Cíclope 3.0 - 29-09-26 - Especial Marianne Faithfull # 9

Marianne Faithfull en el año 2002
(Foto original de Mary McCartney)

La última edición de Cíclope 3.0 del mes de septiembre está ocupada por la entrega número 9 del Especial Marianne Faithfull.  Foto de cabecera hecha por una fotógrafa de renombre, Mary McCartney, la mayor de los tres hijos que tuvo Paul McCartney con Linda Eastman, es decir: Mary, Stella y James.  Mary siguió la pasión fotográfica como su madre.

Nacía en 1969 y en 1970 aparecía en la contraportada del primer LP en solitario de su padre, asomando a través del abrigo abierto.

Esta novena entrega del Especial Marianne Faithfull está ocupada por un solo álbum titulado Kissin' Time, que vió la luz el 19 de febrero de 2002.

La foto anterior reproduce el diseño original para la carpeta del disco, del fotógrafo británico Nick Night.  Viene de su proyecto artístico llamado Dolls, en el cual dejó que cuatro niños pequeños maquillaran a una modelo a su gusto y dibujaran libremente sobre las impresiones fotográficas finales.  El resultado definitivo contó con la interrelación de Night con el diseñador gráfico Howard Wakefield, dando como resultado esta portada definitiva

Faithfull había entrado al siglo XXI con el álbum Vagabonds Ways, un disco elaborado con una nómina de músicos con los que compuso canciones.  Venía de realizar intervenciones en proyectos donde se le buscó por sus capacidades como intérprete: en los 90 grabó con el productor Hal Willner que la mimó a la hora de trabajar y escoger composiciones para cantarlas; colaboró con Angelo Badalamenti; con Peter Trueblood grabó 20th Century Blues, un álbum de canciones de Kurt Weill y Bertolt Brecht.  En todas esas ocasiones participó en cada parte del proceso de grabación.  Uno de los aspectos más entrañables de Marianne Faithfull es su habilidad para reinventarse como artista, manteniéndose siempre fiel a su naturaleza rebelde e independiente, y resistiendo los cambios que experimenta la industria fonográfica, con su visión inquieta y, a menudo, temeraria.  El pasado turbulento de nuestra protagonista le ha servido para aprender a sublimar los errores y las equivocaciones existenciales que florecieron, como arriates de flores raras, en el jardín de sus días sin nombre y de tardes y noches sin esperanza.  Su voz rota le sirvió como rompehielos para adentrarse en la composición de canciones a medias con otros músicos.  Eso fue el resultado de Vagabonds Ways del año 2000, como he comentado más arriba.  En ese disco canta canciones de Roger Waters, canciones escritas por ella y el guitarrista Barry Reynolds, fiel desde que intervino en aquel Broken English de 1979.  En 2002, dos años después, vuelve a entablar un bucle creativo con una nómina de músicos más actuales, además de hacer propuestas: canciones que hablan de emociones y sentimientos vividos por ella en la época oscura de adicciones y abandono personal.  No se trata de volver sobre lo mismo, sobre el pasado que pertenece a eso, al pasado.  No, claro.  Sobre todo porque no es una vuelta sobre lo mismo, es una visión diferente sobre las situaciones, una interpretación de la oscuridad, una nueva manera y forma de las metáforas que ha ido conociendo a lo largo de su evolución y mejoría personal.  Vagabonds Way estuvo producido por Daniel Lanois, nuestra protagonista coescribió todo el material del disco y ayudó a elegir a los músicos.  Aquí, en Kissin' Time, Faithfull coescribió la mayor parte del material y se encargó de contactar con todos los artistas que aparecen en el álbum.  El sonido de este disco es completamente contemporáneo.  No hay un solo productor, cada corte tiene a alguien de la nómina de músicos que se encarga de esa función.  Hay algo que está muy claro: ninguna de estas canciones habrían resultado convincentes sin la voz de Marianne Faithfull.  También merece elogios por mantener la identidad de sus diversos colaboradores a lo largo de todo el disco.  Vamos a repasar la nómina de colaboradores, las composiciones con su presencia y el título de las canciones de la edición que manejamos en el programa, la versión extendida del año 2002 reeditada en 2023, que incluye algunos cortes extras, los típicos Bonus Tracks.

