miércoles, 10 de abril de 2024

Cíclope 3.0 - 09-04-24



Cíclope 3.0 del martes 9 de abril de 2024.  En esta edición el Cíclope, de sentidos particularmente paradójicos (tiene, como buen cíclope, un solo ojo, y está dotado de vista auditiva) ha centrado su interés en la guitarra eléctrica, no como instrumento independiente con sus correspondientes intérpretes, sino como elemento integrado dentro de una banda o grupo pero con protagonismo relevante.  En definitiva, se ha puesto a escuchar y a buscar algún que otro disco donde las 6 cuerdas eléctricas hayan marcado líneas que delimitan un camino por el que han seguido muchos grupos y solistas.  Se ha situado en un margen de fechas concretas, en los años centrales de la década de los 80, y se ha encontrado con dos referencias.  La primera lleva indicada la fecha de creación y un lugar: enero de 1979, Mineápolis, Minnesota.  Especifica un formato y un estilo musical: trío de Punk/Hardcore.  Un nombre: Hüsker Dü



De izquierda a derecha, Greg Norton, guitarra bajo, Grant Hart (1961-2017), batería/voz,
y Bob Mould, guitarra/voz

Tomaron su nombre de un juego de mesa danés de los años 50 que significa ¿Te acuerdas?  Sus álbumes entre 1981 y 1987 resultaron notablemente influyentes.  Proporcionaron el modelo sonoro para el híbrido rugiente Punk-Pop que pasó a la corriente principal del Rock a principios de los años 90.  No sólo dieron forma al sonido de la música, sino que también dieron forma a la forma en que las bandas independientes hicieron la transición a los grandes sellos discográficos.  Demostraron a otros grupos que era posible grabar música sin concesiones en un sello importante sin perder integridad ni control creativo.  Casi todos los proyectos mayores y menores que aparecieron en el underground alternativo a finales de los años 80 y 90 tenían una gran deuda con Hüsker Dü, lo supieran o no, fueran conscientes de ello o durmiera esa semilla en el inconsciente de cada músico.

Los dos compositores de la banda, el guitarrista Bob Mould y el batería Grant Hart, tenían una habilidad especial para escribir canciones que esencialmente seguían estructuras Pop convencionales, con melodías memorables, pero que no dejaban de ser canciones Punk.  Hüsker Dü tomó el Punk-Pop pionero de los Buzzcocks y lo hizo más difícil, tanto musical como líricamente.  A lo largo de su carrera, Hüsker Dü nunca perdió su ventaja, nunca bajó el volumen de sus amplificadores, nunca comprometió su música.  Si bien Hart y el bajista Greg Norton eran una sección rítmica infaliblemente fuerte, Mould resultaría ser uno de los guitarristas más influyentes de la década.  Con sus ritmos cortantes, rasgueos distorsionados y momentos solistas ardientes, preparó el escenario para los héroes de la guitarra alternativa de finales de los 80 y los 90.


El Cíclope podía haber escogido cualquier disco del haber de Hüsker Dü, pero se fija en el de la foto, Candy Apple Grey, un LP de 1986 del que recuperamos dos cortes: uno, Don't Want To Know If You Are Lonely, compuesto y cantado por el batería, Gran Hart, y el otro, Hardly Getting Over It, compuesto y cantado por el guitarrista Bob Mould.  Dos formas de interpretar la música por este trío: fuerte y acelerada la primera, acústica la segunda.


Tirando del hilo vamos a entresacar algo de las labores en solitario de dos miembros de este grupo.  El batería estuvo en tres proyectos paralelos a la existencia de Hüsker DüBob Mould, en la foto de la derecha, capitaneó otros grupos como Sugar y Blowoff.  Nos vamos a quedar con él, con una tercera opción de su labor fuera de formaciones o proyectos, su labor en solitario.


Firmando con su nombre y apellido, Blue Hearts veía la luz el 25 de septiembre de 2020.  Es el álbum número 14 de su discografía en solitario o bajo el paraguas del nombre de algún proyecto.  En este trabajo, Mould vuelca sus inquietudes y críticas contra conservadores, evangélicos y homófobos.  Declaró que, el sentido final de su disco, no era otra cosa que hablar en contra de Donald Trump, contra la gestión ante la pandemia del COVID 19, contra todo lo negativo.  Tiene espacio en el disco para hacer también autocrítica, no sólo habla contra la Casa Blanca.  Hay inclusive canciones que hablan de amores rotos como la que recupera el Cíclope, un tema titulado Sueños de cuero.
Seguimos el sentido del vector guitarrero que ha escogido el Cíclope para esta edición y nos quedamos con otra formación de trío, en este caso la banda conocida como Dinosaur Jr.


