Cíclope 3.0 - 29-11-22 - Especial Peter Murphy # 3

 

Peter Murphy

Cíclope 3.0 del martes 29 de noviembre de 2022.  En esta edición, tercera entrega del Especial Peter Murphy, hay algo particular que reseñar y es que con este espacio llegamos hoy al programa número 400.  En verdad son unos cuantos más, todos los que no se pudieron hacer motivado por algún bache de salud o por causas de fuerza mayor como el confinamiento durante los primeros tiempos de la pandemia del COVID-19, donde se tuvo que recurrir a repetir programas ya emitidos.  Salvo esa zona obscura, el resto del tiempo Cíclope 3.0 ha permanecido fiel a su cita semanal en la sintonía de Radio Tomares, con la labor técnica en el Control de Sonido, habitualmente, de Pablo Franco, aunque también ha desarrollado dicha función José Antonio Granero y, en ocasiones, estudiantes de Imagen y Sonido en prácticas.  A todos los que han ayudado a que este proyecto, Cíclope 3.0, sea una realidad que va camino de cumplir 9 años en antena, gracias, de corazón.  Hecha esta reseña entramos en el contenido de la edición de hoy, la tercera entrega del Especial Peter Murphy ocupado por dos álbumes de su discografía pero antes de entrar en la selección de canciones de ambos discos, recuperamos el sonido de Bauhaus.

Lo dije en la primera entrega de este Especial, que no iba a peinar cronológicamente la discografía de Bauhaus para después entrar en la de Peter Murphy, que el grupo sonaría, como es normal, pero lo haría llenando huecos, no huecos vacíos, sino espacios de referencia ya que fue el círculo desde el que se originarían otros proyectos como el de su vocalista en solitario o compartiendo espacio y tiempo como fue el caso del grupo Dali's Car, que ya sonaron en ediciones anteriores, y por supuesto la banda configurada por el resto de miembros de Bauhaus bajo el nombre de Love & Rockets.  

Burning from the Inside, el último LP de Bauhaus, aparecía en el mes de julio de 1983.  La grabación se realizó bajo el arco gravitatorio de la enfermedad: Peter Murphy contrajo una neumonía que lo tuvo hospitalizado bastante tiempo.  El contrato vigente que tenía el grupo con la discográfica avanzaba inexorablemente hacia una fecha de cumplimiento: el disco tenía que estar terminándose ya y aún ni siquiera habían empezado.  A trancas y barrancas, Bauhaus convertido en trío, Daniel Ash, vocal, guitarra y saxofón, David J, guitarra bajo y vocal y Kevin Haskins, batería y sintetizadores, fueron grabando las canciones que estaban terminadas, sin Murphy, claro.  La separación de la banda era más que un presagio, una certeza.  De hecho, ese trío que graba parte del último LP de Bauhaus será el que configure Love & Rockets.  

Dada la premura para finalizar la grabación de Burning from the Inside se buscaron alternativas para incluir más composiciones y se tuvieron que desenterrar canciones de los primeros días de la banda para proporcionar material, entre estas estaba ese She's in Parties, con la que hemos iniciado hoy el programa, un tema que fue el más notable y exitoso del álbum, con inflexiones dramáticas en la voz de Murphy que, recuperado, pudo por fin volver a la actividad, aunque fuera para decir y aquí termina el camino de Bauhaus.  El futuro les deparaba aún una reunión futura, pero a eso llegaremos en próximas ediciones de este Especial.  Por ahora entramos en la discografía de Peter Murphy, con su cuarto disco en solitario publicado el 14 de abril de 1992 bajo el título Holy Smoke.

En este cuarto trabajo en solitario de Peter Murphy colabora con él la banda fija que aparecía ya como institución en su trabajo anterior, el grupo The Hundred Men, capitaneados por el teclista y guitarra Paul Statham, más Terl Bryant en la percusión, Peter Bonas en la guitarra y Eddie Branch en la guitarra bajo.  Los cuatro más la voz de Murphy van a producir un sonido compacto, sin fisuras.  Statham escribe a medias con Murphy la gran mayoría de cortes de este Holy Smoke.  Los tres temas que escuchamos de este disco están escritos por el binomio formado por ambos.  Mike Thorne, un experimentado músico, ingeniero de sonido y teclista, trabajó con Murphy a medias en la producción del álbum.

El quinto álbum que firma nuestro protagonista aparecía, al igual que el anterior, en el mes de abril, en concreto el día 11, año 1995, título Cascade.

El disco ve la luz cuando ya no existe el proyecto The Hundred Men.  Del cuarteto tan solo queda el guitarra y teclista Paul Statham que de nuevo trabaja hombro con hombro con Murphy.  Otra vez formarán el tándem encargado de la composición de las canciones, excepto en un caso en el que Murphy firma él solo un tema, en concreto el titulado Disappearing que suena junto a otras 3 canciones, cuatro en total, que son las que el Cíclope recupera de este trabajo, un disco que, al igual que el anterior, sigue teniendo ese perfil positivo e inspirador con el que Murphy resuelve la creatividad de sus álbumes, evitando en todo momento la repetición, la clonación del perfil de canciones para ofrecer siempre lo mismo, una y otra vez.

