Cíclope 3.0 - 10-02-26

 

Como sigamos con este tiempo atmosférico vamos a acabar como Buster Keaton, con traje de buzo a la espera de que nos salgan membranas en los dedos y agallas detrás de las orejas, como a Kevin Costner en aquella película.

Cíclope 3.0 del martes 10 de febrero de 2026.  El agua y la electricidad se llevan mal, así que nos quedamos a resguardo bajo el cielo protector de la música y mejor bajo techo porque en esta edición tenemos muchos elementos electrónicos comenzando por la figura que abre el programa de hoy y por quien sentimos una especial predilección, la compositora norteamericana Laurie Anderson.

Nacida en Glen Ellyn, un suburbio de Chicago, Illinois, el 5 de junio de 1947, Laurie Anderson estudió violín en su adolescencia y se mudó a la ciudad de Nueva York a los 20 años.  Posteriormente, asistió al Barnard College, donde se licenció en Historia del Arte en 1969.  Tras obtener un Master en Bellas Artes en Escultura por la Universidad de Columbia en 1972, Anderson impartió clases de Historia del Arte y Arquitectura Egipcia en el City College.  Un año después comenzó su poliédrica actividad de actuaciones en vivo.  Compositora, artista de performance y alquimista de la tecnología, Laurie Anderson ha gozado de mayor visibilidad pública que prácticamente cualquier otra figura vanguardista de su época.  Se ha mantenido firmemente arraigada en el ámbito del arte escénico, con sus ambiciosos proyectos multimedia que abarcan no solo música, sino también cine, proyecciones visuales, danza y lenguaje hablado y escrito.  Suele emplear sus propias creaciones instrumentales, como el violín de arco de cinta, filtros de voz... Ha conseguido unos resultados muy interesantes en el uso del procesador de audio conocido como Vocoder.

En el tema O Superman, incluido en el primer LP de Anderson, realizó un uso brillante del procesador de audio señalado.  Con este álbum de debut, Anderson alcanzó una cota por la que ha conseguido ser la figura más reconocida, la que ha gozado de mayor visibilidad pública, más que cualquier otra figura vanguardista de su época.  Esto acarreó una larga lista de términos críticos caracterizados por la envidia porque, Big Science, es cualquier cosa menos una obra comercial.  Este no es un disco de éxito asegurado y sin embargo el Single O Superman llegó a situarse en los primeros puestos de las listas de éxitos en Europa, en Inglaterra, por ejemplo.  Déjame que te cuente una anécdota referida al sencillo que se extrajo del LP.  El Single O Superman, un tema de 8 minutos y algunos segundos, se publicó en tamaño sencillo que, habitualmente, se reproduce a 45 R.P.M., sin embargo debido a su larga duración el disco pequeño se reproducía a 33 R.P.M.  Cualquier persona, por inercia, ponía el plato reproductor a 45 por lo que al reproducirlo lo que escuchaba era a un pitufo cantando, además, el disco estaba mal, estaba rayado: sonaba todo el tiempo lo mismo.  Lo anecdótico fue que, en la fonoteca de Radio Nacional de España en Sevilla, el encargado de escuchar los discos y clasificarlos, determinó que la edición estaba defectuosa porque sonaba mal (a 45, claro).  De todas formas, si se reproducía a 33 también sonaba mal.  Mal, no: peor, porque estaba rayada.  Así que resolvió la situación con un grueso rotulador negro con el que tachó, con una equis, la portada del Single y en la contraportada escribió: Disco Malo, no programar.  Qué cosas, tú.

Volvemos a nuestra querida Laurie Anderson.  Desde 1982, año de publicación de Big Science, hasta hoy, ha seguido trabajando, ha seguido publicando discos, realizando sus perfomances como la que trajo a Sevilla durante la Expo del 92.  Se casó y enviudó de Lou Reed, y hace dos años, en 2024, publicó un trabajo nuevo, Amelia.

En el año 2000, Dennis Russell Davies (foto de la izquierda), de la Orquesta de Compositores Americanos, invitó a Laurie Anderson a contribuir con una composición original a un programa de música nueva basado en el tema del Vuelo, es decir, todo lo relacionado con la aviación.  Anderson respondió con Canciones para A.E.

una pieza para 20 músicos inspirada en la vida de la pionera de la aviación estadounidense 

Amelia Earhart (1897-1939).  Para nuestra protagonista, el resultado final no la dejó ni mínimamente satisfecha y con el tiempo retomó la obra.  Amelia Earhart desapareció el 2 de julio de 1937 y declarada muerta el 5 de enero de 1939.  Su figura fue fundamental en la formación de The Ninety-Nines, una organización para mujeres piloto.  Earhart fue la primera aviadora en volar sola a través del océano Atlántico.  Anderson transformó el contenido de lo que había hecho y de una reflexión sobre la vida y la reputación de Earhart pasó a una representación impresionista de su último vuelo, cuando su avión desapareció en julio de 1937 durante un intento de dar la vuelta al mundo.  La edición revisada de Canciones para A.E. proporciona la base para su álbum de 2024, Amelia.