Dinosaur Jr. De izquierda a derecha
J Mascis, guitarra/voz, Murph, batería y
Lou Barlow, guitarra bajo/voz


El trío Dinosaur Jr. fue en gran medida responsable del regreso de la guitarra solista al Rock independiente de finales de los años 80.  J Mascis, nacido como Joseph D. Mascis, formó el grupo en Amherst, Massachusetts, en 1984, junto a su compañero de escuela secundaria, Lou BarlowMascis comenzó tocando la batería pero cambiaría inmediatamente los tambores por la guitarra eléctrica.  No fue lo único que cambió, el nombre de la banda se llamó originalmente Dinosaurs, pero un grupo norteamericano de San Francisco formado en 1982 y bautizado con el mismo nombre los demandó, lo que provocó que Mascis y compañía añadieran el Jr. al nombre del grupo, dejándolo además en singular.
Barlow estaba al bajo, Mascis se pasó a la guitarra, y en la batería se sentó Emmet Murphy, conocido por su alias artístico, Murph.  Comenzaron a grabar en 1985 y han ido sembrando los caminos del Rock de canciones con guitarras eléctricas poderosas.

Sus principios fueron de ruido guitarrero como demostraban en el álbum de la derecha bautizado con el nombre de Bug y temas como el que entresaca el Cíclope: No Bones.  Después subirían, o bajaban, o se mantenían...  Dinosaur Jr. han construido una realidad basada en tres grandes bloques: los años 80, tiempo de ver la luz, organizar la energía, explayarse...; lo años 90, en los que desarrollan esos principios, discuten, se separan (nunca definitivamente), se toman tiempo cada uno (sobre todo Lou Barlow, que se dedica a proyectos personales y es sustituido, temporalmente, entre 1991 y 1998 en la guitarra bajo por Mike Johnson) y por fin el siglo XXI con el último bloque de tiempo en el que el trío vuelve a ser quien era, Mascis, Barlow y Murph, más poderosos que nunca con discos como Sweep It Into Space publicado en 2021.



J Mascis en este año 2024 realiza una incursión en solitario y publica What Do We Do Now, un disco de guitarras acústicas donde no olvida las guitarras eléctricas para unas canciones que llevan el sello 
Dinosaur Jr.  Un tema de este álbum para ilustrar la idea, I Can't Find You.  Cuando te crees que va a terminar la canción y todo indica que está resuelta con el sonido mullido de las acústicas entra la eléctrica y resuelve.
Ya que estamos con trabajos de elementos del trío, ahora le llega el turno a Lou Barlow.
Barlow, desde los años 80, ha estado saltando de Dinosaur Jr. a otros proyectos personales.  En realidad ha estado simultaneando desde el comienzo de la vida del Dinosaurio.  Uno de esos proyectos es el trío Sebadoh

Sebadoh (De izquierda a derecha)
Bob D'Amico, batería, Lou Barlow, bajo, guitarra, voz y Jason Loewenstein, guitarra eléctrica, voz, bajo

Sebadoh comienzan a grabar en 1988, el mismo año de la publicación del álbum Bug de 
Dinosaur Jr.  Eso significa que la influencia que ejerce Lou Barlow en su entorno cercano y lejano es amplia y atractiva.  Él ha estado activo en tres bandas donde ha dejado constancia de su buen hacer: Dinosaur Jr., Sebadoh y Folk Implosion.  Y hay otros proyectos donde Barlow ha estado presente pero para no extendernos mucho vamos a quedarnos con uno, con Sebadoh.


En el año 2019, la banda Sebadoh editaba el álbum titulado Act Surprised.  Estaban los tres músicos cuyas fotos están un par de párrafos más arriba, los mismos que ocupan el banco de la portada del disco.  Un corte para refrescarnos la memoria o para que los conozcas si no los habías escuchado antes.  El corte en cuestión es Medicate.  
Estamos enredando en el programa de hoy con las buenas vibraciones de algunos proyectos que han tenido prolongaciones en aventuras en solitario de sus miembros.  De Dinosaur Jr. hemos escuchado algo de las intervenciones de su guitarra bajo en otros ámbitos y también del guitarra y cantante de la banda, J Mascis.  Nos vamos a quedar ahora con Mascis colaborando, interviniendo en un disco no como guitarrista sino como batería.  Es la colaboración que realizó en el año 2001 en el segundo álbum de la compositora y cantante norteamericana Tiffany Anders.


Tiffany Anders se estrenaba en el año 1998 con un larga duración de perfil calmado.




Es hija de la directora de Cine independiente norteamericana Allison Anders, responsable de cintas como Gas, Food Lodging, de 1992, traducida en España como Área de servicio.  
Allison se preocupó de que su hija, con 12 años, estuviera asistiendo a todo Concierto habido y por haber al que pudiera asistir.  La niña escuchó en vivo a las figuras principales del mundo musical internacional.  La madre consiguió que, cuando tuvo edad adulta,  grabara una maqueta y entrara a grabar un primer disco, Runnin From No Place To Nowhere.  Algunos amigos colaboraron como fue el caso de J Mascis que, en ese primer disco ni tocó la guitarra ni la batería, tan solo hizo voces de coro.

