico y sobre todo al órgano.  Como muestra el tema que suena, Fools Gold.

Como sucede en tantas ocasiones, semejanza de títulos, de nombres de canciones, como es el caso que nos ocupa a continuación.  Del año 1975 saltamos a 2022 para quedarnos con una banda llamada Built to Spill, que llevan ya unos años en esto de las turbulencias del Rock y que precisamente el año pasado, 2022, lanzaban nuevo disco con una carpeta extraordinariamente psicodélica aunque el contenido no está acorde a la ilustración de la portada y, la verdad, tampoco es imprescindible y necesario porque tal como ha quedado suena bastante bien.



When The Wind Forgets Your NameCuando el viento olvida tu nombre, es el último trabajo de este grupo, Built to Spill, formado en Boise, Idaho, en 1993, es una banda que, a lo largo de 30 años, ha ido desgranando una colección de canciones muy interesantes relacionadas con el Rock Independiente.  No esconden sus influencias: Neil Young y Dinosaur Jr., dos puntos de referencia para el fundador de la banda, el cantante, compositor y guitarrista Doug Martsch.  De este hasta el momento último trabajo nos quedamos con dos cortes, Fool's Gold y Spiderweb.

Nos movemos por la topografía norteamericana y nos situamos en el condado de Imperial, al norte de Baja California, frontera con México, en la ciudad conocida como Calexico, el nombre que escogen dos músicos para bautizar su proyecto: Calexico.


Joey Burns, a la izquierda y John Convertino a la derecha, son el motor de Calexico, un crisol de orígenes, sitios y lugares como lo demuestra el hecho de que nacieran Burns en Montreal, Quebec, Canadá, y Convertino en Mineola, Nueva York.  Cada uno tiene un curriculum vitae curioso: Burns es multinstrumentista, toca el contrabajo, el acordeón, el violoncelo, la armónica, las guitarras acústica y eléctrica, los teclados; Convertino es batería, cantante, compositor y productor.  Ambos se trasladaron a Tucson, Arizona, una ciudad de origen español y su música recoge todos esos elementos que se han ido cruzando en su camino: senderos polvorientos del sudoeste norteamericano, mariachis mexicanos, spaguetti western, la música de Ennio Morricone, de Herb Alpert y su Tijuana Brass, Cool Jazz, música de surf…un crisol verdaderamente cromático que han ido desplegando a través del espectro de su música desde finales de la década de los 90.  En esta ocasión recuperamos su sonido porque el año pasado, 2022, publicaban un álbum nuevo titulado El Mirador


Durante la pandemia mundial de COVID-19, Calexico se mantuvo ocupado, promocionando como pudieron el lanzamiento navideño de 2020, Seasonal Shift.  Todo eso sin olvidar seguir trabajando en un nuevo trabajo que acabaría llamándose El Mirador.  Aunque Joey Burns y John Convertino ya no residen en la antigua base de operaciones de la banda en Tucson, Arizona, regresaron allí para grabar en el estudio casero del teclista Sergio Mendoza

Mendoza, a la izquierda, multinstrumentista: voz, guitarra, teclados, acordeón, bajo...  La sensación de volver a visitar el corazón de su música resuena a lo largo del álbum.  Con frecuencia, El Mirador se siente como un resumen de las fuerzas fundamentales de Calexico: señas de identidad que se traducen en el par de temas que extrae el Cíclope de este álbum, uno Caldera y el otro un tema instrumental Turquoiseun interludio de estilo noir con un fabuloso solo de trompeta, un recordatorio de que un instrumental de una banda con tanta potencia musical nunca podría ser un relleno.  La pandemia movió a Calexico a celebrar todas las cosas buenas de la vida, y esta celebración incluye por supuesto las influencias latinas en su música.  Volveremos sobre la música de Calexico, sobre este disco nuevo, que sigue manteniendo ese tipo de música poética, compleja pero accesible.  El grupo se ha diversificado a lo largo de los años con mucho éxito y El Mirador muestra que sus raíces son tan fuertes como siempre.

Seguimos el rastro de la música sobre esta topografía seca y ardiente que es la frontera entre California y México, nos adentramos en las tierras del tequila, terreno propicio para las canciones de amor y recuperamos música de ayer porque el lema del programa ya sabes cuál es, "Escuchamos la actualidad a través del Prisma del Tiempo", y en esa espiral, plana como el surco de un vinilo, volvemos por unos minutos al México de ayer con un trío popular por sus boleros de amor, el Trío Los Panchos