 

Dennis Russell Davies dirige a la orquesta  checa Filharmonie Brno

y el que fue vocalista del grupo Antony and the Johnsons, actualmente la cantante británica Anohni, en la foto de la izquierda, hace de segunda voz en varios temas.

La obra Amelia, tal como está planteada, escrita, interpretada y grabada, es una colección de ideas interesantes y momentos buenos pero el todo no equivale a la suma de las partes.  Y a pesar de eso, no nos quedamos con un corte como muestra sino que el Cíclope selecciona tres cortes para que conozcas el trabajo, si no lo habías escuchado.

Tras Laurie Anderson nos quedamos con una figura de la cultura que ejerce varios aspectos de la actividad creativa: en el campo de la literatura escribe obras de teatro y novelas, en el de la música, canta, rapea, habla...es clave su función en el conocido Spoken Word, compone, también enreda entre instrumentos de electrónica.  Ha sonado en alguna ocasión por aquí por el programa y responde al nombre y apellido de Kae Tempest.

Empezamos a escuchar su forma de hacer música cuando comenzó el proceso para convertirse en hombre/trans.  La primera muestra de ese proceso, musicalmente hablando, fue el álbum The Line Is A Curve de 2022.

De ese álbum hemos escuchado algún tema e intentamos, por todos los medios, no volver a programar el o las mismas canciones, un peligro en el que algunas personas realizadoras de programas de música suelen caer: toman un disco y siempre suenan los mismos temas.  Hoy, para recordar ese trabajo del año 2022, recuperamos un corte que creo no hemos traído antes, el tema titulado More Pressure, 

cantado a medias con el hombre de la foto de la derecha, el cantante y rapero de Los Ángeles, Kevin Abstract.

En aquel disco del año 2022, Tempest centraba su capacidad narrativa en los demás, examinando la condición humana en su conjunto, evitando generalmente la introspección directa.  A medida que el Tiempo avanzaba y la Pandemia fue quedando atrás cambió la forma de mirar de nuestro protagonista: se declaró no binario y, con valentía, dirigió la atención hacia su interior y ha ido asimilando unos cambios que quedan reflejados en los textos de sus composiciones.

El año pasado, el 4 de julio de 2025, se publicó el quinto álbum de su discografía, un trabajo más íntimo titulado  Self Titled, (portada foto de la izquierda).  Es el quinto LP de Tempest, donde va perfilando el nuevo capítulo de su vida como hombre/trans y documentando su trayectoria con una franqueza inquebrantable.

En este nuevo trabajo la voz ha cambiado, el tratamiento hormonal va haciendo sus efectos y ahora suena más oscura en temas como el que selecciona el Cíclope, el titulado Prayers To Whisper.

Tras Self Titled de Kae Tempest no dejamos la palabra hablada aunque ahora tiene una cualidad, la de hablar, sí, pero con un sesgo de musicalidad, algo que no la define sólo como recitado.  Sabe hacerlo muy bien Florence Shaw, la vocalista del grupo que va a sonar ahora y que se llama Dry Cleaning.

   

De izquierda a derecha, Lewis Maynard, guitarra bajo, Nick Buxton, batería, Florence Shaw, voz y Tom Dowse, guitarra eléctrica.  La trenza que resulta de unir a tres músicos instrumentistas y a una ilustradora da como resultado un cuarteto particularmente curioso que responde al nombre de Dry Cleaning.

Los tres músicos instrumentistas, veteranos que se han movido en la escena punk y hardcore del sureste de Londres para quienes la música se había convertido en un pasatiempo más que en una profesión, cambiaron sus intereses musicales y empezaron a trabajar estructuras post-punk de contenido instrumental, sin palabra, sin texto.  Estamos en la década de los años 10 de este siglo, los primeros años.  Ninguno de los tres posee un potencial de voz como para decidirse a adoptar el rol de cantante así que se ponen a buscar a un o una posible cantante.  Fue Tom Dowse, el guitarra, el que contacta con una vieja amiga y compañera de clase del Royal College of Art, Florence Shaw.  Ilustradora y profesora universitaria visitante, Shaw había crecido en una familia de músicos y tenía predilección por bandas independiente británicas como The Specials, The Smiths, Sea Power.  Dowse persuadió a su amiga para que entrara en el proyecto.  Empezaron a trabajar con la voz de ella y las letras que tenía escritas a partir de sus ilustraciones, conversaciones escuchadas en el metro, en el autobús, noticias de periódicos y anuncios de publicidad.  Su interpretación, aparentemente distante del contenido de las  letras, la forma de hablar casi cantando, el tono de la voz, todo agregó una nueva dimensión a la música de la banda.  Se unió a Dry Cleaning a principios de 2018 y a partir de ese momento nada fue igual.  El proyecto ganó en luminosidad, comenzaron grabando EPs y cuando menos se lo esperaban, en plena pandemia, reciben una oferta: grabar para el sello independiente escocés 4AD.  Sería a partir de 2021 cuando Dry Cleaning empezarían a desarrollar una actividad musical perteneciendo a la escudería de 4AD, primero con un EP y después, ese mismo año, ya con un larga duración.  Esa es la fecha del comienzo del proyecto, 2021.  Desde entonces son tres los álbumes editados y desde el principio, Dry Cleaning han hecho lo mismo: evolucionar para hacer las cosas mejor.  

