Cíclope 3.0 - 08-09-26

 

Canciones de marineros, piratas y otras historias

Cíclope 3.0 del martes 8 de septiembre de 2026.  Tal y como indica el texto de la foto de cabecera, el programa de hoy está ocupado con canciones de marineros, piratas y otras historias.  Comenzamos con una banda que siempre han tenido el agua como medio vital, el grupo fundado en los años 80 por un músico escocés, Mike Scott y que responde al nombre de The Waterboys.

Los Aguadores, o Los Muchachos del Agua, con la tríada fundadora del proyecto: de izquierda a derecha, Karl Wallinger, multiinstrumentista, cofundador de Waterboys a principios de los años 80 y líder del grupo World Party desde 1986; a su lado Anthony Thistlethwaite, multiinstrumentista también y cofundador de la banda, donde permaneció hasta la publicación del álbum Room to Roam en 1990.  En primer plano, con camisa blanca y gafas de sol, Mike Scott, alma del grupo que encontró el nombre del proyecto en una línea del texto de la canción The Kids, del álbum Berlín, de 1973, de Lou Reed, cuando dice: 

I am the water boy, I ain't got much to say, but my heart is overflowing each and every day.  I'm just a quiet man, Don't have much to say...

Pero el inicio de esta edición no lo ocupamos con los primeros LPs de la banda, sino con el tercero

Este disco reunió por última vez a los tres miembros originales: Scott, Thistlethwaite y Wallinger, el hombre orquesta, como le llamaba Scott y no con sentido peyorativo, sino todo lo contrario, por su extraordinario dominio no solo de diferentes instrumentos sino por su gran capacidad como compositor.  De aquel This Is The Sea de 1985, recuperamos el tema El todo interior, The Pan Within.

Así arrancamos, con el ayer de Waterboys, para conectar con su actualidad.

El 17 del pasado mes de julio aparecía Atlantic Rain: The Lost Fisherman's Blues Recordings, álbum triple que recoge material inédito de las sesiones de grabación del álbum Fisherman's Blues de 1988.

Comenzaron los ensayos y las sesiones de grabación de este, su cuarto álbum, en la primavera de 1986.  Lo completaron en 1988, tras llenar casi 400 cintas multipista.  El álbum, el más vendido de su discografía, dio lugar a varias recopilaciones con todo el material existente, incluyendo la caja de seis discos y 121 temas Fisherman's Box: The Complete Fisherman's Blues Sessions. Mike Scott, creyó erróneamente que ya no quedaba nada.  Después de que Blue Raincoat Music adquiriera los derechos de autor, Scott revisó durante más de dos años horas y horas de cintas inéditas etiquetadas como Sin título o simplemente Jams.  Seleccionó 25 temas perdidos para esta edición de tres discos.  Una cosa es muy importante y es la presencia de un músico como es el violinista Steve Wickham.  Entró a formar parte de Waterboys en 1985, en el álbum This Is The Sea.  Es multiinstrumentista pero su instrumento por antonomasia es el violín, tal y como le hemos escuchado en la canción con la que hemos comenzado, The Pan Within.  Su violín sería fundamental en el cambio de estilo hacia el Folk a partir del LP Fisherman's Blues.  Aparece en la portada del disco

el primero por la derecha.

Aparecía entonces con su violín, muy joven, con gesto de alegría y buen rollo.

Estuvo en el seno de la banda entre 1985 y 1990.  Después se marchó por ahí, aprendió un montón, volvió, con unos años más, y continúa siendo un magnífico aguador.  La canción que recuperamos del triple Atlantic Rain: The Lost Fisherman's Blues Recordings es The Man With The Wind At His Heels, El hombre con el viento en los talones, donde su violín es fundamental.

Y así iniciamos propiamente el contenido musical de canciones marineras y de piratas con un colectivo que responde al nombre de The Wellermen pero primero creo que es interesante situar históricamente qué o quienes era los Wellermen.  Históricamente, los Wellermen eran los empleados de la compañía comercial de los hermanos Weller, tres comerciantes británicos (Edward, George y Joseph Weller) que emigraron a Australia y fundaron, en 1831, una importante estación ballenera en Otago Heads, Nueva Zelanda.  Sus barcos eran esperados porque eran los barcos de suministro.

En la actualidad, The Wellermen es un grupo vocal folk transatlántico que lidera el resurgimiento moderno de la música marítima tradicional. Formado en 2021 durante la tendencia mundial de canciones marineras en las redes sociales, el cuarteto, ahora quinteto, lo forma parte músicos norteamericanos y músicos ingleses.  La banda tomó su nombre del éxito viral de la versión de Nathan Evans de la canción ballenera del siglo XIX de origen neozelandés, Wellerman.

La característica principal de este grupo es que cantan a capella canciones como Hoist The Colours, incluida en su disco de 2023 bautizado de manera homónima.

Se ha citado su nombre y apellido, Nathan Evans, porque este hombre, sin proponérselo, desencadenó una fiebre generalizada por las canciones tradicionales folk de ambientes marineros con todas las posibles variaciones como las famosas Sea Shanties.  Vamos por orden:

Nathan Evans es un cantante, compositor y guitarrista escocés que pasó de ser cartero a estrella de las redes sociales en 2020 cuando sus versiones a capela de canciones marineras tradicionales se hicieron virales, lo que le valió un contrato discográfico con una importante discográfica.  En 2021 vió la luz su primer single, Wellerman.  Dejó su trabajo de cartero postal y se dedicó a la música.