No están los miembros de The Hundred Men, pero le acompañan, además de Statham, una serie de músicos de sesión entre los que está el guitarrista canadiense Michael Brook.  De la producción del disco se encarga el productor de origen belga Pascal Gabriel.

Y llegamos a la recta final del programa de hoy.  Vamos a terminar con dos canciones de Burning from the Inside, el último disco que grabaron en estudio Bauhaus.

Slice of Life fue una de las canciones de este álbum en la que no intervino Peter Murphy por encontrarse enfermo.  Es una composición que anuncia lo que sería la producción, la forma de hacer que tuvieron Love & Rockets, Bauhaus sin Murphy: sonido acústico, electro-acústico, con estructuras suaves, voces en armonía.  El otro tema que recuperamos sí cuenta con la intervención de Murphy, King Volcano, una danza folclórica medieval con la que cerramos este Especial Peter Murphy Número 3.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

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Cíclope 3.0 - 22-11-22

 

Trío formado por Hugo Dechert, violonchelo (1860-1923); Carl Halir, violin (1859-1909) y Georg Schumann, piano (1866-1952).
Foto de Louis Blumenthal 

Cíclope 3.0 del martes 22 de noviembre de 2022.  La edición de hoy está dedicada a formaciones de trío, o canciones resueltas por tríos de rock, el triángulo formado por guitarra bajo, guitarra eléctrica y batería.  Lo primero que suena es toda una declaración de principios, un tema original de Eddie Cochran (1938-1960) titulado Summertime Blues en versión de un trío de San Francisco, Blue Cheer.

Blue Cheer (de izquierda a derecha)
Paul Whaley batería
Leigh Stephens guitarra
Dickie Peterson guitarra bajo y voz

Blue Cheer fue una banda de rock estadounidense, establecida en 1966 en San Francisco.  Está considerada por algunos comentaristas musicales como la primera banda de Heavy Metal de la Historia del Rock.  Cuando aparecen en el panorama de la música internacional ya había grupos y solistas que metían bastante ruido.  Digamos que el Rock Duro tenía representantes como The Jimi Hendrix Experience (formato de trío), Motor City Five, conocidos por el acrónimo MC5...  Pero la irrupción de Blue Cheer en 1968 con su versión del tema de Cochran, Summertime Blues, fue definitiva y definitoria.

Su álbum de presentación, Vincebus Eruptum, marcó un antes y un después, aunque el nombre del grupo quedará nublado por proyectos como Deep Purple, Black Sabbath, Led Zeppelin...  

El nombre, Blue Cheer, no se sabe a ciencia cierta de dónde lo tomaron porque Blue Cheer era la marca de un detergente para ropa bastante popular en ese momento, pero también era la denominación de una variedad de LSD muy potente que circulaba por los medios psicodélicos de la época.

Comenzaron su discografía en 1968 y lo último que se supo de ellos fue en 2014, cuando del trío original sólo quedaba el guitarra bajo y vocalista Dickie Peterson.  Para recordar lo que hicieron, el Cíclope recupera dos temas de su primer LP: Summertime Blues con el que abrimos la edición de hoy y Parchment Farm.

Seguimos escuchando hacia atrás, manteniendo el formato de trío, ahora con un guitarrista como la copa de un pino plantado delante de una catedral, es decir, Rory Gallagher.

No es la primera vez que suena en el programa ni va a ser la última.  Este irlandés cercano, amable, nacido en 1948 y fallecido en 1995, con su Fender arañada, descascarillada pero con un sonido emotivo y apasionado, no deja de ser noticia en el mundo fonográfico.

Para mantener su memoria vamos a recuperar un corte de ese disco de la izquierda, Photo-Finish, de 1978, un tema titulado Shadow Play que tan solo se encuentra en la versión LP, no en la remasterización del CD donde aparece, sí, pero en una versión en directo, versión que no va en el vinilo original.  Aquí, en Cíclope 3.0, suena el original.

Utilizamos el disco Photo-Finish como prólogo, como introducción para escuchar lo último que se conoce del guitarrista irlandés.

En el año 2020 se publicó un disco titulado Cleveland Calling que recoge una sesión acústica grabada en la emisora WNCR en Cleveland el 7 de agosto de 1972.  Esta grabación de 45 minutos (8 canciones y una entrevista con la DJ Carolyn Thomas), se encontró en un carrete pequeño de 7 pulgadas entre las pertenencias personales que dejó Gallagher.  El 17 de julio de 2021 vio la luz Cleveland Calling Pt. 2, también sesión en vivo en la cadena WNCR en Cleveland, también recuperada de los archivos del guitarrista y también del año 1972, solo que en esta ocasión no es Gallagher sólo con su guitarra acústica y armónica cantando, sino que están también algunos miembros que le acompañaron en muchas ocasiones como el teclista Lou Martin, piano eléctrico sobre todo, y su fiel amigo, el guitarra bajo Gerry McAvoy, habitual desde la primera grabación de Gallagher en solitario.  Así que en este Cleveland Calling Pt. 2 la formación es de cuarteto, no de trío.  El año de 1972 fue una fecha de gira internacional, fecha en la que Gallagher visitó Norteamérica y que supuso la realización de actividades como la que recoge esa segunda parte de Cleveland Calling, actuación en vivo pero sin público, con el guitarrista dirigiéndose a unos oyentes que recogen su música y sus comentarios cortos sobre cada uno de los temas.  

