Cíclope 3.0 - 03-02-26 - Especial Julian Cope # 5

Julian Cope

Cíclope 3.0 del martes 3 de febrero de 2026.  Primer martes de mes y, tras las agitaciones de las vacaciones de Navidad, recuperamos el esquema Especial Discografía tanto para los programas del último martes de mes como para los primeros como es el caso que hoy nos ocupa.  Especial Julian Cope que no sonaba desde el pasado mes de diciembre de 2025.  El mes de enero lo iniciamos el martes 13 porque el primer martes coincidió con la festividad del Día de Reyes.  Hoy por fin estabilizamos fechas y contenidos con el Especial Julian Cope Número 5 que comienza donde lo dejábamos en la edición anterior, terminando de escuchar la selección de temas del álbum de 1988, My Nation Underground.

Los dos colores de portada en los que se editó el cuarto LP de nuestro hombre que hoy terminamos de escuchar repasando cuatro canciones: Easter Everywhere,  Someone Like Me, que recuerda las composiciones que Cope escribió e interpretó en la banda Teardope Explodes, I'm Not Losing Sleep y China Doll, un tema lento que fue el tercer Single que se extrajo del LP.

My Nation Underground, ya lo comentábamos en la entrada del Especial anterior, no dejó satisfecho a nadie: ni al artista ni a la audiencia, a pesar de sus posibles valores.  El problema radicó en la producción final, en el resultado global que a Cope lo sacó de quicio.  Se hizo la promoción del disco cubriendo todas las giras contratadas en un circuito que incluyó España, las canciones ganaban mucho al ser interpretadas en vivo pero en nuestro protagonista, el resultado final del disco como obra, le dejó un sabor agrio a frustración.  Había que encontrar el sentido del camino perdido.  Esto no era lo que él buscaba ni la meta a la que quería llegar para seguir el vector en la dirección correcta.  Cope se desdobló en otro, en el organista y pianista Double De Harrison, uno de los 8 pseudónimos adoptados a lo largo de su vida artística hasta el momento.  Se reunió con sus dos grandes colaboradores de los últimos tiempos, Donald Ross Skinner, guitarra, piano, órgano y Rooster Cosby, percusión y metales.  No quedaba otra que concentrarse para trabajar.  Tenía que concebir partiendo del fracaso de lo que sentía que era su álbum My Nation Underground, y así comenzó a gestarse Skellington, un trabajo a veces fragmentario y disparatado, pero a menudo fascinante de su agilidad mental.    

Skellington es el quinto álbum en la discografía de Julian Cope.  No es un disco que busque el arte inmortal, tan solo es una buena y justa explosión de inspiración.  Y no es poco.  Se grabó en dos días en el mes de abril de 1989 casi a escondidas porque quería hacerlo y presentárselo a Island Records, el sello discográfico con el que tenía contrato.

Cuenta la leyenda que se publicó como una versión pirata semioficial exclusiva para miembros del club de fans.  No es cierto.  Cope fue con el disco bajo el brazo a Island Records y los responsables torcieron el gesto: no, no les interesaba.  Cope optó por publicarlo en su propio sello, Copeco.  Era noviembre de 1989.  En cuestión de meses, en marzo de 1990, se reeditó a través de una marca independiente, Zippo Records, y los directivos de Island reaccionaron con la ley en las manos: Cope tenía contrato con ellos y no podía comercializar ningún disco que no pasase por Island Records.  Cope reaccionó de manera desafiante y en vez de retirar el disco del mercado publicó otro, Droolian, en mayo de 1990.  Pero a este llegaremos en su momento, ahora seguimos enredando en lo que es Skellington.  ¿Qué más le daba a los directivos del sello Island que él publicase por otros medios discos de un perfil distinto, diferente?  A ellos no les interesaba y él aseguraba que volvería a entregar material nuevo en próximas fechas, siempre y cuando consiguiera exorcizar un rollo tan malo como le había dejado My Nation Underground.  Solo pedía algo de tiempo aunque esto ni lo solicitó ni lo verbalizó, pero era lo que necesitaba para poder sublimar la vivenciazión de fracaso.

Los directivos de Island Records y nuestro hombre llegaron a un acuerdo por el que Cope pudo dejar en activo los dos álbumes, Skellington y Droolian.

Skellington es un disco desnudo, esquelético, con una instrumentación espartana en comparación con los trabajos anteriores donde las sesiones recogían diferentes tomas de una canción, composiciones que, una vez terminadas y grabadas, pasaban el tamiz de las mezclas y la producción final.  Esta vez no, en esta ocasión era todo lo contrario: una sola toma y el disco presentaba el orden de las canciones en el mismo orden que se habían grabado, composiciones acústicas y eléctricas, miradas hacia atrás como es el caso del tema titulado Robert Mitchum, escrita a medias entre Cope e Ian McCulloch, antes de que este formara Echo & The Bunnymen, cuando ambos formaban parte del trío The Crucial Three.

Skellington tuvo una buena acogida en general.  Los turbios arreglos de instrumentos de viento y las canciones, generalmente acústicas, generaron comparaciones con grabaciones como el trabajo en solitario de Syd Barrett o el disco de Alexander Skip Spence, Oar, de 1969, dos ejemplos de psicodelia de dos mentes intoxicadas de ácido lisérgico.

De los 12 cortes que forman Skellington escuchamos 10 y en el mismo orden en el que aparecen en el LP.  Habría dos entregas más de Eskellington: Eskellington 2 y Eskellington 3.  Cuando las fechas avancen en la discografía de nuestro héroe, llegaremos a esas otras dos entregas.  Por ahora seguimos con el disco aparecido en el mes de mayo de 1990 titulado Droolian.

       

En la foto de la portada del disco aparece Smelvin, el ejemplar de Schnauzer Miniatura, raza de perro pequeño de origen alemán propiedad de Cope.  Suyo es el párrafo que aparece en la parte inferior de la portada donde se puede leer

Mona Lisa se me acerca y me dice: ¿Tienes un fósforo?. Le dije: Sí, tu cara y mi arte.

