Cíclope 3.0 - 20-10-26

 

Eufemia Ganuza Mendívil, oyente apasionada de Cíclope 3.0, tiene la costumbre de descargar el podcast del programa y escucharlo cuando mejor le venga, por supuesto sin interrupciones.  Habitualmente escoge la hora de la siesta que es cuando a nadie se le ocurre molestarla pero en esta ocasión, cuando sonaba la música de Cocteau Twins, ha recibido una llamada telefónica que ha resultado ser una equivocación.  No podemos reproducir aquí las palabras exactas que salieron por su boca, nos vemos en la obligación de omitir el catálogo de exabruptos inadecuados y floreos malsonantes que Eufemia le dedicó a quien estuviera al otro lado de la línea.  Digamos que su vocabulario perdió por completo la finura de sus perlas.

Cíclope 3.0 del martes 20 de octubre de 2026.  Cuando el Cíclope abre el cajón de la música, lo que suele encontrar primero es el ayer, otras veces, no.  Hoy es un día habitual en su dinámica de búsqueda así que lo primero con lo que se topa son algunos vinilos de mediados los años 60.  Busca una foto identificativa del o de los intérpretes y así inicia una nueva selección para una nueva edición.  En esta ocasión, la primera foto es esta:

Está claro, ¿no?...a ver: línea superior, en el centro, Neil Young, el primero por la derecha, Stephen Stills; línea inferior, dos músicos, el de la izquierda, Richie Furay.  Este y los otros dos músicos citados fundaron el proyecto que aparece fotografiado y que respondían al nombre de Buffalo Springfield.  Por el grupo pasaron otros nombres reputados como David Crosby o Jim Messina.  Pero lo que nos interesa hoy es el álbum de debut de la banda,

aquel LP publicado en 1966 y que entre otras canciones incluía cortes como For What It's Worth, una canción de protesta escrita e interpretada por Stills, que no solo se convirtió en un gran éxito sino también en un himno perdurable, llegando a ser un símbolo de toda la agitación política de la década de 1960.  El disco se publicó el 5 de diciembre de 1966, así que aquellas navidades, el LP estuvo presente entre los regalos de Papa Noel.  El grupo había tomado el nombre de una compañía de apisonadoras y hubo algo que los tuvo de acuerdo desde el primer día en el que el álbum vio la luz: el sonido que reproducía el disco.  los 5 miembros sintieron que la producción no capturaba su energía y entusiasmo en el escenario.  

La trayectoria de Buffalo Springfield fue breve: el proyecto se formó en 1966 y se separó en 1968.  Pero su legado fue inmenso.  Parte de su leyenda se forjó en las décadas siguientes, cuando los miembros fundadores alcanzaron la fama por su cuenta, con su nombre y apellido en el caso de Neil Young o con grupos, como Richie Furay cuando le da forma a Poco y Stephen Stills a Manassas.  

Hubo cambios en el seno del grupo.  La primera baja fue Neil Young.  Con tres fundadores, las tensiones comenzaron a aumentar dentro de la banda, particularmente entre Stills y Young, lo que llevó a Neil a abandonar la banda durante el verano de 1967.  Fue sustituido por David Crosby, que llegaba desde The Byrds.  El debut de Crosby en Buffalo Springfield  se dio cuando la banda tocó en el Festival Pop de Monterey en junio de 1967.  Hemos escuchado el gran éxito For What It's Worth, y salimos del primer disco de Buffalo Springfield con un tema compuesto por Young, Out Of My Mind.

Desde el momento en el que Neil Young sale de la nómina de un grupo comienza una labor musical que, hasta el momento, ocupa más de siete décadas.  Saludó al mundo desde las filas de Buffalo Springfield, se convirtió en un cantautor de Folk que cuando dejaba la guitarra acústica y la armónica se transformaba en un guitarrista eléctrico vital.  No me cansaré nunca de reconocer que este canadiense me gusta aunque sea tocando Tengo una vaca lechera.  Nacido en Toronto, Canadá, se mudó a Winnipeg con su madre tras el divorcio de esta de su padre, un periodista deportivo.  Winnipeg es una ciudad pequeña.  Aprovecho que ha aparecido el nombre de Winnipeg para hacerte una recomendación cinematográfica.  

Este hombre de la foto a la izquierda es Guy Maddin, director de Cine canadiense, original de Winnipeg.  En el año 2007 dirigió la cinta My Winnipeg, un cruce entre drama y comedia, una especie de pseudo-documental surrealista, entrañable, dedicado a su ciudad natal, Winnipeg.  Es la capital y la ciudad más poblada de la provincia canadiense de Manitoba, localizada en las praderas del Oeste de Canadá.  Te la recomiendo.  Y hecha la sugerencia, seguimos con la música.

Neil Young en Winnipeg, con su recién divorciada madre...no, no había mucha actividad musical, ninguna actividad relacionada con la creatividad fuese en la disciplina que fuese.  Young tenía un coche magnífico, de segunda mano, que le había costado poquísimo: se trataba de un Pontiac, un coche que había sido utilizado en los servicios de una funeraria, es decir, un coche de muertos.  Tomó el volante y condujo hasta Los Ángeles.  Y la historia comenzó a trenzarse en un tapiz que utilizaba cuerdas acústicas o cuerdas eléctricas, si es que esa clasificación fuera posible.