Trio que en verdad fue un cuarteto y de nuevo la formación triangular básica del Rock: guitarra eléctrica, guitarra bajo y batería.  Creo que lo comento en la locución del programa pero nunca está de más repetirlo: poder realizar una colaboración como es Cíclope 3.0 en una emisora como es Radio Tomares, es una suerte y una alegría inmensa porque me permite compartir con los demás la buena música, como se comparte el buen pan o el buen vino.  Deja que abra ventanas en mi cabeza para compartir con quien está a ese otro lado del espejo compositores, compositoras, canciones, obras que, dada la cantidad constante, pueden pasar desapercibidas.  No suena todo, TODO, lo que hay.  Se quedan atrás una cantidad ingente pero por lo menos lo que consigo rescatar de las turbulencias de la información del mundo de la música, creo que eso queda recogido con cierto rigor.  Es lo que sucede con el grupo que va a sonar a continuación y que nos va a ocupar lo que nos queda de programa por hoy.  Hace unos días, consultando boletines de novedades musicales me encontré con un disco que, nada más comenzar a escucharlo, pensé: ...como el disco siga así, esto es para ponerlo en Cíclope 3.0...  Y sí, efectivamente, siguió con la misma buena, buenísima vibración con la que sonó el primer corte, y el segundo, y el tercero...  Me lo compré, lo volví a escuchar, y hoy lo traigo para compartir contigo la alegría de la buena música.  El grupo es norteamericano, de la zona de Detroit, se llaman Big B and the Actual Proof y acaban de publicar un álbum titulado The Noir Album, una colección de canciones por las que transitan detectives privados, mujeres fatales, asesinos perversos y un montón de crápulas y seres sombríos y nocturnos.  A ver qué te parecen.

Mezclan el blues, el rock psicodélico y el rock, sin más.  La portada de este, su primer larga duración de título tan sugestivo, The Noir Album, recoge la estética de las carteleras de Cine de los años finales de los 50 y principios de los 60, con los créditos formados con los nombres y apellidos de los tres miembros de la banda más los músicos invitados.  El CinemaScope es sustituído por StereoScope.

Aunque Big B and the Actual Proof como proyecto es un grupo nuevo, sus miembros tienen veteranía en el área de la música: 

Brian Big B Burleson (foto de la izquierda) guitarra y voz del trío, cuya labor como intérprete de las seis cuerdas viene de lejos, al menos tres décadas atrás, maneja con elocuencia y sabiduría las guitarras eléctricas, la guitarra barítono, que es una guitarra con una longitud de escala más larga, piano eléctrico, teclados.

Mitch Sharpe se encarga del bajo eléctrico y acústico

En la batería está Erin Pitman

 

El triángulo Pitman/Sharpe/Burleson es el motor del grupo, pero hay otros músicos que colaboran en el proyecto como Zen Zadravec, piano en el tema Wooden Kimono con el que empezamos el repaso al primer disco de la banda.  Zadravec también colabora en otro tema que sonará en próximas ediciones del programa, Just Another Harlem Sunset.  En esta canción suena también el saxo de Johnny Evans, y en Wooden Kimono, así como en Horseshoes And Hand Grenades, otra de las canciones que nos sirven para ilustrar lo que hacen Big B and The Actual Proof.  La lista de copartícipes continúa con The Theatre Bizarre Orchestra Horns en Five Hundred Large, Koji Cassetta contrabajo en Ben Franklin And The Number Five Combo y por último Jim McCarty que se ocupa del solo de guitarra central en About To Get Evil.

The Noir Album es un trabajo elaborado, un disco en el que cada canción está hecha con la determinación de hacer que cada una mereciera ser escuchada repetidamente.  Comenzaron a grabar en el otoño de 2019, justo antes de la Pandemia, pensando que estaría listo para la primavera o, como mucho, para el verano de 2020.  Pero no pudo ser.  Ese tiempo extra de aislamiento les sirvió a los miembros del grupo para concentrarse en los detalles y pulir al máximo las posibles aristas para dejar finalizado el disco que aparecería en 2022.

Brian Burleson, Big B, contestó amablemente en nombre de la banda el e-mail que les envié después de haber escuchado un par de veces su disco.  Dice que es alentador saber que hay alguien que está al otro lado del mundo compartiendo su música con otras personas.  A quienes estáis ahí, a ese otro lado de la recepción del programa, los miembros del grupo os envían sus más cordiales saludos desde América.  