En 2022 se publicó el primero de, hasta el momento, cuatro álbumes, Wellerman-The Album, que incluye Wellerman subtitulada Sea Shanty.

Sea Shanty, o su plural, Sea Shanies, eran canciones de trabajo tradicionales que los marineros entonaban de forma colectiva a bordo de los grandes barcos de vela durante el siglo XIX.  Marcaban el ritmo exacto para que decenas de hombres tiraran de las cuerdas, levantaran el ancla o giraran el cabrestante al mismo tiempo. Funcionaban como una herramienta física de trabajo más que como un entretenimiento puro: un solista, conocido como shantymant, llevaba el ritmo e improvisaba versos, mientras el resto de la tripulación respondía a coro.

Vamos a seguir con esta curiosa tradición con un proyecto que responde al nombre de Fisherman's Friends.

Su nombre completo es Port Isaac's Fisherman's Friends y es un proyecto tan numeroso como se puede apreciar en la fotografía y lo mejor de todo: se llevan extraordinariamente entre ellos.  Pertenecen a un pequeño pueblo pesquero a orillas del mar Céltico en el norte de Cornualles.  Siguen haciendo lo mismo desde 1995, cuando comenzaron a actuar en el puerto al atardecer, durante los meses de verano para turistas y lugareños.  El contenido de sus actuaciones y grabaciones es la música folk tradicional inglesa, fundamentada en las historias marítimas y sus ricas tradiciones orales, así como shanties y canciones folclóricas tradicionales de Cornualles.  El grupo no tiene un líder definido.  Este animado grupo de pescadores, socorristas, guardacostas, constructores, artesanos, hoteleros y comerciantes se turnan para cantar las voces principales, mientras que los demás vocalistas armonizan.  Los miembros son amigos desde la infancia y aprendieron a cantar juntos en su iglesia metodista local.  A finales de la primera década del siglo XXI el grupo firmó un contrato con el sello Universal.  Sería en 2010 cuando apareció su álbum debut homónimo que resultó tener una acogida cálida tanto por la audiencia como por la crítica especializada.  La banda, originalmente, estaba formada por 10 miembros.  Si los cuentas en la foto donde aparecen hay solo 9.  La tragedia los golpeó a principios del año 2013, cuando el cantante tenor Trevor Grills y el mánager Paul McMullen fallecieron tras un extraño accidente mientras cargaban el equipo en un local en Guildford.

Con la memoria puesta en sus compañeros, Fisherman's Friends  continuaron y en el año 2024 publicaron All Aboard que incluye esta canción, Deep Blue Swell.

Un grupo más y nos bajamos de los barcos y de las canciones marineras.

The Longest Johns empezó siendo un cuarteto que, una noche en casa de un amigo común, mientras preparaban una barbacoa, comenzaron a cantar, a capella, canciones tradicionales del repertorio folk.  Son originarios de Bristol, Inglaterra, y lo que tuvo un comienzo meramente anecdótico se convirtió en un proyecto que fue cambiando con el tiempo: añadieron instrumentos a sus voces, hubo cambios entre los miembros, salieron algunos y entraron nuevos...  Comenzaron en 2013, y sus canciones marineras se fueron haciendo cada vez más conocidas.  

Tienen una discografía de 13 álbumes, hasta el momento.  La foto de la derecha pertenece a la carpeta del disco Pieces of Eight, del año 2025, un trabajo que incluye el tema tradicional Leave Her Johnny.

Hasta aquí la música de marineros, aunque no dejamos aún las composiciones cantadas a capella, sin instrumentos, solo voz humana.  Damos un giro marcado con respecto al contenido de la letra.  Ahora no se trata de temas tradicionales como los utilizados en el folk, sino algo tan poco común como la temática psicoanalítica.  Uncorrected Personality Traits, Rasgos de personalidad no corregidos, es una reflexión psicoanalítica sobre la evolución de un ser humano, desde niño a adulto.  Hay una única voz multigrabada, la de su compositor y cantante, Robyn Hitchcock.

Uno de los cantautores más duraderos y prolíficos de Inglaterra, Robyn Hitchcock, se dio a conocer bajo el formato de cuarteto llamado The Soft Boys.

The Soft Boys fue una banda de Power Pop Psicodélico de Cambridge, Reino Unido, formada en 1976 y separada en 1981.  Originalmente se llamaron Maureen and the Meatpackers.  El motor del proyecto fueron dos guitarras, la de Robyn Hitchcock (en la foto anterior, de pie, en primer plano) y la de Kimberley Rew (detrás de Hitchcock).  La discografía de The Soft Boys, de base, fueron dos LPs, A Can Of Bees, 1979 y Underwater Moolight, 1980.  Se volverían a reunir con motivo de la celebración del vigésimo aniversario del segundo LP, pero después continuaron con sus quehaceres en solitario: Kimberley Rew, entre otros grupos, participó de Katrina And The Waves...  Robyn Hitchcock es quien continuó abriéndose en una participación amplia con diferentes pseudónimos: Robyn Hitchcock & The Egyptians, Robyn Hitchcock & His LA Squires, Robyn Hitchcock & The Venus 3 (en este proyecto con la participación del guitarrista de R.E.M., Peter Buck)...  Pero donde más ha extendido su labor como músico ha sido en su producción en solitario, firmando con su nombre y apellido, canciones como la que ha sonado, Uncorrected Personality Traits, Rasgos de personalidad no corregidos, una de las composiciones que forman parte del álbum I Often Dream of Trains, A menudo sueño con trenes, de 1984.

