Cíclope 3.0 - 07-04-26 - Especial Julian Cope # 7

 

Julian Cope (fotografía de Dave Tonge)

Primer Cíclope 3.0 del mes de abril de 2026, el del martes día 7, ocupado por la edición número 7 del Especial Julian Cope.  En esta ocasión el programa lo ocupa un solo álbum, Jehovahkill, disco doble publicado el 8 de diciembre de 1992.  En principio, esta sería la segunda entrega de una trilogía que comienza con la edición del álbum, también doble, Peggy Suicide, de 1991, pero al final no fue así.  Ya llegaremos a ese punto, ahora entramos a mirar con lupa este octavo disco en solitario de Julian Cope.

Tras finalizar la gira mundial de promoción de Peggy Suicide en agosto de 1991, Cope entró al estudio para grabar su siguiente álbum con la compañía de los músicos Rooster Cosby, batería, saxofón, guitarra eléctrica,  Donald Ross Skinner, teclados, guitarra bajo, y el técnico de guitarra Rizla Deutsch.  En el disco Peggy Suicide el motor del trabajo fue la música Soul y el R & B fuerte de Detroit de finales de los 60 y principios de los 70.  Para esta ocasión, el espíritu que se quería inocular en las composiciones, en el sonido, era el Rock Alemán, el Krautrock de principios de los 70.  Y los cuatro, Cosby, Skinner, Deutsch y Cope, se pusieron a dilucidar cómo podrían destilar esa forma tan peculiar de mezclar psicodelia con la manera de interpretar las variadas influencias de la música occidental que tuvo todo el arco del Krautrock.  Con esa intención se reunió el cuarteto en el sur de Londres, en los modestos estudios Fortress, propiedad del ingeniero de sonido Shaun Harvey.  Este hecho tuvo un doble motivo: que los estudios estaban situados cerca del King's College Hospital, y así Cope podría visitar a su esposa, que esperaba a dar a luz el primer hijo de la pareja; el segundo motivo era que Harvey tenía un estudio de grabación de 16 pistas, precisamente lo que buscaba Cope.  Grabaron en cintas ya usadas, soportes de segunda mano.  Después, nuestro protagonista reconocería que 

los resultados fueron, sin duda, más desequilibrados y experimentales en cuanto al sonido que cualquier cosa que hubiesemos logrado anteriormente

A principios de 1992, Cope entrega su álbum de once pistas Julian H. Cope a Island Records.  El trabajo está producido entre Donald Ross Skinner y Cope, casi al completo: en 4 cortes no aparece Skinner, ocupado colaborando con otros músicos.  El contenido final del disco es oscuro y desafiante, con un sonido de batería intencionadamente mal mezclado y voces muy tratadas.  Esto, en un sello discográfico como Island Records, no fue bien recibido.  Marc Marot, director general de la empresa por aquel entonces, lo calificó como el álbum menos atractivo sonoramente que jamás había escuchado.  Si el Boss dice eso, no hay nada más que hablar: Island se negó a publicar el álbum.  Cope explicó qué era lo que se había propuesto lograr y que asumía las consecuencias.  Marot, en vez de enrocarse en el NO, admitió colaborar con cierto margen de acción para el proyecto del músico y condescendió a intentar arreglar un poco la situación permitiendo que Cope y compañía utilizaran los estudios Fallout Shelter del sello para sesiones de grabación adicionales.  De esa forma, incluyendo composiciones con resultados más...luminosos, algo se podía compensar.  Se añadieron seis canciones nuevas y el contenido existente permaneció casi intacto.  Otro aspecto que había que revisar: el título del álbum.  Lo de Julian H. Cope no le gustaba a la discográfica y nuestro protagonista lo rebautizó como Jehovahkill, un cruce entre Jehová y Overkill, uno de los nombres de Dios en la Biblia y la palabra inglesa para decir exageración.  El resultado completo, final, después de las sesiones de grabación adicionales, fue un álbum más pesado.  En palabras de Cope, más pagano que en su encarnación anterior.  Para ilustrar ese pensamiento mágico, una de aquellas sesiones adicionales culminó prematuramente después de que saliera humo del procesador multinúcleo del estudio debido a la intensidad de la grabación.  Cope interpretó el suceso como una señal de que estaban alcanzando el nivel de energía adecuado.  Como si un emisario de Odin hubiese enviado un mensaje.  Porque uno de los hilos que movía todo el espíritu de este disco era el tema de la religión.  La idea original de la trilogía que tenía pensada Cope estaba formada por dos trabajos que hablarían sobre el medio ambiente, el planeta Tierra, la relación de la humanidad con ella.  Eso quedaría reflejado en Peggy Suicide y Autogeddon (aún por grabar).  El segundo trabajo, este Jehovahkill que nos ocupa hoy, gira alrededor de una idea base: la destructividad de la religión dominante.  El interés por los impulsos paganos antiguos, precristianos, el paisaje prehistórico, fueron adquiriendo forma a medida que nuestro protagonista fue encontrando lecturas que le llamaron la atención, lecturas que se fueron cruzando en su camino, autores como el filósofo armenio George Gurdjieff (1867-1949), el filósofo y escritor británico Colin Wilson (1931-2013) y el arqueólogo, parapsicólogo y explorador inglés Thomas Charles Lethbridge (1901-1971).  Estas lecturas sembraron un interés sólido por todo lo relacionado con el paisaje prehistórico que se reflejará en este disco de Cope.  De hecho, acuñó el término megalitomanía para describir sus nuevos intereses y escribió sobre el tema en las notas del álbum donde lo describe como una obra que trata sobre el celta y el alemán, la cruz y la serpiente y diversos temas femeninos relacionados que la Madre querría que conociéramos.