Del álbum de debut de Big B and the Actual Proof, The Noir Album, de los 10 cortes que lo forman, nos quedamos con 4 en el programa de hoy, el resto lo iremos desgranando en próximas ediciones.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

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Cíclope 3.0 - 15-11-22

 

Rincón de creación, entre el ruido, la música y otras cosas

Cíclope 3.0 del martes 15 de noviembre de 2022.  Comenzamos esta edición con un músico de la talla de Brian Eno que, a sus 74 años, vuelve a meterse en los estudios para publicar un trabajo nuevo.  Antes de escuchar ese nuevo álbum recuperamos el sonido de Eno unos cuantos años atrás, iniciando así el flujo de música en el programa de hoy con un disco de 1977 titulado Before and After Science.

Este disco de Brian Eno es realmente una muestra, un ejemplo de composición de estudio, de laboratorio musical en el que las grabaciones se crean mediante la deconstrucción y la eliminación: las pistas se graban y ensamblan en capas, luego se quitan selectivamente, una tras otra, y al final lo que da como resultado es una composición general bastante diferente a las ideas del comienzo del proceso de sonido.  Es un LP con dos caras diferenciadas, una cara A con formato Pop y la cara B con un espectro de sonido alejado de formatos habituales y más metido en la música por dentro.  Hasta las letras de las canciones tienen un nuevo significado, eligiendo un enfoque en el que el sonido se convierte en significante que al mezclarse con las palabras da un nuevo significado, es decir, cuando se mezclan con la música, las letras de las canciones crean un nuevo sentido o significado, o la sensación de significado, un concepto inspirado en el poeta sonoro abstracto alemán Kurt Schwitters, además de pintor, escultor y diseñador gráfico.

Kurt Schwitters (1887-1948)

  

Obra de Schwitters: MZ 318 CH.
Collage de 1921

De hecho en el disco de Eno hay un tema, Kurt's Rejoinder (Réplica de Kurt), que no está sólo dedicado a este autor, Kurt Schwitters sino que además se adapta la obra de Schwitters Ursonato, palabra difícil de traducir que para algunos autores se puede traducir como sonata primordial o sonata presilábica.  El Cíclope recupera de este álbum de Eno el tema que abre la cara B, Here He Comes.  El disco se publicó completo en España y me explico: la primera edición contenía dentro de la carpeta del disco una carpeta de cartón ligero gris/azul claro con cuatro acuarelas de Peter Schmidt (1931-1980), artista que desarrolló las disciplinas de la pintura, fue teórico del color y de la composición, de origen británico pero nacido en Berlín. Colaboró con Eno y entre otras cosas participó con esas hermosas acuarelas como puedes comprobar a continuación si no conociste aquella edición.

Especifico que el disco se publicó completo en España porque en los años 60 y parte de los 70, los discos publicados en nuestra piel de toro con origen en Inglaterra o Estados Unidos aparecían con la carpeta o bien censurada o simplemente, para abaratar el proceso de edición, visiblemente mutiladas.  Por ejemplo: en Inglaterra, los discos de los años 70 se publicaban en carpeta doble, fuese LP sencillo o doble, porque en la carpeta interior se incluían las letras de las canciones.  O iban en un encarte dentro de la funda.  Las carpetas de los discos norteamericanos eran de un cartón más resistente y muchas aparecían troqueladas con diseños verdaderamente atractivos.  

Pero estamos con la música de Brian Eno y con el hecho vital de que ha vuelto a grabar un disco en estudio.

Forever and Ever No More es el título del nuevo trabajo de estudio de Brian Eno.  El título tal y como te lo encuentras escrito no presenta las palabras separadas sino juntas, Foreverandevernomore y veía la luz el 14 de octubre de este año en curso.  Es el primer álbum en solitario de Brian Eno de canciones basadas en la voz desde Another Day on Earth del año 2005, aunque sí cantó en The Ship de 2016, una versión de la Velvet Underground, en concreto el tema I’m Set Free, original de Lou Reed y que forma parte del LP de 1969 The Velvet Underground.  La voz de Eno además no está tratada como ha ocurrido en otras ocasiones, como por ejemplo en ese tema con el que hemos comenzado hoy Cíclope 3.0, voz doblada sobre sí misma.  Aquí el canto es simple e incluye colaboraciones vocales de su hija Darla Eno y su sobrina Cecily.  

Volveremos sobre este trabajo perfectamente enosificado.  Ahora cruza el programa una canción suelta.  Aprovechando la calma se cuela una composición de una banda entroncada en la década de los años 80 del siglo pasado, el cuarteto, a veces quinteto, Five or Six, una banda londinense que, en un año, 1982, grabaron un par de álbumes y desaparecieron como grupo, aunque continuaron en diferentes círculos del mundo de la industria fonográfica.

