Cíclope 3.0 - 01-07-25

Agueda Campanal de las Heras, inconsolable desde que se ha enterado que, dentro de poco, Cíclope 3.0 se va de vacaciones y que no podrá volver a escuchar programas nuevos hasta que vuelva, que será el primer martes de septiembre, día 2  (¡ella!)

 

Cíclope 3.0 del martes 1 de julio de 2025.  Pues sí, así es, por más que le duela a la sufrida Agueda.  Este mes tenemos 3 martes para compartir música contigo: hoy, el próximo día 8 y, el último, que será el día 15.  Aprovecharemos para adelantar el Especial Siouxsie and The Banshees en su última edición para, ya en septiembre, comenzar Especiales Discografías nuevos: el primer martes empezaremos el Especial Julian Cope y el último el Especial Marianne Faithfull.  Y aunque el Tiempo pasa con una rapidez que es una barbaridad, ya llegaremos a esas fechas y a esos programas.  Por ahora tenemos este de hoy que comienza en la ciudad de San Francisco, en California, porque nos hemos propuesto realizar un viaje en el Tiempo y en el Espacio, arrancando en Norteamérica para terminar en España, en concreto en Sevilla.  

En San Francisco vamos a hacer doblete entre los años 1968 y 1970.  En 1967, Scott McKenzie cantaba aquello que decía: "Si vas a San Francisco, asegúrate de llevar flores en el pelo".  Eclosión del mundo hippy, flores, amor y un montón de cosas más.  Y la música, como si fuera una variedad caleidoscópica de las flores raras, multiplicándose.  En 1968 la cosecha musical era tan variada y plural que resultaba imposible asimilar aquel sonido que invadía las emisoras de FM, un sonido donde las guitarras eléctricas eran protagonistas ineludibles.  Iniciamos este viaje desde el ayer con dirección al presente con una banda de aquellos años llamada Big Brother & The Holding Company.

La historia del comienza en 1965, cuando Peter Albin,

guitarrista con formación en folk y blues, 

conoció a Sam Andrew (1941-2015), un compañero guitarrista con gran experiencia en jazz, música clásica y rock. 

Albin invitó a Andrew a su casa a improvisar y decidió formar una banda.  Pronto se unieron a James Gurley,

otro guitarrista recién llegado al Área de la Bahía desde Detroit.  

Chet Helms, (1942-2005), en la foto de la derecha,  aficionado a la música y promotor de conciertos que había formado parte de la floreciente escena del rock en Austin, Texas, se convirtió en su mánager y pronto se puso a tocar en jam session de micrófono abierto en San Francisco.  Con Albin pasando al bajo y Chuck Jones a la batería, Big Brother & the Holding Company se convirtió en una atracción habitual de la sala Avalon Ballroom, un local que ya presentaba a bandas aventureras como Jefferson Airplane o Grateful Dead. 

Antes de que terminara 1966, Jones dejó el grupo y Dave Getz, en la foto de la derecha, tomó la batería, y la banda comenzó a buscar un cantante principal. Helms era amigo de una cantante había conoció de sus días en Texas, y la convenció para que fuera a San Francisco a una audición.  Esa cantante se llamaba Janis Joplin.

Joplin, en el ambiente musical de Texas, se había centrado principalmente en la música acústica hasta el momento y en la audición interpretó parte de ese repertorio.  Digamos que los músicos no quedaron impresionados por su voz.  Por lo menos, en un principio.  Pero decidieron darle una oportunidad, y apareció por primera vez en el escenario con el grupo en junio de 1966.  

Big Brother & the Holding Company comenzaron a hacer kilómetros en la carretera.  Se asentaron durante un tiempo en un club de Chicago y en septiembre de 1966  descubrieron, con pavor, que no tenían suficiente dinero para volver a casa, a San Francisco.  Necesitados de financiación urgente, cometieron un doble error: cerraron un acuerdo con un sello discográfico de Chicago, Mainstream, que publicaba principalmente material de jazz.  Esa fue la primera equivocación; la segunda, que el grupo grabó con prisas un álbum que se centró principalmente en su material acústico de bajo perfil en lugar del sonido eléctrico más pesado que se estaba convirtiendo en su sello distintivo.  El LP, bautizado con nombre homónimo, vio la luz en 1967 y para entonces el grupo ya había actuado en el Festival Pop de Monterey de ese año, 1967, donde la banda y en particular la potente voz de Joplin, se convirtió en el centro de atención de los fans y la prensa musical.  El álbum Big Brother & the Holding Company fue una decepción general pero su concierto en Monterey, que quedó reflejada en el documental Monterey Pop, es lo que trazó un rastro luminoso cuando comenzaron los ecos del nombre del proyecto a tomar cada vez más fuerza.  Fueron elegidos como cabezas de cartel cuando se inauguró el famoso Fillmore East en marzo de 1968.  Ese mismo año aparecía su segundo álbum, Cheap Thrills, titulado originalmente Sex, Dope and Cheap Thrills (Sexo, drogas y emociones baratas), que contó con la colaboración de Robert Crumb en el diseño de la portada del LP, una de las carpetas más brillantes de la historia de la industria fonográfica