Fue en noviembre de 1968 cuando Young se mete en los estudios de grabación y le da forma a su LP de debut en solitario, titulado con su nombre y apellido.  Mostró de lo que era capaz pero no dejó huella en nadie.  El disco fue un tanto desastroso en las ventas y su nombre y apellido no dejó marca.  Pero en 1969 Young vuelve a la carga y esta vez acompañado de un trío con el que elaborará canciones memorables.  El trío era Crazy Horse y aparecía como herramienta fundamental para hacer posible un disco como Everybody Knows This Is Nowhere.

Este segundo trabajo de Young en solitario, con la colaboración de Crazy Horse iba a marcar un camino.  Para muchos seguidores del canadiense, que apareciese en los créditos o en la firma del disco el nombre de Crazy Horse se convertiría en una garantía: habría canciones acústicas, pero también canciones eléctricas transidas de guitarras poderosas.  La compañía de Danny Whitten en la guitarra eléctrica, Ralph Molina en la batería y Billy Talbot en el bajo, es decir, Crazy Horse, sería una cierta garantía para las expectativas de la audiencia más eléctrica.  Este disco, Everybody Knows This Is Nowhere, de Young incluye composiciones eléctricas como la que recupera el Cíclope, un corte de casi 10 minutos titulado Cowgirl In The Sand.

Siguiendo el vector del Tiempo, de 1969 saltamos con Neil Young a 1970.  El trío Crosby, Stills & Nash se convertían en cuarteto con la intervención de Young.  Grabarían dos LPs, uno de estudio y otro, doble, grabado en vivo.

El disco de estudio se tituló Déjà vu y Young intervino activamente escribiendo dos canciones (Helpless y Country Girl) y otra a medias con su antiguo compañero Stephen Stills, la titulada Everybody I Love You.

Aún intervendría nuestro canadiense en un disco más del cuarteto y fue en el doble 4 Way Street, de 1971.

En el álbum, Young interpreta hasta cinco composiciones suyas, canciones extraídas de sus discos Everybody Knows This Is Nowhere de 1969 y After The Gold Rush de 1970.  Hemos escuchado de él el tema Cowgirl In The Sand de su segundo LP, una composición marcadamente eléctrica.  En el doble LP junto a sus tres compañeros interpreta el mismo tema solo que más abreviado y, sobre todo, él solo y su guitarra acústica.  Y con esta versión saltamos de nuevo a la electricidad aunque, de entrada, con cierto aire calmado.  Después se alterarán los ritmos.  Por ahora un tanto tranquilos, con tempo de vals y The Gun Club.

The Gun Club fue una de las bandas más inusuales que surgieron en la escena Punk Rock de Los Ángeles a finales de los años 70 y principios de los 80.  El proyecto, capitaneado por Jeffrey Lee Pierce (en la foto anterior, segundo por la izquierda) tomó las influencias musicales y temáticas del Blues, las fusionó con el ataque frenético del Punk y conjuró un sonido agresivo, evocador y emocionalmente complejo que, y esto es muy importante, sin pretensiones logró poner una marca en el camino a seguir desde ese momento.  Lo consiguió sin proponérselo, sin buscar ser reconocido como el que ha descubierto un nuevo mundo.  Se puede pensar: entonces, ¿qué buscaba?  Como si lo único que hubiese fuera el presumir de ser el mejor...  Pues lo que buscaba era mezclar todo eso que había escuchado y que formaba parte de sus circuitos mentales, toda esa música que había ido absorbiendo.  The Gun Club pasó por importantes evoluciones estilísticas durante sus 16 años de existencia, recibiendo influencias del Jazz, del Country, Rockabilly, Pop y Hard Rock, todo mezclado e interrelacionándose en su sonido.  Sin embargo, fue la lucha interna que buscaba la evocación clara en el Blues la que fue la obsesión constante de Pierce, y en un momento en que un número creciente de bandas de Los Ángeles estaban incorporando música de raíces a su enfoque, The Gun Club lo hizo de una manera única.  El proyecto se creó en 1979 y llegó hasta 1996.  A lo largo de sus 17 años de existencia brillaron con una intensidad que varió, dependiendo de las crisis de su fundador, que fallecía el 31 de marzo de 1996 debido a una hemorragia cerebral.  Vamos a repasar un poco la producción de este interesante proyecto y comenzamos por el último disco que grabaron en estudio, 

Lucky Jim, título resaltado en rojo en la carpeta del álbum.  Grabado entre enero de 1992 y febrero de 1993, se publicó en 1994.  El estado psicofísico del fundador, Jeffrey L. Pierce, era cada vez más confuso y convulso.  Sin embargo era capaz de crear y tocar la guitarra eléctrica como lo hacía en este Vals del idiota.  Pero las formas, las maneras blueseras que inspiraron canciones más directas estuvieron en su disco de debut, Fire Of Love, publicado en 1981.

El LP se abre con un latigazo de electricidad: Sex Beat, que recupera el Cíclope.  En este trabajo también participó una figura fundamental: el guitarrista chicano nacido en La Puente, California, Brian Tristan, conocido por su nombre artístico, Kid Congo Powers.