La portada del álbum muestra las Piedras de Callanish en la Isla de Lewis, un sitio neolítico con una disposición cruciforme que precede a Cristo en al menos 2000 años.

Estas son las Piedras de Callanish en la Isla de Lewis, Escocia

Otro lugar importante, en Inglaterra, es el condado de Wiltshire, con los restos de Stonehenge y Avebury.  En las notas del disco  se incluye una descripción del monumento megalítico neolítico y los círculos de piedra de Avebury,  construidos hace unos 5000 años, con un texto escrito por Cope, quien invitó a los oyentes a visitar el monumento.

Círculos de Piedra de Avebury

Del álbum Peggy Suicide de 1991 salieron varios Singles y EPs, entre otros la canción Head con una portada que recoge una instantánea de Cope acostado en el suelo, ante uno de estos restos de piedras.

En Peggy Suicide el tema que conectaba todas las canciones era el Medio Ambiente, el Planeta Tierra y la relación equivocada de la humanidad con la Tierra.  En Jehovahkill la trama de las canciones es la Religión y especialmente el monopolio de la cultura judeo-cristiana.  En el corte titulado Akhenaten, Akenatón, en la letra, Cope habla de salir por la mañana, ve el sol, extiende los brazos en forma de cruz y se deja bañar por el sol.  La idea habla del culto instaurado por Akenatón, décimo faraón de la dinastía 18 de Egipto, conocido como Amenofis IV, impulsor del culto único al dios Atón como única deidad del culto oficial del Estado, en perjuicio del, hasta el momento, predominante culto a Amón.  El nuevo culto se centraba en la superioridad de Atón por encima de los demás dioses egipcios, es decir, una religión con una base monoteísta, dejando al resto del panteón egipcio fuera de todo culto.  Este corte sería una de las 6 canciones que Cope y compañía grabaron cuando Island Records pidió una tabla de salvación para que el disco no sonara tan...oscuro, según sus argumentos.  Las otras 5 canciones fueron Fa-Fa-Fa-Fine, The Mystery Trend, No Hard Shoulder To Cry On,

The Tower y Peggy Suicide Is Missing.  De esas 6, escuchamos 4, es decir todas excepto The Tower y Peggy Suicide Is Missing.

Por cierto, hablando de las canciones del álbum.  Originalmente el disco se iba a llamar Julian H. Cope, título que la discográfica no aceptó y que Cope cambia por el que ya conocemos.  Pero la canción homónima esa sí que se quedó en el listado.  Una composición acústica en la que la letra H no corresponde a un segundo nombre real, se trata de un añadido artístico más que de una referencia biográfica directa.

Más arriba está la nómina de músicos participantes en este álbum de Cope.  Pocas fotos porque no se encuentran instantáneas de, por ejemplo, Rooster Cosby, o Rizla Deutsch.

Sí de Donald Ross Skinner, muy joven.  Alguna más con cierta edad.  De todos los músicos que han trabajado con nuestro protagonista, uno de los más cercanos y cuya actividad ha pasado por ser el guitarra de Cope a convertirse en teclista y guitarra bajo para volver a tomar la guitarra.

Además de los tres músicos que con Cope forman el cuarteto de base de este álbum de 1992, intervienen otros músicos que lo hacen tocando un instrumento en una ocasión o varios instrumentos, como los sintetizadores, como es el caso de Fiorella Terenzi.

Fiorella Terenzi es una astrofísica, escritora y artista musical nacida en Italia.  Descrita por la revista Time como una mezcla entre Carl Sagan y Madonna, esta mujer estudió ópera y composición en el Conservatorio Giuseppe Verdi de Milán.  Enseñó física y astronomía en varias universidades y colegios estadounidenses.  Actualmente es profesora a tiempo completo en la Universidad Internacional de Florida en Miami.  En su investigación en el Laboratorio de Investigación de Audio por Computadora de la Universidad de California, San Diego , fue pionera en técnicas para convertir ondas de radio que emanan de galaxias distantes en sonido, con algunos de los resultados publicados por Island Records en su CD Music from the Galaxies.  El objetivo de su conversión en audio, en sonido de datos celestes es investigar cómo el sonido refleja propiedades químicas, dinámicas y físicas de los objetos celestes, lo que ella llama Astronomía Acústica.  Con esos planteamientos es lógico que llamara la atención de nuestro protagonista que la deja a ella sola al frente instrumental electrónico del tema Poet Is Priest.