El disco contiene un puñado de canciones que significaron el engrandecimiento de la figura de la  vocalista del proyecto porque a raíz de la versión de Summertime, pieza compuesta por George Gershwin, con letra de DuBose Heyward, Dorothy Heyward e Ira Gershwin concebida como aria para la ópera Porgy and Bess, de 1935, las cosas ya no serían lo mismo.  La voz desgarrada de Joplin marcó un antes y un después.  Recibía más atención por parte de críticos y comentaristas que el resto del grupo y el 1 de diciembre de 1968, Janis Joplin voló sola, formando su propio proyecto, Kozmic Blues Band, donde tocaría la guitarra eléctrica Sam Andrew, cofundador de Big Brother & The Holding Company, sin dejar de pertenecer a este otro grupo.

Suena el tema Summertime, cómo no, año 1968.  Comenzamos el programa de hoy en 1970 con un corte del LP Be a Brother, de Big Brother...etc.  El tema que abre esta edición es Keep On, con Sam Andrew al frente guitarrero y vocal.  

El tercer larga duración que grababa la banda vio la luz en octubre de 1970, el mismo mes en que Joplin moría de una sobredosis.

En la grabación intervino una figura importante en la tradición del blues y el folk norteamericano, Nick Gravenites (1938-2024).  Estuvo no sólo en la producción, también tocó la guitarra, compuso algunas canciones y las cantó como es el caso de esta otra que recuperamos, Heartache People.

Contraportada del LP Be a Brother.  En el centro, con camisa roja, Nick Gravenites; sujetando la guitarra, Sam Andrew

Desde el ayer nos venimos al presente, sin dejar el continente de América.  Nos situamos en Washington, en 1961, fecha en la que nace la compositora, cantante y guitarrista Thalia Zedek.

El nombre de Talía está relacionado con la mitología griega, ya sea como nombre de una de las Musas (Talía, musa del Teatro, de la Comedia) o como una de las tres Cárites o Gracias.  Para el caso es igual: entroncada por su nombre con las Musas o las Gracias, Thalia Zedek tiene la gracia de la música como don y virtud.  Entró en contacto con la música en la Escuela Superior Springbrook, en el estado de Maryland, donde tocaba el clarinete en la banda de la Escuela.  Fue el punto de fuga de su interés por todo lo relacionado con el arte de Terpsícore (ya que hablamos de las Musas).  Era una adolescente y el horizonte musical comenzó a ampliarse con su interés por la guitarra, primero acústica y después eléctrica.  Lo que la decidió a volcarse sobre la guitarra fue escuchar las canciones de Patti Smith.  Cuando tuvo oportunidad viajó con su hermano mayor a Nueva York, para ver y escuchar en vivo a su admirada Patti. Tras la actuación, nada fue igual.

Entre 1979 y 1980 surgen los primeros destellos, las primeras ideas sobre formar una banda.  El primer proyecto capitaneado por Thalia Zedek fue White Woman, un grupo formado por mujeres.  Duró poco y ni siquiera llegaron a grabar una demo.  

Con formación también femenina aparecía otra banda, Dangerous Birds (Thalia Zedek, primera por la izquierda).  Ellas sí grabaron un Single pero tampoco existieron mucho tiempo porque nuestra protagonista buscaba un sonido más fuerte, menos Pop, como tenían Dangerous Birds y White Woman.

Y llegó el proyecto Uzi, que sólo grabó un EP de 6 canciones, Sleep Asylum, en 1986, pero que fue el umbral para que Zedek diera un paso importante.  En 1987, tan solo un año después de la existencia de Uzi, Thalia entraba a formar parte de la banda neoyorquina Live Skull que, junto con Sonic Youth y Swans, ayudó a dar forma al término Noise Rock en los años 80, encabezando la escena musical underground Post-No Wave en Nueva York en el transcurso de esa década.

  

Entre 1987 y 2020, Thalia (primera por la izquierda) fue la vocalista de Live Skull.  

En los años 90 Zedek también estuvo en un proyecto que extendió su actividad durante unos años, y que se llamó Come, banda de rock alternativo, con base en las guitarras, en formato de cuarteto y que grabaron entre 1992 y 1998.

Come

Esta actividad la compaginaría con sus trabajos en solitario y con la Thalia Zedek Band.  Aquí en Cíclope 3.0 vamos a recuperar un par de temas suyos, empezando por Bus Stop, un corte incluido en su álbum de 2004, Trust Not Those Whom Without Some Touch Of Madness (No confíes en aquellos que no tienen un toque de locura) que tiene esta portada

Ese disco lo firmaba ella, con su nombre y apellido, acompañada por una serie de colaboradores como David Michael Curry, viola y ocasionalmente trompeta.  En este tema hace uso de la viola.  

