Cíclope 3.0 - 13-10-26

 

De la serie “Durmientes del Parque de María Luisa de Sevilla” El matrimonio formado por Beltrán Azoz Valdellós y Melisenda Landaeta Urquijo, de visita en Sevilla durante el mes de octubre. Desesperados por el calor reinante a las puertas del otoño, decidieron reposar el almuerzo a la sombra de la vegetación del Parque de María Luisa.  Nótese la confianza de él: se quitó hasta los zapatos porque tenía los pies molidos de tanto andar.

Cíclope 3.0 del martes 13 de octubre del año en curso, 2026.  Comenzamos esta edición con aires cinematográficos.  Una perla para los amantes del género conocido como Serie B es, sin lugar a dudas, es la cinta titulada Creature With The Atom Brain, La criatura con el cerebro atómico,

  

de 1955, dirigida por Edward L. Cahn y con guión de Curt Siodmak.  Habitualmente una adaptación cinematográfica parte de una obra literaria.  Sin embargo en esta ocasión el guión de la película dio pie a un libro de título homónimo escrito por Jim Morton.  Tanto el guión de la película como la obra literaria narra la historia de un gánster que une fuerzas con un científico loco para vengarse de los hombres que lo enviaron a prisión, utilizando para ello cadáveres reanimados mediante rayos atómicos.  La criatura con el cerebro atómico suele citarse como una de las fuentes de inspiración para el clásico de George Romero, La noche de los muertos vivientes.  Y toda esta información porque el comienzo de esta edición está ocupado por una banda de rock alternativo bautizada así, Creature With The Atom Brain, originales de Amberes, Bélgica, que tomaron su nombre de una canción titulada así, escrita e interpretada por el psicodélico Roky Erickson acompañado por la banda The Aliens e incluida en el LP The Evil One de 1981, composición que sí se inspiró en la película de 1955.

   

Resuelto el copyright de quién fue quien escribió aquella canción que sirvió para que un cuarteto de músicos amberinos o antuerpienses se bautizaran, Creature With The Atom Brain (en la foto anterior) arrancaron en el año 2003, capitaneados por su fundador, Aldo Struyf (en la foto, con un botellín de cerveza en una mano, dando una última calada a un cigarrillo).  Se encargaba de cantar, de la guitarra eléctrica y los teclados.  Había otro guitarrista, un bajo y un batería.  Grabaron un par de EPs entre 2005 y 2006.  Después ampliarían las propuestas musicales, caracterizadas por un perfil marcadamente psicodélico.

En el año 2012 publicaban The Birds Fly Low, el álbum con el que hemos empezado esta edición de Cíclope 3.0 y que incluye el tema Hit The Sky.  

Unos cuantos años antes, en 2007, la banda publicó el trabajo I Am The Golden Gate Bridge, un disco con cortes como el que recupera el Cíclope, Is That Lady Sniff?

Durante un breve periodo de tiempo, el fundador del proyecto, Aldo Struyf, estuvo colaborando con Mark Lanegan, tocando en su grupo y acompañándole en las actuaciones en directo.  Eso sucedió poco después de que Lanegan se llevara a Creature With The Atom Brain como teloneros en su gira europea del año 2012.  El cuarteto belga se había granjeado una cierta popularidad que hizo que músicos como Chris Goss, guitarra y líder de Masters of Reality, produjera el álbum del año 2010 titulado, Transylvania, pero la historia de esta Criatura terminó en 2015.  Aldo Struyf inició otros caminos, pero eso es otra historia.  Ahora, aprovechando que hemos iniciado un espacio psicodélico vamos a seguir por ahí con una aventura sonora muy interesante.

¿Te acuerdas de este hombre de la foto a la izquierda?  Es Jah Wobble, bajista, cantante, poeta y compositor inglés.  Su nombre real es John Wardle, lo de Jah Wobble surgió de la pronunciación arrastrada y confusa de su amigo y también músico Sid Vicious.  Vicious tenía una borrachera soberana y al pronunciar el nombre y apellido de John Wardle quedó de esa forma, Jah Wobble.  Le hizo tanta gracia al ínclito John Wardle que adoptó la deformación sonora de su apellido y nombre como alias artístico.  Desde entonces se le reconoce en los créditos de los discos de PIL (Public Image Limited), en discos de Peter Gabriel, y en un número largo de colaboraciones así como de proyectos ideados por él.  Hace unos años contrajo matrimonio con la compositora china Zi Lan Liao

una virtuosa y aclamada intérprete de guzheng, un instrumento tradicional de cuerda chino, a menudo llamado arpa o cítara china.  Nacida en Cantón, China, comenzó a tocar el instrumento a los tres años.  A los 15 se mudó al Reino Unido, donde estudió en la prestigiosa Chetham's School of Music y en la Royal Academy of Music.  Está considerada como una de las figuras clave en la fusión de la música tradicional china con la música occidental experimental.  Ha colaborado, entre otros, con Peter Gabriel.  En la actualidad ejerce como Directora Ejecutiva y Artística de Pagoda Arts en Liverpool, una organización cultural enfocada en promover la herencia asiática.  Allí, en Liverpool, dirige la Pagoda Chinese Youth Orchestra, la orquesta juvenil china más grande de Europa.  Y en Liverpool nos vamos a centrar porque nos vamos a quedar con lo último que ha hecho Jah Wobble, el álbum Mystic Liverpool: The Beatles Psychedelic Psongbook

 

Liverpool místico: El cancionero psicodélico de los Beatles está firmado por Jah Wobble y Tian Qiyi

Wobble en el centro de la foto.  A ambos lados, el dúo Tian Qiyi: Charlie Tian Yi Wardle, izquierda; John Tian Qi Wardle, derecha.  Los dos son hijos de John Wardle y de Zi Lan Liao, y forman el dúo Tian Qiyi que, junto a su padre, realizan este curioso homenaje a los Beatles más psicodélicos.  El álbum está formado por 10 canciones de las que 4 son originales de George Harrison, 5 del tándem Lennon/McCartney y 1 firmada por los cuatro (es el tema instrumental Flying del disco Magical Mystery Tour).  El Cíclope extrae un tema del binomio Lennon y McCartney, Tomorrow Never Knows, y uno firmado por Harrison, Love You To.  