Jehovahkill fue, y es, una continuación brillante del disco Peggy Suicide.  Todo parecía que la relación de nuestro hombre con la discográfica iba por buen camino pero no fue así.  Las ventas de este trabajo no fueron tan llamativas como las del anterior y sin embargo fueron lo suficientemente buenas como para poder mantener una relación fluida con el artista.  Pero la decisión de la discográfica fue tajante: rompieron el vínculo con Julian Cope que, a esas alturas, no tenía ningún compromiso pendiente (no le quedaban discos que grabar, no había nada pendiente entre ambas partes) y Cope se encontró libre para pasarse a otro sello discográfico o dedicarse a publicar en el suyo propio.  No dejó la música porque eso era impensable, pero comenzó a desarrollar otras actividades que le facilitaron la diversificación como por ejemplo la literatura aunque, de esto, hablaremos a partir del próximo capítulo de este Especial Julian Cope que será ya en el mes de mayo.

Tanto los discos Peggy Suicide como Jehovahkill, publicados en 1991 y 1992, respectivamente, han tenido sus correspondientes reediciones.  Peggy Suicide en 2001, 2009 y 2018.  Sonido remasterizado y añadido de cortes extras.  Jehovahkill en 2006, 2012, 2018 y 2024.  Estas reediciones son curiosas: Island Records rompe relaciones comerciales con Julian Cope sobre 1993 pero sin embargo remasteriza, publica ediciones Deluxe bastante después de dicho final.  En el caso de Jehovahkill rescatan canciones que Cope había grabado hacía bastante tiempo y que aparecían en discos que el sello no había publicado.  Imagino que nuestro hombre encontraría interesante dichas puestas al día y que económicamente le supondrían algún tipo de incremento.

Cerramos esta séptima entrega del Especial Julian Cope con un tema que se incluye en la reedición del año 2012 y que aparecería también en la de 2024, un corte que no está en ningún álbum o single o EP de su discografía, es la composición titulada Michael Rother.

Michael Rother es un músico multiinstrumentista alemán y compositor de rock experimental.  Es conocido por haber formado parte de algunas de las bandas más importantes de la escena krautrock, como Kraftwerk, Neu! y Harmonia, además de tener una discografía como solista.

Así terminamos hoy.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-07-04-26

Cíclope 3.0 - 24-03-26

 

Ramiro Salvat Estévez, descubrió hace poco la existencia de Cíclope 3.0  Un amigo le había hablado del espacio que lleva 12 años en antena, en Radio Tomares.  Le contó que actualmente va por el programa número 540, y que puede acceder a los anteriores a través de este blog.  Ha intentado ponerse al día de los programas ya emitidos, cosa que se le ha ido un poco de las manos.  En la foto aparece Ramiro, derrengado, tras escuchar seguidos no sé cuántos Cíclopes.  

Cíclope 3.0 del martes 24 de marzo de 2026.  En muchas ocasiones comenzamos el programa mirando hacia atrás, recordando música de otros años.  Hoy lo hacemos viajando a una isla de la comunidad valenciana, una isla llamada Tabarca.

  

Situada en el mar Mediterráneo se puede llegar en barco desde la ciudad de Alicante durante los meses de verano, desde junio hasta septiembre, creo recordar.  Hay otras vías lo que ocurre es que me encontraba en la capital alicantina sobre el mes de mayo, quiero recordar, en un congreso sobre la figura y obra de Homero.  Intenté ir a la isla, pero la comunicación por mar comenzaba en junio.  Quería conocer el lugar que había conocido por una canción titulada así, Tabarca, firmada por el grupo Mediterráneo que, desde que la escuché por primera vez, me había gustado mucho.  Me tuve que contentar con la música.  En alguna ocasión intentaré visitar el lugar pero, por ahora, también nos quedamos con la composición.

 

Tabarca, publicado en 1979, fue el título del segundo LP del sexteto valenciano Mediterráneo.

El proyecto Mediterráneo (foto anterior) comienza con la década de los años 70 y, como le ocurrió a tantos grupos españoles, los miembros se vieron frenados por las obligaciones de su sexo: cumplir con el Servicio Militar.  La puta mili nos coartó a miles.  En el mundo de la música fue el motivo de que muchas ideas, proyectos, dieran al traste por representar un parón en el Tiempo que imposibilitaban una actuación importante, la oportunidad de grabar en estudio.  Fue una época en la que se podía reconocer quién, en una banda, estaba sometido a la vida militar, y eso se veía en el corte de pelo: mientras que el resto lucía un pelo normal (más largo, más corto) el que estuviese cumpliendo con la patria aparecía con ese corte característico que definía su actividad diaria.  Recuerdo por ejemplo a Teddy Bautista, de Los Canarios, con el pelo corto, sin sus patillas de bandolero.  O el grupo Los Ángeles, igual, con uno o dos de sus miembros con la cabeza acondicionada a las circunstancias. 