Después llegaría Funny Cry Happy Gift en 2001.  Aquí Mascis es donde tocaría la batería, incluso en la demo que grabó para intentar colocar la grabación en algún sello.  No hubo que buscar mucho, la misma discográfica que editó su primer disco, Up Records, le pareció bueno el material.  Quedaba grabarlo, bien y después encontrar una buena producción que envolviera el producto final.  Madre e hija salían del despacho donde habían mantenido conversaciones técnicas sobre todo lo relacionado con la industria fonográfica cuando, cosas del Destino, se cruzan con PJ HarveyAllison, la madre, admiradora acérrima de Harvey, la saluda y le presenta a la niña/mujer.  Le colocan la demo, su número de teléfono, adiós, adiós.  A ciencia cierta no se sabe quién llamó a quién, pero que Harvey se interesó, sí, es cierto.  Después de escuchar atentamente la demo, Harvey asistió a algunas actuaciones de la joven cantante y compositora.  Su relación se fue estrechando y Harvey finalmente le ofreció ayuda, si es que Anders necesitaba algo de ayuda porque estaba en el buen camino.  Anders le pidió a Harvey que produjera el futuro nuevo álbum, cosa que admitió confesando que había estado pensando en lo mismo pero que no quería ser demasiado directa y ofrecerse para el trabajo.  Las dos finalmente se pusieron a trabajar en Funny Cry Happy Gift en Hoboken, Nueva Jersey, donde lograron grabar todas las pistas del álbum en tan solo un par de semanas.  Además de contribuir al álbum como productora, PJ Harvey toca la guitarra eléctrica, el órgano, la pandereta y hace voces de coro.  De este álbum de Tiffany Anders nos quedamos con dos cortes: I See How Much Has Changed y Here I Forget.
Para cerrar esta edición de Cíclope 3.0 nos vamos a quedar con la productora del segundo disco de Tiffany Anders, la compositora e intérprete Polly Jean Harvey

A lo largo de su carrera, PJ Harvey ha ido desarrollando la obra poderosa de una de las compositoras más individuales e influyentes de la época que eclosionó con la aparición del Rock Alternativo.  Ha tratado temas tan variados como el sexo, la religión...  Ha tocado cuestiones políticas con una honestidad desconcertante, con humor negro unas veces, otras con un estilo teatral.  Con el tiempo, la música de Harvey se ha ido haciendo más matizada y ecléctica.  El año pasado,2023, veía la luz I Inside the Old Year Dying, una muestra más de su creatividad que sigue siendo incomparable.

Ella toca una larguísima lista de instrumentos y tiene la colaboración, entre otros, del músico, compositor y productor John Parish, con quien trabajó por primera vez cuando contaba 19 años, allá por 1988, en la banda que lideraba Parish, Automatic Dlamini.
De este último trabajo de Harvey vamos a escuchar un par de cortes: Lwonesome Tonight y A Child's Question, August.
Volveremos con ella en un futuro cercano.  Por hoy, terminamos.  Espero que te guste el programa.




domingo, 7 de abril de 2024

Valter Hugo Mãe


Valter Hugo Mãe

 

Valter Hugo Mãe es el seudónimo del escritor, poeta y músico portugués Valter Hugo Lemos, nacido el 25 de septiembre de 1971 en Angola.  Probablemente es uno de los escritores portugueses recientes más interesantes que hay en el país vecino.  La mayoría de su obra no está traducida al español, tan sólo un par de novelas entre las que se encuentra el libro que ocupa hoy esta entrada del blog, la máquina de hacer españoles.



  

Publicada en Lisboa en el año 2010, se editó en nuestro país un año después, en 2011, en la editorial Alfaguara bajo traducción de María José Arregui Galán.  Esta obra pone fin a la tetralogía que comenzaba en 2004 con o nosso reino, y de la que forman también parte o remorso de baltasar serapião de 2006 y o apocalipse dos trabalhadores (el apocalipsis de los trabajadores) de 2008, la segunda obra traducida en nuestro país, en esta ocasión por Martín López-Vega en 2010 para la editorial Alpha Decay.  La característica de las cuatro novelas es que están escritas en letra minúscula (título y hasta el nombre y apellidos del autor), utilizando como únicos elementos de puntuación la coma y el punto.  El cuarteto de novelas dibujan un recorrido sobre el tiempo de la vida humana, desde la infancia hasta la vejez, a través de diferentes personajes y escenarios.  Al cerrar la tetralogía, la máquina de hacer españoles está centrada en la vejez, en la tercera edad.  El personaje principal, antónio silva, cumple 84 años en una residencia para personas mayores y lejos de cumplirse el principio de todo está consumado y el tiempo consumido, se va a encontrar con la aparición, tardía, de una alegría que convertirá todo en una historia cruzada entre lo trágico y lo divertido.  Creo que hay pocos libros, muy pocos por no decir ninguno, que traten la tercera edad como hace este autor.  Consigue una narración de perfil emocionante y turbadora a partes iguales, con personajes ancianos, al borde de la muerte, que conviven en una residencia asistida en la que forman parte de una realidad fantasmal y delirante.  La constante búsqueda de la identidad portuguesa por parte de los habitantes del país que, según el autor, han explorado durante mucho tiempo en una geografía física y mítica en la que, sus hijos, parecen haber nacido en francia, o que portugal va a ser una máquina de hacer españoles.  Complicado equilibrio entre la identidad propia y la admiración por vecinos más fuertes y al mismo tiempo odiados.