La cito en la locución del programa, la película documental George Harrison: Living In The Material World de Martin Scorsese, del año 2011.  Merece la pena, a pesar de la falta de subtítulos en español ni en ningún idioma que no sea inglés.

Y como estamos con Harrison vamos a recuperar un corte del doble White Album de los Beatles, una de las composiciones de las 4 que incluyó él, la misteriosa Long, Long, Long.  

De esa canción, no hace mucho, apareció una versión muy interesante en el mundo del Jazz, en un disco titulado Day After Day.  La hizo un guitarrista llamado Ben Morder.

Ben Morder nació el mismo año que los Beatles publicaban el single con Love Me Do, es decir, 1962.  Comenzó tocando el violín y con 11 años se pasó a la guitarra.  Suena como si perteneciera a la escudería del sello ECM, pero hasta el momento trabaja con diferentes casas discográficas.  Es un músico con registros amplios.  Tal vez te suene su nombre porque estuvo en la banda que acompañó a David Bowie en su último disco, Blackstar.

En el año 2019, Morder publicó Day After Day, un álbum doble donde incluye una versión muy interesante del tema Long, Long, Long de George Harrison que es por lo que suena hoy en el programa.

Ahora vamos a seguir la trayectoria de este vector, el que realiza versiones, y para ello nos trasladamos hasta Metairie, en el estado de Luisiana, Nueva Orleans.  Allí, en 1986, nacía un muchacho que responde al nombre y apellido de Jon Batiste.

 

Comenzó a tocar la batería y percusión con 8 años.  Cuando cumplió 11 cambió al piano, siguiendo las sugerencias de su madre.  Recomendaciones no le iban a faltar, porque estaba rodeado de músicos:

Lionel Batiste 

(1931-2012), tío de Jon.  Batería, vocalista.  Estuvo al frente de Treme Brass Band.

Milton Batiste 

(1934-2001), tío de Jon.  Trompeta, fliscorno, cantante y líder del proyecto Olympia Brass Band.

Russell Batiste Jr., primo de Jon, virtuoso de la batería.  Una de las figuras más influyentes del Funk moderno de Nueva Orleans.  Desgraciadamente falleció demasiado pronto (1965-2023) víctima de un ataque al corazón.

Con ese árbol genealógico, Jon Batiste desarrolló sus habilidades como pianista tomando lecciones de música clásica y transcribiendo canciones de videojuegos.  Esa fue la base desde la que parte el arcoiris musical de Batiste.  Entre otros estudios realizados por nuestro hombre estuvo en la Juilliard School de Nueva York, donde contactó con otros músicos jóvenes, encuentro que dio lugar al proyecto Stay Human, un crisol de música Funk y Jazz.  ¡Ojo!  No equivocar con el álbum Stay Human del músico Hip-Hop y activista, Michael Franti.  Junto a su banda, Spearhead, firmó, en el año 2001, el álbum titulado así.  

Jon Batiste ha realizado homenajes en vivo a Fats Domino y Chuck Berry, puro Rock & Roll, y se ha revestido solemnidad para interpretar a los clásicos y nunca mejor dicho porque ha tomado las partituras de compositores de la época de la historia de la música que se conoce así, período clásico, como por ejemplo Beethoven.

El 15 de noviembre de 2024 se publicaba el primer volumen de la serie Piano de Batiste.  Fue el subtítulo con el que se publicaba el disco Beethoven Blues.  Te voy a confesar una cosa: hallar obras así me da una alegría inmensa, no solo por descubrir un trabajo tan luminoso, sino porque discos así hay que compartirlos con personas que encuentran que estos mestizajes eclécticos son parte de los muchos caminos de la Vida, con mayúsculas. Poder tener este rincón en Radio Tomares desde el que se emite Cíclope 3.0 es tener la oportunidad de hacer partícipe de la buena Música a personas que no conozco pero que sé que están ahí, que estáis ahí, al otro lado.  Lo he dicho en otras ocasiones: la gente comparte los filetes empanados, la tortilla de patatas...pero no sabe compartir la música, o la lectura, porque te pueden pedir prestado un libro, pero no te lo devuelven.  Y los discos...¡puff!  No veas.  ¿No te ha pasado alguna vez que has ido a comer a un bar o a un restaurante y quienes han compartido contigo la mesa no han sido personas muy comilonas?  Ellos, ellas, pican un poco, pero muy poco, de verdad, no tengo ganas...y al final, menos mal que estaban inapetentes, porque un poco más y no pruebas la ensaladilla rusa.  O el postre, que nadie quiere tarta de queso, pero eso sí, lo mismo cogen una cucharada.  Y una cucharada es lo que llegas a saborear.  Compartir...aburrimiento insomne de apetitos necesitados de psicoanálisis.  En fin, volviendo a lo que importa: Jon Batiste sentado al piano y sobre el atril, Beethoven.  Las anotaciones que realiza sobre las partituras son extraordinarias, fusionando el Jazz y la música académica en un resultado final que me parece admirable.  Hoy escuchamos dos fragmentos de este disco cuya carpeta aparece líneas más arriba, empezando por el famoso Para Elisa y después suena Moonlight Sonata Blues, el sobrenombre que le da Batiste al famoso Claro de luna.  Sencillamente, tremendo.  

Insisto en el hecho de la alegría de poder hacer partícipe a otras personas de la importancia de obras de música bien hechas.  El caudal de producción es lo suficientemente amplio como para que pasen desapercibidas muchas, muchísimas obras.  La información se multiplica, las vías de acceso para adquirir datos son cada vez más plurales y en una grandísima cantidad de ocasiones se pierde mucho, demasiado.  Por eso con la mejor intención, Cíclope 3.0 intenta, dentro de lo posible, recoger algo de esa pluralidad, recordar y seguir hacia delante.  Hemos escuchado a un músico coetáneo que enreda magníficas vibraciones sobre un compositor clásico.  Ahora vamos a escuchar lo contrario: un grupo coetáneo, una canción suya con formas libres de Rock, a la que se adapta una instrumentación académica formada por dos violines, viola, violonchelo, oboe, flauta y voz. La composición es Sunshine Of Your Love, El resplandor de tu amor, de Ginger Baker, Eric Clapton y Jack Bruce, es decir, Cream.  No es el tema original interpretado por el trío, es un traje adaptado a la composición, el sastre que hace la recomposición es alguien que lleva mucho tiempo demostrando su capacidad para realizar versiones, el compositor, cantante y multiinstrumentista Ignacio Sierra, alias Dr. Soy, pseudónimo de una mente, un crisol creativo que a su vez se multiplica en diferentes alter-egos como es el caso de los intérpretes de esta versión, The Great Supplanters.  Con la voz de Dr. Soy realizan una más que interesante re-creación de aquel Sunshine Of Your Love del LP Disraeli Gears, de 1967, de Cream.