Los pelos era lo de menos, lo malo era cuando tenían que meter a un sustituto porque, en algunos casos, los resultados que ofrecía el suplente eran mejores que los del titular.  Mosqueos y enfados soberanos por este motivo los hay por un tubo.  Pues estas circunstancias de tener que esperar porque tal miembro se ha ido a cumplir con la patria se dio en el seno de Mediterráneo.  Durante un espacio de tiempo, los miembros que quedaban a la espera, estuvieron transitando a otros proyectos como por ejemplo al grupo Huevo Frito, Mandrágora...  Por fin, sobre 1975, Mediterráneo se encuentra con el horizonte claro y diáfano, escrito sin H, para poder ver todo plano, alcanzar a ver más lejos.  En 1978 se meten por primera vez en los estudios de grabación y dan a luz Estrechas calles de Santa Cruz, su primer LP.  Con Tabarca, aparecido en 1979, la banda consolida su forma y estilo: Pop fusionado con Jazz con resultados notables.  Con la memoria de este grupo iniciamos la andadura musical de Cíclope 3.0 de hoy, un Cíclope que continúa por los caminos de la mezcla.  Ahora, en el crisol de la música se añaden elementos de Folk además de Jazz y Rock, dando como resultado la música de este colectivo que responde al nombre de Portico Quartet.

The Portico Quartet es un grupo del sur de Londres dedicado a la fusión de Jazz moderno y música étnica.  Se formó en el año 2005 bajo los auspicios creativos del músico percusionista Duncan Bellamy y Milo Fitzpatrick, bajo eléctrico y contrabajo acústico.  Son los dos de la derecha en la foto anterior: Bellamy con sudadera blanca y negra y Fitzpatrick el último por la derecha.  Agachado, el percusionista Nick Mulvey, con el tambor conocido por el nombre de hang, ese instrumento que parece el caparazón de una tortuga y que es un tambor metálico con carcasas fijas, cuyo sonido melodioso se asemeja a un tambor de acero balinés.  Por último, el primero por la izquierda, es Jack Wyllie, saxo y teclados.  Este era el cuarteto original, el que inició una espiral que desenliaba serpentinas de sonido caracterizado por una mezcla donde los ecos de jazz se cruzaban con ecos de folk étnico por el uso de ese tambor llamado Hang.

Habían comenzado en el año 2006.  En 2012 se produce un cambio: se marcha Nick Mulvey, percusionista, pero no se lleva el tambor hang.  Lo utiliza otro músico, Keir Vine, pero no le da protagonismo porque el grupo cambia el espectro del sonido por perfiles electrónicos sobre el estilo predominantemente acústico de sus trabajos anteriores.  No hay problema, Vine toca también los sintetizadores.  Publican un álbum que titulan con el nombre del cuarteto y realizan composiciones como la que escuchamos, Ciudad de cristal.

Hay un error en la locución y consiste en que identifico el año 2012, fecha de publicación del disco homónimo de Portico Quartet, con la fecha de publicación del tercer álbum de un trío, también británico, que responde al nombre de Mammal Hands.

  

Saxo, piano y batería.  Esa es la instrumentación base de este trío que comienza su labor musical en el año 2014 y en 2017 publican el trabajo Shadow Work.  De este disco suena en el programa el corte Living Frost, Escarcha viva.  Manos de mamífero, el nombre de la banda, reúne una serie de influencias que van desde el academicismo moderno pasando por un arco de Jazz teñido de ambient, música electrónica...  El proyecto se formó en Norwich, Inglaterra, en 2012.  En esa fecha que coincide con la publicación del disco de Portico Quartet que escuchábamos hace un momento, ahí radica la equivocación que señalaba hace un momento.  Firmaron un contrato con el sello discográfico Gondwana Records en 2013 y lanzaron su álbum debut, Animalia, en 2014.  Su segundo álbum, Floa, vio la luz en 2016, seguido rápidamente por Shadow Work, en 2017, que es lo que suena en esta edición.

Ahora, si cruzamos al trío Mammal Hands con el cuarteto Portico Quartet, nos da como resultado un dúo que responde al nombre de Vega Trails.

   

Vega Trails son Milo Fitzpatrick, izquierda en la foto anterior, bajo eléctrico y contrabajo acústico de Portico Quartet, y, a la derecha, Jordan Smart, saxofonista de Mammal Hands.

En el año 2022 publicaron Tremors in the Static, un álbum resuelto por los dos miembros del proyecto manejando todos los instrumentos, partiendo de los suyos de base.  De este álbum escuchamos Epic Dream.

Tres años después, en 2025, vería la luz Sierra Tracks, su segundo larga duración donde amplían la paleta de sonido del dúo, añadiendo la colaboración de una serie de músicos de estudio que se encargan de violonchelos, violines, violas, batería, piano, vibráfono.  Fitzpatrick sigue al contrabajo, amplía la multiinstrumentación al violonchelo, los teclados, el sintetizador, la percusión.  Hace de productor.

Smart está en el saxofón tenor, saxofón soprano, clarinete bajo y flauta.  Este segundo trabajo contiene piezas como Dream House.

El protagonismo del violonchelo en el segundo trabajo de Vega Trails nos sirve para quedarnos con este instrumento y cerrar esta edición de Cíclope 3.0 con dos intérpretes que tienen el cello como base de acción.  Comenzamos con una mujer que sonó por aquí hace un par de años, si no recuerdo mal fue en 2024.  Me refiero a Blancg, acrónimo de su nombre y segundo apellido: Blanca Sánchez Guillén.  En 2024 escuchamos un par de composiciones suyas, una había aparecido en formato single, hoy traemos al programa lo que es su primer larga duración aparecido a finales del año pasado con el título The Chess Game.