Uno de esos colaboradores que llegan a tener una mayor presencia es el hombre de la foto a la derecha, Beck.  Es quien más influyó en el sonido del álbum.  Coescribió, produjo y tocó instrumentos en tres canciones que suenan en esta edición: Sex With Strangers, Nobody's Fault y Like Being Born.  En los créditos no aparece como Beck sino como Beck Hansen, una de las formas de apodo utilizadas por él.  El apellido Hansen es el de su madre, Bibbe Hansen, artista americana de performances, compositora y actriz, hija de Al Hansen, artista nacido en Estados Unidos y vinculado a los movimientos Fluxus y Happening en la década de los 60.  Nació el 5 de octubre de 1927 en Nueva York y falleció el 22 de junio de 1995 en Colonia, Alemania.  Además de sus performances, creó una extensa obra visual que incluye una serie de piezas creativas elaboradas, de forma  íntegra, con colillas de cigarrillo.

De la banda The Smashing Pumpkins su alma máter, Billy Corgan, trabajó con Faithfull firmando dos canciones a medias con ella: I'm On Fire y Wherever I Go.  Corgan aportó esa destreza entre el Rock arrollador con un Pop alternativo oscuro e introspectivo, el sello de Smashing Pumkins, por supuesto adaptando todo a unas formas más calmadas y poperas.

El responsable del andamiaje y tornillería de un proyecto como el grupo británico Pulp es Jarvis Cocker (foto a la derecha).  Él y el resto de la banda tienen presencia en este álbum de Faithfull.  Con ella coescribe Cocker uno de los cortes más aplaudidos de este disco, el titulado Gliding Through Life On Charm.  Faithfull llevaba unos 20 años intentando escribir una canción que hablara del concepto de deslizarse por la vida a base de encanto, pero se sentía atascada con las rimas y no salía.  Un día se cruzó con Jarvis Cocker en un estudio de televisión, le dio el título del tema y le pidió que lo escribiera él.  El líder de Pulp tardó un año y medio en entregarle el borrador.  La letra acabó convirtiéndose en un retrato ácido, cínico y brillante de la propia biografía de Marianne y de la cultura de las celebridades.  

Cocker se encarga de los teclados y de la producción, además de escribir la composición a medias con Marianne.  También está presente en el tema el guitarra de Pulp, Mark Webber, y el batería también del grupo, Nick Banks.  Por cierto, estos dos, Webber y Banks, también participan de la autoría de la canción.

Voy nombrando las canciones que participan en el programa sin seguir el orden en el que suenan.  Toca hablar de la piedra de toque del disco, una canción titulada Song For Nico, compuesta entre nuestra protagonista y el músico tocado con sombrero y guitarra acústica en la foto anterior: Dave A. Stewart.

Una de las dos columnas vertebrales de Eurythmics (la otra era Annie Lennox), consigue la que, en mi opinión, es uno de los temas fundamentales de este disco.  Canción para Nico es un homenaje biográfico y empático a Christa Päffgen, conocida como Nico.  La cantante, compositora, modelo y actriz alemana, nacida en Colonia el 18 de octubre de 1938, fallecía en un accidente de bicicleta en Ibiza, Islas Baleares, España el 18 de julio de 1988.  Fue musa de The Velvet Underground y sobre todo de Andy Warhol.  Marianne Faithfull compuso la letra de la canción centrándose en la incomprensión y las tragedias que marcaron la vida de Nico, conectando con ella porque llegaron a compartir la experiencia de ser iconos femeninos de los 60 encasillados por la apariencia de su físico.  La letra de la canción arranca con el nacimiento de Christa Päffgen:

Nacida en 1938, un buen año para el Reich...sin padre en la Patria.

En el texto también habla del paso por el Londres y el Nueva York de los años 60 mencionando de forma directa a personajes clave de su entorno como Brian Jones de los Rolling Stones, el mánager de estos, Andrew Loog Oldham, por supuesto Andy Warhol y Lou Reed.  En los créditos, en el listado de las canciones, se especifica que la letra es explícita.  Faithfull no se corta ni un pelo.  Habla del amor roto, del profundo desengaño.  Ambas mantuvieron una relación sentimental con el actor Alain Delon.  En el caso de Nico tuvo un hijo que el actor nunca quiso reconocer formalmente.  Faithfull incluye una línea en la letra del tema que es clara, transparente y diáfana.  Dice, literalmente:

¿Y Delon, seguirá siendo todavía un hijo de la gran puta?

El estribillo tiene un aire melancólico, a pesar de la letra:

Ella está en la mierda, aunque es inocente.

El ayer se ha ido, solo queda el hoy, no hay mañana.

Es la música de Dave A. Stewart la que consigue arropar la visión triste y dolorida de Nico, que no deja de ser real, por muy desoladora que sea.  Marianne Faithfull explicó en su momento que escribió la canción porque se sentía perseguida por el recuerdo de Nico y sentía que compartía con ella la furiosa frustración de no ser reconocida por su propio talento musical, siendo siempre reducidas, ambas, por la prensa a simples chicas guapas o musas de hombres famosos.