  

Y ya que hemos nombrado a Cream, probablemente uno de los mejores tríos que han existido en la Historia del Rock, los recuperamos con un tema de su primer LP.

Llevó por título Fresh Cream, se publicó en 1966 y entre otras canciones aparecía este Toad, Sapo, original de Ginger Baker (1939-2039), de nombre artístico Harry Butcher.

Así llegamos al final del programa de hoy.  Te puedo asegurar que no estaba previsto, que ha sido una coincidencia, lo cierto es que comenzábamos esta edición con Creature with the Atom Brain, una banda original de Amberes, Bélgica que, tras dos EPs y un primer álbum, adquirieron cierta popularidad en la primera década del siglo XXI, y cuyo segundo larga duración, Transylvania, editado en el año 2010, estuvo producido por Chris Goss, guitarra y líder de Masters of Reality.  Pues mira lo que son las cosas, terminamos con este cuarteto neoyorquino.

  

Chris Goss, segundo por la izquierda, lideró, a finales de los 80, esta especie de anomalía del Rock.  Anomalía porque entre los comentaristas y críticos musicales no sabían cómo catalogar su música: ¿era Heavy?, no, ¿alguna variación del Heavy?, tampoco.  Si tenían que ver con alguien era con Cream, con Led Zeppelin…vamos, lo que hemos conocido siempre como Hard Rock, Rock Duro.  Surgieron a finales de los 80, presentaron un álbum de debut, se separaron, se volvieron a unir y vuelta a separar y el año pasado, 2025, publicaron disco nuevo.  Los tres miembros de Cream participaron de diferentes proyectos y aventuras.  El batería, Ginger Baker, tocó y compuso canciones con estos Masters of Reality, que se bautizaron con el título del tercer LP de Black Sabbath.  Baker intervino en el disco de 1992, Sunrise on the Sufferbus, el segundo disco de Masters of Reality, tocando la batería y componiendo un par de cortes como este Ants in the Kitchen, Hormigas en la cocina, con el que cerramos.

Espero que te guste el programa.

Enlace: 

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-13-10-26

Cíclope 3.0 - 06-10-26 - Especial Julian Cope # 12

 

Julian Cope

Inauguramos el mes de octubre con esta edición de Cíclope 3.0 del martes día 6 con la entrega número 12 del Especial Julian Cope.

La edición anterior se cerraba con parte del álbum de la izquierda, Rome Wasn't Burned In A Day, publicado en el año 2003.  Llama la atención, en la parte inferior de la carpeta del disco, que indique que es Banda Sonora Original, algo que no es así.  El disco se concibió como una especie de sub-producto, un regalo para los asistentes a un evento musical organizado por Cope.  Durante tres días, 30 y 31 de octubre y 1 de noviembre de 2003, en el Lyric Theatre de Hammersmith, Londres, tuvo lugar una actuación de grupos donde intervinieron la propia banda de nuestro hombre con él al frente, Donald Ross Skinner en la guitarra y bajo, Anthony "Doggen" Foster también en la guitarra y bajo, Christopher Patrick "Holy" McGrail al sintetizador y Gavin Skinner en la batería.

También actuaron grupos como Sunn O))), banda estadounidense de doom metal, formada en 1996 por sus dos miembros fundadores, Stephen O'Malley y Greg Anderson, en la foto de la derecha.  Han contado con diversos colaboradores a lo largo de los años, entre otros Julian Cope.  En el evento también se proyectaron películas de actuaciones de bandas admiradas como Van der Graaf Generator y Amon Düül II.

Recuperamos un corte que quedaba por escuchar de ese Rome Wasn't Burned In A Day, el tema Shrine Of The Black Youth, Santuario del Joven Negro, que trata sobre un dios pagano armenio precristiano, que todavía se venera allí hoy en día, llamado Tukh Manukh, el Joven Negro, de ahí el título de la canción.

Tukh Manuk Shrine - El santuario de Tukh Manuk en Oshakan, Armenia

Estamos en los primeros años de Julian Cope en el siglo XXI.  Desde finales del siglo anterior proliferaron las grabaciones de conciertos en vivo con un sonido bastante malo cuando no paupérrimo.  Los bootlegs se multiplicaron y por ese motivo Cope dio su visto bueno a la edición de un álbum grabado en directo en la gira japonesa de principios de los 90.  

Live Japan '91, se grabó en vivo en 1991, en verano, en el mes de julio, en la sala Club Citta', en la ciudad de Kawasaki, en la prefectura de Kanagawa, Japón.  El sonido de la grabación es sencillamente espléndido porque recoge lo que pasó en el escenario, la música que se produjo ahí.  Los técnicos de grabación fueron japoneses y eso lo dice todo porque ellos, los japoneses, son especiales.  ¿Qué quieres que quede registrado cómo suena la actuación?  Ellos aislaron el escenario de cualquier otro sonido/ruido: no hay sonidos de público, no hay aplausos, ni vítores...solo lo que se produjo en escena aquella noche.  El disco se publicó en 2004 por un sello discográfico tan independiente que desapareció al poco tiempo.  El sello de Cope, Head Heritage, se encargó de su distribución.  Entresacamos unas cuantas canciones de la discografía de nuestro protagonista, como Hanging Out And Hung Up On The Line, dos cortes unidos East Easy Rider y Leperskin, y para cerrar este grupo de canciones en vivo, Sunspots.

Para finalizar esta edición del Especial Julian Cope Número 12 abrimos uno de los discos que aparecían en el año 2005, el álbum Citizen Cain'd.