Los Panchos

El Trío Los Panchos, también conocidos como  Los Panchos, fue un grupo que innovó con sus baladas y sus boleros el espíritu musical de países de habla hispana a mediados de la década de los años 40 del pasado siglo.  Los tres miembros originales, los mexicanos Alfredo Gil y Chucho Navarro, conocieron al puertorriqueño Hernando Avilés en la ciudad de Nueva York en 1944.  Con una facilidad extraordinaria para cantar y armonizar las voces, tocaban guitarras requinto, unas guitarras españolas de cajas más pequeñas.  Han vendido cientos de millones de discos desde que se dieron a conocer y tan conocidos por sus boleros como por las interpretaciones que hicieron de canciones folclóricas clásicas como Bésame Mucho, Quizas, Quizas, Quizas, y una larguísima lista.  Su larga trayectoria de más de 70 años en activo ha hecho que su influencia no tenga parangón en América Latina, donde se les considera con razón como uno de los mejores tríos musicales de todos los tiempos.  El bolero que traemos al programa fue uno de los discos más vendidos en España allá por la década de los años 50, Si tú me dices ven.  Es una canción original de Alfredo Gil (en la foto anterior el primero por la derecha) que adaptó libremente un poema del escritor y poeta mexicano Amado Nervo.  Si he traído esta canción ha sido porque nos sirve para situarnos en México y porque el título me lleva a otro muy parecido, el de la novela de Albert Espinosa, Si tú me dices ven, lo dejo todo…pero dime ven.  No he leído la obra, no sé de lo que trata excepción hecha de la sinopsis que aparece en la cubierta del libro.  No sé si merece la pena, si es triste, alegre...lo que me llama la atención es el título, ese trueque, ese cambio en el sentido romántico y amoroso de la canción original de la que toma la primera frase de la letra, ese añadido ...pero dime ven.  Si me llegan a decir que en vez de un libro es una canción habría apostado sin margen de error a que se trata de una composición de Martín León Soto, MALESO, pero no es así.  MALESO tiene disco nuevo, un EP de tres canciones aparecido en el mes de febrero de este año en curso y que lleva por título Siento




No solo el título de esa obra de Albert Espinosa me lleva a MALESO por ese sentido/significado tan malesoiano, también son las primeras notas del tema El maestro de Primaria, que me recuerdan los aires de esos boleros de Los Panchos, lo que ocurre es que esa sensación dura milésimas de segundos porque cuando la canción toma cuerpo ya es inevitablemente marca MALESO, por la letra, porque esa forma de doblar los significados de los significantes, el parecer que va a decir algo cuando dice eso y mucho más, eso y mucho más es el universo de Martín León Soto.  Mira, un ejemplo: dice la letra de esa canción, El maestro de PrimariaYa no agarra mi simiente si miento, porque mi conocimiento es cimiento de la mente aún naciente de aquellos confiados a mi ciencia docente…  Las letras de las canciones de MALESO son fundamentales y porque nada se queda mejor fijado que cuando se lee te paso la dirección del músico en su página de la plataforma Bandcamp para que, además de poder escuchar sus canciones de nuevo, puedas leer esas letras de sus composiciones, además de poder adquirir sus discos o las canciones que más te gusten.  La dirección web es la siguiente
En la parte inferior de la página de MALESO hay un texto que quiero resaltar y es el comentario que escribe otro músico también entroncado con el lenguaje lúdico, donde las palabras se cruzan, se deconstruyen y se vuelven a levantar para descubrir nuevos significados, se trata de Pedro Cruz, que escribe una semblanza de las tres canciones que forman el EP Siento de MALESO que es una delicia por cómo está escrita y cómo dice las cosas.  El EP lo puedes volver a escuchar en la web de Bandcamp y puedes leer los textos al mismo tiempo.  En la edición de hoy de Cíclope 3.0 escuchamos el EP al completo.  Después de El maestro de Primaria, la canción que le da título al disco, Siento, y Valla de Obra que la primera vez que la escuchas está bien pero cuando lees el contenido del texto, entonces te das cuenta de la altura que consigue.

En este disco Martín, en la foto de la derecha, utiliza menos instrumentos que en grabaciones anteriores.  Él compone letra y música, toca toda la instrumentación excepto la percusión en dos cortes, el primero y este último, en los que interviene como percusionista Marcos Gamero.  Como es habitual, un placer poder escuchar a MALESO ya sea en grabaciones anteriores o en esta nueva a la que volveremos, seguro.
Así hemos llegado a la recta final del programa por hoy.  Nos vamos a quedar en territorio hispano, recogiendo el testigo que nos ha dejado Martín León Soto.  Si comenzábamos esta edición mirando hacia atrás también lo hacemos en el cierre.  Pretendía que sonaran al menos un par de canciones pero va a entrar tan sólo una de esta banda, dúo, que estuvieron vigentes en el panorama de la música española entre los años 1983 y 1993 y que respondían al nombre de La Dama Se Esconde.

Nacho F. Goberna, a la izquierda en la foto, e Ignacio Valencia, formaron La Dama Se Esconde en San Sebastián, después de disolver el grupo Agrimensor K, banda de onda oscura de la música de principios de los 80 en España.  Como LDSE practicaron una música electroacústica, florida, con letras que a una parte de la audiencia les resultó chocante porque no las entendían y otro sector estuvo de acuerdo y apoyaron aquellas historias que parecían soñadas y después pasadas al papel, contando historias que rozaban el surrealismo.

Nos vamos a despedir con un corte de su primer disco, Avestruces, de 1985, en concreto el tema Tio Vivo.
Ya sabes que la semana que viene, si quieres compartir el arrebato y pasión por la música, puedes hacerlo aquí, en Cíclope 3.0 en la sintonía de Radio Tomares.

Espero que te guste el programa.

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