El 9 de enero de este año 2026 se publicaba Secret Love, el álbum que tiene como portada la foto de la izquierda.  Suenan como siempre, muy, muy bien, pero lo hacen mejor que otras veces.  Tienen una colaboración especial en la guitarra, la de Jeff Tweedy.

Tweedy, el alma de la banda Wilco, tiene unos estudios de grabación en Chicago.  Los 4 componentes de D.C. habían grabado material para su nuevo trabajo en Dublín en Londres con los miembros del grupo irlandés Gilla Band.  Saltaron el charco y en Chicago estuvieron con Tweedy que tocó la guitarra en un tema y se enrolló facilitándole algunos consejos como, por ejemplo, quién era una figura muy interesante para trabajar en el plano de la producción

la cantante, compositora y productora galesa Cate Le Bon, en la foto de la izquierda.

Con ella se fueron a los estudios Black Box del Valle del Loira, en Francia, y regrabaron las canciones que ya habían dejado terminadas y grabadas.  El resultado final, Secret Love, el álbum del que escuchamos dos cortes con la promesa explícita de volver en otra ocasión con Dry Cleaning.  

Ahora nos vamos a detener unos minutos en uno de esos proyectos con los que, personalmente, disfruto muchísimo por poder compartir un descubrimiento así con la audiencia.  Se trata de un trío británico que responde al nombre de Plantoid.

  

En la primera línea el batería Louis Bradshaw y Chloe Spence, voz y guitarra; detrás el guitarra principal, Tom Coyne, y el guitarra bajo Bernardo Larisch.  El germen del proyecto son Spence y Coyne, que se conocieron en su adolescencia durante sus estudios de música en el Lincoln College de Oxford.  Unidos por la pasión por los sonidos eclécticos, formaron Mangö, reclutando a Louis Bradshaw, batería, amigo de la infancia de Coyne.  Ese es el trío que dio pie a lo que sería Plantoid, que se terminó de configurar con la inclusión de la guitarra bajo de Bernardo Larisch.  El nombre Plantoid hace alusión a un robot u organismo sintético diseñado para asemejarse a una planta en aspecto, características o funcionamiento.  A diferencia de conceptos relacionados como los androides o los animales robóticos, los plantoides son relativamente raros de encontrar en la ciencia ficción.  Sin embargo hay una referencia visual que conecta con la imaginería de la fantasía de las obras de ciencia-ficción, en concreto con La Guerra de los Mundos de H.G. Wells

ya sea el diseño de la portada de las muchas ediciones del libro, como esta de la editorial Edisur, 

o las creaciones visuales del Cine, como este fotograma de la versión de la obra de Wells del año 2005 dirigida por Steven Spielberg.

Parece ser el patrón que han seguido los miembros del grupo como para dar su visto bueno a la ilustración que ocupa la portada de su primer disco, Terrapath, firmado en 2024.

    

Para escuchar a Plantoid vamos a empezar por su segundo álbum, Flare, publicado hace muy poco, el día 30 del pasado mes de enero.

Este segundo álbum del grupo se abre con un tema que es, como dice el título del disco, Flare, una auténtica llamarada: la canción Parasite es un trallazo luminoso de la creatividad de Plantoid.  Siguen las líneas trazadas en su álbum de presentación, con ese espectro ecléctico donde mezclan jazz y rock no en una fusión típica sino de una manera imprevisible: en una misma canción hay subidas lentas, cortes hacia riffs de guitarras sincopadas, voces que cantan con un distanciamiento cercano a piezas de shoegaze.  Quien escucha a esta banda no se aburre.

El 23 de febrero de 2024, Plantoid debutaban con el disco Terrapath, un estreno turbulento, prometedor, que no decepciona en una primera audición.  Llama la atención, tema tras tema, y cuando termina te dan ganas de empezar a escuchar el trabajo de nuevo.  Sinceramente no me supuso ningún esfuerzo hacerlo porque el perfil de las canciones no deja resquicio para la duda: esta gente suenan muy bien, pero muy bien.  Hemos escogido dos composiciones que van seguidas y las hemos convertido en un solo corte: Wander-Wonder e Insomniac (Don't Worry).  En total, 10 minutos y 6 segundos de una culebrina de curvas cerradas, saltos y cambios, calma y torbellinos.