 

La foto anterior es la portada de ese disco, un disco que puso de acuerdo a la audiencia y a la crítica especializada porque tanto unos como otros lo encontraron muy interesante, no esos discos que había lanzado Cope como Rite en 1993, Rite 2 en 1997, Odin de 1999 con una sola pieza de 1 hora 13 minutos y 45 segundos...larguísimos instrumentales, o más breves como los incluidos en Discover Odin de 2001 o Rite Now de 2002.  El recientemente inaugurado siglo XXI parecía que no contaba con Julian Cope como el artífice poliédrico y caleidoscópico que había aparecido a finales de los 70 y principios de los 80.  Para algunos, Cope se había quedado colgado de las drogas alucinógenas, pero un colgado no escribe libros biográficos como Head On de 1994, sobre sus primeros años en la música con proyectos como The Teardrope Explodes y la continuación, Repossessed de 1999, donde sigue el camino musical en solitario después de aquellas Lágrimas Explotadas.  Seguiría Krautrocksampler de 1995, una guía y estudio sobre el krautrock alemán.  Lo que más torcía el gesto de algunos seguidores era la publicación de libros como The Modern Antiquarian de 1998, el exitoso volumen sobre monumentos megalíticos en Gran Bretaña; o

The Megalithic European de 2004, un estudio similar enfocado en Europa.  Todas estas obras caracterizadas por una visión apasionada y detallada, tanto en la historia del Rock como en el estudio de sitios antiguos.  Un colgado de las drogas tiene el cerebro frito y no da de sí.

Así que ahora nos centramos en el año 2005.  El álbum Citizen Cain'd es el segundo trabajo de los cinco que ven la luz ese año.  Comienza la fecha con un disco problemático: Rite Bastard

Los músicos habituales que, entre 1990 y 2005, dejan hecho este álbum ocupado por tan solo 2 temas: So Tough - 27'06" y Too Stone - 23' 36".  Dos largos instrumentales de rock psicodélico, rock espacial y Funk.  Cuarta y última entrega de la serie Rite.

Ahora sí, el siguiente álbum sería Citizen Cain'd donde Cope recupera las estructuras de canciones para publicar un álbum que se lanza como doble, con una duración total inferior a 72 minutos, lo que quiere decir que se podría haber publicado como CD sencillo pero la razón que dio nuestro protagonista fue que el álbum resultaba demasiado agotador mentalmente como obra única, por lo que lo dividió.  Después añadió otro argumento este de carácter analógico: ¿qué se hacía cuando uno escuchaba un disco en formato vinilo?  Estabas cómodamente sentado, escuchando la cara A y cuando se acababa te tenías que levantar y poner la cara B.  Pues con el CD, igual: se termina uno y ahora pones el otro.

El título del álbum, Citizen Cain'd, es un ingenioso juego de palabras que combina la clásica película Citizen Kane, Ciudadano Kane, de Orson Welles, con la figura bíblica de Caín y un sufijo informal en inglés.  La terminación 'd, el apóstrofo seguido de la letra d, es una contracción informal del sufijo en inglés ed, que convierte la palabra en un participio cained.  Así, el sentido de la expresión alude a la idea de estar Cain-izado, marcado por el pecado o la culpa de Caín, o bien arruinado y destrozado.  En la jerga británica, cained se usa a veces para describir algo o a alguien que está agotado, castigado o consumido por los excesos.  En conjunto, el título presenta al protagonista como un Ciudadano Caín, alguien profundamente marcado, errante y cargado de conflicto interior.  De este segundo trabajo de los 5 que Cope publica en el año 2005, vamos a escuchar hoy tres temas: Hell Is Wicked, I'm Living in the Room They Found Saddam In y Feels Like a Crying Shame.  El corte I'm Living in the Room They Found Saddam In, Estoy viviendo en la habitación donde encontraron a Saddam refleja lo que se puede llamar la era de George W. Bush y Tony Blair, porque ambos mandatarios llevaban años gobernando y lideraban juntos la política internacional tras los atentados del 11 de septiembre de 2001 y la guerra de Irak.  Esto inspiró la rabia política de Cope que no permaneció impasible ante la postura de ambos políticos aunque olvidó la participación de José María Aznar, presidente del Gobierno de España por aquellas fechas y tercera figura en lo que se conoció popularmente como El Trío de las Azores.

En la próxima edición de este Especial Julian Cope, la perteneciente al mes de noviembre, terminaremos de escuchar Citizen Cain'd.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 29-09-26 - Especial Marianne Faithfull # 9

Marianne Faithfull en el año 2002
(Foto original de Mary McCartney)

La última edición de Cíclope 3.0 del mes de septiembre está ocupada por la entrega número 9 del Especial Marianne Faithfull.  Foto de cabecera hecha por una fotógrafa de renombre, Mary McCartney, la mayor de los tres hijos que tuvo Paul McCartney con Linda Eastman, es decir: Mary, Stella y James.  Mary siguió la pasión fotográfica como su madre.

Nacía en 1969 y en 1970 aparecía en la contraportada del primer LP en solitario de su padre, asomando a través del abrigo abierto.

Esta novena entrega del Especial Marianne Faithfull está ocupada por un solo álbum titulado Kissin' Time, que vió la luz el 19 de febrero de 2002.

La foto anterior reproduce el diseño original para la carpeta del disco, del fotógrafo británico Nick Night.  Viene de su proyecto artístico llamado Dolls, en el cual dejó que cuatro niños pequeños maquillaran a una modelo a su gusto y dibujaran libremente sobre las impresiones fotográficas finales.  El resultado definitivo contó con la interrelación de Night con el diseñador gráfico Howard Wakefield, dando como resultado esta portada definitiva