Esta fábula sobre la identidad es, a su vez, también una reflexión sobre el amor y el valor de la amistad, sobre la libertad, la locura, la piedad o la muerte, que nos enseña que el paso del tiempo no es lineal, que juega con los personajes gracias a la salvación que supone su propia senilidad.  Curioso: al decir senilidad me he acordado de la obra de mismo título, Senilidad, que escribió Italo Svevo allá por 1898, con un protagonista también anciano...pero esa es otra historia.

Como queda indicado más arriba, Valter Hugo Mãe, además de narrador y poeta, también es artista plástico y músico, componente del trío Governo.




La música de Governo se clasifica como folk industrial experimental, con influencias del fado. Nuestro protagonista, Valter Hugo Mãe, a la izquierda de la foto, canta y le acompañan António Rafael, en el centro, y Miguel Pedro, a la derecha.  Ambos pertenecen a la banda de rock alternativo de la ciudad de Braga, Mão Morta.  António Rafael es multiinstrumentista, compositor y productor, y en la banda Mão Morta ejerce de teclista y guitarrista; Miguel Pedro es músico y compositor originario de Braga, y es uno de los fundadores y batería del grupo de rock alternativo.



  

Portada del CD-EP de 5 cortes, Propaganda sentimental, único trabajo registrado por el momento de los portugueses Governo.


Para cerrar decir que las dos novelas traducidas al español de Valter Hugo Mãe están actualmente agotadas pero que se pueden encontrar en el mercado de segunda mano.



miércoles, 3 de abril de 2024

Cíclope 3.0 - 02-04-24 - Especial Joni Mitchell # 12 y Final



Joni Mitchell no hace mucho, con 75 años ya cumplidos, luminosamente guapa


¿Te puedes creer que me da no sé qué  terminar, llegar a la última entrega del Especial Joni Mitchell?  La edición Número 12, Final, ocupa hoy los sesenta minutos de Cíclope 3.0  Comenzábamos a escuchar su discografía el martes 7 de marzo de 2023 y cerramos hoy, primer martes del mes de abril de 2024.  Pero nos queda música por escuchar, nos queda por resolver la audición de su último álbum grabado en estudio, Shine, que veía la luz el 25 de septiembre de 2007.

De este disco faltaban por escuchar un par de cortes de los que había seleccionado el Cíclope: uno, de título cinematográfico, Noche de la iguana, como la película dirigida por John Huston en 1964 basada en la obra de Tennessee Williams; el otro tema es If I Had a Heart.  En el primero de este tándem, excepto la guitarra bajo y la batería, todos los demás instrumentos están interpretados por nuestra protagonista.  En el segundo corte, además del bajo y de la batería, la guitarra steel está en manos de otro colaborador, pero los demás instrumentos los maneja ella, que canta y escribe la letra además de la música.
Año 2007, fecha en la que comienzan a aparecer, lentamente en ese año y en los sucesivos, una serie de discos recopilación de grabaciones inéditas en vivo y de homenajes.

Uno de esos álbumes homenaje a Joni Mitchell es el titulado A Tribute to Joni Mitchell.  Aparecía el mismo año que ella publicaba Shine, 2007, pero antes: el álbum de Mitchell lo hacía en septiembre, el disco Tributo, firmado por varios intérpretes, en el mes de abril.  Es un poco sorprendente que, el primer álbum tributo a Mitchell lanzado en un sello importante de Estados Unidos (Nonesuch Records) lo hiciera ese mismo año en el que ella anunciaba que no grababa más.  En fin, cosas del Destino.
El disco se prepara con material grabado entre el 21 de agosto de 1997 y el 7 de noviembre de 2005, esto quiere decir que se utilizan canciones ya grabadas y otras grabadas para la ocasión.  La lista es enjundiosa: James Taylor, K.D. Lang, Elvis Costello, Emmylou Harris, Annie Lennox, Sarah McLachlan, Cassandra Wilson, Brad Mehldau, Sufjan Stevens...  El Cíclope escoge The Boho Dance, del álbum The Hissing of Summer Lawns de 1975 en la melodiosa y exuberante versión de Björk, con campanas y espirales sintetizadas; del álbum de 1977, Don Juan's Reckless Daughter, el tema Dreamland adquiere un perfil de revelación en la interpretación que realiza Caetano Veloso.  Su voz, ligera y suave, aumentada por la cálida y suelta instrumentación brasileña, logra captar la narrativa de Mitchell y revitalizarla.  El último tema que suena del álbum A Tribute to Joni Mitchell es uno incluido en el LP Blue de 1971, A Case of You, interpretado por Prince.
Desde finales de esa primera década del siglo XXI Mitchell seguirá activa: pintando, dando entrevistas, recibiendo homenajes de músicos del ámbito del Jazz como la pianista de origen ruso Olga Konkova, que en el año 2009 publicaba Improvisational Four - Piano Improvisations Inspired By Joni Mitchell.