    

El juego de ajedrez es el primer álbum de Blancg, un trabajo asentado en música Pop de cámara, atmosférico e interpretado con buen gusto y con sensibilidad.  Los cortes están resueltos por el dúo formado por Blanca al violonchelo, piano, guitarra y voz más Ismael Hamido Ortega, viola y guitarra.  Los textos de las composiciones también son de ella.  Vamos a escuchar unos cuantos temas comenzando por Cello Intermezzo, lo primero que ha sonado de este trabajo de debut de Blancg.  Ahora pasamos a Looking For My Senses, Buscando mis sentidos.

El violonchelo alma de este primer larga duración de Blancg.  Ella es natural de Sevilla pero desde hace un tiempo reside en Bélgica, en la capital del país, Bruselas, por motivos laborales y académicos.  El tema que le da título al álbum, The Chess Game, nos sirve para guardar el disco no muy lejos porque volveremos a él para escuchar el resto de composiciones en otra ocasión.

No nos movemos de Bruselas pero sí saltamos hacia atrás, a los primeros años de la década de los 80 con un violonchelo que servirá de acompañamiento.  Por aquel entonces, 1982, un sello discográfico independiente belga, Crammed Discs, florecía en la capital del Manneken Pis.  Podías mandar una carta postal (aún no estaba institucionalizado el correo electrónico) pidiéndole información y el sello te contestaba amablemente enviándote un catalogo con los artistas que pertenecían a la casa y un cassette con un corte de cada uno de ellos para que te hicieras una idea de cómo sonaban.  Entre esos artistas estaba esta mujer que rescata el Cíclope: Hermine.

 

Su nombre completo es Hermine Demoriane y su labor dentro de la cultura se remonta a los años 60 del siglo pasado.  Nacida en 1942 en París, es cantante, artista de circo, escritora, funambulista y actriz de cine.  Con el Cine es como inició su actividad cultural, interviniendo en una revista hippie, International Times, donde realizó  entrevistas a directores de cine como  Jean-Luc Godard, entre otros.

En la década de los 70 ejerció de equilibrista y funambulista, participando con el colectivo de artistas COUM Transmissions, donde estuvo como cofundadora Genesis P-Orridge, después Throbbing Gristle.  Participó en proyectos como The Subterraneans compuesto por The Damned sin su cantante Dave Vanian.  Relacionada con las betas musicales más vanguardistas de Inglaterra, tuvo como colaborador a David Cunningham de The Flying Lizards, que le asesoró para la grabación de un Single que se publicó en el sello discográfico que ella había creado, Salomé Records.  

En los 80 Hermine aparece en el catálogo del sello belga Crammed Discs con un Mini-LP titulado The World On My Plates, un disco con el diseño de portada original del fotógrafo Richard Rayner-Canham, responsable de fotos de portadas de discos como Secondhand Daylight de Magazine o algunas carpetas de discos de The Flying Lizards.

Con el paso de los años el Mini-LP se reeditaría con la portada levemente cambiada como sucedió en pleno siglo XXI, en 2006, cuando el disco se vio aumentado en 7 cortes más, en total 13, versión CD con esta portada.

 

Es la época en la que Hermine actuaba en directo vestida con trajes como el que luce en la portada de El mundo en mis platos, con un peinado B-52 y esos guantes largos tipo Gilda.  Como compañía sobre el escenario, un dinosaurio hinchable gigante que flotaba por encima de ella. 

Hermine también intervino en la gran pantalla en películas como Jubilee, dirigida por Derek Jarman en 1978, interpretando el papel de Chaos (foto anterior).  En 1982 aparecía en la cinta The Court of Miracles de John Maybury junto a Siouxsie Sioux.

Y de Hermine, de su The World On My Plates, un tema con acompañamiento espartano: un piano y un violonchelo para la canción Waiting.  En 1984, Hermine publicaba un nuevo álbum que, hasta el día de hoy, es lo último que grabó aunque sigue inmersa en el mundo de la cultura trabajando en otras áreas.

Llegamos a los minutos finales del programa de hoy.  Vamos a terminar con el sonido grave, otoñal, del violonchelo y lo vamos a hacer con un músico que comenzó a tocar el instrumento con tan solo 5 años de edad, es Gaspar Claus.

Gaspar Claus, violonchelista, compositor, productor francés y filósofo, es conocido por su aproximación experimental que combina música contemporánea, improvisación, tradiciones musicales y colaboraciones multidisciplinares.  Compone de una forma muy física: arañando las cuerdas del violonchelo, golpeándolas, acariciándolas con delicadeza.  Personalmente me recuerda a otra compositora, Poppy Ackroyd, intérprete de piano y violín que también tiene una forma física de componer con unos resultados extraordinariamente espirituales.

  

Pero ahora estamos con Gaspar Claus que es con quien cerramos esta edición de Cíclope 3.0  Ha compartido grabaciones y proyectos con su padre, el guitarrista flamenco Pierre Alfred Genard, conocido como Pedro Soler (juntos en la foto anterior).