En la actualidad, este año 2025, Thalia Zedek Band han publicado un nuevo trabajo, The Boat Outside Your Window, aparecido el 23 de mayo, un disco del que escuchamos el corte Pin.

  

Sobrevolamos el continente americano por el cono sur, el país de Chile y su capital, Santiago.  Ahí nacía un músico multinstrumentista en 1962, un músico llamado Alain Johannes.

Guitarrista, compositor, productor e ingeniero de sonido, 

Johannes  ha sido un pilar de la escena estadounidense del Rock y el Pop.  Ha escrito canciones y producido discos firmados por Chris Cornell, ha tocado, escrito y coproducido el álbum Bubblegum de Mark Lanegan.  Su extenso curriculum incluye producción, sesiones y trabajo en vivo con Queens of the Stone Age, Them Crooked Vultures, PJ Harvey, Eagles of Death Metal.  Con su esposa, la compositora, vocalista y teclista soviética Natasha Shneider, formó una banda a comienzos de los 90, Eleven, un trío que ce cerraba con el batería Jack Irons.  La producción de Johannes en solitario comienza en pleno siglo XXI, iniciando la década de los 10.

De esa discografía hemos escogido un álbum, Hum, (portada a la izquierda), de 2020, año de recuerdo especial por todo lo que tiene que ver con la pandemia del COVID-19.  Un mal año para promocionar discos pero ningún músico escogió unas fechas que iban a ser especialmente arduas para cualquier actividad relacionada con la creatividad.  Fue un año que reunió, para nuestro protagonista, una suma triste y amarga de emociones:

su esposa, Natasha Shneider, había fallecido de cáncer en 2008 y la sombra alargada de su muerte perduraba en el alma de nuestro músico; sus padres murieron después y en 2017 se tuvo que enfrentar a la muerte de un músico muy querido por él, la  de Chris Cornell.  En 2019 el mismo Johannes pasó una grave neumonía.  Se imponía la catarsis, la sublimación y surgió este álbum, Hum, del que recuperamos el tema Sealed.  

Este hombre, Alain Johannes, va a ser el que nos vaya acercando al destino fijado que es España, ciudad, Sevilla, y para ello tenemos que centrarnos en una banda nacional, afincada entre Francia y España, originaria de Sevilla y llamada Lost Satellite.

Lost Satellite (Foto de Ina Ramírez)

La banda está capitaneada por Álex Ortiz, primero por la derecha.  En septiembre de 2021 aparecía el álbum Either Way con producción de Alain Johannes.  Comienzan como trío con Álex en las guitarras, René en la batería y Eduardo, guitarra bajo.  Más tarde se les sumó Kique, Enrique Moreno, y el cuarteto estaba cerrado.

Lost Satellite al completo, con Alain Johannes a la izquierda, sentado y tocando la guitarra (Foto de Jacobo Fernández)

Este es el punto buscado, las coordenadas que nos llevan a Sevilla.  Hemos llegado al destino, que es un proyecto de música bautizado con el nombre de Cobalto.

 
Partes de ti es el título de este disco firmado por Cobalto, un proyecto ideado por el artista multidisciplinar Xan Medina, pintor, compositor, letrista, guitarra y cantante.  

Los músicos que forman Cobalto son

                         Marc Thio, batería

    

Enrique Moreno, guitarra eléctrica; Xan Medina, voz y guitarra acústica

La nómina de colaboradores está formada por el compositor, cantante y multinstrumentista Ignacio Sierra en la guitarra bajo; Clara Sunyer en los coros y José Carretero en la guitarra, percusión y piano, encargándose también de la producción.