El resultado final de la música de Plantoid es la suma de la creatividad de los cuatro músicos que hacen posible la articulación del lenguaje musical que entablan.  Es lo que sucede con el proyecto que va a sonar hoy como cierre del programa, el trío, también británico, que responde al nombre de bar italia.

bar italia son, de izquierda a derecha, Samuel Fenton, Nina Cristante y Jezmi Fehmi

 

Todo comienza con la colaboración entre Jezmi Fehmi y Samuel Fenton por un lado y Nina Cristante por otro.  Formaron parte de la escena musical underground londinense a finales de la década de 2010 y principios de la de 2020, tanto colectiva como individualmente.  Fenton y Fehmi se conocieron en una noche de micrófono abierto en 2018 y pronto formaron el dúo independiente de perfil grunge, Double Virgo.  Ambos compartían piso.  Se mudaron a otro domicilio y metiendo maletas y cajas en la nueva vivienda apreciaron que, en el piso de arriba, alguien estaba tocando un instrumento y cantando.  Se pusieron en contacto con quien habitaba el piso superior y así supieron de la existencia de una italiana original de Roma, Nina Cristante, que se dedicaba a componer, tocar varios instrumentos y cantar.  Y sin saberlo ninguno de los tres se acababa de asentar la base de un futuro e inmediato proyecto: bar italia.  Escrito en minúsculas, sí, ¿por qué?  Pues la verdad es que no lo sé.  Lo único que te puedo asegurar es que, si no los conoces, me alegro de compartirlo contigo porque es un trío que hace una música particularmente atractiva.  Comenzaron a tocar juntos sobre el año 2019 y debutan discográficamente en 2020.  Hasta la fecha llevan publicados unos cinco discos.  Vamos a escucharlos por primera vez comenzando por su último trabajo, editado el 17 de octubre de 2025,

titulado Some Like It Hot, sí, como la mítica película de 1959 de Billy Wilder.  bar italia siguen añadiendo capas a las canciones que escriben.  Componen los tres, son multinstrumentistas, cantan los tres...y esto es importante porque no cantan como un coro de tres voces sino que cada uno interpreta un párrafo de las letras de las composiciones.  El resultado es de un corporativismo lúcido y resplandeciente.  Mezclan de aquí y de allá: electrónica, folk, rock...se sienten a gusto, fluyen y hacen temas como I Make My Own Dust.

Inmediatamente anterior fue el álbum Tracey Denim, publicado el 23 de mayo de 2023.  Un disco con un tema como My Kiss Era que nos sirve para cerrar esta edición de Cíclope 3.0

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-10-02-26

Cíclope 3.0 - 03-02-26 - Especial Julian Cope # 5

Julian Cope

Cíclope 3.0 del martes 3 de febrero de 2026.  Primer martes de mes y, tras las agitaciones de las vacaciones de Navidad, recuperamos el esquema Especial Discografía tanto para los programas del último martes de mes como para los primeros como es el caso que hoy nos ocupa.  Especial Julian Cope que no sonaba desde el pasado mes de diciembre de 2025.  El mes de enero lo iniciamos el martes 13 porque el primer martes coincidió con la festividad del Día de Reyes.  Hoy por fin estabilizamos fechas y contenidos con el Especial Julian Cope Número 5 que comienza donde lo dejábamos en la edición anterior, terminando de escuchar la selección de temas del álbum de 1988, My Nation Underground.

Los dos colores de portada en los que se editó el cuarto LP de nuestro hombre que hoy terminamos de escuchar repasando cuatro canciones: Easter Everywhere,  Someone Like Me, que recuerda las composiciones que Cope escribió e interpretó en la banda Teardope Explodes, I'm Not Losing Sleep y China Doll, un tema lento que fue el tercer Single que se extrajo del LP.

My Nation Underground, ya lo comentábamos en la entrada del Especial anterior, no dejó satisfecho a nadie: ni al artista ni a la audiencia, a pesar de sus posibles valores.  El problema radicó en la producción final, en el resultado global que a Cope lo sacó de quicio.  Se hizo la promoción del disco cubriendo todas las giras contratadas en un circuito que incluyó España, las canciones ganaban mucho al ser interpretadas en vivo pero en nuestro protagonista, el resultado final del disco como obra, le dejó un sabor agrio a frustración.  Había que encontrar el sentido del camino perdido.  Esto no era lo que él buscaba ni la meta a la que quería llegar para seguir el vector en la dirección correcta.  Cope se desdobló en otro, en el organista y pianista Double De Harrison, uno de los 8 pseudónimos adoptados a lo largo de su vida artística hasta el momento.  Se reunió con sus dos grandes colaboradores de los últimos tiempos, Donald Ross Skinner, guitarra, piano, órgano y Rooster Cosby, percusión y metales.  No quedaba otra que concentrarse para trabajar.  Tenía que concebir partiendo del fracaso de lo que sentía que era su álbum My Nation Underground, y así comenzó a gestarse Skellington, un trabajo a veces fragmentario y disparatado, pero a menudo fascinante de su agilidad mental.    