Fíjate que no dice mi música sino mi arte.  Desde el principio, cuando Cope formaba parte de Teardrope Explodes, ya se dolía de que en su pasaporte, para señalar su profesión, pusiera músico y no especificara que él, en realidad, lo que era, es artista.  Su forma de entender la publicación de un disco no sólo consiste en reunir una serie de canciones sino también cómo envolverlo, qué portada puede tener.  Ahí, en el diseño, en las fotos de la carpeta, Cope mostraba su lado más camaleónico.  Es el mismo rostro, con diferentes expresiones

Portada del MaxiSingle World Shut Your Mouth    

 

Portada del MaxiSingle 

Trampolene

Portada de Skellington

Droolian, el sexto disco en la discografía de Julian Cope, se publicó en mayo de 1990.  Es paralelo a Skellington en lo que a grabación se refiere pero más espartano que aquel.  Droolian se grabó en el contexto del desacuerdo de Cope con Island Records, de hecho fue la reacción inmediata a la respuesta que dio el sello, argumentando que el artista tenía contrato de exclusividad.  Llegaron a un acuerdo y todo se quedó en aguas de zarandajas.  Lo importante para Cope fue que durante ese tiempo, descubrió que las grabaciones de bajo presupuesto y en una sola toma le resultaban más atractivas que las grabaciones más elaboradas y de alta densidad que prefería Island.  Volvería a realizar grabaciones mucho más elaboradas, pero por ahora nos centramos en Droolian.

Con respecto a su trabajo anterior, Droolian es un paso más en la sencillez a la hora de grabar las canciones que esta vez son interpretadas por Cope y Donald Ross Skinner.  Siguiendo una ética de grabación similar a su álbum anterior, el sexto disco se grabó durante tres días en un estudio portátil de 4 pistas instalado en el salón de la casa de Pam Pammo Young, una vieja amiga de Cope, de Liverpool, y excompañera de Zoo Records.  Masterizado a partir de dos casetes C90 usados, el disco se grabó a 45 rpm.  Se lanzó inicialmente en mayo de 1990, solo en Texas, como un proyecto para recaudar fondos para cubrir los gastos legales de uno de los ídolos de Cope, el exlíder de 13th Floor Elevators, Roky Erickson.  Erickson, diagnosticado de esquizofrenia desde finales de los años 60, pasaba temporadas hospitalizado en centros psiquiátricos.  En una de esas ocasiones, en 1990, se encontró con que no tenía dinero para pagar los gastos por su estancia en uno de esos centros hospitalarios y recibió una denuncia: en caso de no pagar pasaba directamente a la cárcel.  Cope resolvió salir en ayuda de su ídolo Erickson y cuando se grabó Droolian se publicó solamente en Texas, con esa portada que se reproduce más arriba y una contraportada con un mensaje claro y transparente

 

Después se amplió la edición para que se publicara en Europa.  El sonido de Droolian es más primitivo que Skellington.  Este tenía el espíritu acústico como base, pero Droolian, que no tiene ese espíritu, suena a maqueta, a demo.  Una vez transcurrido el Tiempo, cuando se escuchan estos dos discos y el siguiente, el doble Peggy Suicide, de 1991, se comprenden canciones que pertenecen a uno y otro, a Skellington y Droolian, se entiende que en este, en el disco dedicado a Roky Erickson, aparezcan temas como Safesurfer que parecen estar inacabados y que en realidad lo que estaban era en germen porque en el doble álbum de 1991 quedarían perfilados.  En Droolian hay un humor absurdo que ilustra composiciones como Jellypop Perky Jean, una especie de carta a Carl Jung.  Hay un homenaje intencionadamente crudo, semi-country-blues, en el tema Louis 14th, dedicado al batería de Echo and the Bunnymen, Pete De Freitas, fallecido en un accidente de motocicleta en junio de 1989.  Son un total de cuatro cortes del álbum Droolian los que nos sirven para cerrar esta quinta entrega del Especial Julian Cope.  Volveremos con él el próximo mes de marzo.

Espero que te guste el programa.

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https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-03-02-26

Cíclope 3.0 - 27-01-26 - Especial Marianne Faithfull # 4

 

Marianne Faithfull

Cíclope 3.0 del martes 27 de enero de 2026.  Retomamos el esquema Especial Discografía los últimos martes de cada mes, en situación de pausa desde las pasadas vacaciones de Navidad y continuamos con el Especial Marianne Faithfull que hoy entra en su cuarta edición.  Iniciamos el programa con lo que nos queda por escuchar del álbum con el que se cerró la entrega número 3 de este Especial, el LP de 1979, Broken English.

En la entrada del blog correspondiente al programa que ocupa el Especial Marianne Faithfull # 3, emitido el 25 de noviembre de 2025, se habla y extensamente de este disco de reencuentro con nuestra protagonista.  Cierto que la vuelta se había producido antes, 1976/1977, con el disco Dreamin' My Dreams y Faithless, distintos títulos para un mismo trabajo que apareció en países diferentes con otro nombre pero que, en esencia, fueron lo mismo.  Broken English fue, y es, un trabajo que recoge la voz quebrada y ronca de una mujer que regresa del exilio existencialista para grabar un disco sobre la simple audacia de seguir viva.  Pero el LP resultante es más que un simple retrato de una adicta a cualquier tipo de sustancia que haga olvidar, captura la resaca desilusionada de toda una generación.

En la promoción del disco, Faithfull actuó en el programa de televisión Saturday Night Live, cantando el tema que le da título al álbum y el corte Guilt.  Era febrero de 1980.  La voz se le quebró en varias ocasiones y, por momentos, pareció esforzarse al máximo para vocalizar.  Parecía estar bajo una fuerte presión nerviosa.  La actuación fue calificada como una de las peores del programa en vivo.  Inmediatamente se le atribuyó la descomposición de su voz al hecho de que había vuelto a hacer uso de alguna droga.  Pocos se fijaron en el hecho de que, su nerviosismo, estaba provocado por una llamada telefónica que recibió minutos antes de aparecer en antena: Mick Jagger, ex-amante de Faithfull, la llamó sencillamente para desearle buena suerte.  La alegría de que llamase Jagger quedó eclipsada por el hecho de que él iba a estar viendo la televisión.  Sí, se la comían los nervios, nada de excesos con ninguna ayuda exterior.