Faithfull había entrado al siglo XXI con el álbum Vagabonds Ways, un disco elaborado con una nómina de músicos con los que compuso canciones.  Venía de realizar intervenciones en proyectos donde se le buscó por sus capacidades como intérprete: en los 90 grabó con el productor Hal Willner que la mimó a la hora de trabajar y escoger composiciones para cantarlas; colaboró con Angelo Badalamenti; con Peter Trueblood grabó 20th Century Blues, un álbum de canciones de Kurt Weill y Bertolt Brecht.  En todas esas ocasiones participó en cada parte del proceso de grabación.  Uno de los aspectos más entrañables de Marianne Faithfull es su habilidad para reinventarse como artista, manteniéndose siempre fiel a su naturaleza rebelde e independiente, y resistiendo los cambios que experimenta la industria fonográfica, con su visión inquieta y, a menudo, temeraria.  El pasado turbulento de nuestra protagonista le ha servido para aprender a sublimar los errores y las equivocaciones existenciales que florecieron, como arriates de flores raras, en el jardín de sus días sin nombre y de tardes y noches sin esperanza.  Su voz rota le sirvió como rompehielos para adentrarse en la composición de canciones a medias con otros músicos.  Eso fue el resultado de Vagabonds Ways del año 2000, como he comentado más arriba.  En ese disco canta canciones de Roger Waters, canciones escritas por ella y el guitarrista Barry Reynolds, fiel desde que intervino en aquel Broken English de 1979.  En 2002, dos años después, vuelve a entablar un bucle creativo con una nómina de músicos más actuales, además de hacer propuestas: canciones que hablan de emociones y sentimientos vividos por ella en la época oscura de adicciones y abandono personal.  No se trata de volver sobre lo mismo, sobre el pasado que pertenece a eso, al pasado.  No, claro.  Sobre todo porque no es una vuelta sobre lo mismo, es una visión diferente sobre las situaciones, una interpretación de la oscuridad, una nueva manera y forma de las metáforas que ha ido conociendo a lo largo de su evolución y mejoría personal.  Vagabonds Way estuvo producido por Daniel Lanois, nuestra protagonista coescribió todo el material del disco y ayudó a elegir a los músicos.  Aquí, en Kissin' Time, Faithfull coescribió la mayor parte del material y se encargó de contactar con todos los artistas que aparecen en el álbum.  El sonido de este disco es completamente contemporáneo.  No hay un solo productor, cada corte tiene a alguien de la nómina de músicos que se encarga de esa función.  Hay algo que está muy claro: ninguna de estas canciones habrían resultado convincentes sin la voz de Marianne Faithfull.  También merece elogios por mantener la identidad de sus diversos colaboradores a lo largo de todo el disco.  Vamos a repasar la nómina de colaboradores, las composiciones con su presencia y el título de las canciones de la edición que manejamos en el programa, la versión extendida del año 2002 reeditada en 2023, que incluye algunos cortes extras, los típicos Bonus Tracks.

Uno de esos colaboradores que llegan a tener una mayor presencia es el hombre de la foto a la derecha, Beck.  Es quien más influyó en el sonido del álbum.  Coescribió, produjo y tocó instrumentos en tres canciones que suenan en esta edición: Sex With Strangers, Nobody's Fault y Like Being Born.  En los créditos no aparece como Beck sino como Beck Hansen, una de las formas de apodo utilizadas por él.  El apellido Hansen es el de su madre, Bibbe Hansen, artista americana de performances, compositora y actriz, hija de Al Hansen, artista nacido en Estados Unidos y vinculado a los movimientos Fluxus y Happening en la década de los 60.  Nació el 5 de octubre de 1927 en Nueva York y falleció el 22 de junio de 1995 en Colonia, Alemania.  Además de sus performances, creó una extensa obra visual que incluye una serie de piezas creativas elaboradas, de forma  íntegra, con colillas de cigarrillo.

De la banda The Smashing Pumpkins su alma máter, Billy Corgan, trabajó con Faithfull firmando dos canciones a medias con ella: I'm On Fire y Wherever I Go.  Corgan aportó esa destreza entre el Rock arrollador con un Pop alternativo oscuro e introspectivo, el sello de Smashing Pumkins, por supuesto adaptando todo a unas formas más calmadas y poperas.

El responsable del andamiaje y tornillería de un proyecto como el grupo británico Pulp es Jarvis Cocker (foto a la derecha).  Él y el resto de la banda tienen presencia en este álbum de Faithfull.  Con ella coescribe Cocker uno de los cortes más aplaudidos de este disco, el titulado Gliding Through Life On Charm.  Faithfull llevaba unos 20 años intentando escribir una canción que hablara del concepto de deslizarse por la vida a base de encanto, pero se sentía atascada con las rimas y no salía.  Un día se cruzó con Jarvis Cocker en un estudio de televisión, le dio el título del tema y le pidió que lo escribiera él.  El líder de Pulp tardó un año y medio en entregarle el borrador.  La letra acabó convirtiéndose en un retrato ácido, cínico y brillante de la propia biografía de Marianne y de la cultura de las celebridades.  

Cocker se encarga de los teclados y de la producción, además de escribir la composición a medias con Marianne.  También está presente en el tema el guitarra de Pulp, Mark Webber, y el batería también del grupo, Nick Banks.  Por cierto, estos dos, Webber y Banks, también participan de la autoría de la canción.

Voy nombrando las canciones que participan en el programa sin seguir el orden en el que suenan.  Toca hablar de la piedra de toque del disco, una canción titulada Song For Nico, compuesta entre nuestra protagonista y el músico tocado con sombrero y guitarra acústica en la foto anterior: Dave A. Stewart.

Una de las dos columnas vertebrales de Eurythmics (la otra era Annie Lennox), consigue la que, en mi opinión, es uno de los temas fundamentales de este disco.  Canción para Nico es un homenaje biográfico y empático a Christa Päffgen, conocida como Nico.  La cantante, compositora, modelo y actriz alemana, nacida en Colonia el 18 de octubre de 1938, fallecía en un accidente de bicicleta en Ibiza, Islas Baleares, España el 18 de julio de 1988.  Fue musa de The Velvet Underground y sobre todo de Andy Warhol.  Marianne Faithfull compuso la letra de la canción centrándose en la incomprensión y las tragedias que marcaron la vida de Nico, conectando con ella porque llegaron a compartir la experiencia de ser iconos femeninos de los 60 encasillados por la apariencia de su físico.  La letra de la canción arranca con el nacimiento de Christa Päffgen:

Nacida en 1938, un buen año para el Reich...sin padre en la Patria.