En el año 2021, Claus publicó Tancade, un álbum que incluye los dos últimos cortes que escuchamos, el tema Un rivage, Una orilla, y 23:59.  Así nos despedimos.

Espero que te guste el programa.

Enlace: https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-24-03-26

 

Cíclope 3.0 - 17-03-26 - Especial Richard Sinclair # 3

 

Richard Sinclair, que el próximo 6 de junio cumplirá 78 años

Cíclope 3.0 del martes 17 de marzo de 2026.  Hoy resolvemos una promesa que teníamos pendiente: la tercera entrega del Programa Especial Richard Sinclair, figura clave de lo que se conoce, en la historia de la música rock, como Sonido Canterbury.  El 20 de mayo de 2025, Cíclope 3.0 estuvo dedicado a Sinclair.  Empezamos por el principio, por su primera participación en un proyecto, The Wilde Flowers, taller/laboratorio musical donde se reunieron nombres y apellidos responsables de la conjunción de elementos musicales como el Jazz, el Rock, la Psicodelia, el Folk, músicos como Hugh Hopper, Robert Wyatt, Kevin Ayers, Pye Hastings, Richard Sinclair..., en definitiva, el germen de proyectos tan influyentes como Soft Machine o Caravan, las primeras manifestaciones de un inminente Sonido Canterbury.  En la primera edición de este Programa Especial Richard Sinclair sonaron fragmentos de los discos de Caravan donde cantó y tocó la guitarra bajo nuestro protagonista.  Cerrábamos con Hatfield and the North, uno de los momentos más canterburyanos por reunir todas las piezas básicas: música donde se cruza el Rock y el Jazz y textos cercanos al surrealismo.  Dejaron dos LPs, el segundo sirvió como punto de inicio para el segundo programa dedicado a Sinclair, el 17 de junio de 2025, en el que escuchamos también su participación en Camel, la reunión de nuevo de Caravan y alguna colaboración con otros músicos.  

La labor de Richard Sinclair no cesa al día de hoy, lo cual implica que hay una cantidad de material interesante para revisar.  Estaba claro que, para llegar a la actualidad, había que dedicarle una tercera entrega, máxime cuando se trata de Programa Especial, no Especial Discografía, donde intentamos escuchar la obra al completo de un intérprete o grupo, incluidas las colaboraciones.  Y así llegamos al espacio de hoy, a este tercer Programa Especial sobre la figura de Richard Sinclair.  La segunda entrega, la del martes 17 de junio de 2025,  finalizaba con un álbum del guitarrista Phil Miller (1949-2017), Split Seconds, publicado en 1989.  Sinclair colaboraba cantando, tocando la guitarra bajo y componiendo a medias con Miller y Dave Stewart el tema Dada Soul.  En el programa de hoy arrancamos directamente de la década de los 90 del siglo pasado, cuando se vuelven a reunir los miembros originales de Caravan, reencuentro impulsado por la idea de retransmitir en directo por la TV la actuación.  El evento, la reunión de Caravan, puso de manifiesto la creciente divergencia entre la visión musical de Sinclair, cada vez más orientada hacia arreglos complejos e influencias del jazz, y la dirección de su antiguo compañero Pye Hastings, más inclinado a formas accesibles de la música Pop.  Según Sinclair, la música de Hastings poseía una belleza intrínseca, pero la ejecución instrumental le resultaba estandarizada y carente de la aventura que él buscaba tras sus experiencias en proyectos fundamentales como Hatfield and the North. Nuestro hombre buscaba una libertad creativa que cristalizó en la formación de Richard Sinclair's Caravan Of Dreams, proyecto formado en 1991 inicialmente concebido como un trío con el guitarrista

Mark Hewins, músico de sesión curtido en todo lo que estaba referido al sonido Canterbury

y la batería de Andy Ward, antiguo integrante de Camel.  

Richard Sinclair cerraba los créditos con su guitarra bajo y voz.  La idea era recuperar la magia de la improvisación sin las restricciones de los contratos discográficos convencionales.  La química de este grupo se documentó en su álbum homónimo de 1992

 

Sinclair ejerció además de productor y director musical, integrando a colaboradores históricos como su primo Dave Sinclair en los teclados y el flautista Jimmy Hastings (1938-2024).

Un año más tarde, en 1993, aparecía el segundo disco de Richard Sinclair's Caravan Of Dreams, un álbum grabado en directo en el Teatro Verdi de Génova, Italia, el 26 de marzo de ese mismo año.  De estos dos trabajos recuperamos un corte del primero, del disco de debut del proyecto, la canción Emily.

En 1994, nuestro protagonista publica el primer álbum firmado con su nombre y apellido y titulado R.S.V.P.

Las siglas R.S.V.P. se corresponden con el acrónimo de Richard Sinclair's Video Project.  Una vez más nuestro hombre se reúne de amigos y colegas de la música, relacionados por supuesto con el Sonido Canterbury.  

Participaron, entre otros, el saxofonista y flautista francés, Didier Malherbe, entre otras actividades musicales la de pertenecer a la banda Gong.