En el espacio de hoy cerramos la audición del LP Broken English escuchando dos temas: el primero es una versión de un tema original de John Lennon, Working Class Hero, uno de los temas que Lennon incluyó en aquel primer disco de la Plastic Ono Band bautizado de forma homónima.  El segundo tema es el problemático Why D'ya Do It?, compuesta en música por Faithfull y los cuatro músicos de su banda, y en la letra por Heathcote Williams (1941-2017), poeta, actor, activista político y dramaturgo británico.  Ya se narraron estos hechos en la entrada correspondiente al Especial del mes de noviembre, pero no está de más recordarlo ahora porque suena la canción.  Williams había concebido la letra como una sátira cáustica y gráfica sobre la reacción de una mujer ante la infidelidad de su amante.  La letra comenzaba con el punto de vista del hombre, relatando la amarga burla de su amante engañada.  Y todo esto lo escribió pensando en Tina Turner, para que fuese ella quien cantara la canción.  No le costó mucho a Faithfull convencer al poeta para que desistiera de la idea.  Turner no interpretaría nunca una letra con tal contenido de groserías y, sobre todo, por la referencia explícita al sexo oral, cosa que le valió al álbum una etiqueta de aviso por vocabulario explícito.  Esto provocó ciertas controversias en algunos países, por ejemplo en Australia se prohibió que ese corte apareciese en la edición del LP.  Sin embargo, los ejemplares originales, que se habían infiltrado clandestinamente en el país, fueron confiscados por la brigada antivicio local por obscenidad.  Faithfull se negó a que se modificara el álbum, pero las primeras impresiones australianas omitieron la ínclita canción y, en su lugar, incluyeron una versión extendida del corte Broken English.

El disco se llegó a reeditar en el año 2013 en una edición de lujo, doble (en LP y en CD).  El primer disco contiene únicamente el álbum original junto con un videoclip de 12 minutos dirigido por Derek Jarman.  El vídeo fue diseñado para su proyección en cines y nunca antes se había publicado en formato doméstico.  El segundo disco es el álbum pero remasterizado, con algunos cortes en una versión más larga, temas en diferentes versiones Single, Maxi-Single...Un libreto de 24 páginas incluye numerosas fotos de la sesión de grabación del disco, tomadas por Dennis Morris, y ejemplos de las distintas portadas y variaciones del álbum que aparecieron en diferentes países.  Por último, en el segundo disco de Broken English reeditado se incluye una versión de Sister Morphine y una canción titulada The Letter que no hay que confundir con el tema del mismo título cantado por The Box Tops en los 60 y posteriormente interpretada por Joe Cocker.  Esta Carta de Faithfull es una pista hablada en la que ella recita la carta Ce n'était pas ma faute de la novela francesa de 1782, Les Liaisons Dangereuses, de Pierre Choderlos de Laclos.  La carta que recita Faithfull está en inglés, con el título traducido del frances como It Was Not My Fault.  Este tema se llegó a utilizar más tarde.  Se grabó como introducción de un vídeo extendido del corte Intrigue, que aparecería en su siguiente álbum Dangerous Acquaintances, la traducción literal de Les Liaisons Dangereuses, Las amistades peligrosas.

Dangerous Acquaintances vio la luz en el mes de septiembre de 1981.  Es el disco que sigue a Broken English.  Le sigue en el Tiempo, pero no en resultados.  Este fue un trabajo decepcionante para sus admiradores y para cualquier oyente para quien el álbum anterior significara algo reseñable.  Le siguió acompañando el cuarteto formado por Barry Reynolds, guitarra, Steve York, bajo, Joe Maverty, guitarra y Terry Stannard, batería.  De nuevo en la producción estuvo Mark Mundy que, en Broken English, hizo un trabajo magnífico pero que en esta ocasión fue la otra cara de la moneda.  Se portó como un dictatorzuelo del tres al cuarto, tratando a todo el mundo con un despotismo desagradable.  Para nuestra protagonista, Mundy tomó decisiones de producción inapropiadas, y la forma que tuvo de interactuar con los músicos fue deleznable.  Dijo Faithfull que trataba a todos como si no supieran tocar y que a ella misma le echó en cara que eso no era cantar ni nada por el estilo.  La lista de músicos de sesión era considerablemente larga, con algunos invitados de excepción como Mel Collins en los asxos, o Steve Winwood, que ya había trabajado con Faithfull.  Su paso por un disco tan decepcionante dejó uno de los mejores momentos, la canción escrita a medias con ella titulada For Beauty's Sake.  Del álbum, el Cíclope extrae un tema más, Strange One.  Desgraciadamente este Dangerous Acquaintances sonaba, y suena, a un disco de rock convencional, sin brillo ninguno, todo gracias a los arreglos realizados por el productor que actuó bajo las maneras de su lado más oscuro, más extraño.  Supo hacer las cosas bien con el LP anterior, Broken English, y sin embargo aquí, en Dangerous Acquaintances, se volvió lo contrario.  Cualquiera puede tener un mal día, pero uno, no tantas jornadas seguidas.  Que también es humano, pero que arregle el entuerto, por Dios.  Pero no hizo falta porque para la siguiente vez, Faithfull y los músicos que la acompañaron, optaron por una solución corporativa: de la producción y de los arreglos se encargarían ellos, los que hicieron posible un álbum como A Child's Adventure.

   

El LP se publicó en 1983 y presentaba cambios en la formación de acompañamiento: la banda pasa de ser cuatro miembros a siete.  De los originales, tan solo quedan tres

Barry Reynolds, guitarra principal, 

Terry Stannard, batería.

                             

                            Y

Ben Brierley, guitarra y vocal.  Casado con Marianne Faithfull desde 1979 se separarían en 1986.

Los nuevos fueron:

Wally Badarou, teclista y voz

 

      Mikey Chung, guitarra

Fernando Saunders, guitarra bajo

y Fernando de Jesús, percusión. 