Partes de ti es un disco formado por 6 canciones cantadas en español.  Entre los proyectos anteriores de Xan Medina, de los más cercanos en el Tiempo, está Peggy Dolls, con Xan cantando en inglés canciones con letras de Ignacio Sierra.  Ahora, en Cobalto, cuenta historias cantadas para que le entienda quien quiera prestarle atención.  Y de lo que habla es de las adicciones, de los enganches, de las dependencias.  ¿Los seres humanos buscan siempre lo positivo en sus vidas?  ¿Siempre buscan lo más apropiado, lo que más les conviene?  Las adicciones, las dependencias no se entablan sólo con sustancias nocivas, drogas, alcohol...hay una gran cantidad de situaciones que responden a un mecanismo, a una dinámica errónea.  Hay personas que buscan como pareja precisamente a quien menos deberían escoger, entablan una relación que termina, más o menos pronto, y una vez que se han quedado libres de ese toisón de plomo, buscan a otra persona idéntica, igual que la que acaba de desaparecer de sus vidas.  O las personas que se rodean de amistades tóxicas, que van a buscar y encontrar a otras amistades igualmente nocivas, y que van a continuar ampliando el círculo de toxicidad porque, para defenderse, caerán en el consumo de sustancias que ayuden a olvidar, para volver de nuevo a empujar la roca por la cuesta inclinada, como Sísifo.  A ese comportamiento negativo, a ese círculo cerrado de sin sentido, a esa búsqueda negativa es a lo que Sigmund Freud denominó pulsión de muerte, porque busca el mal para uno/una mismo/misma.  Y lo que hace Xan Medina, escribiendo estas canciones, y otras, pintando, creando...a eso es a lo que el maestro del Psicoanálisis llamó pulsión de vida, porque transforma todo lo negativo y lo reconvierte en vida.  Xan lleva muchos años aprendiendo, lo que significa que lleva mucho, mucho tiempo creando, avanzando, en un constante trabajo en progreso.  Este disco de Cobalto se sitúa en un cruce de caminos donde confluyen sus grandes influencias en la música: la beta norteamericana y la rama inglesa.  He hablado con él en varias ocasiones estas últimas semanas porque no soy músico, no sé tocar ningún instrumento, pero cuando alguien lo hace bien me doy cuenta, y cuando toca la guitarra eléctrica de forma soberbia como lo hace Enrique Moreno y la guitarra suena con esa fuerza poderosa, me deja ensimismado y la emoción llega hasta lo más hondo.  Xan me comentaba que afina las guitarras como lo hacen figuras clásicas del Blues como Robert Johnson, o Marilyn Manson, o Guns N' Roses.  Y como no sé tocar nada, me asombra que todo ese caleidoscopio suene tan extraordinariamente bien y que se traduzca en canciones como Una Parte de Ti, Voy a Dejarte, Regreso al Hogar o Vuelve, cuatro de los seis cortes que contiene el CD de Cobalto.  Todo mezclando la intervención de los tres elementos del grupo con los colaboradores que hacen posible un puñado de composiciones vitales.

Permíteme que te cuente algo relacionado con el andamiaje y tornillería del programa: hay veces en las que suena un disco, una canción, de alguien a quien conozco, alguien a quien me une amistad o nos conocemos desde hace tiempo.  Él, ella, el grupo, sacan algo nuevo y lo programo para que suenen.  Me preocupo de que ese trabajo ocupe una posición dentro del espacio pero sobre todo que, lo que suene antes o después, esté en consonancia con el trabajo de ese solista, de esa cantante, de ese grupo.  Es lo que he intentado hacer con este proyecto llamado Cobalto, que todo lo que sonara en el programa de hoy tuviera que ver con esas guitarras californianas, esas guitarras americanas tan queridas por Xan.  Es cierto que ha dado tiempo para ocuparnos únicamente de uno de los dos ascendientes que inciden sobre Cobalto, la beta americana, pero ya en otra ocasión rescataremos otras hebras de esa trenza de influencias.

Xan Medina

  

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-01-07-25

Diego A. Manrique

 

Diego A. Manrique (Foto de Christian González)

La recomendación de lectura que traemos hoy al blog es el libro El mejor oficio del mundo, firmado por el periodista musical Diego A. Manrique, que ha trabajado en prensa escrita, televisión y sobre todo en radio.  Sigue activo, aunque en el caso de la radio no realiza actualmente ningún espacio, cosa que, como comentaba hace poco en una entrevista en TVE, echa de menos.

  

El mejor oficio del mundo está estructurado en siete bloques titulados Estrellas lejanas y cercanas, Un oficio raro, Por las Américas, En el dial, Cuando había programas musicales en televisión, El vicio secreto y Cartas marcadas.  Esos siete capítulos se diversifican, cada uno, en 45 crónicas que han ido apareciendo durante los últimos 10 años en las páginas de Cuadernos Efe Eme, la publicación trimestral editada por Efe Eme, con formato de libro-revista dedicada a la historia y cultura musical, no a las turbulencias de las novedades musicales.  Esas crónicas revisitadas, pulidas para la ocasión, donde habla de aspectos relacionados con la música y sus intérpretes, sobre programación especializada tanto en radio como en televisión, las áreas personales de algunas figuras del mundo de la música, todo eso y más es el contenido de este libro escrito con ese estilo y formas de expresión que han caracterizado la labor de Diego A. Manrique.  No tiene pelos en la lengua para hablar claro y conciso de quien sea o lo que sea, pero siempre dejando un perfil de respeto.  Recuerdo que, John Lydon, el Terrible, hablando del Pop, del Rock, ha dejado opiniones repletas de aristas como cuando afirmó que, David Bowie, a la hora de cantar, lo único que había hecho era robar el tono dramático, operístico, de Peter Hammill.  La audiencia más fundamentalista se rasgó las vestiduras.  Diego acepta el devenir de la música y el Duque Blanco bebió de aquí y de allá para construir su universo.  Pero cuando habla de Bowie no deja de reconocer cómo recogió ideas de aquí y de allá y al Duque lo denomina "la urraca Bowie", que me parece un calificativo excepcional, por todo lo que sintetiza.  