Una colaboración plural es la que realiza la banda Blur.  Al igual que el caso de Pulp, Blur interviene al completo: Damon Albarn haciendo coros y unos curiosos bucles de guitarra influidos por un reciente viaje a Mali; Graham Coxon aportó unos interesantes arreglos de guitarra; Alex James tocó el bajo y Dave Rowntree la batería.  Los cuatro escribieron con Marianne el tema que le da título al álbum, Kissin' Time.  

Faithfull trabaja en este disco con músicos franceses como es el caso del dúo Les Valentins,

formado por Edith Fambuena, guitarra, a la izquierda de la foto, y Jean-Louis Piérot, teclados, a la derecha.  Con ellos nuestra protagonista coescribe e interpreta The Pleasure Song.  Este tema suena dos veces.  Lo escuchamos en dos versiones: una la original del disco, de la versión del año 2002, pero en el programa utilizamos la edición de 2023 que está ocupada por los 11 cortes originales más 7 cortes extras o Bonus Tracks.  Comenzamos con The Pleasure Song con una mezcla diferente, Rough Mix, distinta a la que aparecía en el álbum original que recuperamos después.  Entre esos cortes extras se encuentra alguno que no estuvo entre los once originales como sucede con el titulado If You Don't Touch Yourself escrito a medias con Dave A. Stewart y que aparece especificado en los créditos como Church Sessions Version.

Así llegamos al final.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 22-09-26

 

(De la serie “Durmientes del Parque de María Luisa de Sevilla”). Tecla Rodríguez León, lleva todo el mes de septiembre plantando bulbos de anémonas durante las madrugadas de lunes a domingo, tanto en su casa como en casa de amigas y conocidas. Es una destacada especialista en jardinería que defiende el poderoso influjo de la luz de la luna en el correcto crecimiento de las plantas. Está superada por la falta de descanso. En la foto aparece dormida como un leño esperando a una amiga a quien le ha prometido una selección de cebollas de narcisos y de jacintos (nótese el bolso que muestra estar abarrotado de dicho contenido), para plantar antes de que comience octubre.

Cíclope 3.0 del martes 22 de septiembre de 2026.  Hoy comenzamos el programa con la mirada de asombro y el fulgor que da los primeros años de la adolescencia, cuando siendo eso, unos adolescentes, escuchamos por primera vez la música de un guitarrista llamado Jimi Hendrix.

Cuando supimos de su existencia había muerto.  Este protagonista de una obra tan breve como profunda (nacía en 1942 y fallecía en 1970), concentró toda su actividad y producción entre 1966 y 1970, cinco años en los que brilló como una bola de fuego incandescente, un cometa imposible cuya trayectoria y cola perduran a pesar del paso del Tiempo.

El debut discográfico de Hendrix en formato LP sería en en el mes de agosto de 1967, cuando se publicó Are You Experienced?, el álbum firmado por el proyecto The Jimi Hendrix Experience,

con Noel Redding, guitarra bajo y voz de coros a la izquierda en la foto, y Mitch Mitchell, batería, a la derecha.

El mismo año, 1967, pero en el mes de diciembre, segundo LP de la Jimi Hendrix Experience, Axis: Bold As Love.

Este segundo trabajo se sitúa entre su salto a la fama a mediados de 1967 con Are You Experienced? y la obra maestra artística, el doble LP Electric Ladyland de 1968, que se materializó apenas unos meses después.  Las  canciones de Axis: Bold As Love no son del todo psicodélicas como ocurría en el álbum de presentación, tampoco presentan la evolución del Blues-Rock de Electric Ladyland, pero constituyen un punto de inflexión donde Hendrix exploró las diversas facetas de su identidad, centrándose en su fortaleza como compositor.  Expresa sus emociones en un arcoiris de sentimientos que se corresponden con un estado emocional y mental transido de una cierta melancolía.  Si le preguntas a un fan acérrimo o a un crítico musical puntilloso, te dirán que este disco pues...bueno...está bien, pero vamos como Electric Ladyland...nada.  Personalmente no pongo las cosas de una forma tan extrema.  El segundo disco de Hendrix y Redding y Mitchell merece la pena por sí mismo.  