Jeffrey Lee Pierce era un aficionado a la música con gustos muy variados: le había seducido el Rock Progresivo en la Escuela Secundaria, le apasionaba el Reggae e incluso viajó a Jamaica para conocer a algunos de sus artistas favoritos; escribía sobre Reggae para la revista Slash bajo el seudónimo de Ranking Jeffrey Lee.  Le gustaba el Pop inteligente, especialmente Blondie, banda de la que se hizo amigo contactando con su Club de Fans en la Costa Oeste.  Pierce había formado parte de proyectos que fueron desapareciendo por generación espontánea como Red Lights and the E-Types.  En 1978, mientras esperaba en la fila para un concierto de Pere Ubu, reconoció a Brian Tristan, amigo de un amigo común.  Charlando descubrieron que tenían intereses musicales similares lo que ayudó a que floreciera un principio de amistad que creció rápidamente.  No perdieron el contacto y cuando Pierce decidió formar un grupo, animó a Tristan a aprender a tocar la guitarra y unirse al proyecto.  Tristan aceptó la oferta y creó el nombre artístico Kid Congo Powers.  Acompañados por el bajista Don Snowden y el batería Brad Dunning, Pierce y Powers comenzaron a dar conciertos como Creeping Ritual.  Eran los meses finales de 1979.  A mediados de 1980, Snowden y Dunning fueron reemplazados por el bajista Rob Ritter y el batería Terry Graham.  Formato de cuarteto.  Casi lo tenían todo preparado para salir a escena.  Faltaba el nombre que diera sentido al proyecto y un amigo de Pierce fue quien le sugirió el de The Gun Club, algo así como El club de tiro.  Aquel Fire Of Love, el primer LP de la banda, cargado de electricidad, nervio y pellizco, fue de lo mejor que llegó, por aquel tiempo, desde Los Ángeles, California.  Pero, atención: Pierce y Kid Congo Powers co-fundan el grupo, pero Congo Powers no aparece en los créditos de aquel primer disco.  Como que se fue antes de grabar para formar parte de The Cramps.  El cuarto miembro de la banda sería el guitarra Ward Dotson.  La característica fundamental de Kid Congo Powers será la rebeldía: contra todos y contra todo cuando se trate de actuar, de hacer, lo que se espera de él que haga.  Al carajo.  Se va, como se fue de The Gun Club para formar parte de The Cramps.  En 1983 vuelve al Club, temporalmente, para una gira por Australia.  Se vuelve al seno de The Cramps.  En 1984 otra vez compartiendo espacio y tiempo con Pierce y compañía.  Participa en los álbumes The Las Vegas Story, 1984; Mother Juno, 1987.  Este fue un trabajo muy interesante no solo por las composiciones que forman el disco, sino por los músicos que aparecen en los créditos con mención especial al productor: nada más y nada menos que Robin Guthrie, músico multinstrumentista, compositor, productor discográfico e ingeniero de sonido escocés, conocido principalmente por ser cofundador de la banda de rock alternativo Cocteau Twins.  Los seguidores de The Gun Club, al saber que Guthrie se había encargado de la producción, sospecharon una posible guthrificación de las guitarras, guinglineos eléctricos en plan prolongación Cocteau Twins.  Y sin embargo no fue así para nada.

Mother Juno fue The Gun Club, pero desde otra perspectiva.  Tan solo un corte tenía un perfil claramente influido por las cortinas guitarreras de Guthrie, pero la voz dolorosa de Pierce y lo combativo de la batería y percusión conseguían mostrar a un Club de tiro capaz de amoldarse a una manera de expresión rica en matices.  El tema en cuestión se titula The Breaking Hands.  ¿Y qué fue de Kid Congo Powers?  Ahí estuvo, en este álbum, tocando su guitarra eléctrica.  Se fue, volvió, como se fue y volvió al seno de The Cramps; estuvo también, con la misma dinámica (me voy/vuelvo) colaborando con Nick Cave & The Bad Seeds.  Y su historia y rebeldía, continúa.   

Y claro, ya que han sido citados vámonos un rato con Cocteau Twins.

 

Al principio, solo conocimos a Robin Guthrie (en la foto, con gafas) y a Elizabeth Fraser.  Se habían reunido con la intención de desarrollar su música en 1981.  Un año después, 1982, publicaban su primer larga duración que ya había sido presentado a través de varios MaxiSingles.

Ese LP llevó por título Garlands y se convirtió en una especie de gran esperanza en la música que comenzaba a sonar en los años 80.  Fue además de los primeros discos publicados por el sello independiente escocés 4AD, y uno de los primeros también que contó con una carpeta realizada por el colectivo de diseño 23 Envelope.

Estos Cocteau Twins eran un dúo, cara al público general, aunque los músicos que participaban en el proyecto no eran solamente Fraser y Guthrie, también estaba Will Heggie, guitarra bajo.

   

En la foto, Guthrie, Fraser y Heggie.  Este último participó  en el primer LP, en el primer MaxiSingle (Lullabies de 1982) y en el Maxi Peppermint Pig, de 1983, donde tocó el bajo y se marchó.  Como él, otros músicos que también tocaron el bajo en actuaciones en directo, y los teclados.  Pero los más conocidos son Will Heggie y Simon Raymonde.

Raymonde a la izquierda.

A los gemelos Cocteau que conocimos con aquel oscuro y gótico Garlands de 1982, fueron la pareja de la foto a la derecha, Elizabeth y Robin.

Con el paso del Tiempo, Simon Raymonde fue una pieza fundamental en el proyecto de los abanderados del sello discográfico escocés 4AD.  Entró a formar parte del árbol genealógico de los gemelos en 1983 y desde entonces su figura fue primordial como compositor, arreglista y productor.