En el año 2013, con motivo de su 70 cumpleaños, Mitchell recibió una semblanza de su paisano y amigo Leonard Cohen que dijo de ella:
Maestra poeta. Maestra pintora. El técnico más sutil de las profundidades. Cambiaste la forma en que las mujeres cantan y la forma en que los hombres escuchan. Qué victoria tan sorprendente sobre los años implacables.

 

Nuestra protagonista aún no ha publicado una autobiografía oficial, sin embargo hay muchos libros sobre la cantante y compositora que capturan su historia y su espíritu con vívidos detalles. Un ejemplo es el libro que aparece en la foto de la izquierda, Joni Mitchell: In Her Own Words.  Se trata de una obra que recoge conversaciones con Joni Mitchell compiladas por la escritora, periodista, locutora de radio, cantante folk y bailarina canadiense, Malka Marom.  El libro está compuesto por conversaciones grabadas en tres ocasiones distintas, entre los años 1973 y 2012.  El libro se editaba en 2014.  Van a ser años prolíficos en los que van a abundar ediciones de discos sobre Joni Mitchell o discos que recogen archivos de grabaciones suyas en formato de demos, ensayos, primeras tomas...

En 2014 aparecía Love Has Many Faces (Box Set: A Quartet, a Ballet, Waiting to Be Danced ).  Se trata de una colección de cuatro discos con 53 canciones recopiladas a lo largo de 18 meses, comentadas y diseñadas por Mitchell.  Abundan las ilustraciones realizadas por ella y poemas escritos para esta ocasión.  La temática común de esas composiciones es el amor y la interacción humana en sus múltiples formas.  Al mismo tiempo es un resumen extenso del legado grabado de nuestra protagonista que hace especial hincapié en un material menos popular de lo habitual, quiero decir que temas como Big Yellow Taxi, Woodstock, no están entre las seleccionadas y sí cortes pertenecientes a álbumes como Wild Things Run Fast, Chalk Mark in a Rain Storm o Night Ride Home, trabajos menos habituales, de los que se han extraído menos exitos a la hora de montar una antología o un The Best..., y sin embargo son discos importantes para ella.  Los cuatro discos abarcan un arco que van desde el LP Blue de 1971 hasta Shine de 2007.  Cada uno de los discos lleva un subtítulo: CD#1 Birth Of Rock 'N' Roll Days, CD#2 The Light Is Hard To Find, CD#3 Love Has Many Faces, CD#4 If You Want Me I'll Be In The Bar.  Mitchell ha remezclado algunas de las pistas de este set.  La mayoría de las cajas publicadas con discografías seleccionadas de grupos o solistas están destinadas a revisitar/redescubrir la carrera de un artista.  Este caso que nos ocupa presenta la perspectiva preferida por su autora y artífice sobre su música, donde las creaciones más jazzísticas y estilísticamente ambiciosas toman protagonismo.  Algunos seguidores, algunas admiradoras de Joni Mitchell pueden encontrar un punto de vista un tanto...peculiar en lo que es el conjunto de la box-set porque favorece el material menos popular, menos aclamado y por lo tanto menos famoso.  Inclusive se encuentran que no hay ni un corte de los comienzos Folk de nuestra protagonista, nada de sus tres primeros LPs: Song to a Seagull, 1968, Clouds, 1969 y Ladies of the Canyon, 1970.  Esto es porque ella no quiso.  No le gusta cómo quedó aquella voz, aquella forma de cantar.  La caja se publicó el 24 de noviembre de 2014.


Entre los discos publicados ese año, 2014, aparecía un homenaje a Mitchell firmado por una cantante y productora de Jazz norteamericana, Laurie Antonioli, en la foto de la derecha.  

Acompañada por un quinteto formado por batería, guitarra eléctrica, guitarra bajo, piano, saxo tenor, saxo soprano y clarinete, firmó el álbum Songs of Shadow, Songs of Light: The Music of Joni Mitchell.  Entresacamos grabaciones así para no olvidar trabajos que merecen la pena ser rescatados y, cuando sea posible, incluirlos en alguna ocasión en el programa.
Siguiendo con la producción acerca de Joni Mitchell