Noel Redding, guitarra bajo de The Jimi Hendrix Experience, hacía voces de coros y también fue voz solista en alguna ocasión.  Las composiciones eran de Hendrix y un par de veces el compositor fue Redding.  En este álbum con el que hemos comenzado el programa hay un corte compuesto y cantado por el guitarra bajo, She's So Fine, que la rescatamos.  La segunda y última vez que Redding compuso una canción fue en el siguiente LP, Electric Ladyland.  La situación en el trío se encontraba en un estado un tanto alterado: las relaciones entre el batería y el bajo con Hendrix sufrían constantes interferencias.  Hendrix llegaba tarde a las sesiones de grabación porque se había pasado la noche de fiesta; llegaba tarde en un estado un tanto alterado...no podían seguir...  Las cosas se pusieron peor a medida que avanzaban los meses.  Llegó la grabación de Electric Ladyland y Noel Redding presenta una canción compuesta por él, la segunda y última que entregaba al proyecto.  Little Miss Strange, el tema en cuestión, era y es una canción Pop, psicodélica, con un fuerte uso de guitarras acústicas y efectos de estudio.  Hendrix apenas participó en la grabación de la base musical, dejando que Redding grabara también partes de guitarra acústica y bajo.  Cantó él, Redding, con Mitchell en las voces de coros.  La relación entre los tres se tensó por días: tanto Mitchell como Redding estaban sobrepasados con el perfeccionismo obsesivo de Jimi Hendrix en el estudio, sus ganas de improvisar con otros artistas.  Las peleas entre él y el bajista, que eran de las gordas, aumentaron las distancias y las desganas.  Además, Hendrix no grababa una o dos veces la misma pieza, la repetía cuatro, diez, treinta...las veces que hiciera falta hasta que le parecía que no se podía hacer mejor.  Los estudios de grabación se convirtieron en una especie de Sala de Fiestas  donde amigos, conocidos y una infinita nómina de visitas tocaban en jam sessions improvisadas hasta altas horas de la madrugada, con el consiguiente mosqueo del personal de los técnicos de grabación.  Noel Redding comenzó a llegar tarde o sencillamente no se presentaba, por lo que Hendrix tuvo que tocar algunas veces la guitarra bajo en el Electric Ladyland.  Aún y así, un tema compuesto por el bajista, Little Miss Strange, aparecía en el mítico Electric Ladyland, la segunda canción que Redding compuso estando en el trío.  La segunda y la última porque aunque intentó cambiar no podía con el caos creativo que reinaba en aquellas sesiones de grabación.  Redding llegaba tarde, queriendo, o desaparecía, se marchaba, y la llamada telefónica posterior de Hendrix preguntándole dónde carajo se había metido provocaban unas peleas tan sonoras que llegó el día en el que guitarra bajo y batería dijeron que se acabó, adiós.  Y se fueron.

Mitch Mitchell continuó sentado a la batería hasta que nos dejó (1947-2008).  Tocó con Jeff Beck, Jack Bruce, John Mayall & the Bluesbreakers, Terry Reid y Rory Gallagher.  En 1971 publicó un LP firmado con su nombre y apellido donde mostró su sensibilidad como autor de algunas de las letras de las canciones.  En una de ellas afirmaba: He llegado al límite, he tocado el techo de mi aislamiento y mi soledad.  Dios, ayúdame a bajar.

Noel Redding (1945-2003) tuvo vida después de pasar por The Jimi Hendrix Experience aunque para él, después de todo,  fue un handicap ya que se esperaba que cualquier cosa que pudiera hacer sonara precisamente a Jimi Hendrix y en realidad no fue así.  Sobre 1968, aún sin haberse concretado la separación del trío, ya se había formado un nuevo proyecto llamado Fat Mattress, con Noel Redding como vocalista y guitarra.

Redding, el primero por la derecha, lideraba este cuarteto que llegaron a telonear a The Jimi Hendrix Experience.  Redding cantaba, tocaba la guitarra y cuando terminaba, tomaba la guitarra bajo y continuaba sobre el escenario con Hendrix y Mitchell.  Esto duró muy poco.  Cuando Fat Mattress se volvió una realidad independiente se metieron en los estudios de grabación y grabaron un primer LP bautizado con el nombre de la banda.

Fat Mattress, de 1969, fue un disco un poco...tibio.  Ni frío ni caliente: con intenciones psicodélicas, porque los miembros del grupo iban detrás de la música habían escuchado (mucho rock psicodélico y folk-rock californiano), pero orientando todo hacia las armonías vocales. A menudo es como si buscaran hacer una amalgama de  Byrds, Buffalo Springfield, Love, con algunos guiños fugaces a la psicodelia británica de Traffic.  Pero dejan en la audiencia una sensación de buenas intenciones, de reflejar buenas vibraciones en su influencias pero el resultado es opaco, no llegan a brillar plenamente.  