Marianne Faithfull regresó desde el lado oscuro de la Vida sencillamente porque tenía un profundo sentido de la supervivencia.  Broken English, 1979, fue como una declaración de principios; Dangerous Acquaintances, 1981, una equivocación y A Child's Adventure una obra que no es tan rotunda como aquella del 79 ni decepcionante como la del 81, sencillamente un ejercicio de funambulista, una búsqueda de equilibrio que, para un sector de la audiencia, se plasmó en este disco más escuchable que el decepcionante trabajo anterior.  Faithfull se había suavizado, al menos hasta el punto de construir estructuras fluidas con sus colaboradores, el guitarra y voz, Barry Reynolds, y el teclista Wally Badarou.  Este proceso de limar aristas mitigó la amargura que aún se percibía en muchas de sus letras, por lo tanto, para ese sector de la audiencia, A Child's Adventure es más escuchable, pero menos convincente que sus otros álbumes de la época.  Personalmente no me puedo ubicar en ese sector de la audiencia, me parece que es un trabajo bastante válido porque supone un punto de asentamiento para nuestra protagonista.  Con este disco, Faithfull se afianza en el registro de su voz rota.  Así es como va a cantar hasta su muerte.  Y las letras de sus canciones unas veces serán más duras, otras más tristes, otras más tranquilas, pero siempre bucearan en la psique humana.  En este álbum de 1983 hay una evolución emocional en sus formas y el resultado final creo que merece la pena.  Vamos a escuchar unos cuantos cortes del disco, cinco en total: Times Square, Ashes In My Hand, Ireland, Falling From Grace y She's Got A Problem.  Canciones debidas a los miembros de la banda de acompañamiento en conjunción con nuestra protagonista.  Y algo fundamental que ya señalé más arriba: los que hacen posibles los temas son quienes se encargan de la producción y los arreglos.  Por ahora no hay intervención de nadie ajeno al contenido creativo del LP.  Quienes componen, tocan, cantan...son los responsables del sonido final.

Nos acercamos al final de esta cuarta entrega del Especial Marianne Faithfull y lo vamos a hacer a través del Cine.  De su dimensión como actriz hablaremos más adelante, en otro capítulo de este Especial.  Nos centramos ahora mismo en su participación activa como intérprete, como cantante, en scores originales para películas.

Mark Isham es un reconocido trompetista y fliscornista norteamericano que trabaja en todos los campos de la música, incluido el área de las partituras originales para el Cine.  Trouble in Mind, traducida en España como Inquietudes, es el título de una película dirigida en 1985 por Alan Rudolph con música original de Isham, que buscó la colaboración de Marianne Faithfull.

El disco con la banda sonora se publicó un año después del estreno de la cinta, en 1986.  En dicho score, Faithfull canta en tres fragmentos.  Solo nos da tiempo a escuchar dos, Trouble in Mind (The Return) y The Hawk (El Gavilan), titulado así en el original.

Así cerramos esta edición de Cíclope 3.0.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-27-01-26

Cíclope 3.0 - 20-01-26

 

Gerardo Ruiz Muñoz y Emilio Vázquez Muñoz, primos. Desde pequeños han compartido todo de forma constructiva. Desde que descubrieron Radio Tomares usan el mismo aparato receptor para escuchar Cíclope 3.0 sin interrupciones.  Pero el primero que le de a la pausa porque tiene necesidad de ir al baño, le dispara al otro una bala PetaZetaDunDun, proyectiles inofensivos para la vida, pero que alojan en la cabeza la discografía completa de Ramoncín para que suene, ininterrumpidamente y de forma aislada, durante 48 horas.

Cíclope 3.0 del martes 20 de enero de 2026.  En la locución se indica: al comienzo del programa, cuidado, que vienen curvas como las que marcan el trío Goodbye June.

De izquierda a derecha, Brandon Qualkenbush, guitarra bajo, guitarra eléctrica y coros; Landon Milbourn, voz principal y guitarra acústica y por último Tyler Baker, el que se encarga de los solos y los riffs principales de guitarra eléctrica que definen el sonido de la banda.  Hay un parentesco de familia entre los tres: son primos hermanos.  Milbourn se crió en el oeste de Tennessee y Qualkenbush y Baker en Indiana.  La infancia de los tres miembros está marcada por la música porque el padre de Landon Milbourn dirigía el coro de la iglesia, y el padre de Brandon Qualkenbush era predicador en una iglesia pentecostal.  En los primeros años del nuevo siglo, sobre 2005, se unen los tres primos para hacer música.  Nunca habían formado parte de ningún grupo ni ellos habían ideado proyecto alguno así que el trío, multinstrumentista, empieza a escribir canciones.  En una de esas vueltas que da el Destino, un hermano de Tyler Baker, mientras se encontraba en periodo de licencia del ejército, muere en un accidente de tráfico.  Era junio de 2005.  Mientras el hermano y los otros primos luchaban para superar el dolor, comenzaron a escribir canciones rabiosas.  El proyecto recibió el nombre de Adiós Junio, Goodbye June.  El trío se muda a Nashville, Tennessee.  Era 2009 y con tesón empezaron a buscar una oportunidad.  Graban por primera vez en 2013 y ya se habían hecho de un nombre que había adquirido eco con sus actuaciones en vivo: la voz de Milbourn recuerda a la de Bon Scott de AC/DC, el sonido es de una fuerza sublime, sin tener que ver con etiquetas como Heavy Metal, Death Metal...si tienen que ver con algo es con el Rock de los 70, el Hard Rock, el Rock Duro que bebe del Blues.  Las guitarras eléctricas son tremendas.

Llevan grabados 5 álbumes, 6 si contamos una especie de antología aparecida en 2022 con el título An Introduction To Goodbye June.  Lo último que han publicado es el álbum Deep In the Trouble que es el que suena al principio del espacio con dos cortes de factura distinta: el primero, The Hard Way, potente, y el más calmado Pile Of Bones.  Trabajan con sellos discográficos independientes y por ahora les va bien.

Seguimos con guitarras, eléctricas y acústicas, con un proyecto que aparecía el año pasado y que incluimos en el programa resumen de algunas novedades que pasaron por el programa a lo largo de 2025.  Me refiero al grupo Cobalto.

  

Hablar de Cobalto es hablar de Xan Medina, artista que se diversifica entre dos disciplinas de base: la música y la pintura.  Suyo es el diseño de la portada de Partes de ti.