Skellington es el quinto álbum en la discografía de Julian Cope.  No es un disco que busque el arte inmortal, tan solo es una buena y justa explosión de inspiración.  Y no es poco.  Se grabó en dos días en el mes de abril de 1989 casi a escondidas porque quería hacerlo y presentárselo a Island Records, el sello discográfico con el que tenía contrato.

Cuenta la leyenda que se publicó como una versión pirata semioficial exclusiva para miembros del club de fans.  No es cierto.  Cope fue con el disco bajo el brazo a Island Records y los responsables torcieron el gesto: no, no les interesaba.  Cope optó por publicarlo en su propio sello, Copeco.  Era noviembre de 1989.  En cuestión de meses, en marzo de 1990, se reeditó a través de una marca independiente, Zippo Records, y los directivos de Island reaccionaron con la ley en las manos: Cope tenía contrato con ellos y no podía comercializar ningún disco que no pasase por Island Records.  Cope reaccionó de manera desafiante y en vez de retirar el disco del mercado publicó otro, Droolian, en mayo de 1990.  Pero a este llegaremos en su momento, ahora seguimos enredando en lo que es Skellington.  ¿Qué más le daba a los directivos del sello Island que él publicase por otros medios discos de un perfil distinto, diferente?  A ellos no les interesaba y él aseguraba que volvería a entregar material nuevo en próximas fechas, siempre y cuando consiguiera exorcizar un rollo tan malo como le había dejado My Nation Underground.  Solo pedía algo de tiempo aunque esto ni lo solicitó ni lo verbalizó, pero era lo que necesitaba para poder sublimar la vivenciazión de fracaso.

Los directivos de Island Records y nuestro hombre llegaron a un acuerdo por el que Cope pudo dejar en activo los dos álbumes, Skellington y Droolian.

Skellington es un disco desnudo, esquelético, con una instrumentación espartana en comparación con los trabajos anteriores donde las sesiones recogían diferentes tomas de una canción, composiciones que, una vez terminadas y grabadas, pasaban el tamiz de las mezclas y la producción final.  Esta vez no, en esta ocasión era todo lo contrario: una sola toma y el disco presentaba el orden de las canciones en el mismo orden que se habían grabado, composiciones acústicas y eléctricas, miradas hacia atrás como es el caso del tema titulado Robert Mitchum, escrita a medias entre Cope e Ian McCulloch, antes de que este formara Echo & The Bunnymen, cuando ambos formaban parte del trío The Crucial Three.

Skellington tuvo una buena acogida en general.  Los turbios arreglos de instrumentos de viento y las canciones, generalmente acústicas, generaron comparaciones con grabaciones como el trabajo en solitario de Syd Barrett o el disco de Alexander Skip Spence, Oar, de 1969, dos ejemplos de psicodelia de dos mentes intoxicadas de ácido lisérgico.

De los 12 cortes que forman Skellington escuchamos 10 y en el mismo orden en el que aparecen en el LP.  Habría dos entregas más de Eskellington: Eskellington 2 y Eskellington 3.  Cuando las fechas avancen en la discografía de nuestro héroe, llegaremos a esas otras dos entregas.  Por ahora seguimos con el disco aparecido en el mes de mayo de 1990 titulado Droolian.

       

En la foto de la portada del disco aparece Smelvin, el ejemplar de Schnauzer Miniatura, raza de perro pequeño de origen alemán propiedad de Cope.  Suyo es el párrafo que aparece en la parte inferior de la portada donde se puede leer

Mona Lisa se me acerca y me dice: ¿Tienes un fósforo?. Le dije: Sí, tu cara y mi arte.

Fíjate que no dice mi música sino mi arte.  Desde el principio, cuando Cope formaba parte de Teardrope Explodes, ya se dolía de que en su pasaporte, para señalar su profesión, pusiera músico y no especificara que él, en realidad, lo que era, es artista.  Su forma de entender la publicación de un disco no sólo consiste en reunir una serie de canciones sino también cómo envolverlo, qué portada puede tener.  Ahí, en el diseño, en las fotos de la carpeta, Cope mostraba su lado más camaleónico.  Es el mismo rostro, con diferentes expresiones

Portada del MaxiSingle World Shut Your Mouth    

 

Portada del MaxiSingle 

Trampolene

Portada de Skellington

Droolian, el sexto disco en la discografía de Julian Cope, se publicó en mayo de 1990.  Es paralelo a Skellington en lo que a grabación se refiere pero más espartano que aquel.  Droolian se grabó en el contexto del desacuerdo de Cope con Island Records, de hecho fue la reacción inmediata a la respuesta que dio el sello, argumentando que el artista tenía contrato de exclusividad.  Llegaron a un acuerdo y todo se quedó en aguas de zarandajas.  Lo importante para Cope fue que durante ese tiempo, descubrió que las grabaciones de bajo presupuesto y en una sola toma le resultaban más atractivas que las grabaciones más elaboradas y de alta densidad que prefería Island.  Volvería a realizar grabaciones mucho más elaboradas, pero por ahora nos centramos en Droolian.