Este es un disco de corte intimista, donde Hitchcock manejó casi todos los instrumentos y puso la voz en todas las composiciones.  Comenzó a publicar discos con su nombre y apellido en 1981 y este año, 2026, ha lanzado un nuevo trabajo que se publicaba el 4 de julio con el título The Confuser.

Para la ocasión se ha buscado la colaboración de un viejo amigo, Kimberley Rew (a la izquierda).  Canta y, por supuesto, toca la guitarra.  Su compadre Hitchcock 

hace lo mismo, tocar la guitarra y cantar, y los dos se lo pasan en grande y hacen partícipe a los oyentes en temas como Ghost in Sunlight y How To Feel Alright.

Y ya entramos en la recta final del programa de hoy y lo vamos a hacer con una banda muy querida en Cíclope 3.0, el proyecto del guitarrista y compositor Benjamin Gibbard, que responde al curioso nombre de Death Cab For Cutie.  

Tienen disco nuevo pero para entrar en el sonido de ese nuevo álbum vamos a recuperar una perla de su trabajo del año 2005, Plans.  De ese disco la canción Soul Meets Body.

De la formación original de Death Cab For Cutie quedan solamente dos miembros: Benjamin Gibbard, guitarra, voz, segundo por la izquierda, y Nick Harmer, guitarra bajo, segundo por la derecha.  Pasaron de cuarteto a quinteto.  El pasado mes de junio se publicó I Built You a Tower.

 

Una de las bandas independientes más representativas del comienzo de este siglo XXI, Death Cab For Cutie, cuenta con el liderazgo de Ben Gibbard, una voz melancólica que canta composiciones sensibles que se sitúan a caballo entre el indie y el emo.  Sus combinaciones han ido sembrando un camino que se originó en Bellingham, Washington, sobre 1997 y llega hasta nuestros días con este nuevo álbum, Te construí una torre.  Hoy suena por primera vez en el programa con dos cortes, Stone Over Water y How Heavenly A State.

Así nos despedimos.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 01-09-26 - Especial Julian Cope # 11

Bienvenidos a una nueva temporada de Cíclope 3.0 en la sintonía de Radio Tomares.  Comenzamos hoy día 1 de septiembre, un mes largo que trae 5 martes y el primero está ocupado por la entrega número 11 del Especial Julian Cope, y lo primero que suena es un fragmento de casi 10 minutos del álbum titulado Rite 2, del año 1997.  Es la continuación de aquel Rite de 1992 pero este Rito al cuadrado, conocido popularmente como Rite 2, tiene una característica muy especial, y es que en 1996 Julian Cope trabajó, por última vez, con un sello discográfico relacionado con la industria discográfica, por muy independiente que fuese el sello.  Echo fue el nombre del último, y con este publicó Autogeddon, 1994, 20 Mothers, 1995 e Interpreter, 1996.  A partir de este momento, cualquier grabación, cualquier proyecto que firmara, aparecería en su sello propio, Head Heritage, que publicará discos, propios o recopilaciones de grupos y solistas relacionados con la música desde los años 60 hasta la actualidad.

Así que, Rite 2, es la segunda entrega de una serie de discos de perfil ambiental: teclados (sobre todo mellotron, sintetizadores) y guitarras eléctricas con pedal wah-wah.  El primero, Rite, aparecía firmado por Julian Cope y Donald Ross Skinner, en Rite 2 solo aparece el nombre y apellido de Cope, pero en realidad está ejecutado entre él y otro de sus colaboradores estrechos, Timothy Charles Lewis, conocido por el alias artístico de Thighpaulsandra.  Las raíces de la música de este disco están en el Krautrock, conectando con bandas admiradas por nuestro protagonista como Amon Düül II y Tangerine Dream.  De este trabajo extraemos el corte The Ringed Hills of Ver, Las colinas anilladas de Ver, diez minutos casi de guitarras (acústicas, eléctricas) manejadas por Cope y Thighpaulsandra, más la intervención puntual de Donald Ross Skinner en el órgano Hammond y un par de músicos de estudio más.  Y así este Rite 2 se convertiría en el acto de inauguración del proyecto Head Heritage.  Estos discos sólo se venden por Correo, los pides y los recibes.  Cuestan alrededor de unos        10 €, con gastos de envío unos 14.  Pero hay un handicap: Inglaterra ya no pertenece a la Comunidad Europea, lo cual supone que cuando el paquete llega a la aduana española recibes un amable SMS en el que te comunican que tienes que pagar los derechos de aduana, unos 7 €, por lo que al final se te pone la cosa en 20 y pico de euros y como seas de los fans a los que le resulta un keo eso de que Cope se ponga a hacer música ambiental...¡uf! Mosqueo gordo.  Para colmo el disco Rite 2 se publica en 1997, en 1998 no hay música, Cope no publica disco alguno sino que lo que edita es un libro...¡¡¡uuuf!!!, mosqueo triple para los fans que miran extrañados lo de editar un libro.  Se le supone capacitado para escribir cuentos para niños, o historias de una mente alucinada, algo así como un cruce entre Lewis Carrol, Syd Barrett y un druida con visiones de dioses paganos.