Su labor como músico recorre etapas durante diferentes años que van desde la década de los 80, cuando estubo como vocalista en la banda Sabotaje en Sevilla.  También en la misma época pero en Ibiza, Xan estuvo como guitarra principal en el proyecto Rock ’A’ Vila.

En pleno siglo XXI, Xan Medina ha formado parte vital del proyecto Peggy Dolls (foto a la izquierda), compartiendo la creatividad con Dr. Soy. 

  

De Cobalto, de su trabajo Partes de ti, nos quedamos con dos cortes, dos formas de trenzar guitarras y voz: Regreso al hogar y Una parte de ti.

No dejamos a nuestro hombre porque, charlando un día con él, me habló de un proyecto llamado 7thkernel.  Que lo escuchara, y para ello me pasó un enlace donde podría apreciar qué música hace y cómo suena.  Como soy pragmático en algunos aspectos de la vida, como por ejemplo la opinión musical de personas que me importan (en la locución cuento cómo conocí a Goodbye June), la recomendación de Xan Medina no cayó en oídos sordos.  7thkernel me llamó la atención y lo traemos hoy por primera vez a Cíclope 3.0 para escuchar algunas canciones de dos de sus trabajos.

Antes que nada, contar un poco quién hay detrás de ese nombre: un hombre poliédrico que se encarga de todo, de componer, de escribir las letras de las canciones, de cantar, que es multinstrumentista (toca las guitarras eléctricas, acústicas, el bajo, la batería, los teclados), es el que graba, el que realiza las mezclas finales de sus álbumes, el productor...el motor-alma de 7thkernel se llama Antonio Cano

  

En el año 2024, 7thkernel publicó dos trabajos.  El primero fue en el mes de febrero bajo el título Dead Stars & Bats; el segundo aparecía en el mes de julio bautizado con el título Redemption Sins.  Nos vamos a quedar con el primero y con la canción Snakes Chamber.

Sí, canta en inglés, algo que para un sector de la audiencia es un handicap porque no se le entiende, pero es su forma de expresión, donde se encuentra cómodo y elástico para sacar fuera lo que se origina en su cabeza.  Cuando alguien me dice ante el hecho de cantar en otra lengua que no sea el español que alguien "no es que no le guste, es que no sabe qué quiere decir, sí, que no lo entiende..." lo único que se me ocurre es citarle aquel diálogo que el gran Quino escribió y dibujó de Mafalfa, hablando con una amiga sobre música.  Le pregunta Mafalda:

-¿Te gustan los Beatles?

-Mmmm...psí...¡es que cantan en inglés   y no los entiendo!

-¡Ah!  ¿Te gustan los perros?

-¡Síííí!

-¡Ah!  ¿Sí?  ¿Y los entiendes cuando te     dicen guau?

Pues eso mismo les pregunto a esas personas.  

Pero estamos con 7thkernel.  Su música tiene referencias de los 60, de las Costas Este y Oeste de los Estados Unidos, de los 90 y sus diferentes caminos a veces convergentes.  Es un crisol en el que Antonio Cano mezcla todo lo que se origina en su interior con todo lo que ha ido escuchando y haciendo suyo.

En diciembre del año pasado, 2025, publicó su último trabajo: She Was My Invention.  Sigue realizando una labor plural, es decir, canta, escribe las canciones en texto y música, toca todos los instrumentos, graba, produce...  Para esta ocasión cuenta con una doble colaboración en la parte vocal que es la de Xan Medina y Mycel Jones.  De este She Was My Invention escuchamos dos temas, Nancy's Song y Not You.

Hace un momento he nombrado las costas Este y Oeste de los Estados Unidos.  A principios de este mes de enero, el día 10, fallecía Bob Weir, guitarra y voz de la legendaria banda formada en el área de la Bahía de San Francisco, The Grateful Dead.

Estuvieron en activo desde 1965 hasta 1995, año de la muerte de Jerry García (tercero por la izquierda) tras sufrir un ataque al corazón.  Con guitarra, Bob Weir.

Weir fue, además de una de las voces de la banda y guitarrista, coautor de algunas composiciones como esta que recuperamos, Sugar Magnolia, incluida en el LP de 1970, American Beauty.

Bob Weir fue miembro cofundador de Grateful Dead y, durante las tres décadas de existencia del grupo, Weir fue, en muchos sentidos, su columna vertebral.  Fue la guitarra rítmica que supo trenzarse con la de Jerry García.  Escribió, fue coautor e interpretó varias de las canciones más conocidas de la banda y ayudó a inspirar toda una subcultura musical que ha seguido prosperando hasta bien entrado el siglo XXI.  Tras la muerte de García, Weir se centró en su grupo de los últimos tiempos, RatDog, mientras participaba en varios proyectos herederos de Grateful Dead, como The Other Ones.  Lanzó álbumes en solitario pero siempre buscó el esquema de grupo, asociación con otros músicos, no su nombre y apellido más el de una banda.  Siempre buscaba la reunión, el grupo.  A finales de los años 10 de este siglo formó un nuevo proyecto, Wolf Bros., cuyas primeras grabaciones se publicaron en 2022.  En agosto de 2025, Dead & Company ofreció una serie de conciertos en San Francisco para celebrar el 60.º aniversario de Grateful Dead.  Weir había nacido en San Francisco, en 1947.  Fallecía el pasado 10 de enero a los 78 años.  Lo mejor que podemos hacer es recordar cómo hacía las cosas,

cómo cantaba, por ejemplo, en 1973, cuando Grateful Dead publicaban Wake of The Flood, un LP con canciones como Row Jimmy.

Nos queda poco tiempo para llegar al final de esta edición de Cíclope 3.0 y vamos a quedarnos en tierras americanas, lo que sucede es que lo vamos a hacer con unas maneras poco habituales.  Si hablamos de guitarras Steel, de armónicas, de música country, se piensa inmediatamente en una forma tradicional, típicamente norteamericana.  Pero si esos elementos (las guitarras Steel, las armónicas) y ese estilo, el country, se enlazan entre sí por mediación de sintetizadores y todo se contempla a la luz de la música electrónica con horizontes recortados por la música Ambient, el resultado suena como la música que hace el proyecto SUSS.