En septiembre del año 2024, Raymonde publicó un libro de memorias titulado In One Ear (En un oído o En una oreja), titulado así porque hace 20 años desarrolló un neuroma acústico que le provocó sordera parcial.  La obra lleva un subtítulo: Cocteau Twins, Ivor y yo.  Es un libro respetuoso con la intimidad de cada uno de los miembros del proyecto y cuenta cosas curiosas como que Cocteau Twins rechazaron aparecer en el famoso programa de la televisión británica Top of the Pops, que dejaron pasar la oportunidad de que los produjera Brian Eno o que se negaron a componer la banda sonora de la película Terciopelo azul de David Lynch en 1986.  Tras la desaparición de Cocteau Twins, Simon Raymonde centró su actividad como responsable del sello discográfico Bella Unión, creado por él mismo, además de grabar y publicar álbumes de música escrita e interpretada por él.  La obra In One Ear no tiene traducción al español, al menos por ahora.

El segundo corte que recuperamos de Cocteau Twins pertenece al disco The Pink Opaque, la tarjeta de presentación que utilizaron para entrar en el mercado norteamericano.  De este trabajo nos quedamos con Pearly-Dewdrop's Drops.

Estamos en la recta final del programa de hoy.  Vamos a ir cerrando con Elizabeth Fraser y Robin Guthrie, tal y como aparecían acreditados en el primer disco del laboratorio musical del sello 4AD, dirigido por Ivo Watts-Russell, conocido como This Mortal Coil.  Fue el nombre de aquel laboratorio donde se reunían fundamentalmente músicos e intérpretes del sello 4AD aunque también participaban otros creadores que no estaban en el catálogo del prestigioso sello escocés.  La característica principal de este colectivo fue las versiones que realizaban de composiciones de otros músicos.

El primer trabajo de This Mortal Coil se publicó en 1984 con el título It Will End In Tears.  Tuvo un adelanto en formato MaxiSingle con el tema Song To The Siren, una canción escrita en letra y música por Tim Buckley (1947-1975),  cantada por Elizabeth Fraser con el acompañamiento de una etérea guitarra eléctrica en manos de Robin Guthrie.

Creo que lo digo en la locución del programa pero no está de más que lo repita: cada vez que escucho esta versión del tema de Tim Buckley, se me reactiva la serotonina del cerebro para no sé cuánto tiempo.  Qué hermosa es, por Dios.

Y lo que son las cosas, con el paso del Tiempo, Fraser entró en contacto con Jeff Buckley, hijo de Tim.  Elizabeth admiraba a Jeff y Jeff admiraba a Elizabeth.  El primer elemento en la ecuación del amor es precisamente la admiración.  Comenzaron a intimar entre ambos, empezaron a compartir espacios interiores.  Elizabeth venía de una relación rota entre ella y Robin Guthrie.  Habían comenzado como compañeros de un proyecto musical, el roce cotidiano favoreció una relación más íntima que se mantuvo durante un periodo de años, tiempo que se vio coronado con el nacimiento de una hija, Lucy Bell Guthrie.  Después los caminos se separaron.  Robin se unió sentimentalmente a una mujer y de esa unión nacerían dos criaturas.  Elizabeth siguió colaborando con diferentes músicos y proyectos y entabló esa amistad cercana con Jeff Buckley.  Nos habíamos quedado en una coparticipación íntima de espacios interiores.  Ella y él se intercambiaron sus diarios personales y fue precisamente Elizabeth quien trazó una gruesa línea roja alrededor de la relación entre ambos.  A Jeff no le hizo falta marcar nada: tenía clara la intimidad entre los dos.  Tocaron juntos, cantaron, grabaron...y dejaron una canción sin terminar, All Flowers In Time Bend Towards The Sun, Todas las flores, con el tiempo, se inclinan hacia el sol, que se puede escuchar y ver en YouTube.  Data de 1995 ó 1996.  En un documental de la BBC del año 2002, Fraser pidió, encarecidamente, que no se utilizara dicho vídeo por incluir una Demo que en realidad no dejaba de ser eso, una demo, algo inconcluso.  Poco tiempo después volvió sobre el tema del vídeo-clip, y entonces sí, reconoció que en verdad era la única forma que tenía el mundo de recordar a Jeff Buckley.

Jeff Buckley (1966-1997)

      

Con esa demo, con el sonido de aquella sesión entre Buckley y Fraser terminamos esta edición de Cíclope 3.0

Espero que te guste el programa.

Enlace: 

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-20-10-26

Cíclope 3.0 - 13-10-26

 

De la serie “Durmientes del Parque de María Luisa de Sevilla” El matrimonio formado por Beltrán Azoz Valdellós y Melisenda Landaeta Urquijo, de visita en Sevilla durante el mes de octubre. Desesperados por el calor reinante a las puertas del otoño, decidieron reposar el almuerzo a la sombra de la vegetación del Parque de María Luisa.  Nótese la confianza de él: se quitó hasta los zapatos porque tenía los pies molidos de tanto andar.

Cíclope 3.0 del martes 13 de octubre del año en curso, 2026.  Comenzamos esta edición con aires cinematográficos.  Una perla para los amantes del género conocido como Serie B es, sin lugar a dudas, es la cinta titulada Creature With The Atom Brain, La criatura con el cerebro atómico,

  

de 1955, dirigida por Edward L. Cahn y con guión de Curt Siodmak.  Habitualmente una adaptación cinematográfica parte de una obra literaria.  Sin embargo en esta ocasión el guión de la película dio pie a un libro de título homónimo escrito por Jim Morton.  Tanto el guión de la película como la obra literaria narra la historia de un gánster que une fuerzas con un científico loco para vengarse de los hombres que lo enviaron a prisión, utilizando para ello cadáveres reanimados mediante rayos atómicos.  La criatura con el cerebro atómico suele citarse como una de las fuentes de inspiración para el clásico de George Romero, La noche de los muertos vivientes.  Y toda esta información porque el comienzo de esta edición está ocupado por una banda de rock alternativo bautizada así, Creature With The Atom Brain, originales de Amberes, Bélgica, que tomaron su nombre de una canción titulada así, escrita e interpretada por el psicodélico Roky Erickson acompañado por la banda The Aliens e incluida en el LP The Evil One de 1981, composición que sí se inspiró en la película de 1955.