Bueno, esto último no habría estado mal encaminado por la temática.  Lo de Barrett y Carrol no ha lugar, porque lo que publica nuestro protagonista fue The Modern Antiquarian, El anticuario moderno

 

Un extenso volumen dedicado a los monumentos megalíticos con una extensa y detallada guía de cerca de 300 yacimientos prehistóricos en Inglaterra.  ¿Crees que a los fans les importó mucho que el libro se convirtiera en un superventas?  El libro no suena, hay que leerlo, además, qué va a hacer Cope, ¿ahora se va a dedicar a escribir?  Y si hace música, ¿va a hacer más cosas de tipo ambiental?  Hay que matizar: va a escribir más libros, sí, y sí, también va a hacer más piezas de música ambiental, pero no va a ser lo único que haga.  Ahora tendría que resolver soltando un taco breve, pero tampoco es eso.  El dolor de cabeza para esos fans fundamentalistas llegó en 1999 con la publicación del álbum Odin.

Es una meditación de 1 hora, 13 minutos y 45 segundos que supuso la creación de un bulo poco fiable: comentarios mal sanos como que Cope se estaba pasando con las drogas y tenía alucinaciones, las grababa y las ponía a la venta.  Como el sello discográfico era suyo, qué más da, lo hace y ya está.  Eso porque no hacía lo que siempre había hecho: ¿repetir lo mismo siempre?  ¡No, No, No! decían los fans indignados: lo que siempre había hecho era evolucionar y esto no es evolución.  No, qué va.  Esto no es evolución.  Esto es lo que tiene en la cabeza en ese momento y que sí o sí, tiene que sacar fuera, dejarlo hecho, le guste a quien le guste.  Para eso tiene su propio sello discográfico, para tener la libertad de expresar lo que lleva dentro, sin tener que soportar las medidas castrantes de casas discográficas empecinadas en pulir aristas, redondear ángulos y hacer digerible y bailable esas canciones que venderán por un tubo.  La música ambiental no es lo único que hace Cope y desde luego no es producto de una mente distorsionada.  Prefiero otras maneras de su música, pero acepto que sea parte de su creatividad.  Ese Odin no lo escuchamos porque sobrepasa los límites de tiempo del programa.  Pensé en extraer un fragmento pero no tiene sentido escuchar un pedazo, así que pasamos al siguiente trabajo, An Audience With The Cope, del año 2000.

El álbum se lanzó originalmente en 2000 como un programa de concierto en CD de recuerdo, incluido en la gira de conciertos de Cope de ese año. Contenía una variedad de material que abarcaba desde canciones pop psicodélico hasta instrumentales de space rock.

En 2001, el álbum se reeditó con una portada diferente y un título ligeramente modificado, An Audience With the Cope 2001, pero con la misma lista de canciones y los mismos músicos colaboradores, Thighpaulsandra,

Anthony Foster, alias artístico Doggen, en la guitarra, como en los últimos tiempos,

Kevin Bales, alias Kevlar, en la batería.

Y más músicos de quienes no se encuentran fotografías, como por ejemplo del teclista y fotógrafo, responsable de las carpetas del disco, Cliff Cheerio.  Julian Cope se encarga de cantar, de tocar la guitarra (eléctrica y acústica), del bajo, del mellotron, de los teclados y además produce el disco.  El tema que escoge el Cíclope es Holy Mother Of God.  

Nos situamos en el año 2001, después de la reedición con carpeta diferente del álbum An Audience With the Cope.  Ese año lanzaba un disco que sorprendió a sus seguidores más leales, no a los fans fundamentalistas sino a quienes sabían que la cabeza de nuestro protagonista es un poliedro caleidoscópico del que salen muchos caminos.  Algunos te pueden gustar, otros no, pero lo que es innegable es que es un músico como la copa de un pino.  

    

A quien sigue los diferentes senderos por los que transita Cope cuenta con una constante: la sorpresa de qué habrá hecho en esta ocasión.  Discover Odin aparecía en 2001.  El título completo del disco es Discover Odin – Julian Cope at the British Museum.  Se trata de un álbum y un folleto escritos por Julian Cope y publicados en edición limitada en 2001. Fue producido en colaboración con el Museo Británico como programa complementario en CD para las dos noches de poesía y música que nuestro hombre ofreció en el museo los días 4 y 5 de octubre de 2001 en Londres.  El disco es una mezcla de piezas musicales y habladas.  Acompañado por sus colaboradores habituales, Thighpaulsandra y Donald Ross Skinner, la música interpretada allí en el Museo Británico abarca desde el ambient hasta el rock psicodélico y espacial.  Cope, en el capítulo más literario, lee fragmentos de su libro Let Me Speak To The Driver, un proyecto que no llegó a terminar con ese título.  En realidad se trataba de una especie de fantasía biográfica, una idea en la que trabajaba en paralelo a sus memorias reales.  De este álbum extraemos el corte The 18 Charms of Odin, Los 18 encantos de Odín, texto del poema épico nórdico Hávamál según el traductor, poeta y escritor inglés Kevin Crossley-Holland.  Cope le pone música.  La pista que le da título al álbum, Discover Odin, es el relato de Cope sobre la supuesta mala interpretación de los mitos nórdicos por parte de historiadores romanos y cristianos, con comentarios sobre las tradiciones religiosas de las culturas nórdicas y sus antepasados ​​neolíticos.  Nuestro protagonista sugiere que Odín tuvo su origen como dios del clima y como el chamán Óðr.