  

SUSS es un quinteto de músicos veteranos original de Nueva York.  Vienen de otros ámbitos distintos donde ejecutaban una expresión musical distinta a la que hacen actualmente con este proyecto.

Por ejemplo, Bob Holmes, en la foto de la izquierda agachado con una guitarra, y Gary Leib, con gafas oscuras y sombrero, dos de los miembros fundadores de los actuales SUSS, también fueron miembros del grupo de new wave de corte country, Rubber Rodeo, durante los años 80.  Leib falleció y de los miembros fundadores solo queda Holmes.  SUSS despega en 2016.  Publicaron por primera vez en el año 2018 y desde entonces se toman las cosas con mucha tranquilidad.  Llevan hasta el momento 6 álbumes editados y continúan con el espíritu que los unió: hacer música country pasándola por el crisol de su creatividad, influida por las grabaciones de Brian Eno y Daniel Lanois, cruzadas con la música de Ry Cooder y Ennio Morricone.  Vamos a escuchar dos cortes de dos álbumes diferentes,

uno es Wetlands, Humedales, incluido en el álbum de 2019 titulado High Line.

El otro pertenece al trabajo titulado Birds & Beasts, de 2024 y es la composición Migration, un tema de 10 minutos, una travesía por el desierto y las montañas que sirve para cerrar esta edición de Cíclope 3.0

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-20-01-26

Cíclope 3.0 - 13-01-26

 

Ramiro Soto López, haciendo realidad el dicho Quien espera, desespera.  Escuchaba Cíclope 3.0 el pasado 16 de diciembre de 2025 y afirma haber entendido que el programa volvía a la semana siguiente, cuando la despedida fue hasta el 13 de enero de 2026.  Se quedó esperando sin remedio hasta desfallecer.  Los servicios de limpieza de LIPASAM lo encontraron, a principios de este nuevo año, en un rincón apartado del Parque de María Luisa, en Sevilla, tal como muestra la foto.  Actualmente se restablece con absoluta normalidad y sigue siendo un oyente fiel.
 

Tal y como dijimos el 16 de diciembre del año pasado, Cíclope 3.0 vuelve a la sintonía de Radio Tomares hoy martes 13 de enero de este nuevo año 2026 y lo hace recuperando, al principio del programa, las buenas vibraciones de los Rolling Stones de 1966, los que publicaron en ese año un LP tan seminal como fue, y es, Aftermath.

El cuarto larga duración de los Rolling tuvo dos carpetas diferentes y dos contenidos distintos, dependiendo de la edición en el mercado inglés o el marcado americano.  Algunas canciones formaron contenido idéntico, otras no.  ¿Habrían grabado canciones hoy como la misógina Stupid Girl?  No sé, no sé.  El disco presentaba un abanico estético amplio: desde la composición con aires isabelinos de Lady Jane a los riesgos experimentaloides de 11 minutos y pico de Goin' Home.  El tema que escoge el Cíclope para arrancar el programa es Out of Time, una composición que no tocaron en vivo hasta 56 años después, en 2022, en la gira internacional que los trajo a España, en concreto a Madrid.  Unos años antes, en 2011, aparecía una versión, en vivo también, pero interpretada por Elvis Costello & The Imposters

 

The Imposters es la banda que evolucionó a partir de su grupo de acompañamiento anterior, The Attractions, y que se convirtió en el combo que rodeó a Costello desde la entrada del siglo XXI.

The Return Of The Spectacular Spinning Songbook!!!, ¡¡¡El regreso del espectacular cancionero giratorio!!!, se publicaba el 6 de Diciembre de 2011.  Es una caja recopilatoria de 3 discos (1 CD, 1 DVD, 1 EP de vinilo de 10 pulgadas), grabado en directo durante dos noches en la sala The Wiltern, en Los Ángeles, los días 11 y 12 de mayo de 2011.  La edición estuvo limitada a 1500 copias en todo el mundo, cada caja está numerada individualmente y cuenta con una tarjeta conmemorativa especial autografiada por Elvis Costello.  Este paquete de lujo incluye un libro de tapa dura de 40 páginas repleto de fotos espontáneas, un diario de la gira con las reflexiones de Costello en cada actuación, un póster de 50 x 76 cm y una postal de edición limitada.  El CD se grabó con las actuaciones de ambas noches en The Wiltern, de su gira Revolver Tour; el DVD es del concierto del 12 de mayo de 2011 e incluye una aparición especial de The Bangles, además de material adicional que incluye momentos entre bastidores capturados con The Imposters.  Además de actuaciones adicionales no incluidas en el set principal del espectáculo.  El disco de vinilo de 10 pulgadas incluye cuatro canciones exclusivas de este set.  Después de la edición super lujo se haría una que consistiría tan solo en un CD con la música grabada en vivo, que es donde suena la versión de Out of Time de los Rolling Stones.

No dejamos a Elvis Costello, lo que pasa es que retrocedemos en el Tiempo y nos trasladamos de 2011 a 1983, cuando se publica Punch The Clock, firmado por Elvis Costello & The Attractions.

Punch The Clock incluye algunas de las canciones más reconocidas de Costello como es Everyday I Write The Book, y también una perla como Shipbuilding.

Shipbuilding está compuesta a medias entre Elvis Costello, letra, y música de Clive Langer (en la foto aquí al lado), músico y productor de Liverpool activo desde comienzos de la década de los 70.

La canción se escribe en 1982, durante la Guerra de las Malvinas.  Resalta la dolorosa ironía de que la guerra trajera trabajo a los astilleros pero también enviara a hombres a morir en esos barcos.  Todo visto a través de la perspectiva de un trabajador del astillero.  Es una composición que se escribió pensando en una voz muy concreta, la de Robert Wyatt.

Robert Wyatt fotografiado por Simon Fernandez

La versión de Wyatt, año 1982, tuvo dos ediciones: Single y Maxi-Single.  El 7 pulgadas ocupado por los temas Shipbuilding como cara A y Memories of You en el lado B; el 12 pulgadas las dos canciones citadas y una versión de Round Midnight del gran Thelonious Monk.  En los créditos no se reseña otra presencia que la de Wyatt pero en realidad hay una serie de colaboradores que intervienen como el bajista Mark Bedford, integrante de la banda Madness, el teclista Steve Nieve, miembro también de Madness y uno de los músicos de los grupos de acompañamiento de Costello, The Attractions y The Imposters.  El mismo Costello participó en las voces de coro acompañando a Wyatt.