No les importó no tener un éxito sonoro, tampoco si llegarían a ser tenidos en cuenta dentro de la Historia de la Música Pop.  Ellos querían hacer lo que sentían que tenían que hacer y si después de dos LPs eso era todo, pues así se quedaba.  Un Single en 1981, un MaxiSingle en 1982 y dos LPs, A Thriving and a Happy Land y Cántame esa canción que dice Yeah, Yeah, Yeah, así, en español.  En el año 2008, en el sello que los publicó, Cherry Red, alguien se acordó del grupo y apareció un Grandes Éxitos bajo el título Acting on Impulse (The Best of Five or Six).

Vieron la luz en España a través del sello discográfico EDIGSA, uno de esos sellos que apostó, a lo largo de los 80, por músicos y colectivos que sonaban de una forma particular y se encargaron de dar a conocer en nuestro país artistas del catálogo del sello Cherry Red.

En ese segundo LP de Five or Six colaboraron músicos e intérpretes como es el caso de la guitarrista, pianista, compositora y cantante Julia Gilbert (foto de la izquierda), que pone la voz en el tema Círculo de Tiza, la canción que transita solitaria por la edición de hoy.

Otra canción suelta es Until Then, una de esas composiciones que reúnen el proceso creativo en soledad, la esencia de la música como ruido organizado, la capacidad de levantar arquitecturas sonoras como tenían esta banda que suena a continuación.  Más que banda un proyecto de dos columnas vertebrales que respondieron al nombre de Broadcast.

Trish Keenan y  James Cargill fueron el alma de Broadcast, la banda de culto formada en West Midlands a mediados de la década de 1990.  Durante un tiempo se mantuvo la formación de quinteto, pero el motor del proyecto, fuesen cinco miembros, cuatro o tres, fueron ellos dos.  Aunque ocasionalmente escribieron canciones pop, Broadcast ganó reconocimiento de la crítica al mezclar influencias como la electrónica primitiva del Taller Radiofónico de la BBC, bandas sonoras de películas olvidadas de la década de los 70, surrealismo checo, órgano Moog y estética kitsch.  Una de las primeras inspiraciones fueron The United States of America, el grupo californiano de culto de la era hippy que se esforzó por agregar experimentación electrónica de vanguardia a la música pop, y cuyo único álbum, The United States of America, de 1968, fue descrito por Keenan como una biblia.

  

En el centro de este proceso estaba ella, Keenan, cuya visión guiaba al grupo y cuya voz podía ser inquietante, amistosa o desgarradora.

Trish Keenan (foto de la izquierda), moría de neumonía en enero de 2011 con 43 años de edad.  En el grupo Broadcast se encargaba fundamentalmente de cantar, componer y escribir las letras de las canciones, pero también tocaba la guitarra y trataba el sonido.  Merecen que nos detengamos más en ellos pero será en otra ocasión.  Hoy nos quedamos con una de las composiciones más significativas de Keenan para el proyecto Broadcast, de su disco larga duración de debut, The Noise Made By People, este Until Then.

Trish Keenan actuando en el festival All Tomorrow's Parties, en Minehead, en 2010
(Foto de Gary Wolstenholme/Redferns)

De la versión original de Until Then creada por Trish Keenan para Broadcast, a una reinterpretación, la que hicieron el dúo Orcas en su álbum de debut del año 2012 bautizado con el nombre del proyecto: Orcas.

Orcas es una colaboración entre los fabricantes de sonido con sede en el noroeste del Pacífico, Thomas Meluch (a la izquierda) y Rafael Anton Irisarri, ambos más conocidos como Benoit Pioulard y The Sight Below, respectivamente.  La pareja combinó sus enfoques distintos pero armoniosos de canciones inspiradas en la música electrónica y ambiental en el álbum debut homónimo, Orcas, lanzado en 2012.  Para la ocasión contaron con la colaboración de Michael Lerner de Telekinesis y Martyn Heyne de Efterklang.  

Orcas - 2012

Nos quedamos con un tema más del álbum de debut del dúo y seguimos.

El pie de foto de cabecera de la entrada de hoy hace alusión al ruido, a la música y a otros aspectos relacionados con la creación.  Los minutos que quedan de esta edición de Cíclope 3.0 los vamos a ocupar con parte de la obra de un hombre caleidoscópico que responde al nombre y apellido de Roberto Sánchez Fransesch.

RSFRANSESCH

El siglo XX se despedía con la década de los años 90 donde floreció la semilla del síndrome del músico solitario: compositores/intérpretes que lo hacen todo, que se encargan de tocar todos los instrumentos, de cantar, componer, escribir los textos de las canciones...en estudio, en directo ya es otra historia.  Roberto S. Fransesch, desde hace unos años RSFRANSESCH, es un hombre multidisciplinar, compositor de música, escritor y pintor, diseñador de imágenes, de paisajes interiores quebradizos trenzados con música.  Trabaja en solitario, toca todos los instrumentos, canta, diseña las portadas identificativas de sus grabaciones.  Hoy, en Cíclope 3.0, nos vamos a quedar con una muestra de su buen hacer.  Roberto tiene una producción considerable porque hay que tener en cuenta que él comienza a florecer en la década de los 90 del siglo pasado, involucrado en varios proyectos, colaborando con grupos y músicos, tocando la guitarra bajo, los teclados tanto en grabaciones como en el campo de la producción.  Hoy suena por primera vez en Cíclope 3.0 y no va a ser la única entre otros motivos porque su producción musical es amplia y tiene muchos trabajos interesantes.  En el espacio de hoy suenan dos de sus últimas grabaciones y una de los primeros tiempos, cuando sonaba bajo otros nombres en otros proyectos personales.