Hay composiciones que combinan material musical y hablado sobre la piedra de Odín de las Orcadas, la colina neolítica de Silbury y Yggdrasil, el fresno considerado el árbol del mundo.  Cope se acompaña, una vez más, de colaboradores habituales como Thighpaulsandra, Donald Ross Skinner, y otros nuevos como Terry Edwards,

reconocido multiinstrumentista y músico de sesión británico que toca el saxofón, la trompeta, la guitarra, los teclados y la flauta. 

 

También participa la banda de rock progresivo japonés Karuna Khyal, formado en la década de los 70, a mediados de la década, bajo el liderazgo de Takahashi Yoshihiro, músico japonés relacionado con la vanguardia musical.  Ese grupo, Karuna Khyal, se formó, grabó un disco y desapareció.

Llegamos al año 2002.  Aparece Rite Now,

el tercer álbum de la serie Rite, tras los anteriores Rite,1992, y Rite², 1997.

Es un trabajo básicamente  instrumental formado por cuatro piezas que el mismo  Cope describe como maratones de funk meditativo que combinan ritmos funky y krautrock con guitarras wah-wah y sintetizadores cósmicos.  

Repiten músicos que estaban en discos anteriores como el batería Kevin Bales, el guitarrista Anthony Foster, los de siempre, Donald Ross Skinner y Thighpaulsandra, más algunos músicos de sesión como Terry Dobbin, guitarra y percusión, y Cliff Cheerio, órgano, teclados, percusión.  De este trabajo nos quedamos con Give The Poet Some.

Ya estamos en la recta final del programa de hoy y vamos a resolver con un par de temas pertenecientes al álbum Rome Wasn't Burned In A Day del año 2003.

Desde finales de la década de los 90 y los primeros años del siglo XXI, Julian Cope mostró un cambio en su forma de hacer música, cambio que no solo afectó a las formas sino también al contenido.  Los discos con los que cierra el siglo XX y los que aparecen al principio del XXI están hechos con unas prioridades diferentes a las que había tenido hasta el momento.  El punto de fuga fue la publicación de su libro The Modern Antiquarian en 1998, en el que presentaba una guía de los yacimientos megalíticos prehistóricos de Gran Bretaña.  No sé si ya lo he dicho, pero el libro no se ha traducido al español.  Desde entonces, su fascinación por todo lo druídico y pagano ha permanecido como telón de fondo de su obra, expresándose en largas piezas electrónicas meditativas o en un primitivismo rockero inspirado en los Stooges.  Sobre todo en este nuevo siglo, Cope ha proporcionado un flujo constante de discos, una corriente inagotable de música de nueva conciencia, con una actitud definitivamente más despreocupada hacia la composición y la producción que en décadas anteriores.  Esto no significa que haya descuidado aspectos relacionados con calidad, buen sonido, que haya dejado sin pulir aristas.  Sencillamente se ha desprejuiciado más de lo que ya hacía, se ha dejado fluir y ha sacado de sí mismo lo que en ese momento correspondía: ensayo literario, composiciones de 30 minutos o más, o formato de canciones como ha hecho desde el comienzo, eso sí, con unas formas irregulares, distintas a las que había trabajado hasta el momento.

Una cosa que llama la atención: en la parte baja de la carpeta del disco aparece la frase Original Soundtrack, Banda Sonora Original.  Así lo tituló Cope porque el álbum fue concebido como una especie de subproducto, una especie de regalo con la entrada de un evento organizado por nuestro protagonista que tuvo lugar tres días seguidos, 30 y 31 de octubre y 1 de noviembre de 2003 en el Lyric Theatre de Hammersmith, Londres, que incluyó la actuación de su propia banda con otras bandas como Sunn O))), dúo de Seattle que utiliza los principios del Doom y el Black Metal para crear drones profundos y oscuros, más pesados ​​que cualquier cosa que se haya hecho antes en el género.  También se proyectaron documentales de actuaciones de bandas como Van der Graaf Generator y Amon Düül II.  La formación de Julian Cope fue un quinteto con él a la cabeza en la parte vocal, más Donald Ross Skinner en la guitarra y bajo, Anthony Doggen Foster también en la guitarra y bajo, Christopher Patrick Holy McGrail en el sintetizador y por último, Gavin Skinner en la batería.  El álbum solo estuvo disponible a través del sitio web de Cope, Head Heritage, algo que haría intermitentemente con otros lanzamientos posteriores.  Cerramos pues con dos cortes de este Rome Wasn't Burned In A Day, los titulados The-Way-Luv-Is y Michelle Of My Former Self Far Out.

Espero que te guste el programa.

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https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-01-09-26

Cíclope 3.0 - 21-07-26 - Especial Marianne Faithfull # 8

Marianne Faithfull

Cíclope 3.0 del martes 21 de julio de 2026.  El esquema de Especial Discografía Completa es una estructura que nos ocupa los primeros y los últimos martes de cada mes.  Hoy es martes 21, pero adelantamos el Especial del próximo martes día 28 porque nos marchamos de vacaciones.  Hoy es el último Cíclope 3.0 de la temporada y por ello trasladamos el Especial Marianne Faithfull de fecha.  En esta edición nos ocupamos de la octava entrega que va a estar ocupada por dos álbumes: The Seven Deadly Sins, de 1998, y Vagabond Ways, de 1999.