La figura de Diego A. Manrique resulta entrañable para tantos y tantas que venimos de la era analógica y que hemos seguido sus diferentes intervenciones en los medios en los que ha participado.  En mi caso, lo primero que conocí de Diego fueron sus crónicas en aquella publicación de tan querido recuerdo: Disco Exprés, allá por 1970/71.  Después llegarían los tiempos de Radio 3, su programa Aeropuerto Internacional que empezaba con el tema "John Barry" de The Godfathers como sintonía.  Más tarde sería El Ambigú, y continuarían sus crónicas sobre música, disecciones de discos, siempre sin pelos en la lengua pero con un tacto extraordinario para llamar a las cosas por su nombre.  Ahora, después de 12 años sin publicar un libro (su producción en este formato es amplia) aparece esta obra editada por Efe Eme con una ilustración en la portada debida a Mauro Entrialgo.

Sin lugar a dudas, una lectura recomendable en cualquier momento y lugar.  De verdad, merece la pena.

Cíclope 3.0 - 24-06-25 - Especial Siouxsie and The Banshees # 9

Siouxsie Sioux en 1995

Cíclope 3.0 del martes 24 de junio de 2025.  Novena entrega del Especial Siouxsie and The Banshees que, el próximo mes de julio, llegará al final con la edición Número 10.  Hoy nos centramos en dos álbumes: uno, firmado por Siouxsie and The Banshees, el otro, por el proyecto paralelo formado por Budgie y Siouxsie Sioux, conocido como The Creatures.

Comenzamos con el proyecto madre y su álbum de 1995, The Rapture.  Nadie se podía imaginar que iba a ser el testamento sonoro del grupo, el último álbum que grababan en estudio.

El disco aparecía el 16 de enero de 1995 y a lo largo del año harían las galas de promoción correspondientes.  La formación es la misma que apareció en los dos álbumes anteriores: Peepshow de 1988 y Superstition de 1991.  Para esta ocasión contaron con un productor de talla excepcional como John Cale.

   

Siouxsie y John Cale

Cale no produjo el disco entero.  De los 12 cortes que lo forman, él se encargó de 5, los 7 restantes los produjo la banda.  El álbum fue extraordinariamente bien acogido por un sector con quien, particularmente, no me siento nada identificado porque, este último trabajo fue aplaudido como algo novedoso ya que Cale había conseguido que Siouxsie y compañía sonaran...felices.  Imagino que es sinónimo de vacío porque lo que logró es que tuvieran la misma presencia sonora que cualquier otro grupo, algo que era lo opuesto a lo que la banda había hecho desde que se formó allá por 1976.  Cale hizo también alguna que otra mezcla de algunas canciones, e incluso cantó con Siouxsie aunque esto no quedó registrado en disco oficial (seguro que habrá algún bootleg que recoja el momento).  Sí apareció en la reedición del disco del año 2014 que se publicó acompañado de un DVD con video-clips y actuaciones en vivo, donde estaba el galés dorado.

La grabación y composición de The Rapture se lleva a cabo entre 1993 y 1994, en dos tandas que se realizan en casa de Siouxsie Sioux y Budgie, cerca de Toulouse, en Francia.  Las mezclas finales se harían en estudios de Londres.  La última canción que grabaron durante esa primera sesión en 1993 fue The Double Life.  Era finales del mes de abril, estaban terminando de pulir el tema cuando ocurrió un hecho que zamarreó a Siouxsie: se enteró del fallecimiento del guitarrista de las Arañas de Marte de David Bowie, Mick Ronson (1946-1993), a quien admiraba profundamente.  A última hora, Siouxsie le pidió a Jon Klein que añadiera un solo de guitarra (la banda normalmente no quería solos) a la canción The Double Life, como homenaje a Ronson.

El año 1995 se cerró con la disolución de uno de los grupos más carismáticos de la New Wave londinense.  Parte de la crítica, que no de la audiencia, se dolió de que, ahora que se habían vuelto más asequibles al oído, desaparecían como proyecto.  Pero la creatividad de la Suprema Sacerdotisa del Rock Gótico no se iba a quedar en el pabellón auditivo de esos oídos de escayola.  Budgie y ella, ahora libres de compromiso alguno con el proyecto madre, se dedicaron de pleno a darle vida a su otra idea, The Creatures, que en 1999 publicaban su tercer álbum de estudio, Anima Animus.

   

Dos diseños diferentes para un mismo disco, portadas y contraportadas.

Susan Ballion y Peter Clarke continuaron con sus pseudónimos artísticos cuando en 1981 formaron The Creatures como alternativa al proyecto principal Siouxsie and The Banshees.  Jamás dejaron que interfiriera sobre la idea principal.  Grabaron por primera vez en 1983.  Siguieron en 1989 con una segunda entrega grabada en estudio.  En 1991 formalizaron su relación sentimental y contrajeron matrimonio.  Cuando se producía una pausa en el proyecto madre, Budgie y Siouxsie reaccionaban con creatividad y fuerza.  