   

Resuelto el copyright de quién fue quien escribió aquella canción que sirvió para que un cuarteto de músicos amberinos o antuerpienses se bautizaran, Creature With The Atom Brain (en la foto anterior) arrancaron en el año 2003, capitaneados por su fundador, Aldo Struyf (en la foto, con un botellín de cerveza en una mano, dando una última calada a un cigarrillo).  Se encargaba de cantar, de la guitarra eléctrica y los teclados.  Había otro guitarrista, un bajo y un batería.  Grabaron un par de EPs entre 2005 y 2006.  Después ampliarían las propuestas musicales, caracterizadas por un perfil marcadamente psicodélico.

En el año 2012 publicaban The Birds Fly Low, el álbum con el que hemos empezado esta edición de Cíclope 3.0 y que incluye el tema Hit The Sky.  

Unos cuantos años antes, en 2007, la banda publicó el trabajo I Am The Golden Gate Bridge, un disco con cortes como el que recupera el Cíclope, Is That Lady Sniff?

Durante un breve periodo de tiempo, el fundador del proyecto, Aldo Struyf, estuvo colaborando con Mark Lanegan, tocando en su grupo y acompañándole en las actuaciones en directo.  Eso sucedió poco después de que Lanegan se llevara a Creature With The Atom Brain como teloneros en su gira europea del año 2012.  El cuarteto belga se había granjeado una cierta popularidad que hizo que músicos como Chris Goss, guitarra y líder de Masters of Reality, produjera el álbum del año 2010 titulado, Transylvania, pero la historia de esta Criatura terminó en 2015.  Aldo Struyf inició otros caminos, pero eso es otra historia.  Ahora, aprovechando que hemos iniciado un espacio psicodélico vamos a seguir por ahí con una aventura sonora muy interesante.

¿Te acuerdas de este hombre de la foto a la izquierda?  Es Jah Wobble, bajista, cantante, poeta y compositor inglés.  Su nombre real es John Wardle, lo de Jah Wobble surgió de la pronunciación arrastrada y confusa de su amigo y también músico Sid Vicious.  Vicious tenía una borrachera soberana y al pronunciar el nombre y apellido de John Wardle quedó de esa forma, Jah Wobble.  Le hizo tanta gracia al ínclito John Wardle que adoptó la deformación sonora de su apellido y nombre como alias artístico.  Desde entonces se le reconoce en los créditos de los discos de PIL (Public Image Limited), en discos de Peter Gabriel, y en un número largo de colaboraciones así como de proyectos ideados por él.  Hace unos años contrajo matrimonio con la compositora china Zi Lan Liao

una virtuosa y aclamada intérprete de guzheng, un instrumento tradicional de cuerda chino, a menudo llamado arpa o cítara china.  Nacida en Cantón, China, comenzó a tocar el instrumento a los tres años.  A los 15 se mudó al Reino Unido, donde estudió en la prestigiosa Chetham's School of Music y en la Royal Academy of Music.  Está considerada como una de las figuras clave en la fusión de la música tradicional china con la música occidental experimental.  Ha colaborado, entre otros, con Peter Gabriel.  En la actualidad ejerce como Directora Ejecutiva y Artística de Pagoda Arts en Liverpool, una organización cultural enfocada en promover la herencia asiática.  Allí, en Liverpool, dirige la Pagoda Chinese Youth Orchestra, la orquesta juvenil china más grande de Europa.  Y en Liverpool nos vamos a centrar porque nos vamos a quedar con lo último que ha hecho Jah Wobble, el álbum Mystic Liverpool: The Beatles Psychedelic Psongbook

 

Liverpool místico: El cancionero psicodélico de los Beatles está firmado por Jah Wobble y Tian Qiyi

Wobble en el centro de la foto.  A ambos lados, el dúo Tian Qiyi: Charlie Tian Yi Wardle, izquierda; John Tian Qi Wardle, derecha.  Los dos son hijos de John Wardle y de Zi Lan Liao, y forman el dúo Tian Qiyi que, junto a su padre, realizan este curioso homenaje a los Beatles más psicodélicos.  El álbum está formado por 10 canciones de las que 4 son originales de George Harrison, 5 del tándem Lennon/McCartney y 1 firmada por los cuatro (es el tema instrumental Flying del disco Magical Mystery Tour).  El Cíclope extrae un tema del binomio Lennon y McCartney, Tomorrow Never Knows, y uno firmado por Harrison, Love You To.  

La cito en la locución del programa, la película documental George Harrison: Living In The Material World de Martin Scorsese, del año 2011.  Merece la pena, a pesar de la falta de subtítulos en español ni en ningún idioma que no sea inglés.

Y como estamos con Harrison vamos a recuperar un corte del doble White Album de los Beatles, una de las composiciones de las 4 que incluyó él, la misteriosa Long, Long, Long.  