La edición anterior de este Especial fue la del mes de mayo porque en junio no hubo programa nuevo correspondiente a esa fecha.  Imponderables del momento hicieron que me fuese imposible atender la programación, así que remitiéndonos a aquella entrega, la de mayo, terminábamos con nuestra protagonista en vivo y en directo, con el álbum 20th Century Blues, disco que recogía el sonido en directo grabado en actuaciones entre París y Londres, con Faithfull sola, respaldada íntegramente por su director musical, el pianista Paul Trueblood.  La interpretación resultó sumamente emotiva, una exploración esencial de su etapa de cabaret clásico con un repertorio ocupado principalmente por composiciones de Bertolt Brecht y Kurt Weill como Alabama Song, Mack the Knife o Pirate Jenny.  El primero de los dos discos que vamos a escuchar hoy va a ser producto del tándem Brecht/Weill.  The Seven Deadly Sins, Los siete pecados capitales, es una obra para ballet cantado compuesta en 1933.  La primera vez que Faithfull interpretó la obra en vivo fue a finales de 1989, cuando actuó un fin de semana en la Catedral de Santa Ana, ahora conocida como St. Ann's Warehouse, en Brooklyn.  De aquella actuación salió el álbum Blazing Away, que ya ha sonado por aquí.  La actuación con el programa ocupado por Los siete pecados capitales vería la luz en formato de vídeo.  En aquella ocasión la orquesta estuvo dirigida por el compositor y director de orquesta británico Jason Osborn.  La idea y el resultado caló profundamente en otro director de orquesta, Dennis Russell Davies, que en 1998 al frente de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena grabó, con Marianne Faithfull, The Seven Deadly Sins.

La voz, la forma de interpretar el personaje de Anna 1, la mitad racional y calculadora de las dos hermanas que protagonizan Los siete pecados capitales significó, para la crítica especializada, que Faithfull era la gran heredera de Lotte Lenya, esposa de Kurt Weill, que había sido la máxima intérprete histórica de ese repertorio.

 

Lotte Lenya (1898-1981)

Lotte Lenya y Kurt Weill

Los siete pecados capitales está estructurada además de los pecados por un prólogo y un epílogo.  Para esta ocasión escuchamos cuatro de los pecados (Orgullo, Ira, Lujuria y Envidia) más el Prólogo y el Epílogo.

El disco se completa con dos fragmentos de otras dos obras del binomio Brecht/Weill, The Ballad of Sexual Dependency, La balada de la dependencia sexual, extraída de The Threepenny Opera, La ópera de los tres centavos, y The Bilbao Song, La canción de Bilbao, que pertenece al musical y obra teatral Happy End, estrenada en Berlín en 1929.  Kurt Weill escribió la música y Bertol Brecht se encargó de escribir las letras de las canciones y de adaptar el texto original de Elisabeth Hauptmann.

Elisabeth Hauptmann (1897-1973) fue traductora, escritora, editora, cantante y dramaturga alemana que trabajó con Bertol Brecht.  Fue la autora que escribió el libreto principal de Happy End.  Debido a que quería ocultar su identidad, escribió la obra bajo el seudónimo estadounidense de Dorothy Lane.

Nos pasamos ahora al segundo trabajo que suena hoy en este Especial Marianne Faithfull Número 8, el álbum titulado Vagabond Ways, un disco que vio la luz el 14 de abril de 1999.

Fue su primer álbum con material original desde A Secret Life de 1995.  Producido por Daniel Lanois y Mark Howard, nuestra protagonista interpreta canciones propias y de compositores de su generación, como Roger Waters de Pink Floyd, Leonard Cohen o Elton John.  Escuchamos un tema original de Roger Waters que Pink Floyd no llegó a grabar nunca, Incarceration Of A Flower Child, El encarcelamiento de un niño de las flores.  La letra parece tratar sobre la caída en desgracia del ex-miembro de Pink Floyd, Syd Barrett, pero Waters nunca lo ha confirmado, ni desmentido.

En total suenan cuatro cortes de este álbum que cerraba el siglo XX, un trabajo confeccionado con versiones y con material propio, con nuestra protagonista como coautora junto a músicos como el guitarra Barry Reynolds, que comenzó a colaborar con Faithfull en 1979, en el LP Broken English, y que continuó a lo largo del Tiempo tocando con ella y componiendo, a veces a medias como es el caso de File It Under Fun From The Past y también Wilder Shores Of Love, dos cortes que suenan de Vagabond Ways.  El último tema que escuchamos es original de Faithfull escrito junto al productor Daniel Lanois, Great Expectations.

Como te digo al principio de esta entrada, hoy es el último Cíclope 3.0 de la temporada porque nos marchamos de vacaciones.  Volvemos a la sintonía de Radio Tomares el próximo 1 de septiembre.  Felices Vacaciones y nos volvemos a encontrar.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-21-07-26

Cíclope 3.0 - 14-07-26 - Especial Cartas

 

Cíclope 3.0 del martes 14 de julio de 2026.  Esta edición del programa está dedicada a un objeto tan común y, desde hace cierto tiempo, tan en desuso como la carta postal.  Hasta no hace mucho al buzón de casa llegaban cartas.  Poco a poco empezaron a escasear y tan solo las misivas de bancos y algunas de publicidad ocupaban el hueco del olvido.  Las cartas electrónicas, los e-mails, vinieron a sustituir ese papel, cuartilla o folio, escrito a mano o a máquina, metido en un sobre cerrado y enviado de una persona a otra.  El acto de escribir cartas, el enviarlas, ha alimentado la imaginería de la música y hoy ocupamos los 60 minutos de Cíclope 3.0 a un Especial Cartas que comienza con unas cuantas enviadas desde la soledad del páramo y firmadas por The Wallflowers.