Boomerang, de 1989, lo grabaron en España, en Jerez de la Frontera, en Cádiz.  El disco era una muestra clara, transparente y diáfana de la capacidad creativa de ambos.  En la foto, posando en un campo de girasoles, instantánea de Anton Corbijn.  

Ahora, en 1999, aparece un trabajo que los sitúa en un punto superior a las últimas producciones, al menos los dos últimos discos, del proyecto principal del que venían.  Porque Anima Animus es, otra vez, una transformación de la energía compositora y de la capacidad interpretativa de ambos.

Tanto uno como otro se encargan de todos los instrumentos, exceptuando la guitarra eléctrica que está en manos de Knox Chandler (a la izquierda), guitarrista norteamericano relacionado con el Post-Punk y la New Wave de principios de los años 80 en adelante.

El título de este disco de The Creatures, Anima Animus, está relacionado con la psicología analítica de Carl Jung.  Ánima y ánimus son arquetipos que representan la parte femenina y masculina respectivamente, dentro del inconsciente individual de cada persona.  El ánima es la imagen femenina en el inconsciente del hombre, mientras que el ánimus es la imagen masculina en el inconsciente de la mujer. Estos arquetipos influyen en las relaciones y en la forma en que nos percibimos a nosotros mismos y a los demás.

Anima Animus comenzó a gestarse en 1995, el mismo año en el que el proyecto principal firmaba el álbum The Rapture, que sería la despedida del grupo.  Trabajaron en su casa cerca de Toulouse, en Francia, y el 16 de febrero de 1999 salía el larga duración.  Hubo adelantos en formato de Single como por ejemplo el sencillo 2nd Floor, publicado en 1998.  Quienes no quedaron contentos, no poco sino nada, con respecto al último álbum de Siouxsie and The Banshees, con el de The Creatures encontraron o se reencontraron con la Sacerdotisa creativa, sin el maquillaje de aquella, y ni falta que le hacía, porque sigue viva, buscando, experimentando, con la voz potente, escribiendo a medias con Budgie temas como Say, que suena con pasión.

El programa de hoy lo ocupan 6 canciones de The Rapture y otras 6 de Anima Animus.  El mes que viene, julio, cerraremos este Especial Siouxsie and The Banshees.  Por hoy aquí tienes la edición número 9.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-24-06-25

Cíclope 3.0 - 17-06-25 - Especial Richard Sinclair # 2

Richard Sinclair

Cíclope 3.0 del martes 17 de junio de 2025.  El mes pasado, un día, escogimos para recordar la figura del guitarra bajo y cantante Richard Sinclair.  Recordarlo no porque ya no esté entre nosotros, sino por todo lo contrario, porque está vivo, porque sigue tocando y participando de proyectos con otros músicos.  Por eso, por su labor como músico, compositor e intérprete, por la calidad de su buen hacer, decidimos dedicarle un espacio.  Lo que ocurre es que hay tanto material que una hora se queda corta y por lo tanto había que ampliarla otra más, otro día, para abarcar lo máximo posible.  Al finalizar esta de hoy nos dimos cuenta que inclusive hace falta un programa más, y ese ya lo haremos después de las vacaciones de verano, a pesar de que en la locución te asegure que volveremos con Sinclair un martes del mes de julio.  Ya hablaremos de eso en su momento.  Vamos a desarrollar el contenido del espacio de hoy que comienza donde terminábamos la primera entrega, con la banda Hatfield And The North.

De izquierda a derecha, Richard Sinclair, guitarra bajo y voz, Dave Stewart, órgano, piano eléctrico, Pip Pyle (1950-2006) batería prolífico que pasó por diferentes proyectos del conocido Sonido Canterbury y Phil Miller (1949-2017) guitarra que también participó del Escenario Canterbury.  En verdad, los cuatro músicos pasaron por diferentes formaciones, además de elaborar una actividad en solitario.  Sinclair, en el seno de Hatfield And The North, tocaría también la guitarra eléctrica.

Haciendo un poco de historia, el proyecto se forma en 1972 y entre 1974 y 1975 grabaron dos álbumes que son un manual de lo que significó la comunidad musical de Canterbury: Hatfield and The North, del que escuchamos un fragmento amplio la edición anterior de este Especial, y The Rotters' Club, con el que terminábamos aquel programa.

En el LP, además de los cuatro miembros del grupo, hay una lista de colaboradores muy interesantes:

Tim Hodgkinson, saxofonista, clarinetista, pianista y compositor de jazz inglés, originario de Salisbury.  Tocó el saxofón alto en un grupo de poesía y happenning de jazz libre.  Se unió a Fred Frith y formó Henry Cow en octubre de 1968.  Tocó brevemente en Barcelona con el cantante Pau Riba.