Con respecto a su trabajo anterior, Droolian es un paso más en la sencillez a la hora de grabar las canciones que esta vez son interpretadas por Cope y Donald Ross Skinner.  Siguiendo una ética de grabación similar a su álbum anterior, el sexto disco se grabó durante tres días en un estudio portátil de 4 pistas instalado en el salón de la casa de Pam Pammo Young, una vieja amiga de Cope, de Liverpool, y excompañera de Zoo Records.  Masterizado a partir de dos casetes C90 usados, el disco se grabó a 45 rpm.  Se lanzó inicialmente en mayo de 1990, solo en Texas, como un proyecto para recaudar fondos para cubrir los gastos legales de uno de los ídolos de Cope, el exlíder de 13th Floor Elevators, Roky Erickson.  Erickson, diagnosticado de esquizofrenia desde finales de los años 60, pasaba temporadas hospitalizado en centros psiquiátricos.  En una de esas ocasiones, en 1990, se encontró con que no tenía dinero para pagar los gastos por su estancia en uno de esos centros hospitalarios y recibió una denuncia: en caso de no pagar pasaba directamente a la cárcel.  Cope resolvió salir en ayuda de su ídolo Erickson y cuando se grabó Droolian se publicó solamente en Texas, con esa portada que se reproduce más arriba y una contraportada con un mensaje claro y transparente

 

Después se amplió la edición para que se publicara en Europa.  El sonido de Droolian es más primitivo que Skellington.  Este tenía el espíritu acústico como base, pero Droolian, que no tiene ese espíritu, suena a maqueta, a demo.  Una vez transcurrido el Tiempo, cuando se escuchan estos dos discos y el siguiente, el doble Peggy Suicide, de 1991, se comprenden canciones que pertenecen a uno y otro, a Skellington y Droolian, se entiende que en este, en el disco dedicado a Roky Erickson, aparezcan temas como Safesurfer que parecen estar inacabados y que en realidad lo que estaban era en germen porque en el doble álbum de 1991 quedarían perfilados.  En Droolian hay un humor absurdo que ilustra composiciones como Jellypop Perky Jean, una especie de carta a Carl Jung.  Hay un homenaje intencionadamente crudo, semi-country-blues, en el tema Louis 14th, dedicado al batería de Echo and the Bunnymen, Pete De Freitas, fallecido en un accidente de motocicleta en junio de 1989.  Son un total de cuatro cortes del álbum Droolian los que nos sirven para cerrar esta quinta entrega del Especial Julian Cope.  Volveremos con él el próximo mes de marzo.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-03-02-26

Cíclope 3.0 - 27-01-26 - Especial Marianne Faithfull # 4

 

Marianne Faithfull

Cíclope 3.0 del martes 27 de enero de 2026.  Retomamos el esquema Especial Discografía los últimos martes de cada mes, en situación de pausa desde las pasadas vacaciones de Navidad y continuamos con el Especial Marianne Faithfull que hoy entra en su cuarta edición.  Iniciamos el programa con lo que nos queda por escuchar del álbum con el que se cerró la entrega número 3 de este Especial, el LP de 1979, Broken English.

En la entrada del blog correspondiente al programa que ocupa el Especial Marianne Faithfull # 3, emitido el 25 de noviembre de 2025, se habla y extensamente de este disco de reencuentro con nuestra protagonista.  Cierto que la vuelta se había producido antes, 1976/1977, con el disco Dreamin' My Dreams y Faithless, distintos títulos para un mismo trabajo que apareció en países diferentes con otro nombre pero que, en esencia, fueron lo mismo.  Broken English fue, y es, un trabajo que recoge la voz quebrada y ronca de una mujer que regresa del exilio existencialista para grabar un disco sobre la simple audacia de seguir viva.  Pero el LP resultante es más que un simple retrato de una adicta a cualquier tipo de sustancia que haga olvidar, captura la resaca desilusionada de toda una generación.