De esa canción, no hace mucho, apareció una versión muy interesante en el mundo del Jazz, en un disco titulado Day After Day.  La hizo un guitarrista llamado Ben Morder.

Ben Morder nació el mismo año que los Beatles publicaban el single con Love Me Do, es decir, 1962.  Comenzó tocando el violín y con 11 años se pasó a la guitarra.  Suena como si perteneciera a la escudería del sello ECM, pero hasta el momento trabaja con diferentes casas discográficas.  Es un músico con registros amplios.  Tal vez te suene su nombre porque estuvo en la banda que acompañó a David Bowie en su último disco, Blackstar.

En el año 2019, Morder publicó Day After Day, un álbum doble donde incluye una versión muy interesante del tema Long, Long, Long de George Harrison que es por lo que suena hoy en el programa.

Ahora vamos a seguir la trayectoria de este vector, el que realiza versiones, y para ello nos trasladamos hasta Metairie, en el estado de Luisiana, Nueva Orleans.  Allí, en 1986, nacía un muchacho que responde al nombre y apellido de Jon Batiste.

 

Comenzó a tocar la batería y percusión con 8 años.  Cuando cumplió 11 cambió al piano, siguiendo las sugerencias de su madre.  Recomendaciones no le iban a faltar, porque estaba rodeado de músicos:

Lionel Batiste 

(1931-2012), tío de Jon.  Batería, vocalista.  Estuvo al frente de Treme Brass Band.

Milton Batiste 

(1934-2001), tío de Jon.  Trompeta, fliscorno, cantante y líder del proyecto Olympia Brass Band.

Russell Batiste Jr., primo de Jon, virtuoso de la batería.  Una de las figuras más influyentes del Funk moderno de Nueva Orleans.  Desgraciadamente falleció demasiado pronto (1965-2023) víctima de un ataque al corazón.

Con ese árbol genealógico, Jon Batiste desarrolló sus habilidades como pianista tomando lecciones de música clásica y transcribiendo canciones de videojuegos.  Esa fue la base desde la que parte el arcoiris musical de Batiste.  Entre otros estudios realizados por nuestro hombre estuvo en la Juilliard School de Nueva York, donde contactó con otros músicos jóvenes, encuentro que dio lugar al proyecto Stay Human, un crisol de música Funk y Jazz.  ¡Ojo!  No equivocar con el álbum Stay Human del músico Hip-Hop y activista, Michael Franti.  Junto a su banda, Spearhead, firmó, en el año 2001, el álbum titulado así.  

Jon Batiste ha realizado homenajes en vivo a Fats Domino y Chuck Berry, puro Rock & Roll, y se ha revestido solemnidad para interpretar a los clásicos y nunca mejor dicho porque ha tomado las partituras de compositores de la época de la historia de la música que se conoce así, período clásico, como por ejemplo Beethoven.

El 15 de noviembre de 2024 se publicaba el primer volumen de la serie Piano de Batiste.  Fue el subtítulo con el que se publicaba el disco Beethoven Blues.  Te voy a confesar una cosa: hallar obras así me da una alegría inmensa, no solo por descubrir un trabajo tan luminoso, sino porque discos así hay que compartirlos con personas que encuentran que estos mestizajes eclécticos son parte de los muchos caminos de la Vida, con mayúsculas. Poder tener este rincón en Radio Tomares desde el que se emite Cíclope 3.0 es tener la oportunidad de hacer partícipe de la buena Música a personas que no conozco pero que sé que están ahí, que estáis ahí, al otro lado.  Lo he dicho en otras ocasiones: la gente comparte los filetes empanados, la tortilla de patatas...pero no sabe compartir la música, o la lectura, porque te pueden pedir prestado un libro, pero no te lo devuelven.  Y los discos...¡puff!  No veas.  ¿No te ha pasado alguna vez que has ido a comer a un bar o a un restaurante y quienes han compartido contigo la mesa no han sido personas muy comilonas?  Ellos, ellas, pican un poco, pero muy poco, de verdad, no tengo ganas...y al final, menos mal que estaban inapetentes, porque un poco más y no pruebas la ensaladilla rusa.  O el postre, que nadie quiere tarta de queso, pero eso sí, lo mismo cogen una cucharada.  Y una cucharada es lo que llegas a saborear.  Compartir...aburrimiento insomne de apetitos necesitados de psicoanálisis.  En fin, volviendo a lo que importa: Jon Batiste sentado al piano y sobre el atril, Beethoven.  Las anotaciones que realiza sobre las partituras son extraordinarias, fusionando el Jazz y la música académica en un resultado final que me parece admirable.  Hoy escuchamos dos fragmentos de este disco cuya carpeta aparece líneas más arriba, empezando por el famoso Para Elisa y después suena Moonlight Sonata Blues, el sobrenombre que le da Batiste al famoso Claro de luna.  Sencillamente, tremendo.  