en el año 2015 se publicaba un disco titulado Club 47.  Se trata de un bootleg que, a pesar de ser lo que de toda la vida se ha conocido en el mundo de la música moderna como una grabación pirata, cuya característica principal es su paupérrimo sonido, en este caso no es así.  No es que suene maravillosamente bien, pero sí es verdad que tampoco es que sea malo.  Más que correcto, tratándose de un bootleg.  Bueno, y, ¿qué es eso de Club 47?  Pues hay que remontarse hasta 1958 cuando abrió sus puertas como club de música folclórica estadounidense en la ciudad de Cambridge, en el estado de Massachussetts.  Después cambiarían la dirección y hasta el nombre (pasaría a llamarse Passim), pero en sus comienzos, allá por 1958, sobre su escenario cantó, entre otros artistas, una muchacha joven, acompañada por su guitarra, que respondía al nombre de Joan Baez.  En 1961, se decía que Bob Dylan había actuado de forma gratuita para poder decir que había estado tocando y cantando en el Club 47.  Otros que pasaron por el escenario del Club 47 fueron Judy Collins, Pete Seeger, Taj Mahal y Joni Mitchell.  El disco que recoge la actuación de ella en el Club 47 es importante por un motivo clave: dicha actuación la realizó en 1968, fecha de publicación de su primer LP.  ¿Realizó la puesta en escena antes o después de pasar por los estudios de grabación?  No he conseguido ese dato, ni siquiera una copia del ínclito documento pero ahí queda reseñado.  Ese mismo año, 2015, al despertamos una mañana nos encontramos con una noticia siniestra: Joni Mitchell estaba hospitalizada, se la habían encontrado de madrugada en su vivienda desmayada, en el suelo.  Las primeras informaciones hablaban de un posible ataque al corazón, o tal vez un derrame cerebral...  Pasaron las horas que fueron trenzando un nudo de mal augurio en el estómago hasta que llegó la noticia definitiva: nuestra protagonista había sufrido un aneurisma cerebral.  Esto la tuvo retirada de la vida durante meses, hospitalizada, sin poder ni siquiera articular palabra.  Fue pasando la sombra siniestra y la recuperación fue avanzando, lenta pero con buenos resultados: casi tuvo que aprender a caminar, a hablar, a tocar la guitarra.  Apareció un día, en público, en una silla de ruedas, con un bastón del que se servía para apoyarse y pasar a otro asiento, sonriendo, saludando con la mano.  Así llegó uno de los eventos más importantes en la vida de Joni Mitchell: su 75 cumpleaños, celebrado el 7 de noviembre de 2018.  Para conmemorar dicho aniversario, un grupo de amigos cercanos organizaron la fiesta de cumpleaños en la sala The Music Center de los Ángeles, el mismo 7 de noviembre de 2018.  El grupo numeroso de amigos estaba formado por músicos como la cantante La Marisoul, James Taylor, Chaka Khan, Emmylou Harris, Los Lobos, Norah JonesRufus WainwrightKris KristoffersonGraham NashGlenn HansardDiana Krall...  Graham Nash sería el único que no interpretó una canción original de Mitchell, lo que hizo fue dedicarle una composición suya de los tiempos de Crosby, Stills, Nash & Young, de aquel Déjà Vu, Our House.  Lo que vamos a escuchar van a ser unas 5 canciones las cuales las dividimos en tres bloques: dos de dos temas y una de uno sólo.  Empezamos por Rufus Wainwright y Glen Hansard.  Wainwright interpreta All I Want y Hansard se encarga de hacer la versión de CoyoteNorah Jones canta Court and Spark y cerramos la selección del álbum con otras dos canciones hechas una sola, un solo bloque: Emmylou Harris y James Taylor.  Ella interpreta The Magdalene Laundries, él hace su versión de Woodstock.  
El acto se realizaba el mismo día del cumpleaños de nuestra protagonista, pero se editaría el 8 de marzo de 2019.



    
Un año antes de que viera la luz esta fiesta de cumpleaños se publicaba otro de esos homenajes realizados por otros músicos en otros ámbitos.  Es el caso del álbum titulado Portraits: Songs of Joni Mitchell firmado por dos mujeres canadienses




la pianista Marianne Trudel








Karen Young, cantante y compositora.







El disco veía la luz el 12 de octubre de 2018


La industria fonográfica, pendiente de lanzar anzuelos para captar mientras más ventas mejor, se preocupó de que no cesara el río de grabaciones recuperadas de nuestra protagonista.  Entrada la década de los 20, el año después de la declaración de la Pandemia de COVID 19, en 2021, veía la luz A Ladies Man In Holland.

El 27 de abril de 1983, Joni Mitchell actuó en The Congresgebouw, en Den Haag, Países Bajos.  Esta actuación fue grabada desde una transmisión de una emisora de FM en vivo.  Son 12 temas los que conforman este álbum publicado por un sello independiente.

Así llegamos al punto y final de esta edición de Cíclope 3.0, Especial Joni Mitchell # 12 y Final.  El 24 de julio de 2022, Joni Mitchell regresó al escenario por primera vez desde que sufrió un aneurisma cerebral en 2015.  La aparición sorpresa en el Newport Folk Festival 2022 no fue solo su primera actuación en directo desde que se recuperó, sino su primer espectáculo completo, concierto de larga duración desde principios de la década de 2000, así como su regreso al festival desde que lo visitó por primera vez allá por 1969 cuando contaba 26 años de edad.