En la promoción del disco, Faithfull actuó en el programa de televisión Saturday Night Live, cantando el tema que le da título al álbum y el corte Guilt.  Era febrero de 1980.  La voz se le quebró en varias ocasiones y, por momentos, pareció esforzarse al máximo para vocalizar.  Parecía estar bajo una fuerte presión nerviosa.  La actuación fue calificada como una de las peores del programa en vivo.  Inmediatamente se le atribuyó la descomposición de su voz al hecho de que había vuelto a hacer uso de alguna droga.  Pocos se fijaron en el hecho de que, su nerviosismo, estaba provocado por una llamada telefónica que recibió minutos antes de aparecer en antena: Mick Jagger, ex-amante de Faithfull, la llamó sencillamente para desearle buena suerte.  La alegría de que llamase Jagger quedó eclipsada por el hecho de que él iba a estar viendo la televisión.  Sí, se la comían los nervios, nada de excesos con ninguna ayuda exterior.

En el espacio de hoy cerramos la audición del LP Broken English escuchando dos temas: el primero es una versión de un tema original de John Lennon, Working Class Hero, uno de los temas que Lennon incluyó en aquel primer disco de la Plastic Ono Band bautizado de forma homónima.  El segundo tema es el problemático Why D'ya Do It?, compuesta en música por Faithfull y los cuatro músicos de su banda, y en la letra por Heathcote Williams (1941-2017), poeta, actor, activista político y dramaturgo británico.  Ya se narraron estos hechos en la entrada correspondiente al Especial del mes de noviembre, pero no está de más recordarlo ahora porque suena la canción.  Williams había concebido la letra como una sátira cáustica y gráfica sobre la reacción de una mujer ante la infidelidad de su amante.  La letra comenzaba con el punto de vista del hombre, relatando la amarga burla de su amante engañada.  Y todo esto lo escribió pensando en Tina Turner, para que fuese ella quien cantara la canción.  No le costó mucho a Faithfull convencer al poeta para que desistiera de la idea.  Turner no interpretaría nunca una letra con tal contenido de groserías y, sobre todo, por la referencia explícita al sexo oral, cosa que le valió al álbum una etiqueta de aviso por vocabulario explícito.  Esto provocó ciertas controversias en algunos países, por ejemplo en Australia se prohibió que ese corte apareciese en la edición del LP.  Sin embargo, los ejemplares originales, que se habían infiltrado clandestinamente en el país, fueron confiscados por la brigada antivicio local por obscenidad.  Faithfull se negó a que se modificara el álbum, pero las primeras impresiones australianas omitieron la ínclita canción y, en su lugar, incluyeron una versión extendida del corte Broken English.

El disco se llegó a reeditar en el año 2013 en una edición de lujo, doble (en LP y en CD).  El primer disco contiene únicamente el álbum original junto con un videoclip de 12 minutos dirigido por Derek Jarman.  El vídeo fue diseñado para su proyección en cines y nunca antes se había publicado en formato doméstico.  El segundo disco es el álbum pero remasterizado, con algunos cortes en una versión más larga, temas en diferentes versiones Single, Maxi-Single...Un libreto de 24 páginas incluye numerosas fotos de la sesión de grabación del disco, tomadas por Dennis Morris, y ejemplos de las distintas portadas y variaciones del álbum que aparecieron en diferentes países.  Por último, en el segundo disco de Broken English reeditado se incluye una versión de Sister Morphine y una canción titulada The Letter que no hay que confundir con el tema del mismo título cantado por The Box Tops en los 60 y posteriormente interpretada por Joe Cocker.  Esta Carta de Faithfull es una pista hablada en la que ella recita la carta Ce n'était pas ma faute de la novela francesa de 1782, Les Liaisons Dangereuses, de Pierre Choderlos de Laclos.  La carta que recita Faithfull está en inglés, con el título traducido del frances como It Was Not My Fault.  Este tema se llegó a utilizar más tarde.  Se grabó como introducción de un vídeo extendido del corte Intrigue, que aparecería en su siguiente álbum Dangerous Acquaintances, la traducción literal de Les Liaisons Dangereuses, Las amistades peligrosas.