En el texto también habla del paso por el Londres y el Nueva York de los años 60 mencionando de forma directa a personajes clave de su entorno como Brian Jones de los Rolling Stones, el mánager de estos, Andrew Loog Oldham, por supuesto Andy Warhol y Lou Reed.  En los créditos, en el listado de las canciones, se especifica que la letra es explícita.  Faithfull no se corta ni un pelo.  Habla del amor roto, del profundo desengaño.  Ambas mantuvieron una relación sentimental con el actor Alain Delon.  En el caso de Nico tuvo un hijo que el actor nunca quiso reconocer formalmente.  Faithfull incluye una línea en la letra del tema que es clara, transparente y diáfana.  Dice, literalmente:

¿Y Delon, seguirá siendo todavía un hijo de la gran puta?

El estribillo tiene un aire melancólico, a pesar de la letra:

Ella está en la mierda, aunque es inocente.

El ayer se ha ido, solo queda el hoy, no hay mañana.

Es la música de Dave A. Stewart la que consigue arropar la visión triste y dolorida de Nico, que no deja de ser real, por muy desoladora que sea.  Marianne Faithfull explicó en su momento que escribió la canción porque se sentía perseguida por el recuerdo de Nico y sentía que compartía con ella la furiosa frustración de no ser reconocida por su propio talento musical, siendo siempre reducidas, ambas, por la prensa a simples chicas guapas o musas de hombres famosos.

Una colaboración plural es la que realiza la banda Blur.  Al igual que el caso de Pulp, Blur interviene al completo: Damon Albarn haciendo coros y unos curiosos bucles de guitarra influidos por un reciente viaje a Mali; Graham Coxon aportó unos interesantes arreglos de guitarra; Alex James tocó el bajo y Dave Rowntree la batería.  Los cuatro escribieron con Marianne el tema que le da título al álbum, Kissin' Time.  

Faithfull trabaja en este disco con músicos franceses como es el caso del dúo Les Valentins,

formado por Edith Fambuena, guitarra, a la izquierda de la foto, y Jean-Louis Piérot, teclados, a la derecha.  Con ellos nuestra protagonista coescribe e interpreta The Pleasure Song.  Este tema suena dos veces.  Lo escuchamos en dos versiones: una la original del disco, de la versión del año 2002, pero en el programa utilizamos la edición de 2023 que está ocupada por los 11 cortes originales más 7 cortes extras o Bonus Tracks.  Comenzamos con The Pleasure Song con una mezcla diferente, Rough Mix, distinta a la que aparecía en el álbum original que recuperamos después.  Entre esos cortes extras se encuentra alguno que no estuvo entre los once originales como sucede con el titulado If You Don't Touch Yourself escrito a medias con Dave A. Stewart y que aparece especificado en los créditos como Church Sessions Version.

Así llegamos al final.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/index.php/blog/ciclope-29-09-26

Cíclope 3.0 - 22-09-26

 

(De la serie “Durmientes del Parque de María Luisa de Sevilla”). Tecla Rodríguez León, lleva todo el mes de septiembre plantando bulbos de anémonas durante las madrugadas de lunes a domingo, tanto en su casa como en casa de amigas y conocidas. Es una destacada especialista en jardinería que defiende el poderoso influjo de la luz de la luna en el correcto crecimiento de las plantas. Está superada por la falta de descanso. En la foto aparece dormida como un leño esperando a una amiga a quien le ha prometido una selección de cebollas de narcisos y de jacintos (nótese el bolso que muestra estar abarrotado de dicho contenido), para plantar antes de que comience octubre.

Cíclope 3.0 del martes 22 de septiembre de 2026.  Hoy comenzamos el programa con la mirada de asombro y el fulgor que da los primeros años de la adolescencia, cuando siendo eso, unos adolescentes, escuchamos por primera vez la música de un guitarrista llamado Jimi Hendrix.

Cuando supimos de su existencia había muerto.  Este protagonista de una obra tan breve como profunda (nacía en 1942 y fallecía en 1970), concentró toda su actividad y producción entre 1966 y 1970, cinco años en los que brilló como una bola de fuego incandescente, un cometa imposible cuya trayectoria y cola perduran a pesar del paso del Tiempo.

El debut discográfico de Hendrix en formato LP sería en en el mes de agosto de 1967, cuando se publicó Are You Experienced?, el álbum firmado por el proyecto The Jimi Hendrix Experience,

con Noel Redding, guitarra bajo y voz de coros a la izquierda en la foto, y Mitch Mitchell, batería, a la derecha.

El mismo año, 1967, pero en el mes de diciembre, segundo LP de la Jimi Hendrix Experience, Axis: Bold As Love.

Este segundo trabajo se sitúa entre su salto a la fama a mediados de 1967 con Are You Experienced? y la obra maestra artística, el doble LP Electric Ladyland de 1968, que se materializó apenas unos meses después.  Las  canciones de Axis: Bold As Love no son del todo psicodélicas como ocurría en el álbum de presentación, tampoco presentan la evolución del Blues-Rock de Electric Ladyland, pero constituyen un punto de inflexión donde Hendrix exploró las diversas facetas de su identidad, centrándose en su fortaleza como compositor.  Expresa sus emociones en un arcoiris de sentimientos que se corresponden con un estado emocional y mental transido de una cierta melancolía.  Si le preguntas a un fan acérrimo o a un crítico musical puntilloso, te dirán que este disco pues...bueno...está bien, pero vamos como Electric Ladyland...nada.  Personalmente no pongo las cosas de una forma tan extrema.  El segundo disco de Hendrix y Redding y Mitchell merece la pena por sí mismo.  