Al año siguiente, 1970, el grupo vuelve a intentarlo.  Se meten en los estudios de grabación y sacan Fat Mattress 2.  No se rompen la cabeza al bautizar el nuevo disco.  Un poco más de lo mismo que habían mostrado con el álbum anterior aunque en este caso hay un tema muy significativo que se recuperó años después.  Más arriba aparece una cierta influencia poli-psicodélica, la estadounidense y la británica, en este caso por parte de Traffic.  De hecho, un ex-Traffic, Chris Wood, saxo y flauta, tocaba este último instrumento en el primer LP de estos Fat Mattress, en el tema All Night Drinker.  La banda capitaneada por Noel Redding, en la reedición del segundo disco del grupo en el año 2016, incluyeron (ellos no, está claro, la discográfica) un tema largo que solían interpretar en vivo, una composición titulada The River con una duración de 17 minutos que anticipaba, allá por 1970, las formas que después adoptó un rock más elaborado, con perfiles libres de Jazz y otras maneras.  Un corte del primer disco y este El río largo es lo que recupera el Cíclope de este cuarteto.

Tras estas turbulencias nos adentramos en terrenos más calmados, más serenos, de la mano del compositor, cantante e intérprete nacido como Iain David McGeachy pero conocido por su pseudónimo artístico, John Martyn.

Nacía en Inglaterra, en 1948.  Sería en la década de los 60 cuando se conoció a este hombre que arrancaba del Folk para conseguir un trenzado musical extraordinariamente rico formando un tejido con una trama de hilos que conectaban el folk, el blues, el jazz y el rock, con una tendencia hacia la experimentación electrónica y atmosférica.

En 1973, John Martyn publicaba el LP Solid Air.  De ese álbum rescatamos el tema que le dio título al trabajo, una composición que dedicó a su amigo Nick Drake.

Ambos habían nacido en 1948 y Drake fallecía en 1974.  Martyn lo haría en 2009.  Desde que murió su amigo, Martyn abrió todas sus actuaciones en vivo con una canción que aparece en ese LP que reproduce la foto anterior, el tema titulado May You Never, Que nunca te vayas, en memoria de Drake.

Y al citarlo, no nos queda otra que escuchar algo de él, de Nicholas Rodney Drake.

Cantante, compositor de las letras y de la música de sus canciones, guitarrista de perfil Folk, nacía el 19 de junio de 1948 en Rangún, Birmania.  Fallecía el 25 de noviembre de 1974 en Tanworth-in-Arden, Inglaterra.

Desde su adolescencia la música significó un fin en sí misma para él.  Esta influencia le llegaba, directamente, por su madre, Molly Drake, que tocaba la guitarra, el piano y además cantaba.  Para el hijo, componer música, canciones, era habitual y desde adolescente empezó a gestar ideas para formar un grupo de música con compañeros de clase.  Recién cumplidos los 18 años empezó a tratar de vencer su timidez para tocar la guitarra y cantar ante un público no muy numeroso, los asistentes a cafés donde se interpretaba música folk en directo.  Tendría unos 19, 20 años cuando, en uno de esos locales, lo escuchó tocar y cantar uno de los miembros de una institución folk británica como la banda Faiport Convention.  El joven Drake llamó la atención de ese miembro de la Faiport que no dudó en recomendar al cantante al productor Joe Boyd que, por aquel entonces, era una figura clave de la escena folk-rock británica y, además, productor de Fairport Convention y The Incredible String Band.  Boyd escuchó a Drake en directo y cuando terminó le pidió una cinta.  Había quedado tan impresionado que le ofreció un contrato al muchacho de 20 años.  Y así se comenzó a planificar lo que sería su primer LP publicado el 1 de septiembre de 1969, en el sello Island Records, bajo el título Five Leaves Left.

Para la realización de este álbum de debut, Drake contó con la colaboración de algunos músicos del mundo folk británico: Richard Thompson de Fairport Convention y el bajista Danny Thompson de Pentangle.  El disco tiene una atmósfera misteriosa y evocadora.  Los textos de las canciones se adentran en el espíritu de la melancolía.  No hay desesperación, angustia.  Hay un viso tranquilo ayudado por la voz mesurada de Drake.  Recuperamos el tema River Man.  

El disco no tuvo repercusión apenas.  Un año después, el 1 de noviembre de 1970, publicó el LP Bryter Layter.  En esta ocasión optó por arreglos de carácter jazzístico, incluso las canciones, algunas, se quedan sin letra, tan solo instrumentales.  Al igual que el álbum anterior, este no resulta nada comercial, no hay cotas de ventas reseñables.  Si Drake tenía un problema de timidez extrema que le impedía, a veces, tocar en directo, este doble fracaso en la industria fonográfica lo volvió aún más solitario y taciturno.  Cayó en una profunda depresión que a menudo le impedía componer, trabajar o incluso caminar y hablar.