Dangerous Acquaintances vio la luz en el mes de septiembre de 1981.  Es el disco que sigue a Broken English.  Le sigue en el Tiempo, pero no en resultados.  Este fue un trabajo decepcionante para sus admiradores y para cualquier oyente para quien el álbum anterior significara algo reseñable.  Le siguió acompañando el cuarteto formado por Barry Reynolds, guitarra, Steve York, bajo, Joe Maverty, guitarra y Terry Stannard, batería.  De nuevo en la producción estuvo Mark Mundy que, en Broken English, hizo un trabajo magnífico pero que en esta ocasión fue la otra cara de la moneda.  Se portó como un dictatorzuelo del tres al cuarto, tratando a todo el mundo con un despotismo desagradable.  Para nuestra protagonista, Mundy tomó decisiones de producción inapropiadas, y la forma que tuvo de interactuar con los músicos fue deleznable.  Dijo Faithfull que trataba a todos como si no supieran tocar y que a ella misma le echó en cara que eso no era cantar ni nada por el estilo.  La lista de músicos de sesión era considerablemente larga, con algunos invitados de excepción como Mel Collins en los asxos, o Steve Winwood, que ya había trabajado con Faithfull.  Su paso por un disco tan decepcionante dejó uno de los mejores momentos, la canción escrita a medias con ella titulada For Beauty's Sake.  Del álbum, el Cíclope extrae un tema más, Strange One.  Desgraciadamente este Dangerous Acquaintances sonaba, y suena, a un disco de rock convencional, sin brillo ninguno, todo gracias a los arreglos realizados por el productor que actuó bajo las maneras de su lado más oscuro, más extraño.  Supo hacer las cosas bien con el LP anterior, Broken English, y sin embargo aquí, en Dangerous Acquaintances, se volvió lo contrario.  Cualquiera puede tener un mal día, pero uno, no tantas jornadas seguidas.  Que también es humano, pero que arregle el entuerto, por Dios.  Pero no hizo falta porque para la siguiente vez, Faithfull y los músicos que la acompañaron, optaron por una solución corporativa: de la producción y de los arreglos se encargarían ellos, los que hicieron posible un álbum como A Child's Adventure.

   

El LP se publicó en 1983 y presentaba cambios en la formación de acompañamiento: la banda pasa de ser cuatro miembros a siete.  De los originales, tan solo quedan tres

Barry Reynolds, guitarra principal, 

Terry Stannard, batería.

                             

                            Y

Ben Brierley, guitarra y vocal.  Casado con Marianne Faithfull desde 1979 se separarían en 1986.

Los nuevos fueron:

Wally Badarou, teclista y voz

 

      Mikey Chung, guitarra

Fernando Saunders, guitarra bajo

y Fernando de Jesús, percusión. 

Marianne Faithfull regresó desde el lado oscuro de la Vida sencillamente porque tenía un profundo sentido de la supervivencia.  Broken English, 1979, fue como una declaración de principios; Dangerous Acquaintances, 1981, una equivocación y A Child's Adventure una obra que no es tan rotunda como aquella del 79 ni decepcionante como la del 81, sencillamente un ejercicio de funambulista, una búsqueda de equilibrio que, para un sector de la audiencia, se plasmó en este disco más escuchable que el decepcionante trabajo anterior.  Faithfull se había suavizado, al menos hasta el punto de construir estructuras fluidas con sus colaboradores, el guitarra y voz, Barry Reynolds, y el teclista Wally Badarou.  Este proceso de limar aristas mitigó la amargura que aún se percibía en muchas de sus letras, por lo tanto, para ese sector de la audiencia, A Child's Adventure es más escuchable, pero menos convincente que sus otros álbumes de la época.  Personalmente no me puedo ubicar en ese sector de la audiencia, me parece que es un trabajo bastante válido porque supone un punto de asentamiento para nuestra protagonista.  Con este disco, Faithfull se afianza en el registro de su voz rota.  Así es como va a cantar hasta su muerte.  Y las letras de sus canciones unas veces serán más duras, otras más tristes, otras más tranquilas, pero siempre bucearan en la psique humana.  En este álbum de 1983 hay una evolución emocional en sus formas y el resultado final creo que merece la pena.  Vamos a escuchar unos cuantos cortes del disco, cinco en total: Times Square, Ashes In My Hand, Ireland, Falling From Grace y She's Got A Problem.  Canciones debidas a los miembros de la banda de acompañamiento en conjunción con nuestra protagonista.  Y algo fundamental que ya señalé más arriba: los que hacen posibles los temas son quienes se encargan de la producción y los arreglos.  Por ahora no hay intervención de nadie ajeno al contenido creativo del LP.  Quienes componen, tocan, cantan...son los responsables del sonido final.

Nos acercamos al final de esta cuarta entrega del Especial Marianne Faithfull y lo vamos a hacer a través del Cine.  De su dimensión como actriz hablaremos más adelante, en otro capítulo de este Especial.  Nos centramos ahora mismo en su participación activa como intérprete, como cantante, en scores originales para películas.

Mark Isham es un reconocido trompetista y fliscornista norteamericano que trabaja en todos los campos de la música, incluido el área de las partituras originales para el Cine.  Trouble in Mind, traducida en España como Inquietudes, es el título de una película dirigida en 1985 por Alan Rudolph con música original de Isham, que buscó la colaboración de Marianne Faithfull.

El disco con la banda sonora se publicó un año después del estreno de la cinta, en 1986.  En dicho score, Faithfull canta en tres fragmentos.  Solo nos da tiempo a escuchar dos, Trouble in Mind (The Return) y The Hawk (El Gavilan), titulado así en el original.

Así cerramos esta edición de Cíclope 3.0.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-27-01-26