Aquella actuación que se llevó a cabo el 24 de julio de 2022 se registró en un disco que se publicó el 28 de julio de 2023 bajo el título Joni Mitchell at Newport.  El subtítulo indica: Featuring The Joni Jam, la banda de cantantes y músicos que acompañaron con pasión y entrega emotiva a una Joni Mitchell que, aunque sentada en un sillón cómodo, mostraba una vitalidad y unas ganas inmensas de estar ahí donde estaba, haciendo lo que sabe hacer: transmitir vida a través de su voz, de sus canciones.  Como presentadora y copartícipe estuvo la compositora y cantante norteamericana Brandi Carlile, que capitaneó el grupo de colaboradores donde estuvieron la cantante americana de country Wynonna Judd y el cantante, guitarrista y compositor americano de origen inglés Marcus Mumford, entre otros.  El disco recoge un total de 11 canciones de las que 10 son originales de Mitchell y la que redondea hasta 11, es una versión: el aria Summertime de la ópera Porgy and Bess de George Gershwin que, cantada por nuestra protagonista, Joni Mitchell, pone el punto y final al programa de hoy y a su Especial.

Espero que hayas disfrutado escuchando este Especial Joni Mitchell tanto como nosotros lo hemos hecho elaborándolo.

A partir del próximo mes de mayo tendremos un nuevo Especial el primer martes de cada mes y va a estar dedicado a la discografía de un compositor e intérprete admirado en este Cíclope 3.0, David Sylvian.


Enlace:

https://www.radio.tomares.es/index.php/blog/ciclope-30-02-04-24




miércoles, 20 de marzo de 2024

Cíclope 3.0 - 19-03-24



Pierre de Rostigny, Baronnette de Lancre (1900-1945), musicólogo belga, acompañado por su prometida


¿Qué habría opinado Pierre de Rostigny, Baronnette de Lancre, de esta edición de Cíclope 3.0?  Dios sabe.  Y tampoco importa mucho, porque lo que sí nos incumbe es qué te parece a ti.  Para comenzar hemos escogido el ímpetu y la fuerza de The Waterboys y de aquel extraordinario This is the Sea que publicaba allá por 1985

Fue la consagración de la banda capitaneada por Mike Scott acompañado como en los dos anteriores LPs por el saxo de Anthony  Thistlethwaite, y en esta ocasión estrenando la colaboración permanente de Steve WickhamThe Pan Within  es la primera canción de Waterboys que presenta a Wickham tocando el violín.  E
s precisamente el tema The Pan Within el que recupera el Cíclope para abrir esta edición.  Pero que comencemos con ellos, los Waterboys, es por un motivo triste: el pasado día 10 de este mes de marzo, domingo, fallecía Karl Wallinger, músico multinstrumentista, miembro esporádico del grupo con especial relevancia en este trabajo de 1985.


The Waterboys.  Primero por la izquierda, Karl Wallinger, seguido de Anthony Thistlethwaite.  Casi en el centro, con gafas oscuras,
Mike Scott
 

     
Karl Wallinger 
(1957-2024) nacía el 19 de octubre de 1957 en Prestatyn, Gales.  Creció enamorado de los Beatles, del sonido de la Tamla Motown y del sonido Merseybeat.  Profesionalmente, en la música hizo su debut en 1976 como miembro del grupo Quasimodo Brothers, un proyecto que sobrevivió sin dejar rastro grabado pero que siguió activo hasta su desaparición, cuando Wallinger abandonaba el seno del proyecto y se convertían en el grupo The Alarm.  


Quasimodo Brothers asentados como The Alarm


Wallinger estuvo presente en el primer álbum de los Waterboys de una forma testimonial, pasó de puntillas.  Eso era 1983.  En A Pagan Place, 1984, Wallinger se encargó del piano, órgano y percusión, además de hacer coros.  En This is the Sea, como miembro fijo ya del proyecto, estuvo en el piano, celesta, guitarra bajo, harmonio, maracas, guitarra sintetizador, marimba, violín, trompeta, sintetizador, voz de coros y coautor con Mike Scott del tema que abre el disco: Don't Bang the DrumScott sintió mucho que un músico e intérprete de su talla dejara a los Waterboys pero es que tenía entre ceja y ceja una idea que se resistía a no realizar, y esa idea era la banda World Party.



World Party fue una banda formada por un solo hombre, su fundador, Karl Wallinger.  Las portadas de los discos del grupo donde aparecía alguien siempre estuvieron ocupadas por él en solitario.  Tras la gira internacional para promocionar This is the Sea, Wallinger fue alejándose de los Waterboys para dedicar todo el tiempo a su proyecto.  En 1986/1987 aparecía Private Revolution, un primer LP, un álbum de debut con un contenido francamente bueno.  Colaboraron dos compañeros waterboyanos
Anthony  Thistlethwaite Steve Wickham.  El primer sencillo que se sacó del larga duración atrapó la atención de la audiencia, fue Ship of Fools, el tema que recupera el Cíclope junto a All Come True.  Descanse en Paz, Karl Wallinger.
Giramos ahora hacia la vida que se vuelve vida una vez más.  En fechas próximas va a ver la luz un trabajo que promete ser particularmente interesante, una obra firmada por una amplia nómina de músicos que firman un álbum titulado Reimagining The Court Of The Crimson King cuya portada está previsto que sea esta