En el verano de 1983 aparecía el LP, Punch The Clock, firmado por Elvis Costello & The Attractions, donde se incluye también Shipbuilding.

No tiene la voz de armonías plateadas de Robert Wyatt, pero sí la voz de perfil emotivo de Costello, que se buscó la colaboración de un trompetista excepcional como Chet Baker (1929-1988)

De este ambiente un tanto jazzificado pasamos a otro donde no solo hay aires de Jazz, también de otras estéticas de la música.  Saltamos a Panamá para escuchar la música panlatina de un batería llamado Daniel Villareal.

Su nombre completo es Daniel Villareal-Carrillo, nacido en Panamá, en 1977 y se asentó en Norteamérica, entre Chicago y Los Ángeles.  Fue cofundador de la banda Dos Santos Anti-Beat Orchestra, fue miembro del combo Los Sundowns y del grupo de son jarocho tradicional Ida y Vuelta.  Comenzó a tocar la percusión y la batería siendo un niño.  Durante su adolescencia, cayó bajo la influencia del punk y comenzó a tocar la batería en las escenas punk y hardcore de Centroamérica, y en dos bandas destacadas de la Ciudad de Panamá durante los años 90: NOHAYDIA y 2 Huevos 1 Camino.  El batería Freddy Sobers, de las bandas panameñas de reggaetón El General y Nando Boom, vio su inmenso potencial y tomó a Villarreal-Carrillo bajo su protección.  El músico, de mayor edad, lo expuso a una gran variedad de estilos, sonidos y texturas, desde el sonido de grupos como Rush hasta el reggaetón, pasando por Chick Corea y la salsa.  Le dijo al joven que, si quería ser un buen batería, dejara de poner cara de asco ante algunas propuestas porque tenía que aprender a manejar todos los estilos.  Y vaya si lo hizo.  Acompañó durante años a músicos diferentes de estilos distintos y esto conformó una pluralidad en el tejido de sus propias composiciones como lo mostró cuando grabó en solitario por primera vez en 2022.  Al comenzar a hablar de Daniel Villareal he utilizado el término de música panlatina, con eso quiero decir que su fluido estilo fusiona sonidos tradicionales panameños con los del Caribe, Colombia, México, con el son y la salsa afrocubanos, con el rock psicodélico, el free jazz, el post-punk, el hip-hop, el Rhythm and Blues y el funk.  Vamos a escuchar dos ejemplos de su música utilizando los dos álbumes que lleva grabados hasta el momento, empezando por el segundo,

el álbum titulado Lados B, publicado en 2023, y el corte Salute.

Su debut discográfico en solitario se llevó a cabo un año antes, en 2022, con la publicación del disco Panamá 77, lugar y año de su nacimiento.  Tanto en este disco como en el otro contó con una serie de colaboradores entre los que se encontraban el guitarrista Jeff Parker y la bajista Anna Butterss.  Ahora algo que le gusta particularmente al Cíclope: el juego de la cesta de cerezas, tiras del rabito de una y salen ensartadas unas cuantas más.  Escuchamos a Daniel Villarreal y, de sus discos, extraemos parte de la obra de dos colaboradores, empezando por Anna Butterss.

  

Anna Butterss nació en Adelaida, Australia.  Sus padres, relacionados con la música, se conocieron en el país de los canguros, tocando en bandas de folk irlandesas.  A la hija la educaron en la música clásica y el folk y con 7 años comenzó a estudiar flauta, instrumento que manejó hasta los 13, cuando los padres decidieron ampliar el catálogo de instrumentos que podía manejar la criatura y resolvieron que aprendiera a tocar el contrabajo, instrumento que se convirtió por antonomasia en el centro de interés de la jovencísima Anna.

Con el tiempo se trasladaron a Norteamérica y a la hora de escoger en qué ciudad musical vivir, New York, Chicago o Los Ángeles, se quedó con esta última.  Ese mismo año, el guitarrista Jeff Parker se trasladaba a Chicago.  Y entre unas cosas y otras, Butterss contacta con la escena del mundo del Jazz y con la escena del mundo Independiente, con gente de Los Ángeles y de Chicago.  Coincidirá con Parker en alguna ocasión y será un encuentro que surtirá de posibilidades futuras para proyectos donde van a intervenir ambos.  El bajo eléctrico va a entrar en la vida de Butterss que en 2022 hace su debut en solitario grabando un disco, Activities.

Hoy la traemos por primera vez al programa con su álbum Mighty Vertebrate, de 2024, un trabajo que tiene la base en el Jazz, sí, pero que avanza más allá.  Un disco que cuenta con la colaboración de su amigo Jeff Parker.

Siguiendo el rastro de las cerezas ensartadas, seguimos, como no podía ser de otra manera, con el amigo de Anna que interviene en su disco y con quien participa en diferentes proyectos.  Él es el guitarrista Jeff Parker.

Tiene discografía propia y colabora con un montón de proyectos musicales pero hoy traemos a Parker en relación con la banda donde ha crecido y donde su producción es el corazón de su actividad creativa, me refiero al quinteto de música instrumental Tortoise, original de la ciudad de Chicago.

  

Desde sus inicios en la escena musical underground de Chicago en los años 90, Tortoise ha revolucionado las convenciones del rock.  En lugar de las influencias clásicas del punk y el rock & roll, se inclinaron por el krautrock, el dub, el jazz de vanguardia, el minimalismo clásico, la música ambiental y la electrónica británica.  A diferencia de la estructura descuidada de la mayoría de proyectos del rock independiente norteamericano, la estética nítida de Tortoise se centró (y sigue en esa línea aún hoy en día) en la destreza instrumental y la interacción grupal: todos los miembros contribuyen a la creación de las composiciones y todos tienen profundos vínculos con las comunidades de jazz y rock experimental de Chicago.  A su vez, cada uno participa de otros proyectos donde pueden coincidir más de un miembro de Tortoise.  Nació como grupo en 1990, entraron en los estudios de grabación en 1993 y en 1994 debutaban, discográficamente hablando.  En los tres primeros álbumes (1994, 1995 y 1996) hay una separación de un año entre uno y otro disco; entre 1998 y 2009 el plazo oscila entre dos y tres años.  Entre 2009 y 2016 pasan siete años y la edición de su último trabajo, Touch, tardará nueve años en ver la luz.  Esto no quiere decir que durante ese tiempo, los miembros del quinteto hayan estado inactivos, todo lo contrario, vivos y creando.