Insisto en el hecho de la alegría de poder hacer partícipe a otras personas de la importancia de obras de música bien hechas.  El caudal de producción es lo suficientemente amplio como para que pasen desapercibidas muchas, muchísimas obras.  La información se multiplica, las vías de acceso para adquirir datos son cada vez más plurales y en una grandísima cantidad de ocasiones se pierde mucho, demasiado.  Por eso con la mejor intención, Cíclope 3.0 intenta, dentro de lo posible, recoger algo de esa pluralidad, recordar y seguir hacia delante.  Hemos escuchado a un músico coetáneo que enreda magníficas vibraciones sobre un compositor clásico.  Ahora vamos a escuchar lo contrario: un grupo coetáneo, una canción suya con formas libres de Rock, a la que se adapta una instrumentación académica formada por dos violines, viola, violonchelo, oboe, flauta y voz. La composición es Sunshine Of Your Love, El resplandor de tu amor, de Ginger Baker, Eric Clapton y Jack Bruce, es decir, Cream.  No es el tema original interpretado por el trío, es un traje adaptado a la composición, el sastre que hace la recomposición es alguien que lleva mucho tiempo demostrando su capacidad para realizar versiones, el compositor, cantante y multiinstrumentista Ignacio Sierra, alias Dr. Soy, pseudónimo de una mente, un crisol creativo que a su vez se multiplica en diferentes alter-egos como es el caso de los intérpretes de esta versión, The Great Supplanters.  Con la voz de Dr. Soy realizan una más que interesante re-creación de aquel Sunshine Of Your Love del LP Disraeli Gears, de 1967, de Cream.

  

Y ya que hemos nombrado a Cream, probablemente uno de los mejores tríos que han existido en la Historia del Rock, los recuperamos con un tema de su primer LP.

Llevó por título Fresh Cream, se publicó en 1966 y entre otras canciones aparecía este Toad, Sapo, original de Ginger Baker (1939-2039), de nombre artístico Harry Butcher.

Así llegamos al final del programa de hoy.  Te puedo asegurar que no estaba previsto, que ha sido una coincidencia, lo cierto es que comenzábamos esta edición con Creature with the Atom Brain, una banda original de Amberes, Bélgica que, tras dos EPs y un primer álbum, adquirieron cierta popularidad en la primera década del siglo XXI, y cuyo segundo larga duración, Transylvania, editado en el año 2010, estuvo producido por Chris Goss, guitarra y líder de Masters of Reality.  Pues mira lo que son las cosas, terminamos con este cuarteto neoyorquino.

  

Chris Goss, segundo por la izquierda, lideró, a finales de los 80, esta especie de anomalía del Rock.  Anomalía porque entre los comentaristas y críticos musicales no sabían cómo catalogar su música: ¿era Heavy?, no, ¿alguna variación del Heavy?, tampoco.  Si tenían que ver con alguien era con Cream, con Led Zeppelin…vamos, lo que hemos conocido siempre como Hard Rock, Rock Duro.  Surgieron a finales de los 80, presentaron un álbum de debut, se separaron, se volvieron a unir y vuelta a separar y el año pasado, 2025, publicaron disco nuevo.  Los tres miembros de Cream participaron de diferentes proyectos y aventuras.  El batería, Ginger Baker, tocó y compuso canciones con estos Masters of Reality, que se bautizaron con el título del tercer LP de Black Sabbath.  Baker intervino en el disco de 1992, Sunrise on the Sufferbus, el segundo disco de Masters of Reality, tocando la batería y componiendo un par de cortes como este Ants in the Kitchen, Hormigas en la cocina, con el que cerramos.

Espero que te guste el programa.

Enlace: 

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-13-10-26

Cíclope 3.0 - 06-10-26 - Especial Julian Cope # 12

 

Julian Cope

Inauguramos el mes de octubre con esta edición de Cíclope 3.0 del martes día 6 con la entrega número 12 del Especial Julian Cope.

La edición anterior se cerraba con parte del álbum de la izquierda, Rome Wasn't Burned In A Day, publicado en el año 2003.  Llama la atención, en la parte inferior de la carpeta del disco, que indique que es Banda Sonora Original, algo que no es así.  El disco se concibió como una especie de sub-producto, un regalo para los asistentes a un evento musical organizado por Cope.  Durante tres días, 30 y 31 de octubre y 1 de noviembre de 2003, en el Lyric Theatre de Hammersmith, Londres, tuvo lugar una actuación de grupos donde intervinieron la propia banda de nuestro hombre con él al frente, Donald Ross Skinner en la guitarra y bajo, Anthony "Doggen" Foster también en la guitarra y bajo, Christopher Patrick "Holy" McGrail al sintetizador y Gavin Skinner en la batería.

También actuaron grupos como Sunn O))), banda estadounidense de doom metal, formada en 1996 por sus dos miembros fundadores, Stephen O'Malley y Greg Anderson, en la foto de la derecha.  Han contado con diversos colaboradores a lo largo de los años, entre otros Julian Cope.  En el evento también se proyectaron películas de actuaciones de bandas admiradas como Van der Graaf Generator y Amon Düül II.

Recuperamos un corte que quedaba por escuchar de ese Rome Wasn't Burned In A Day, el tema Shrine Of The Black Youth, Santuario del Joven Negro, que trata sobre un dios pagano armenio precristiano, que todavía se venera allí hoy en día, llamado Tukh Manukh, el Joven Negro, de ahí el título de la canción.

Tukh Manuk Shrine - El santuario de Tukh Manuk en Oshakan, Armenia

Estamos en los primeros años de Julian Cope en el siglo XXI.  Desde finales del siglo anterior proliferaron las grabaciones de conciertos en vivo con un sonido bastante malo cuando no paupérrimo.  Los bootlegs se multiplicaron y por ese motivo Cope dio su visto bueno a la edición de un álbum grabado en directo en la gira japonesa de principios de los 90.  