Reimaginando la Corte del Rey Carmesí promete ser más que un tributo al debut de Robert Fripp y compañía, una verdadera reunión de músicos para recrear uno de los álbumes más importantes e influyentes de la historia de la música.  Este proyecto único reúne a miembros destacados de King Crimson como Mel Collins y Jakko M. Jakszyk, junto a otras leyendas del rock como Todd Rundgren, Chris Polonia y Marty Friedman de Megadeth, Ian Paice de Deep Purple, Joe Lynn Turner de Rainbow, James LaBrie de Dream Theatre, Carmine Appice de Cactus, el batería de Frank Zappa, Weather Report y GenesisChester Thompson, Steve Hillage, el guitarra bajo de P.I.L. (Public Image Ltd.) Jah Wobble...  Y algún que otro colaborador más.  El disco verá la luz el día 19 del próximo mes de abril y por el momento se puede escuchar un adelanto, este Moonchild que nos trae el Cíclope.
Ese tema en cuestión, Moonchild, del LP In The Court of The Crimson King, suena también como parte de una banda sonora, la de la película Buffalo 66.



Esta es una película dirigida, escrita e interpretada por el actor norteamericano Vincent Gallo.






Vincent Gallo es actor, pintor, músico y modelo estadounidense que ha intervenido en numerosas películas de cine independiente.  Buffalo 66, una comedia negra de 1999 que, si no has visto, te la recomiendo encarecidamente.  Está coprotagonizada por Christina Ricci, la chica que aparece junto a Gallo en el afiche de la cinta.  Ella protagoniza uno de los momentos más curiosos de la película cuando baila con zapatos de claqué el Moonchild original de King Crimson.  La banda sonora no tiene un score original, una banda sonora compuesta para la ocasión sino que está formada por fragmentos de canciones ya existentes como la citada Moonchild de King Crimson o Sweetness, de Yes.

El primer LP de los sinfónicos Yes, cuando firmaban canciones de 3, 4 minutos y hacían versiones de temas de los Beatles como era el caso de la que incluyen en este primer disco firmado en 1969, Every Little Thing.  Pero el tema que recupera el Cíclope es Dulzura, Sweetness.

A la derecha la formación primitiva de Yes.  A la izquierda Peter Banks, guitarra, y Tony Kaye, piano y órgano.  Ambos serían sustituidos por Steve Howe y Rick Wakeman, respectivamente.  Junto a Bill Bruford, batería y percusión, en el centro, Chris Squire, guitarra bajo y voz y Jon Anderson, voz de voces, llegarían a cotas irrepetibles como aquel Close to the Edge de tan hermoso recuerdo.

Otro de los fragmentos de la banda sonora de la película Buffalo 66 está interpretado por el hombre del saxo en la foto de la izquierda: 
Stan Getz.


En 1961, Getz, uno de los mejores saxos tenor del mundo, publicaba el álbum Focus, una colección de composiciones debidas a  Eddie Sauter, uno de los arreglistas más inventivos que surgieron durante la era del Swing.  Una de esas composiciones es el corte I Remember When que nos sirve para conectar con una composición del mismísimo Vincent Gallo interpretada por él mismo a la guitarra acústica, el tema With Smiles and Smiles and Smiles.  

Nos situamos en los últimos minutos del programa de hoy.  Ya que ha sonado la guitarra en manos de Vincent Gallo cambiamos la acústica por la eléctrica y la dejamos en manos del hombre que aparece en la foto de la izquierda: 
Julian Lage.


Lage, que nacía el día de Navidad de 1987, en Santa Rosa, California, es el típico caso de niño prodigio: aprendió a tocar el instrumento a la edad de cinco años y actuó en público un año después.  Su talento para el éxito se hizo evidente de inmediato.  Para que te hagas una idea, con tan sólo 8 años tocó con Carlos Santana.  Después ha compartido tiempo y espacio con Pat Metheny, Toots Thielemans y una larga lista de nombres prestigiosos.  Su mundo es el Jazz.  Debutó fonográficamente en el año 2009.  Hasta la fecha lleva publicados 17 álbumes de los que vamos a escuchar un fragmento de dos de ellos.  En 2021 editaba Squint trabajando en formato de trío junto al contrabajista de Perú, Jorge Roeder, y el batería original de Mineápolis, Minnesota, David King.  En este disco realiza un homenaje a su ciudad natal en el tema Sain Rose.

Cerramos con Julian Lage y un disco publicado un año después que el anterior.  Jugaba con el significado de Habitación con vistas dándole la vuelta: Vistas con una habitación.  Vuelve a trabajar con sus dos colegas y amigos, Jorge Roeder y David King.  Se les suma un guitarrista brillante, Bill Frisell.  No nos da tiempo sino a escuchar un corte de este View with a Room, pero prometo que volveremos con Julian Lage porque merece la pena.  El punto y final, esta canción: Eco.

Espero que te guste el programa.

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