  

The Wallflowers, en la foto de grupo anterior, fue la banda fundada por Jakob Dylan (en la foto superior el segundo por la izquierda, en la foto pequeña se le distingue mejor).

Fue el quinto y último descendiente que tuvo el matrimonio Bob Dylan y Sara Lowndes, en la foto de la derecha.  Se casaron en 1965 y la historia llegó hasta 1977.  Sara Lowndes tenía una hija, María, fruto de su matrimonio anterior, y Dylan la adoptó legalmente tras casarse con Sara.  El resto de la descendencia comenzó en 1966 con el nacimiento Jesse Byron, después Anna Leigh en 1967.  Samuel Abraham en 1968 y por último Jakob Luke en 1969.  El único que salió músico como el padre, con todo lo que conlleva ser hijo de una figura como Bob Dylan.

A Jakob Dylan le ocurrió algo parecido a lo que le sucedió a Julian Lennon: no había entrevista en la que no apareciera la sombra del padre.  Hicieran lo que hicieran, grabaran lo que grabaran, compusieran lo que compusiesen...el nombre y apellido del padre salía a relucir, como posible influencia, porque se parecían inconscientemente, de forma descarada, por casualidad...cuánto había de inspiración tomada de la figura del padre...  Ambos optaron por la misma salida: dejaron el mundo de la música, al menos el mundo activo.  Jakob Dylan intentó sublimar la sombra densa de Papá Dylan componiendo canciones que hablaban precisamente de eso, de tener que luchar para poder tener un espacio propio por lo que hace, no por cómo se apellida.

De eso habla la canción con la que hemos iniciado el programa, Letters From The Wasteland, Cartas desde el páramo, desde la tierra baldía.  Formó parte del tercer álbum de la banda, Breach, publicado en 2000.  Este fue el trabajo donde empezó Jakob a tratar, en las letras de sus canciones, el enfrentar esa realidad: la constante comparación con su padre y lo castrante que eso resultaba.  Con la banda llegó a grabar 7 discos.  En solitario, firmando con su nombre y apellido, dos.  No se ha vuelto a saber nada más de él.

Tras la imagen de una tierra baldía viene un acto de reflexión, de mirada hacia atrás.  Nos vamos a los inicios, más que los inicios, a los preliminares de la era del Rock & Roll, a recuperar estilos como el Doo Wop.  Esta es una forma de música vocal originaria de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos en los años 40, que alcanzó su máximo éxito en los 50 y 60.  Mezcla de Rhythm and Blues y Góspel, se caracteriza por sus ricas armonías vocales y sílabas sin sentido, como shú bi dú, que acompañan al cantante principal.  Uno de los representantes más populares de Doo Wop de la era del Rock & Roll fue el quinteto llamado The Platters.

Produjeron éxito tras éxito durante la década de 1950, tendiendo un puente entre los estilos más tradicionales de los grupos vocales y los ritmos populares del Rhythm and Blues de principios de los 50.

En 1957 firmaban el LP The Flying Platters, un disco que incluye un tema que habla de cartas: I'm Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter, Voy a sentarme y escribirme una carta.

Esta composición, que se convertiría en un standard, fue compuesta en 1935 entre el músico Fred Ahlert (1892-1953) y el letrista Joseph Young (1889-1939).  Existen varias versiones, está la de The Platters de 1957 que es la que suena en el programa.  Posteriormente, en el año 2012, un enamorado de aquel estilo de música, Paul McCartney, incluiría su versión de I'm Gonna Sit Right Down and Write Myself a Letter en el álbum Kisses On The Bottom.

     

El Cíclope, buscando con su ojo fónico canciones que hablen de cartas, tuvo cuidado de no buscar solo por el título, sino también por el contenido de la letra, porque pudiera ser que algunas composiciones no especificaran, en el título, el término carta y por ello perderíamos la oportunidad de rescatar alguna canción que mereciera la pena.  Es el caso del siguiente tema, que desarrolla la redacción de una carta.  

Querida mamá (Dos puntos), es una composición de Martín León Soto, MALESO, que en 2020 publicaba Casémonos, álbum donde está incluida dicha canción.  A la izquierda la portada del disco, original de Marcos Gamero.

Ahora, dentro de una cápsula imaginaria, viajamos hacia atrás en el Tiempo.  Una carta ligada a la realeza espartana nos sitúa entre Esparta y Troya: Helena de Troya, de su unión con Menelao, rey de Esparta, concibió a Hermíone.

Un primerizo David Bowie le dedicaba una carta sonora dirigida a ella en aquel mítico LP de 1969, Space Oddity.

Con la cápsula imaginaria con la que hemos viajado en el Tiempo, amerizamos en las aguas de la costa escocesa y nos encontramos con la banda Aztec Camera.

Aztec Camera fue un proyecto del compositor, cantante y guitarrista Roddy Frame (en la foto anterior, el que sostiene la guitarra).  El grupo estuvo capitaneado por él, el resto fueron miembros que se iban cambiando con el paso de los años y de los 6 álbumes que dejaron entre 1983 y 1995.