Lo primero que escuchamos de él es un tema, El peso del silencio, del EP de 4 canciones  Cápsulas de Silencio, de 2019.

  

Los 4 cortes son instrumentales, con perfiles diferentes y, al mismo tiempo, bajo un mismo arco gravitatorio.  Otro de esos 4 cortes es el que recuperamos a continuación, Silencio el silencio.

La utilización de diferentes nombres con los que bautiza sus proyectos le ha llevado a adoptar el último alterego que se le conoce, su nombre y dos apellidos bajo el acrónimo RSFRANSESCH.  Con este nombre comienza en 2018 a publicar material recogido en el larga duración de ese año, Piezas, seguido del EP Cápsulas de Silencio, de 2019, y continuado con Mi Sitio-Ningún Sitio, publicado este año 2022 (portada del disco en la foto inmediatamente superior).

En este, por ahora, último trabajo de RSFRANSESCH, utiliza la voz.  Canta metáforas como la que escoge el Cíclope, La Solución al Laberinto.

El larga duración Mi Sitio-Ningún Sitio está formado por 12 composiciones, 12 canciones que oscilan entre la brevedad de micro-canciones de menos de un minuto y cortes con una duración media más amplia.

Una de las primeras muestras musicales de Roberto S. Fransesch en solitario fue el proyecto de música electrónica ...dot...  Canciones con estructuras e ideas más abstractas y centradas en imágenes durante su composición.  Como dice el mismo Roberto, buscando texturas, ambientes, estructuras distintas y diferentes a los esquemas de canciones con guitarras eléctricas.

El sello discográfico independiente Indoor, propiedad de Paco Cruces, Paco Trilita, (actual motor del sello Felices Años 20), se encargó de publicar un disco de ...dot... en el año 2001 titulado Hypnotic y del que extramos Hypnotic Blue.

Para cerrar esta edición de Cíclope 3.0 nos vamos con un tema más del EP Cápsulas de Silencio, La reiteración del silencio, instrumental como los demás cortes del disco.

Volveremos con Roberto S. Fransesch en futuros programas.  Te recomiendo la visita a su web para que conozcas con más profundidad la obra de este compositor/escritor/pintor/diseñador de imágenes...aquí te dejo el enlace a su página

https://www.rsfransesch.com/ 

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 -08-11-22

Atardecer (Foto del autor del blog)

Cíclope 3.0 del martes 8 de noviembre de este año en curso, 2022.

El lema del Cíclope es: escuchamos la actualidad musical a través del prisma del Tiempo.  Eso es precisamente lo que hacemos en esta edición, antes de quedarnos con una novedad, algo del pasado de quien firma una de las turbulencias novedosas de la actualidad.  Antes de Björk, The Sugarcubes.

The Sugarcubes fue la banda con más repercusión que jamás haya surgido desde Islandia en lo que llevamos de Historia del Rock y del Pop.

Debutaron en 1988 con el LP Life's Too Good, que reunió excelentes críticas por parte de los comentaristas musicales y se convirtió en un grupo de éxito entre la audiencia, pero nunca pudieron recuperar esa sensación emotiva de su primer disco.  Hasta la carpeta de ese primer trabajo multiplicó su diseño (color) para mostrar la bienaventuranza del éxito.

Además de los tres colores incluían en el disco un azucarillo.  Para endulzar aún más su buena estrella, para colmo, su canción Coldsweat, Sudor Frío, fue prohibida en la BBC inglesa, primero el vídeo-clip, después la emisión en Radio del tema.  Publicidad gratuita y efectiva: prohíbe algo y verás cómo se multiplica exponencialmente el interés por eso prohibido.

En España el Single promocional fue la canción Deus, pero el LP funcionó al 100 por 100.

Un año después de su LP de debut se publicaba Here Today, Tomorrow Next Week!, que no tuvo la misma acogida que el primero, ni siquiera se le acercó.  El brillo de la estrella rutilante de Sugarcubes se fue apagando y el proyecto desapareció dejando una corta discografía pero un grato recuerdo tanto por sus grabaciones de estudio como por sus actuaciones en vivo.