Jimmy Hastings

(1938-2024), flautista, saxofonista y músico de sesión británico.  Tocó con numerosas bandas de la escena de Canterbury, entre otras Caravan.  

Mont Campbell, multiinstrumentista británico.

Lindsay Cooper (1951-2013), fagotista y oboísta, compositora y activista política inglesa.  Conocida por su trabajo con la banda Henry Cow, y más recientemente por su colaboración con David Thomas and the Pedestrians. Colaboró ​​con diversos músicos, como Steve Hillage, Robert Wyatt, Chris Cutler y con grupos como Egg o Hatfield And the North.  Cofundó The Feminist Improvising Group.  A Cooper le diagnosticaron esclerosis múltiple en 1991, pero no lo reveló a la comunidad musical hasta 1998, cuando su enfermedad le impidió actuar en vivo.

Las voces de coro las firman The Northettes, un trío femenino que ya aparecían en el primer disco de Hatfield And the North y que aquí aparecen de nuevo rebautizadas como The Very Wonderful Northettes

Son, de izquierda a derecha, Ann Rosenthal, Amanda Parsons y Barbara Gaskin.

Son 4 cortes los que escuchamos del segundo disco de Hatfield And the North para pasar a la siguiente metamorfosis de Richard Sinclair, la que va desde los años 1977 a 1979, periodo de tiempo en el que nuestro protagonista pasa a formar parte de una banda de renombre: Camel.

El primer disco de Camel donde interviene Sinclair será Rain Dances, publicado en 1977.  La gira internacional de promoción de este disco, supuso un empujón fuerte para la banda, tanto es así que, al año siguiente, en 1978, aparecería un doble LP que recoge el sonido de Camel en directo.

Con el título A Live Record, el disco recoge tres etapas del proyecto en el Tiempo, comprendidas entre los años 1974, 1975 y 1977.  Las actuaciones que recoge el LP se grabaron en la Unidad Movil de los estudios Basing Street.  Se dieron en Inglaterra y, un dato curioso, todas se llevaron a cabo en el mismo mes, octubre, de las tres fechas citadas.  El disco 1 está formado por actuaciones en el Hammersmith Odeon de Londres; Colston Hall, Bristol; Universidad de Leeds y sala Marquee de Londres, actuaciones todas realizadas en octubre de 1974 excepto algún pasaje que se corresponde con la gira de promoción del álbum Rain Dances.  

El disco 2 está íntegramente ocupado por la interpretación en vivo del disco The Snow Goose, de 1975, realizada en el Royal Albert Music Hall de Londres con la compañía de la Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por David Bedford.

La reedición remasterizada de este LP en CD, en 2002,  recupera muchos de los temas que en su día quedaron fuera de la primera edición, especialmente los correspondientes a la gira de 1977.  Esto provoca un cierto desorden en algunas bases de datos porque, en 1978, se publican dos discos de Camel, este y Breathless.  ¿Cuál se publica primero?  Habitualmente te encuentras Breathless y después A Live Record.  Otras veces, es al contrario.  Parece más lógico que primero fuese la edición del álbum en vivo y tras este el álbum Breathless, sin embargo fue al contrario, por motivos comerciales.  Así que, Sin aliento, veía la luz y representó la despedida de Sinclair del seno del grupo Camel.  Nuestro hombre siempre ha tenido una virtud: retirarse antes de que se pueda estropear cualquier aspecto.  Sus intervenciones, colaboraciones, son breves.  Un par de discos, como mucho tres, actuaciones en vivo con el proyecto que sea, las necesarias, y cambiamos de sitio, de posición, de contenido.  Y hablando de cambios:

año 1980, nuestro hombre recibe la llamada de un amigo, Alan Gowen (1947-1981) a la izquierda, para formar un cuarteto sin intención de perdurar, tan solo para grabar un disco.  Gowen fue un teclista brillante tanto en el Rock Progresivo como en el Jazz.  Elemento clave en aquella escena Canterbury, formó la banda de Jazz-Fusion, Gilgamesh y National Health, uno de los proyectos con mayor vertiente jazzística del Sonido Canterbury.  Por desgracia no alcanzó nunca la atención que disfrutaron otros teclistas como Mike Ratledge de Soft Machine, Dave Sinclair de Caravan o Dave Stewart de Egg, Hatfield and the North y National Health.  Su relativamente pequeño volumen de trabajo revela sin embargo una sensibilidad indagadora y exploratoria que podría haberle obtenido un reconocimiento artístico más amplio e incluso un reconocimiento de su impacto en los músicos actuales que se extienden hasta el siglo XXI.  Pero por desgracia murió de leucemia en 1981.  Nacía en agosto de 1947 y falleció en mayo de 1981, es decir, con 33 años, la misma edad con la que murieron figuras como Alejandro Magno o Sansón.  Así que el álbum Before A Word Is Said, fue de las últimas actividades en las que intervino Gowen.  El disco se grabó en el apartamento que tenía el músico en Londres y contó con 

Phil Miller (1949-2017) a la guitarra eléctrica.  Ya se ha indicado algunos detalles de él cuando aparece fotografiado junto al resto de miembros de Hatfield And The North.