El 25 de febrero de 1972 veía la luz Pink Moon, un LP extraordinariamente breve: 26 minutos y 30 segundos.  Por qué canciones tan cortas que da como tiempo total ni siquiera media hora, según Drake, porque estaba muy claro: simplemente no tenía nada más que decir, ni que grabar.  Pink Moon es la obra que lo convirtió en la figura de culto que sigue siendo actualmente.  En este disco no hay músicos de acompañamiento, simplemente Drake con su voz, la guitarra acústica y un poco de piano, grabado por su productor habitual, Joe Boyd, pero sin la intervención de nadie más.

Los últimos años de Drake estuvieron marcados por crecientes problemas psiquiátricos, que lo llevaron a ser hospitalizado durante varias semanas.  El 25 de noviembre de 1974, falleció en casa de sus padres por una sobredosis de antidepresivos.  Mucho se ha especulado con un suicidio, aunque algunos familiares y amigos lo negaron.  Drake es venerado por muchos músicos y oyentes de hoy en día, con seguidores que abarcan varias generaciones. Quienes no lo conocieron en su momento encontraron mucho que redescubrir al volver a escucharlo, y su soledad reflexiva conecta directamente con las sucesivas generaciones de artistas que comparten su sentimiento de melancolía y alienación.  Pink Moon, el tema que da título a su último álbum, se usó casi 30 años después en un anuncio de la casa Volkswagen para televisión, lo que le valió un renovado reconocimiento.

Por nuestra parte, de ese último disco de Nick Drake, recuperamos el tema Things Behind The Sun, Cosas detrás del sol.

No nos podemos olvidar del libro Nick Drake: Remembered For A While, publicado en Inglaterra en noviembre de 2014.  En España se editó, en primera edición, en octubre de 2017, en la editorial Malpaso Ediciones con traducción de Luis Murillo Fort, con el título Nick Drake: Recuerdos de un instante.

Es un magnífico volumen en tapa dura que no se corresponde con la idea de una biografía al uso.  La idea de este libro partió de Gabrielle Drake, hermana de Nick, y fue escrito por ella y Cally Callomon, gestor y custodio de la obra de Nick Drake.  El libro reúne fotos realizadas por los padres del protagonista, Rodney y Molly Drake, testimonios de quienes convivieron con el músico, por lo que se suceden artículos de prensa, noticias de periódicos, comentarios de los discos, recuerdos, cartas de amigos, de familiares, de músicos, productores, entrevistas, la edición bilingüe de las letras de sus canciones, fragmentos de sus diarios...

Vamos a cerrar esta edición de Cíclope 3.0 con una de las figuras de la música actual que confiesan tener influencia de Nick Drake.  Se trata de Robert Smith, que comentó que el nombre de The Cure proviene directamente de una línea de la canción Time Has Told Me del primer LP de Nick Drake.  Esa línea dice 

a troubled cure for a troubled mind (una cura problemática para una mente perturbada)

En la foto anterior, The Cure en 1992, el año en el que el grupo publicó su álbum Wish.

Para Robert Smith, Drake no es sólo una influencia literaria.  Precisamente en ese álbum de 1992, la canción To Wish Impossible Things, Desear cosas imposibles, captura la atmósfera etérea y melancólica de aquel primer disco de Drake, Five Leaves Left.

Pues con The Cure bajo el cielo protector de Nick Drake cerramos la edición de hoy.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-22-09-26

Cíclope 3.0 - 15-09-26

Amparo Moreno Castillo, derrengada y dormida en un banco del Parque de María Luisa, en Sevilla, porque se pone a escuchar ediciones ya emitidas de Cíclope 3.0 en su reproductor de MP3 por la noche y le dan las tantas, por lo que el crucigrama del periódico no hay día que lo termine.

Cíclope 3.0 del martes 15 de septiembre de este año en curso, 2026.

Entramos con una voz femenina, la figura a veces controvertida por su forma de protestar de Sinéad O'Connor.

Para muchas personas será siempre recordada por la versión que interpretó del tema original de Prince, Nothing Compares 2 U.  Nacida como Sinéad Marie Bernadette O'Connor en diciembre de 1966 en Glenageary, Condado de Dublín, Irlanda, y fallecida en julio de 2023 en Londres, Inglaterra.  O'Connor llamó la atención sobre temas como el abuso infantil, los derechos humanos, el racismo y los derechos de las mujeres.  Se le recordará, entre otras cosas, por aquella actuación en el programa de televisión Saturday Night Live en 1992, cuando rompió una fotografía del papa Juan Pablo II para protestar contra los abusos sexuales a menores de edad en la Iglesia Católica.  A lo largo de su carrera musical, habló abiertamente sobre su camino espiritual, su activismo, sus puntos de vista sociopolíticos y sus experiencias con el trauma y sus problemas de salud mental.  En 2017, cambió legalmente su nombre a Magda Davitt, declarando en una entrevista que deseaba liberarse de los nombres de esclavitud patriarcales.  Tras convertirse al Islam en 2018, adoptó el nombre de Shuhada' Sadaqat, aunque continuó actuando y grabando con su nombre de nacimiento.