Pip Pyle en la batería.  El prolífico músico británico que participó en decenas de bandas de la escena de Canterbury.  En la foto de la izquierda con Sinclair en una actuación con Hatfield and the North.  

Repetía Andy Ward, también en la batería.  

En la guitarra bajo Hugh Hopper, miembro de Soft Machine y estrecho colaborador de aventuras musicales con Sinclair con quien firmó un álbum a medias.

Nuestro protagonista se encarga de la composición de las canciones, en letra y música.  De la guitarra bajo, de la guitarra rítmica, de la voz, y por último, de la producción.  De este álbum nos quedamos con dos temas, Over From Dover y otro largo de 12 minutos titulado Out Of The Shadows.

Mediada la década de los 90 se producen una serie de cambios en la vida de Richard Sinclair.  Comienza a alejarse de la infraestructura mediática del Reino Unido.  En 1996, tras el acto principal del Festival Canterbury Music en Harlingen, desarrollado en la ciudad del mismo nombre, al norte de los Países Bajos, nuestro hombre decide trasladarse a Holanda.  No hay muchas referencias sobre la actividad de Sinclair, actividad mediática quiero decir, porque sí hay una constante actividad creativa subterránea, realizando giras en solitario y participando en regrabaciones de archivo como Somewhere in France, de 1983, una colaboración con Hugh Hopper que encontró su lugar en el mercado independiente de los 90, en concreto en 1996.  La dinámica también se centró en algo muy importante: conseguir liberar sus derechos de autor de toda su producción.  En el año 2002 reapareció con una serie de lanzamientos en su propio sello, Sinclair Songs, incluyendo pistas grabadas en vivo más una serie de trabajos de colaboración con otros músicos de Jazz de cámara.  Había algo transparente, claro y diáfano: su desinterés por el circuito comercial, al que llegó a calificar como aburrido y orientado únicamente al dinero, prefiriendo un modelo donde sus seguidores pudieran contactar con él directamente por teléfono para adquirir su música o incluso visitarlo en su hogar para aprender sus canciones.  Lo primero que hizo fue organizar toda su obra desde el comienzo, desde que empezó en la música, y para ello abrió un espacio en la plataforma bandcamp.com  Si entras en su página puedes contactar con él y consultar el catálogo de las grabaciones que pone a la venta.  Es magnífico.

A principios del recién inaugurado siglo XXI, sobre el año 2004, Sinclair colabora con un músico británico, el saxofonista, flautista y teclista nacido en Birmingham, Theo Travis.

Con Travis interviene en el disco Earth To Ether donde Sinclair toca la guitarra y canta en tres cortes.  Reseñamos la existencia de este disco pero no escuchamos ningún tema, buscando espacio para otras intervenciones más actuales.

Así nos encontramos situados en Inglaterra, con ocasión de acontecimientos tan importantes como la reunión de Hatfield and the North en 2005.  Hubo gira internacional y un espíritu renovador, sobre todo para Sinclair que se reencontró con sus antiguos compañeros y con un ambiente donde la instrumentación era más elaborada y las melodías más jazzísticas y con influencias clásicas.  Pero esta etapa llegó a un final abrupto y trágico con la muerte del batería Pip Pyle en agosto de 2006, en París, por un ataque al corazón.  Había nacido en 1950.  La pérdida de Pyle, colaborador esencial, marcó profundamente a Sinclair y si se sentía distanciado de Inglaterra, estas circunstancias fueron un factor determinante en su decisión de abandonar definitivamente su país de origen. Ese mismo año, 2006, Richard Sinclair colabora con la banda noruega Panzerpappa.

Fundada en Oslo, Noruega, en 1998.  La música de Panzerpappa presenta una amplia gama de matices: es instrumental, jazzística, fusión, progresiva, rock y vanguardista.

En 2006 publicaron Koralrevens Klagesang, El lamento del arrecife de coral, un álbum donde interviene Sinclair tocando la guitarra bajo y cantando Vintervake, Vigilia de invierno.

La actividad de Richard Sinclair a lo largo de estos años que llevamos del siglo XXI se han centrado en colaborar activamente con músicos ya sean conocidos o ilustres desconocidos.  Phil Miller, que fallecía en 2017, fue uno de los músicos que tuvo una continuidad en las colaboraciones con nuestro protagonista.  Por ejemplo, en el año 2007 solicitó su colaboración para el álbum Conspiracy Theories, firmado por Phil Miller and In Cahoots.

In Cahoots fue un proyecto de Jazz-Rock progresivo creado por Phil Miller en 1982.  Reunía a una serie de músicos pertenecientes a la Escena Canterbury como Barbara Gaskin, una de las voces femeninas que formaron The Northettes, el trío vocal que contribuyó en los dos álbumes de estudio de Hatfield And The North; Didier Malherbe, saxo y flauta...y entre otros, la voz de Richard Sinclair.

En el año 2010 nuestro protagonista realiza otra colaboración destacada.  Será con unos paisanos británicos que responden al nombre de Doubt,

trío de jazz fusión con sede en Londres.  