Todo lo que Sugarcubes no mantuvieron, esa expectativa entre sus seguidores y crítica musical, sí lo ha ido manteniendo con el paso de los años la vocalista principal del grupo, Björk, de nombre y apellidos completo Björk Guðmundsdóttir, capaz de cambiar de tonos dulces y penetrantes a gritos rugientes, a tonos intensamente dramáticos, y todo como si tal cosa.  Desde que comenzó a trabajar en solitario Björk ha escrito música, la ha interpretado, ha compuesto bandas sonoras de películas y ha trabajado como actriz a las órdenes de Lars von Trier en la cinta Bailar en la oscuridad del año 2000.  Curiosa la anécdota que se cuenta del encuentro de ambos, cuando Trier le pide que componga el score de la cinta, además de interpretar el papel protagonista femenino.  Al parecer quedaron para comer en casa del director y mientras él enredaba en la cocina le pide a ella que ponga algo de música, lo que prefiera, ahí están los discos.  Björk se pone a mirar los vinilos y descubre un montón de Céline Dion.  Pregunta en voz alta el por qué de tantos discos de la cantante francocanadiense.  La respuesta de Trier, que está poniendo las viandas en la mesa, es simple y sencilla: porque le gusta.  Vuelve a la cocina pero en el salón no suena la música, hay un silencio marcado.  Björk sencillamente había desaparecido.  No soportaba a Dion y no podía entender que a alguien le gustara.  En fin, Björk es así.  Además de tener ese carácter también mantiene una actividad como intérprete y compositora recogida en una discografía que, hasta el momento, suma una docena de álbumes publicados con su nombre y apellido, el último vio la luz el pasado 30 de septiembre bajo el título Fossora.

Fossora (carpeta en la foto de la derecha) es un disco que se puede tildar de conceptual porque la conexión entre las composiciones, la asociación que se entabla entre un corte y otro es el amor,  relaciones de amor entre madre e hija: Björk, y su hija, que se separa buscando su propia realización; Björk y su madre, fallecida con 72 años en el año 2018, la activista ambiental Hildur Rúna.

Hildur Rúna Hauksdóttir (1946-2018)

Una hija que se despide de su madre y una madre que se despide de su hija.  El disco Fossora contiene dos temas en los que homenajea la figura de la madre desaparecida: Ancestress y Sorrowful Soil.  De los dos nos quedamos con el segundo, un interesantísimo juego de espejos vocales con Björk sola, en un álbum cuyo título viene del latín y significa Excavador, un trabajo casi estructurado sobre el sonido de los clarinetes, un instrumento querido y apreciado por ella.  Poca suavidad ha guardado la compositora e intérprete islandesa para este nuevo trabajo que tendrá sus seguidores incondicionales y sus detractores que, una vez más, no están de acuerdo con nada.  El segundo tema que extrae el Cíclope es Victimhood.  

La edición de hoy de Cíclope 3.0 está transida de cierta oscuridad paradójica porque a pesar de los claroscuros marcados hay luminosidad, como la que tiene esta banda que no es la primera vez que suenan en el programa: 

The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble.

Así es, The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, oriundos de los Países Bajos, en concreto de la ciudad de Utrecht, han sonado un par de veces por aquí, por Cíclope 3.0, con algún tema de su corta discografía (4 álbumes entre los años 2006 y 2011), From the Stairwell, el último álbum que grabaron en estudio, en 2011, una colección de composiciones que podrían ilustrar perfectamente alguna película dirigida por Dario Argento.  Hoy los recuperamos con un corte de su primer trabajo firmado en el año 2006 y que bautizaron con el nombre del proyecto, un tema titulado Lobby.  El otro tema, este del disco Here Be Dragons del año 2009, es Sharbat Gula.

The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble - 2006

Here Be Dragons - 2009

 

La discografía de la banda ha pasado casi al completo, falta tan solo un álbum grabado en vivo y publicado en el año 2011, I Forsee the Dark Ahead, If I Stay.  Cuando The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble se separó como proyecto siguieron tocando en directo y en esas ocasiones utilizaban el nombre de The Mount Fuji Doomjazz Corporation.  Con ese alias tocaban los mismos miembros de la formación anterior.  Lo hicieron durante un tiempo, no dejaron ninguna grabación, ni de estudio ni en vivo bajo ese nombre, y estuvieron más o menos activos hasta que Jason Köhnen, alma y motor, cambia de ideas y forma un nuevo grupo.

Jason Köhnen

Con el paso del tiempo, Jason Köhnen, guitarra, bajo y producción, forma el trío Mansur junto a Dimitry El-Demerdashi, del grupo Phurpa y la vocalista de origen húngaro Martina Veronika Horváth.

Dimitry El-Demerdashi

 