El proyecto comenzó en 1980 y en 1983 grabó su primer LP, High Land, Hard Rain, un disco con una cara A ocupada por 5 cortes a cual mejor.  El que cerraba esa cara A era este que recuperamos hoy, We Could Send Letters, Podríamos enviar cartas.

No abandonamos tierras escocesas.

Los hermanos Charlie y Craig Reid, escoceses, una pareja de gemelos idénticos, son conocidos por el nombre del dúo, The Proclaimers, y por su carismática fusión de rock, folk, soul y country.

En 1987 publicaban un LP titulado This Is The Story donde incluían una canción, Carta desde América, en dos versiones: una con acompañamiento de banda, la otra, acústica, con las voces de los dos hermanos y sus guitarras sin electrificar.  Para esta ocasión escogemos la versión acústica.

Utilizando el remite de la carta de The Proclaimers volamos hacia América, correo aéreo para encontrarnos con R.E.M.

 

Era 1996 cuando el cuarteto publicaba el álbum New Adventures in Hi-Fi.  Contaron con una colaboración de lujo: la de Patti Smith, que cantó junto a Michael Stipe la canción E-Bow The Letter.  El título de la composición combina dos elementos: por un lado E-Bow, un dispositivo electromagnético de mano que produce un sonido similar al de un violín en la guitarra eléctrica; por otro, una carta sin enviar que Michael Stipe escribió tras la muerte de su amigo, el actor River Phoenix.  Mientras Michael Stipe recita los versos de forma rápida y casi hablada, como si leyera la carta, la voz grave, distante y espiritual de Patti Smith entra en el estribillo con la frase I'll take you over, Te llevaré.

De América volvemos al viejo continente y de nuevo a Escocia aunque con un referente norteamericano, el actor y director de cine Dennis Hopper.  A él le dedicaron el último disco aparecido de The Waterboys, en 2025, un álbum titulado Life, Death and Dennis Hopper.

Un trabajo que The Waterboys realizan con la colaboración de una serie de intérpretes como la compositora, pianista y cantante Fiona Apple.  Canta con las ganas habituales en ella esta Carta de una novia desconocida, Letter From An Unknown Girlfriend.

Seguimos avanzando, consultando cartas antes de que el Tiempo nos venza por su estrategia.  Ahora una carta dirigida a alguien en concreto, a una tal Elise.  La firman The Cure.

Wish de The Cure aparecía en 1992.  Robert Smith y compañía, una de las bandas que mantienen su producción desde finales de los años 70, enmascarados tras el maquillaje de su líder, con las cabezas despeinadas, elaborando un arco evolutivo de su música que ha ido transcurriendo capa tras capa de tiempo.  De este álbum rescatamos Letter To Elise.

, En un programa que habla de cartas no puede faltar una canción tan popular como La carta, The Letter, una composición que pertenece a la música Pop de los años 60, en concreto a 1967, aunque la canción se grabó un año antes, en 1966.  El tema lo grabó un quinteto original de Memphis, Tennessee, que respondían al nombre de The Box Tops.

    

The Box Tops.  En primera fila, a la izquierda, Alex Chilton, vocalista y guitarra.  La voz que canta The Letter es la suya, una voz que dejó boquiabierto a más de un oyente cuando se supo que era la voz de un muchacho de 16 años.  El tema estaba compuesto por Wayne Carson (1943-2015), compositor, productor discográfico y multiinstrumentista, autor de otras canciones interpretadas por Box Tops.  

De aquel LP de 1967 de título doble, The Letter-Neon Rainbow, obviamente nos quedamos con el corte La carta, The Letter.

Tres años después del debut discográfico de The Box Tops, fue Joe Cocker el que retomó la canción The Letter realizando una recreación muy valorada.

Años después, en el año 2010, uno de los padres del Power Pop, Paul Collins, revitalizaba el éxito de Alex Chilton y compañía.  

Lo incluía en su álbum King Of Power Pop! y verdaderamente Collins realizó una revitalización en toda regla como puedes apreciar al escucharla.

Estamos en la recta final de esta edición dedicada a las cartas postales.  El músico Ignacio Sierra a través de la multiplicidad del pseudónimo Dr. Soy, en concreto el proyecto Wolbakia, aporta contenido a este Especial con el tema Letters To No One, Cartas a nadie.

La canción gira alrededor de una paradoja: alguien, huyendo de la soledad, inventa una destinataria a quien enviarle cartas, pero mientras las escribe surge la pregunta de quién ha inventado a quién, si la persona que recibirá el sobre o quien los deposita en el buzón.

Finalizamos con cartas escritas pero no enviadas.  Es el caso de esta canción, Letter Never Sent, Carta nunca enviada, firmada por Mark Lanegan (1964-2022).

Estuvo al frente de la banda Screaming Trees, colaboró con diferentes proyectos, entre otros Queens of the Stone Age, en solitario firmó álbumes con su nombre y apellido y también añadiendo Band al final

como es este caso.  Somebody's Knocking, Alguien está llamando a la puerta, fue un álbum que se publicó el 18 de octubre de 2019 donde Lanegan incluía esta Letter Never Sent que nos sirve para cerrar esta edición de Cíclope 3.0 dedicada a un Especial, Especial Cartas Postales.  Una cosa no ha sido posible, por falta de tiempo, incluir alguna canción que hablara de la figura del Cartero, que las hay.  Como digo no nos ha dado tiempo para más pero espero que te haya gustado el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-14-07-26