Hemos comenzado el programa de hoy con el tema Fire on Babylon, Fuego sobre Babilonia, de su álbum de 1994 titulado Universal Mother.  Lo hemos hecho porque ella aparecía como colaboradora en un álbum del proyecto Conjure One.

Conjure One es el proyecto de un músico, Nowell Rhys Fulber, en la foto de la izquierda.

Bill Leeb y Rhys Fulber, a la derecha, formaron el dúo Delerium.  Venían de formar parte del trío Front Line Assembly.  Cuando se quedaron los dos músicos solos se convirtieron en Delerium, publicando  paisajes sonoros industriales instrumentales con percusión de corte marcial.  Como dúo, Rhys Fulber demostró su talento en la música dance ambiental.  El dúo Delerium comenzó en 1988, dos años después de dejar Front Line Assembly.  El dúo entró al siglo XXI sin dejar de trabajar y en el año 2000, Rhys Fulber además de seguir con la idea de Delerium comienza a gestar el proyecto en solitario llamado Conjure One donde desarrolla aún más sus propias ideas, aplicando un dominio excepcional de los sonidos del Mediterráneo y Oriente Medio.  Fulber viajó por todo el mundo para crear esta obra grabada en Ámsterdam, Vancouver, Londres y Los Ángeles.  Dado su apretado calendario de producción, no sorprende que tardara tres años en terminarla.

En este trabajo intervino como colaboradora 

Sinéad O'Connor, cantando la composición Tears From The Moon, Lágrimas de la luna.

Diez años después, en 2013, aparece un álbum titulado Reasons to Disturb firmado por Conjure One.  Sin embargo se trataba de un álbum falso, un disco no oficial que se filtró en línea bajo el nombre de Conjure One pero que Rhys Fulber negó públicamente cualquier autoría.  La lista de canciones que circuló por Internet no correspondía a un álbum de estudio original, era un disco pirata hecho con versiones renombradas y remezclas de otros artistas como Poe, Balligomingo y Fauxliage.  Por ejemplo, en el caso de la canción Haunted de la cantante estadounidense Poe, pseudónimo artístico de Annie Decatur Danielewski, quien o quienes fueron responsables del engendro pirata, cambiaron el título original por el de Inside my Haunted Head, aprovechando que el estribillo original repite continuamente la frase.

Por lo demás la canción es la misma que aparece en el segundo álbum de Poe, del año 2000, el disco titulado de forma homónima (portada del disco a la derecha).  No fue el único caso el de Poe.  Recuperamos el tema original.  El álbum pirata y falso de 2013, Reasons to Disturb, se construyó camuflando canciones de otros artistas del género Ambient, Trip-Hop y Pop Electrónico.

Seguimos con voces femeninas.

Esta mujer de la foto a la izquierda responde al nombre de Charlotte Aitchison, pero se le conoce por el alias artístico Charli XCX.  Su música la podemos poner en la balda de Música Pop pero con un perfil extraordinariamente personal porque transita con facilidad entre lo puramente experimental y lo comercial del Pop.  Lo mismo construye un score para película con música melancólica, como es el caso de la banda sonora para la adaptación cinematográfica de Cumbres Borrascosas de este 2026, dirigida por la realizadora Emerald Fennell, que levanta un álbum de composiciones de Dance-Rock introspectivo como hizo, también este año 2026, en el mes de julio, en el disco Music, Fashion, Film.

  

La portada de Music, Fashion, Film es toda una declaración de intenciones.  La foto se debe al fotógrafo y director Aidan Zamiri y reúne a John Cale (izquierda), el diseñador Marc Jacobs en el centro y el director Martin Scorsese a la derecha.  Con Cale trabajó en uno de los cortes del score para la banda sonora de la nueva versión de Cumbres borrascosas; Jacobs y Scorsese...lo mismo está reivindicando su lugar entre estos iconos.  O simplemente admirándolos.  Es una mujer audaz y sugerente.  De ella escuchamos un par de temas de su último álbum.  