Martina Veronika Horváth

El sonido de Mansur navega entre las aguas de la fantasía musical y la realidad, se transforma y combina la instrumentación tradicional con la electrónica moderna.  Usan la kalimba, un instrumento idiófono extendido por tierras africanas, el violonchelo, ney, una flauta de Oriente Medio, el violín y otros instrumentos similares como el erhu, un violín chino de dos cuerdas, o el zhonghu, similar al anterior.  El  jinhu tiene un tono similar al de un violín pero más rasposo, el kemenche, un instrumento de cuerda que se origina en el Mediterráneo Oriental (Armenia, Grecia, Irán, Turquía, Azerbaiyán).  Dilruba, un instrumento de arco originario de la India que se hizo famoso en la década de los años 60 del siglo pasado por el uso de artistas occidentales como los Beatles, que lo utilizaron en la canción Within You Without You.  Bansuri, una flauta transversal originaria de la India y Pakistán.  Además suman otros elementos instrumentales como el contrabajo y varios de percusión como cajón, castañuelas, krotal y agitadores y tambores orgánicos.  Con todo eso, Mansur lleva al oyente a un mundo místico y mágico lleno de incógnitas, que se encuentran mucho más allá de los reinos de la percepción material.  El resultado es un nuevo sonido único que es al mismo tiempo cálido, oscuro, brumoso, cósmico, místico, cinematográfico y dinámico.  Fusiona cantos vocales etéreos, melodías inquietantes tocadas en un oud, el laúd árabe, con la música electrónica.  Jason Köhnen ha estado involucrado en innumerables proyectos de metal, electrónicos y experimentales desde que comenzó a hacer música a finales de la década de 1980.  Bajo su principal alias en solitario, Bong-Ra, es uno de los artistas más notables del breakcore, y es particularmente conocido por ser pionero en el raggacore, una variante más extrema del ragga-jungle.  Uno de sus proyectos más recientes es Mansur, formado en 2019.  El trío lanzó su EP de debut, Temple, y su primer trabajo de larga duración, Karma, ambos en 2020.  Una grabación en vivo improvisada, Minotaurus, siguió en 2021.  El cuarto lanzamiento de Mansur, Oscuras Flores, apareció este año 2022.

Temple, el EP de debut de Mansur (portada a la izquierda) incluye el tema Ruinas Pentatónicas que selecciona el Cíclope.  Llama la atención las palmas flamencas que suenan en el corte y es que Mansur son unos apasionados del Flamenco.  De hecho hacen una versión de La leyenda del tiempo, instrumental, que, bueno, está bien como acto de admiración por aquella composición original en la música de Ricardo Pachón, con letra de Federico García Lorca y cantada nada más y nada menos que por El Camarón de la Isla.  Tres elementos que dan como resultado Oro; lo que hace Mansur hay que tomarlo como lo que es, un homenaje, no se puede esperar un acto alquimista para lograr un duplicado.  El trío Mansur titula ese homenaje simplemente como Leyenda.

El EP aparecía como descarga en la Red, sin ningún sello discográfico.  El segundo trabajo (foto de la derecha) publicado el mismo año que el EP, 2020, sí se editaba bajo licencia discográfica con el título Karma y además era un larga duración.  El disco incluye temas como el que suena, Memento Mori.

Estamos en la recta final del programa de hoy y los últimos minutos los vamos a ocupar con una banda dotada de una capacidad extraordinaria: convertir el caos en una luminosidad radiante.  El grupo en cuestión es este: Naked City.

Naked City

Naked City fue una banda neoyorquina capitaneada por John Zorn.  Aunque podría tocar cualquier estilo de música, la mayoría de sus canciones fueron ruidosas y complejas.  En cualquier momento, una melodía hermosa, delicada, podía degenerar en un huracán de ruido blanco y, de repente, cambiar a otra cosa.  Tomaron todo lo agresivo del jazz y el heavy metal, lo mezclaron y lo ajustaron. Parecían una banda de rock: batería, guitarra eléctrica, bajo, teclados y saxofón.

La banda se formó en 1988, tocando en vivo antes de grabar su primer álbum bautizado con el nombre del grupo (foto de la izquierda). Grabaron su último álbum en diciembre de 1992.  Siete discos repletos de caos luminoso.  Naked City fue algo así como un supergrupo neoyorquino de rock de vanguardia, de free jazz.  Tuvo un elenco estelar de músicos de perfil experimental en el campo del jazz de Nueva York dirigidos por una figura como la de Zorn.  La formación reunió a John Zorn en el saxo alto,

 

Wayne Horvitz en los teclados,

 

Bill Frisell en la guitarra,

 

Fred Frith en el bajo

y Joey Baron en la batería

Ocasionalmente el vocalista japonés Yamatsuka Tetsurō, conocido por su apodo artístico Yamatsuka Eye fue colaborador sobre todo en las actuaciones en vivo

Yamatsuka Eye

  

Naked City, más que cualquier otro grupo dirigido por Zorn, lo puso en contacto con una audiencia de Rock.  La banda tenía un repertorio enorme y sus actuaciones en vivo eran impredecibles.  Zorn aseguraba que concibió la banda como un taller de composición y el desafío radicaba, según sus palabras, en escribir tanto como fuera posible dentro del formato limitado de los esquemas del Rock.  Una vez que dejó de escuchar y escribir para la banda, se disolvió el proyecto.  

Naked City, el primer álbum del grupo, además de incluir ilustraciones tan inquietantes como la de la derecha, contiene 26 composiciones entre temas originales y versiones que abarcan nombres como Ennio Morricone, Henry Mancini, Ornette Coleman, Jerry Goldsmith, John Barry, Georges Delerue y Johnny Mandel.  El Cíclope escoge 3 cortes del disco, una composición propia, Latin Quarter, y dos versiones, The Sicilian Clan de Morricone y A Shot in the Dark de Mancini.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-08-11-22