Trevor Tomkins (1941-2022) batería británico de Jazz.

El cuarteto se cerraba con Gowen en los teclados y Sinclair en la guitarra bajo y voz.

De este disco escuchamos el corte Umbrellas, original de Sinclair.

En la locución del programa te aseguro que el próximo mes de julio terminaremos con este Especial dedicado a Richard Sinclair pero tengo que corregir: no será en julio esa prometida tercera entrega sino después de las vacaciones de verano.  El motivo es porque este año nos marcharemos antes de vacaciones y de las 5 semanas que tendrá el mes de julio estaremos tan solo 3.  Pero volveremos con nuestro protagonista antes de que finalice el año.  Seguimos donde estábamos, a principios de la década de los 80, situándonos ahora en una fecha importante: 1981, año en el que el guitarrista, guitarra bajo y cantante Pye Hastings decide reunificar el proyecto Caravan llamando a los miembros originales.  Se vuelven a encontrar y se meten en los estudios de grabación, dando como resultado un álbum titulado Back to Front, que se grabaría entre noviembre de 1981 y enero de 1982.  Creo recordar que el LP aparecía ese año, 1982, pero algunas informaciones dicen que fue publicado en 1983.  Año arriba, año abajo...o será el calor, la caló, como decimos por aquí por el Sur, la que me hace bailar las cifras.  Sea como sea, Caravan, los originales (teclados Dave Sinclair, guitarra y voz Pye Hastings, batería Richard Coughlan y guitarra bajo y voz Richard Sinclair) se volvieron a reunir y sacaron un trabajo nuevo, grabado entre los meses de noviembre de 1981 y enero de 1982, un disco titulado Back to Front.

De este álbum de reunión nos quedamos con un tema original en texto y música de nuestro protagonista, el corte titulado Back To Herne Bay Front.

Richard Sinclair estuvo en aquella especie de escuela/taller musical como fue el proyecto The Wilde Flowers, génesis de lo que se conocería como Escena, Sonido Canterbury.  Fueron los hermanos Hopper, Brian y Hugh, los que iniciarían el crisol que, en poco tiempo, se convirtió en un generador de sonido y expresión musical.

Hugh Hopper (1945-2009) fue conocido como el bajista eléctrico de Soft Machine durante su etapa más creativa y aclamada por la crítica, pero su carrera musical se extendió mucho más allá de su tiempo con ese grupo.  Podría decirse que manifestó el espíritu progresivo de la escena de Canterbury, al menos en el aspecto instrumental, durante más tiempo que cualquier otro músico: desde finales de los 60 hasta casi el final de la primera década del nuevo milenio, un período que abarcó más de 40 años, aunque se tomó un breve descanso de la música.  Multiinstrumentista, inquieto e interesado por todo lo que estuviera relacionado con la música más progresiva, Hugh Hopper trabajó con nuestro protagonista en varias ocasiones porque coincidieron en grabaciones y en actuaciones en vivo con otros músicos, y también porque ambos grabaron conjuntamente trabajos como este que nos ocupa ahora

Somewhere in France, firmado en 1983.  Ambos músicos barajan una variedad amplia de instrumentos, sin ceñirse sólo y exclusivamente a los suyos, los que les identifican como es el caso de la guitarra bajo.  De este trabajo extraemos una composición, Video Shows, con Hopper en la guitarra bajo y autor de la letra y Sinclair en la guitarra eléctrica y voz.

Y sin remedio llegamos al final del programa de hoy, a este Especial Richard Sinclair número 2.  El cierre lo ponemos con el álbum Split Seconds original del guitarrista Phil Miller.  Ya ha quedado indicado que Miller fallecía en el año 2017, en pleno siglo XXI.  En 1987 publicaba ese disco cuya carpeta reproduce la foto anterior, y que contó con algunas figuras de la música de Canterbury, entre otros su amigo Richard Sinclair

y la vocalista Barbara Gaskin, la voz que había pasado por Spirogyra y que formó parte del trío The Northettes junto a Amanda Parsons y Ann Rosenthal, el combo que se separó cuando Hatfield And The North dejaron de existir como grupo.

Cerramos con Dada soul, Alma dadaísta, un tema original de Miller que reúne a viejos amigos como Dave Stweart en los teclados y nuestro protagonista, Sinclair, en la guitarra bajo y voz.

Sí, volveremos con él, con Sinclair pero será después de las vacaciones de verano, allá por el mes de septiembre, octubre...  Por ahora nos despedimos de ti hasta la semana que viene.

Espero que te guste el programa.

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