Touch se editó el 24 de octubre de 2025.  El grupo nunca ha trazado un rumbo predecible.  Es cierto, como ya se ha señalado, que los intervalos entre grabación y publicación de sus trabajos, se han ido alargando con el paso del tiempo, pero eso no ha supuesto una merma en la capacidad creativa del proyecto, sino que, entre otros aspectos, sus bases se han ido extendiendo a ciudades donde la actividad jazzística e independiente florece, y de qué manera, como sucede en Los Ángeles y Portland, además de su antigua ciudad natal, Chicago.  Entre sus últimos dos discos han transcurrido nueve años pero el tiempo y la distancia no han diluido la química musical entre estos viejos amigos.  Touch sigue teniendo ese toque con el que Tortoise impregnan su música: hay que prestarle atención a las composiciones que, a veces, solo se revelan por completo después de varias escuchas.  La música del grupo sigue siendo tan compleja como siempre, porque está muy elaborada, pero esto juega a su favor, no en su contra.  Touch refleja la curiosidad que ha impulsado a Tortoise desde el principio y todavía sigue haciéndolo.  Con el grupo y con este trabajo tenemos que volver pero ahora vamos a situarnos en la recta final del programa y lo vamos a hacer con un descubrimiento que se va asentando a medida que pasan los meses.  Se trata de una banda norteamericana original de Brooklyn, Nueva York, que responde al nombre de Geese.

 

Geese, Gansos en español, es una de las bandas más audaces que han surgido en los últimos años en el panorama de la música rock independiente.  Son, de izquierda a derecha, Emily Green, cuyo alias artístico es Gus Green, guitarra, Dominic DiGesu, guitarra bajo, Foster Hudson, guitarra, Cameron Winter, voz y teclados, y Max Bassin, alias The Nest, batería.

Se conocieron en el instituto, cuando comenzaron la educación secundaria en la década de los 10 de este siglo.  Sobre 2016 concibieron la idea de formar un grupo y el proyecto se hizo realidad: nacía Geese con tanto entusiasmo como conciencia de que era una historia sin mucho futuro porque, cada uno de los miembros, tenían planes para continuar estudios superiores.  Se cumplieron las expectativas porque al finalizar el periodo del instituto, varios miembros habían sido aceptados en universidades de alto perfil en todo el país.  Mientras, habían colgado un puñado de canciones en la Red por pura diversión, composiciones que mostraban un crisol de influencias que iban desde Television a The Strokes, y de estos a Yes...más rara no podía ser la masa que salía de esa mezcla.  Así que dispuestos a recoger los instrumentos para dejar la música a un lado, cual no fue la sorpresa del grupo cuando se encuentran con que esas canciones que han colgado en Internet han producido una respuesta inesperada en sellos de discográficas independientes tanto de Norteamérica como de Inglaterra.  Están en el año 2020, considerando qué canciones, de las maquetas que tienen grabadas, se pueden retomar para limar asperezas, y cuando quieren tomar conciencia de qué es lo que ha pasado, Geese se encuentran grabando en los estudios su primer disco,

Projector, que se publicó el 3 de diciembre de 2021.  Vamos a escuchar una trilogía de canciones del grupo, una de cada álbum que llevan grabados por el momento.  Con producción propia, Projector incluye cortes como Disco.

La música de Geese, sus canciones, hay que escucharlas con atención y más de una vez porque tienen diferentes capas.  A finales del mes de junio del año 2023 se publicó el segundo disco del grupo, 3D Country (portada a la derecha).  Una vuelta de tuerca con respecto al primer trabajo, composiciones más elaboradas con un tejido estructurado que te pide más atención.  La producción pasa por las manos de James Ford, productor habitual de Arctic Monkeys que ha producido también trabajos de Blur, Depeche Mode y Pet Shop Boys, entre otros.  De este álbum el Cíclope extrae un corte, Undoer, una canción con una resolución que llama la atención.  A mí me hizo volver a escucharla, a ver qué te parece a ti.

La tercera canción que suena de Geese es Islands of Men y pertenece al último álbum de la banda, Getting Killed (foto de la portada a la izquierda) aparecido en el mes de septiembre del año pasado.  Se puede afirmar que todo está hecho ya, que no se descubre nada ni en música ni en ninguna manifestación de las artes, pero lo importante es cómo se interpretan todas esas formas, todas esas maneras ya existentes.  Geese vienen del post-punk y van hacia una reinterpretación del mismo.  Por el camino van incluyendo en su crisol creativo todo lo que les parece que pueden mezclar sin perder la dirección del punto al que quieren llegar.  O simplemente dotar de dirección al vector, dejando libre el cierre.

Aunque el núcleo del proyecto se ha mantenido bastante estable desde que eran amigos en el instituto, ha habido un cambio significativo en su formación más reciente, es decir, a partir del tercer trabajo.  Foster Hudson, una de las dos guitarras de la banda, ha dejado el grupo precisamente por aquello que temían al principio: que los estudios les impidieran continuar con la música.  En este caso, la opción de entrar a la universidad le hizo tomar la decisión de optar por una cosa u otra.  Esto ha supuesto que, de quinteto, hayan pasado a cuarteto, con la colaboración de Sam Revaz, teclista que ya había tocado el piano en el segundo disco, 3D Country.  Desde ahora es el quinto elemento sobre todo en las actuaciones en vivo, donde se encarga de los teclados en general.  

Tenía pensado incluir también una canción del álbum Heavy Metal, el disco en solitario del vocalista de la banda, Cameron Winter, pero no ha sido posible, 60 minutos dan para lo que es, una hora de música, pero queda pendiente junto a más canciones del grupo.

Con Geese y su último álbum terminamos por hoy.

Espero que te guste el programa.

Enlace: 

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-13-01-26