Live Japan '91, se grabó en vivo en 1991, en verano, en el mes de julio, en la sala Club Citta', en la ciudad de Kawasaki, en la prefectura de Kanagawa, Japón.  El sonido de la grabación es sencillamente espléndido porque recoge lo que pasó en el escenario, la música que se produjo ahí.  Los técnicos de grabación fueron japoneses y eso lo dice todo porque ellos, los japoneses, son especiales.  ¿Qué quieres que quede registrado cómo suena la actuación?  Ellos aislaron el escenario de cualquier otro sonido/ruido: no hay sonidos de público, no hay aplausos, ni vítores...solo lo que se produjo en escena aquella noche.  El disco se publicó en 2004 por un sello discográfico tan independiente que desapareció al poco tiempo.  El sello de Cope, Head Heritage, se encargó de su distribución.  Entresacamos unas cuantas canciones de la discografía de nuestro protagonista, como Hanging Out And Hung Up On The Line, dos cortes unidos East Easy Rider y Leperskin, y para cerrar este grupo de canciones en vivo, Sunspots.

Para finalizar esta edición del Especial Julian Cope Número 12 abrimos uno de los discos que aparecían en el año 2005, el álbum Citizen Cain'd.

 

La foto anterior es la portada de ese disco, un disco que puso de acuerdo a la audiencia y a la crítica especializada porque tanto unos como otros lo encontraron muy interesante, no esos discos que había lanzado Cope como Rite en 1993, Rite 2 en 1997, Odin de 1999 con una sola pieza de 1 hora 13 minutos y 45 segundos...larguísimos instrumentales, o más breves como los incluidos en Discover Odin de 2001 o Rite Now de 2002.  El recientemente inaugurado siglo XXI parecía que no contaba con Julian Cope como el artífice poliédrico y caleidoscópico que había aparecido a finales de los 70 y principios de los 80.  Para algunos, Cope se había quedado colgado de las drogas alucinógenas, pero un colgado no escribe libros biográficos como Head On de 1994, sobre sus primeros años en la música con proyectos como The Teardrope Explodes y la continuación, Repossessed de 1999, donde sigue el camino musical en solitario después de aquellas Lágrimas Explotadas.  Seguiría Krautrocksampler de 1995, una guía y estudio sobre el krautrock alemán.  Lo que más torcía el gesto de algunos seguidores era la publicación de libros como The Modern Antiquarian de 1998, el exitoso volumen sobre monumentos megalíticos en Gran Bretaña; o

The Megalithic European de 2004, un estudio similar enfocado en Europa.  Todas estas obras caracterizadas por una visión apasionada y detallada, tanto en la historia del Rock como en el estudio de sitios antiguos.  Un colgado de las drogas tiene el cerebro frito y no da de sí.

Así que ahora nos centramos en el año 2005.  El álbum Citizen Cain'd es el segundo trabajo de los cinco que ven la luz ese año.  Comienza la fecha con un disco problemático: Rite Bastard

Los músicos habituales que, entre 1990 y 2005, dejan hecho este álbum ocupado por tan solo 2 temas: So Tough - 27'06" y Too Stone - 23' 36".  Dos largos instrumentales de rock psicodélico, rock espacial y Funk.  Cuarta y última entrega de la serie Rite.

Ahora sí, el siguiente álbum sería Citizen Cain'd donde Cope recupera las estructuras de canciones para publicar un álbum que se lanza como doble, con una duración total inferior a 72 minutos, lo que quiere decir que se podría haber publicado como CD sencillo pero la razón que dio nuestro protagonista fue que el álbum resultaba demasiado agotador mentalmente como obra única, por lo que lo dividió.  Después añadió otro argumento este de carácter analógico: ¿qué se hacía cuando uno escuchaba un disco en formato vinilo?  Estabas cómodamente sentado, escuchando la cara A y cuando se acababa te tenías que levantar y poner la cara B.  Pues con el CD, igual: se termina uno y ahora pones el otro.

El título del álbum, Citizen Cain'd, es un ingenioso juego de palabras que combina la clásica película Citizen Kane, Ciudadano Kane, de Orson Welles, con la figura bíblica de Caín y un sufijo informal en inglés.  La terminación 'd, el apóstrofo seguido de la letra d, es una contracción informal del sufijo en inglés ed, que convierte la palabra en un participio cained.  Así, el sentido de la expresión alude a la idea de estar Cain-izado, marcado por el pecado o la culpa de Caín, o bien arruinado y destrozado.  En la jerga británica, cained se usa a veces para describir algo o a alguien que está agotado, castigado o consumido por los excesos.  En conjunto, el título presenta al protagonista como un Ciudadano Caín, alguien profundamente marcado, errante y cargado de conflicto interior.  De este segundo trabajo de los 5 que Cope publica en el año 2005, vamos a escuchar hoy tres temas: Hell Is Wicked, I'm Living in the Room They Found Saddam In y Feels Like a Crying Shame.  El corte I'm Living in the Room They Found Saddam In, Estoy viviendo en la habitación donde encontraron a Saddam refleja lo que se puede llamar la era de George W. Bush y Tony Blair, porque ambos mandatarios llevaban años gobernando y lideraban juntos la política internacional tras los atentados del 11 de septiembre de 2001 y la guerra de Irak.  Esto inspiró la rabia política de Cope que no permaneció impasible ante la postura de ambos políticos aunque olvidó la participación de José María Aznar, presidente del Gobierno de España por aquellas fechas y tercera figura en lo que se conoció popularmente como El Trío de las Azores.

En la próxima edición de este Especial Julian Cope, la perteneciente al mes de noviembre, terminaremos de escuchar Citizen Cain'd.

Espero que te guste el programa.

Enlace:https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-06-10-26