Ya que barajamos timbres de voces femeninas, ahora mezclamos voces de mujer y guitarras eléctricas dando como resultado una banda que llega desde San José, Costa Rica, y que responde al nombre de Las Robertas.

Comenzaron en el año 2009 como trío y tras algunos cambios se ampliaron a quinteto.  Pasaron a sexteto, con tres guitarras.  Miembros que cambiaron (se fueron, volvieron) y ahora son quinteto, tres hombres y dos mujeres: Mercedes Oller (en la foto anterior, en el centro, de pie) voz y guitarra, y Daniela García (sentada, a la izquierda) en los teclados.  Pasaron más miembros femeninos por el grupo pero al final quedaron solo ellas dos.  La guitarra eléctrica de Mercedes Oller hace pareja con la de Russell Davis que he intentado identificar en la foto pero que no hay manera de dar con él, te lo juro compañera.

En 2023 publicaban Love is the Answer, sonido claro y una fuerza extraordinaria en las guitarras eléctricas.  Psicodelia y más cosas que aporta este proyecto costarricense a los que volveremos en próximas ediciones.

Nos vamos acercando al final de esta edición de Cíclope 3.0  Vamos a recuperar un proyecto bastante interesante que reúne a una serie de músicos de diferentes orígenes que en varias ocasiones han coincidido tanto en los estudios de grabación como sobre el escenario, es una banda que responde al nombre de Drink The Sea.

  

Grabaron dos discos en el año 2025, discos que se publicaron con meses de diferencia y cuyo título fue Drink The Sea I y Drink The Sea II.

Hasta la carpeta de cada álbum era igual para el volumen 1 y el 2.  Ellos estaban ahí para tocar, grabar, y seguir después cada uno su camino.  Si nos detenemos en cada uno de los miembros de esa foto anterior en blanco y negro reconocemos a Barrett Martin

percusionista de formación académica que abrazó el Jazz y el rock independiente.  Llegó a formar parte de Screaming Trees, tocó con R.E.M., con Queens Of The Stone Age...

Lissette García, esposa de Barrett Martin, también percusionista pero ella especializada en percusión y ritmos latinos.

Alain Johannes, multiinstrumentista y guitarra.  Ha colaborado, entre otros, con Queens Of The Stone Age, Masters Of Reality...

Peter Buck, guitarra eléctrica.  Ha tocado en un montón de proyectos pero de base fue la guitarra de R.E.M.

Duke Garwood, multiinstrumentista, compositor y productor radicado en el Reino Unido, cuyo trabajo en solitario y de sesión abarca desde el blues hasta la música experimental.  Formó parte de Mark Lanegan Band.

Drink The Sea coincidieron en una reunión en el año 2022 en los estudios de grabación.  Sin pensar en un futuro inmediato o lejano tomaron la base de una serie de composiciones que aportaron entre todos y con arreglos posteriores, en 2025, aparecieron los dos volúmenes que llevan la misma portada pero contenidos diferentes.  Escuchamos un corte de cada uno de los volúmenes para que te hagas una idea.

Enfrentamos la recta final del programa con un disco que veía la luz el 13 del pasado mes de junio.  Se llama Still Burns Bright y lo firma 7thkernel.

En la edición de Cíclope 3.0 del 20 de enero de este año 2026, sonaba por primera vez la música de 7thkernel.  Escuchábamos una selección de dos de sus trabajos: Dead Stars & Bats, publicado en febrero de 2024, y Redemption Sins, que veía la luz en el mes de julio del mismo año.  Comentaba entonces que 7thkernel es el proyecto de un hombre poliédrico que se encarga de todo, de componer, de escribir las letras de las canciones, de cantar, que es multinstrumentista (toca las guitarras eléctricas, acústicas, el bajo, la batería, los teclados), es el que graba, el que realiza las mezclas finales de sus álbumes, el productor...el motor-alma de la idea, que se llama Antonio Cano.

Antonio sigue su actividad.  En junio aparecía Still Burns Bright, un álbum con un título verdaderamente adecuado: Sigue ardiendo con fuerza.  Digo lo de adecuado porque el fuego interior de las ideas musicales de 7thkernel no se apaga, se regenera en cada composición.  Tiene la colaboración de Mycel Jones en los coros en tres temas.  El resto, como es habitual, queda en manos y en la voz de él.  Escuchamos tres temas de este trabajo que, en pocos días, será el penúltimo de sus discos porque ya está anunciada la inminente edición de Inner Life, álbum nuevo que verá la luz el próximo 13 de octubre.  Mientras nos quedamos con 3 cortes de Still Burns Bright que son Let It Go, The Same You Needed (con el perfil de la música de 7thkernel) y Salt and Summer.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-16-09-26