Noel Redding, guitarra bajo de The Jimi Hendrix Experience, hacía voces de coros y también fue voz solista en alguna ocasión.  Las composiciones eran de Hendrix y un par de veces el compositor fue Redding.  En este álbum con el que hemos comenzado el programa hay un corte compuesto y cantado por el guitarra bajo, She's So Fine, que la rescatamos.  La segunda y última vez que Redding compuso una canción fue en el siguiente LP, Electric Ladyland.  La situación en el trío se encontraba en un estado un tanto alterado: las relaciones entre el batería y el bajo con Hendrix sufrían constantes interferencias.  Hendrix llegaba tarde a las sesiones de grabación porque se había pasado la noche de fiesta; llegaba tarde en un estado un tanto alterado...no podían seguir...  Las cosas se pusieron peor a medida que avanzaban los meses.  Llegó la grabación de Electric Ladyland y Noel Redding presenta una canción compuesta por él, la segunda y última que entregaba al proyecto.  Little Miss Strange, el tema en cuestión, era y es una canción Pop, psicodélica, con un fuerte uso de guitarras acústicas y efectos de estudio.  Hendrix apenas participó en la grabación de la base musical, dejando que Redding grabara también partes de guitarra acústica y bajo.  Cantó él, Redding, con Mitchell en las voces de coros.  La relación entre los tres se tensó por días: tanto Mitchell como Redding estaban sobrepasados con el perfeccionismo obsesivo de Jimi Hendrix en el estudio, sus ganas de improvisar con otros artistas.  Las peleas entre él y el bajista, que eran de las gordas, aumentaron las distancias y las desganas.  Además, Hendrix no grababa una o dos veces la misma pieza, la repetía cuatro, diez, treinta...las veces que hiciera falta hasta que le parecía que no se podía hacer mejor.  Los estudios de grabación se convirtieron en una especie de Sala de Fiestas  donde amigos, conocidos y una infinita nómina de visitas tocaban en jam sessions improvisadas hasta altas horas de la madrugada, con el consiguiente mosqueo del personal de los técnicos de grabación.  Noel Redding comenzó a llegar tarde o sencillamente no se presentaba, por lo que Hendrix tuvo que tocar algunas veces la guitarra bajo en el Electric Ladyland.  Aún y así, un tema compuesto por el bajista, Little Miss Strange, aparecía en el mítico Electric Ladyland, la segunda canción que Redding compuso estando en el trío.  La segunda y la última porque aunque intentó cambiar no podía con el caos creativo que reinaba en aquellas sesiones de grabación.  Redding llegaba tarde, queriendo, o desaparecía, se marchaba, y la llamada telefónica posterior de Hendrix preguntándole dónde carajo se había metido provocaban unas peleas tan sonoras que llegó el día en el que guitarra bajo y batería dijeron que se acabó, adiós.  Y se fueron.

Mitch Mitchell continuó sentado a la batería hasta que nos dejó (1947-2008).  Tocó con Jeff Beck, Jack Bruce, John Mayall & the Bluesbreakers, Terry Reid y Rory Gallagher.  En 1971 publicó un LP firmado con su nombre y apellido donde mostró su sensibilidad como autor de algunas de las letras de las canciones.  En una de ellas afirmaba: He llegado al límite, he tocado el techo de mi aislamiento y mi soledad.  Dios, ayúdame a bajar.

Noel Redding (1945-2003) tuvo vida después de pasar por The Jimi Hendrix Experience aunque para él, después de todo,  fue un handicap ya que se esperaba que cualquier cosa que pudiera hacer sonara precisamente a Jimi Hendrix y en realidad no fue así.  Sobre 1968, aún sin haberse concretado la separación del trío, ya se había formado un nuevo proyecto llamado Fat Mattress, con Noel Redding como vocalista y guitarra.

Redding, el primero por la derecha, lideraba este cuarteto que llegaron a telonear a The Jimi Hendrix Experience.  Redding cantaba, tocaba la guitarra y cuando terminaba, tomaba la guitarra bajo y continuaba sobre el escenario con Hendrix y Mitchell.  Esto duró muy poco.  Cuando Fat Mattress se volvió una realidad independiente se metieron en los estudios de grabación y grabaron un primer LP bautizado con el nombre de la banda.

Fat Mattress, de 1969, fue un disco un poco...tibio.  Ni frío ni caliente: con intenciones psicodélicas, porque los miembros del grupo iban detrás de la música habían escuchado (mucho rock psicodélico y folk-rock californiano), pero orientando todo hacia las armonías vocales. A menudo es como si buscaran hacer una amalgama de  Byrds, Buffalo Springfield, Love, con algunos guiños fugaces a la psicodelia británica de Traffic.  Pero dejan en la audiencia una sensación de buenas intenciones, de reflejar buenas vibraciones en su influencias pero el resultado es opaco, no llegan a brillar plenamente.  

Al año siguiente, 1970, el grupo vuelve a intentarlo.  Se meten en los estudios de grabación y sacan Fat Mattress 2.  No se rompen la cabeza al bautizar el nuevo disco.  Un poco más de lo mismo que habían mostrado con el álbum anterior aunque en este caso hay un tema muy significativo que se recuperó años después.  Más arriba aparece una cierta influencia poli-psicodélica, la estadounidense y la británica, en este caso por parte de Traffic.  De hecho, un ex-Traffic, Chris Wood, saxo y flauta, tocaba este último instrumento en el primer LP de estos Fat Mattress, en el tema All Night Drinker.  La banda capitaneada por Noel Redding, en la reedición del segundo disco del grupo en el año 2016, incluyeron (ellos no, está claro, la discográfica) un tema largo que solían interpretar en vivo, una composición titulada The River con una duración de 17 minutos que anticipaba, allá por 1970, las formas que después adoptó un rock más elaborado, con perfiles libres de Jazz y otras maneras.  Un corte del primer disco y este El río largo es lo que recupera el Cíclope de este cuarteto.

Tras estas turbulencias nos adentramos en terrenos más calmados, más serenos, de la mano del compositor, cantante e intérprete nacido como Iain David McGeachy pero conocido por su pseudónimo artístico, John Martyn.

Nacía en Inglaterra, en 1948.  Sería en la década de los 60 cuando se conoció a este hombre que arrancaba del Folk para conseguir un trenzado musical extraordinariamente rico formando un tejido con una trama de hilos que conectaban el folk, el blues, el jazz y el rock, con una tendencia hacia la experimentación electrónica y atmosférica.

En 1973, John Martyn publicaba el LP Solid Air.  De ese álbum rescatamos el tema que le dio título al trabajo, una composición que dedicó a su amigo Nick Drake.

Ambos habían nacido en 1948 y Drake fallecía en 1974.  Martyn lo haría en 2009.  Desde que murió su amigo, Martyn abrió todas sus actuaciones en vivo con una canción que aparece en ese LP que reproduce la foto anterior, el tema titulado May You Never, Que nunca te vayas, en memoria de Drake.