En ese año publicaron Never Pet A Burning Dog, Nunca acaricies a un perro en llamas, un álbum en el que Sinclair colabora cantando en dos temas, escuchamos uno, el titulado Passing Cloud.

Richard Sinclair se trasladaba a finales de los años 90 a los Países Bajos pero no se asienta en ningún lugar ni de Holanda ni de Bélgica.  Será a partir del año 2007 cuando nuestro hombre encuentra un sitio amable y atractivo en el sur de Italia.  Según él, buscaba una desconexión de la música basura que dominaba los medios británicos.  Necesitaba imperiosamente un entorno que estimulara su creatividad de manera orgánica.  Conocía la campiña de Martina Franca, en la región de Apulia, en Italia.  Había pasado temporadas con su mujer y será ahí, precisamente, donde establezca su residencia, en un trullo.  ¡Ojo!  que esta es una palabra siniestra en español porque trullo es cárcel.  Pero trullo, en italiano, es una construcción tradicional de piedra con techo cónico.  Sinclair integra su vida en el tejido cotidiano local.  Su música no es parte importante de su vida, es su Vida misma, y como tal se va trenzando en el tapiz de la cultura local.  Lejos de vivir como un ermitaño, se ha convertido en una figura accesible para los músicos jóvenes de la zona, a quienes asesora y con quienes colabora  frecuentemente.  A pesar de las limitaciones tecnológicas de su entorno como la falta de conexión a internet estable, que a menudo lo obliga a gestionar su comunicación desde un iPhone, su impacto en la escena progresiva italiana fue notable.  Eso sería a partir del año 2009/2010, fechas en la que comienza una estrecha colaboración con la banda italiana original de Bolonia, Accordo dei Contrari.

El proyecto se formó en 2001.  Accordo Dei Contrari tardó varios años en desarrollar su estilo, equilibrando sus raíces en el rock progresivo de los años 70 con una nueva vitalidad y una sensibilidad compositiva instrumental propia.  

En el año 2011 el cuarteto italiano publicaba el álbum Kublai, un disco en el que Richard Sinclair colabora componiendo y cantando el tema L'Ombra Di Un Sogno.

La actividad de su amigo el guitarrista Phil Miller se vuelve a hacer notar en pleno siglo XXI.  Otro grupo en cuyo origen tuvo que ver él fue The Relatives.

The Relatives fue una banda de Jazz-Rock formada en 1988 por Jack Monck y Willem-Jan Droog tras conocerse en Londres gracias a su amigo común Phil Miller.

The Relatives

El tándem Jack Monck y Willem-Jan Droog comenzó a componer juntos e incorporaron músicos de Rotterdam y de Londres.  Se separaron al poco de existir como banda y desde 2004, The Relatives se reunieron de nuevo, realizaron giras por Holanda, Bélgica y el Reino Unido y grabaron varios álbumes.  En el año 2013 publicaron el disco titulado Virtually.  En la carpeta del álbum se especifica la colaboración de Miller y de Richard Sinclair.

Ese mismo año, 2013, Sinclair vuelve a colaborar con una banda italiana, Prophexy.

Este quinteto italiano de Metal Progresivo originaria de Bolonia, Emilia-Romaña, se formó en 1999.  Dicen que a partir de 2002 se rebautizaron como Prophecy, pero lo cierto es que si buscas información sobre el grupo va a aparecer el nombre de Prophexy.  

Sería en 2013 cuando el quinteto italiano publicaba el álbum titulado Improvviso, un disco que recoge la actuación en vivo que llevaron a cabo el 17 de marzo de 2012 en el Teatro San Sebastiano, Valli del Pasubio, Italia.  Contaron con la colaboración de Richard Sinclair en dos cortes que aparecen como Bonus Tracks.  Por cierto, creo que en la locución me equivoco y digo que en el tema que suena de este álbum, el corte Disassociation, Sinclair utiliza un efecto en la voz que ya había usado hace tiempo: es  un efecto de sonido, como si cantara estando sumergido en agua.  No es así, Error 513.  Eso sonará en un instante porque llegamos al final del programa de hoy.

Lo último que ha hecho nuestro protagonista ha sido colaborar con una banda española, de Galicia, en concreto de A Coruña, que responde al nombre de Amoeba Split.

El perfil de la música de Amoeba Split es el de un proyecto vinculado al Sonido Canterbury, lo que deja claro que da igual la nacionalidad de los integrantes, que para hacer música identificada como Escena Canterbury no es imprescindible ser de dicha ciudad inglesa, sólo hace falta hacer las cosas tan bien como demuestran estos gallegos: música que recoge esa múltiple influencia de Jazz y Rock que es el sello distintivo de la Escena Canterbury.  Richard Sinclair contactó con ellos y en el año 2024 participó en la grabación de un Single, tanto en la Cara A, ocupado por Almost cloudless, como en la Cara B, Bread For Today.  El tema de la Cara A es ese en el que utiliza el efecto como si cantara estando sumergido en agua.  Con el tema Almost cloudless cerramos este Programa Especial Richard Sinclair y 3, entrega final.  Han faltado por escuchar algún corte de los últimos discos donde ha participado nuestro músico, pero interesaba repasar sobre todo la participación más actual.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-17-03-26