Y al citarlo, no nos queda otra que escuchar algo de él, de Nicholas Rodney Drake.

Cantante, compositor de las letras y de la música de sus canciones, guitarrista de perfil Folk, nacía el 19 de junio de 1948 en Rangún, Birmania.  Fallecía el 25 de noviembre de 1974 en Tanworth-in-Arden, Inglaterra.

Desde su adolescencia la música significó un fin en sí misma para él.  Esta influencia le llegaba, directamente, por su madre, Molly Drake, que tocaba la guitarra, el piano y además cantaba.  Para el hijo, componer música, canciones, era habitual y desde adolescente empezó a gestar ideas para formar un grupo de música con compañeros de clase.  Recién cumplidos los 18 años empezó a tratar de vencer su timidez para tocar la guitarra y cantar ante un público no muy numeroso, los asistentes a cafés donde se interpretaba música folk en directo.  Tendría unos 19, 20 años cuando, en uno de esos locales, lo escuchó tocar y cantar uno de los miembros de una institución folk británica como la banda Faiport Convention.  El joven Drake llamó la atención de ese miembro de la Faiport que no dudó en recomendar al cantante al productor Joe Boyd que, por aquel entonces, era una figura clave de la escena folk-rock británica y, además, productor de Fairport Convention y The Incredible String Band.  Boyd escuchó a Drake en directo y cuando terminó le pidió una cinta.  Había quedado tan impresionado que le ofreció un contrato al muchacho de 20 años.  Y así se comenzó a planificar lo que sería su primer LP publicado el 1 de septiembre de 1969, en el sello Island Records, bajo el título Five Leaves Left.

Para la realización de este álbum de debut, Drake contó con la colaboración de algunos músicos del mundo folk británico: Richard Thompson de Fairport Convention y el bajista Danny Thompson de Pentangle.  El disco tiene una atmósfera misteriosa y evocadora.  Los textos de las canciones se adentran en el espíritu de la melancolía.  No hay desesperación, angustia.  Hay un viso tranquilo ayudado por la voz mesurada de Drake.  Recuperamos el tema River Man.  

El disco no tuvo repercusión apenas.  Un año después, el 1 de noviembre de 1970, publicó el LP Bryter Layter.  En esta ocasión optó por arreglos de carácter jazzístico, incluso las canciones, algunas, se quedan sin letra, tan solo instrumentales.  Al igual que el álbum anterior, este no resulta nada comercial, no hay cotas de ventas reseñables.  Si Drake tenía un problema de timidez extrema que le impedía, a veces, tocar en directo, este doble fracaso en la industria fonográfica lo volvió aún más solitario y taciturno.  Cayó en una profunda depresión que a menudo le impedía componer, trabajar o incluso caminar y hablar.

El 25 de febrero de 1972 veía la luz Pink Moon, un LP extraordinariamente breve: 26 minutos y 30 segundos.  Por qué canciones tan cortas que da como tiempo total ni siquiera media hora, según Drake, porque estaba muy claro: simplemente no tenía nada más que decir, ni que grabar.  Pink Moon es la obra que lo convirtió en la figura de culto que sigue siendo actualmente.  En este disco no hay músicos de acompañamiento, simplemente Drake con su voz, la guitarra acústica y un poco de piano, grabado por su productor habitual, Joe Boyd, pero sin la intervención de nadie más.

Los últimos años de Drake estuvieron marcados por crecientes problemas psiquiátricos, que lo llevaron a ser hospitalizado durante varias semanas.  El 25 de noviembre de 1974, falleció en casa de sus padres por una sobredosis de antidepresivos.  Mucho se ha especulado con un suicidio, aunque algunos familiares y amigos lo negaron.  Drake es venerado por muchos músicos y oyentes de hoy en día, con seguidores que abarcan varias generaciones. Quienes no lo conocieron en su momento encontraron mucho que redescubrir al volver a escucharlo, y su soledad reflexiva conecta directamente con las sucesivas generaciones de artistas que comparten su sentimiento de melancolía y alienación.  Pink Moon, el tema que da título a su último álbum, se usó casi 30 años después en un anuncio de la casa Volkswagen para televisión, lo que le valió un renovado reconocimiento.

Por nuestra parte, de ese último disco de Nick Drake, recuperamos el tema Things Behind The Sun, Cosas detrás del sol.

No nos podemos olvidar del libro Nick Drake: Remembered For A While, publicado en Inglaterra en noviembre de 2014.  En España se editó, en primera edición, en octubre de 2017, en la editorial Malpaso Ediciones con traducción de Luis Murillo Fort, con el título Nick Drake: Recuerdos de un instante.

Es un magnífico volumen en tapa dura que no se corresponde con la idea de una biografía al uso.  La idea de este libro partió de Gabrielle Drake, hermana de Nick, y fue escrito por ella y Cally Callomon, gestor y custodio de la obra de Nick Drake.  El libro reúne fotos realizadas por los padres del protagonista, Rodney y Molly Drake, testimonios de quienes convivieron con el músico, por lo que se suceden artículos de prensa, noticias de periódicos, comentarios de los discos, recuerdos, cartas de amigos, de familiares, de músicos, productores, entrevistas, la edición bilingüe de las letras de sus canciones, fragmentos de sus diarios...

Vamos a cerrar esta edición de Cíclope 3.0 con una de las figuras de la música actual que confiesan tener influencia de Nick Drake.  Se trata de Robert Smith, que comentó que el nombre de The Cure proviene directamente de una línea de la canción Time Has Told Me del primer LP de Nick Drake.  Esa línea dice 

a troubled cure for a troubled mind (una cura problemática para una mente perturbada)

En la foto anterior, The Cure en 1992, el año en el que el grupo publicó su álbum Wish.

Para Robert Smith, Drake no es sólo una influencia literaria.  Precisamente en ese álbum de 1992, la canción To Wish Impossible Things, Desear cosas imposibles, captura la atmósfera etérea y melancólica de aquel primer disco de Drake, Five Leaves Left.

Pues con The Cure bajo el cielo protector de Nick Drake cerramos la edición de hoy.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-22-09-26