Cíclope 3.0 - 16-01-18

El programa de éste Martes 16 de Enero tiene como punto de referencia la laxitud de una canción como Pale Blue Eyes de The Velvet Underground.  Con ellos comenzamos, con la banda capitaneada por Lou Reed, sin la presencia a estas alturas de John Cale (era el tercer álbum de la banda aparecido en el año 1969), con una dotación formada por Sterling Morrison, guitarra y cantante; Maureen Tucker, percusión y batería; Lou Reed, guitarra y cantante.  Estos tres miembros los únicos originales que quedaban del grupo.  El cuarto elemento, el miembro nuevo que venía a cubrir la baja de John Cale, fue Doug Yule, guitarra bajo, órgano, acompañamiento vocal.  Una sustitución más numérica que cualitativa porque sustituir el genio e ingenio del músico del País de Gales no es tarea fácil.  The Velvet Underground en ésta tercera entrega grabada de la banda inauguraban, indirectamente, un estilo musical que aparecería a finales del Siglo XX y que se acuñaría con el término Slowcore (Registro lento, bajo).  Los críticos británicos lo tildan, con ironía, de Shoegaze Style (Estilo Mirarse-la-punta-de-los-zapatos) en una alusión directa a músicos que tocan los instrumentos (guitarras, bajos) literalmente encorvados sobre ellos y con la mirada perdida en el suelo a partir de la punta de sus zapatos.  Los norteamericanos lo llaman de la otra forma: Slowcore, también conocido como Sadcore (Registro triste).

Situar el origen de éste termino es tan difuso como aseverar el origen de un mito griego: ¿dónde nació Prometeo?  Por poner un ejemplo.  Hay una multiplicidad en conceptos así.  El Lowcore dicen que surge como una derivación de la música que hace la banda norteamericana Low, intérpretes de un Rock que surge como reacción a un exceso energético como hubo en el movimiento Grunge.  En el Slow, Sad o Lowcore hay un derroche de tempos lentos, de cierta tranquilidad, de laxitud.  Situado en una línea del Tiempo aparece a mediados de la década de los años 90 del siglo pasado y están reconocidos como "fundadores" de dicha estética un trío original de Nueva York, Codeine, que bajo el arco gravitatorio del álbum The Velvet Underground, con el que empezamos hoy, comenzaron a desarrollar una música lenta pero intensa.  

El trío Codeine se forma capitaneado por el batería Chris Brokaw, el guitarrista John Engle y el bajista/cantante Immer Wahr.  Grabaron dos discos, uno en 1990 y otro en 1994.  Se separan éste año, 94, y vuelven de nuevo en 2012.  Discografía corta para dejar una influencia larga y productiva.

Immer Wahr en el centro; a la izquierda John Engle y a la derecha Chris Brokaw

The White Birch - 1994

El segundo álbum del trío Codeine llevó por título The White Birch (El Abedul Blanco).  Como sucede en tantas ocasiones en Cíclope 3.0, nos encontramos con el típico juego de la Cesta de Cerezas: tomas una y sale otra ensartada.  Éste es el caso que nos ocupa: de una canción de The Velvet Underground sale un estilo musical capitaneado por un grupo que se reconoce deudor de la banda de Lou Reed; ese grupo, Codeine, influye a su vez, por su estética y formas musicales, en otro colectivo de músicos, trío también como Codeine pero originarios de otro sitio, de Noruega, en concreto de la ciudad de Oslo que se bautizan con el nombre The White Birch, título del segundo álbum de los neoyorkinos, y que les siguen con admiración aunque derivan por caminos diferentes a ese Slowcore que practican bandas como Galaxie 500, Low o Codeine.

The White Birch es un trío formado por el compositor y cantante Ola Flottum.  Grabaron por primera vez en 1996 acogiéndose a ese Registro Lento que tanto admiran.  Editan cinco discos hasta 2015: tres en estudio, un cuarto autogestionado y un quinto que, en realidad, está hecho íntegramente por el alma-máter del grupo, Ola Flottum, más una grabación editada en cassette que es inencontrable.  De ellos el Cíclope nos trae dos temas pertenecientes a su disco Star is Just a Sun del año 2002 donde muestran más afinidad con bandas como los islandeses Sigur Rós, con quienes se les llegó a comparar, que con el Lowcore.

The White Birch (Ola Flottum en el centro)

Ola Flottum

Ola Flottum es un hombre inquieto, con otros proyectos musicales además de la banda The White Birch.  A principios de éste Siglo XXI le dio forma a Portrait of David donde además de cantar y tocar la guitarra se encarga de más instrumentos.

Portrait of David - Portada de su disco del año 2004 These Days are Hard to Ignore

Además, Ola Flottum ha participado ocasionalmente de proyectos de paisanos suyos como es el caso del cuarteto Briskeby, tocando la guitarra tan sólo en actuaciones en directo.

Briskeby

  

Por último y como aspecto principal de la labor como compositor de Ola Flottum están sus trabajos para Bandas Sonoras de Películas.  La más reciente es la que compuso el año pasado, 2017, para la película Thelma del director noruego Joachim Trier que tuvimos oportunidad de ver en la última edición del Festival de Sitges.

Para terminar la edición de Cíclope 3.0 de ésta semana lo hacemos con otro músico de origen noruego, Torgny Knutson Amdam, más conocido como Torgny.  Sus comienzos en la Música fueron de una estética muy dura.  Formó parte de bandas de estilo Hard-Core para ir decantándose por las estructuras de Bandas Sonoras de Películas.  De hecho participa del Score de la banda sonora de la película Thelma responsabilizándose de dos cortes de dicha partitura.  En solitario, firmando con su nombre, edita por primera vez en el año 2010 un disco, Chameleon Days, que es el álbum con el que cerramos hoy.

Torgny - Chameleon Days

Espero que te guste el programa.

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Stanislaw I. Witkiewicz

Stanislaw I. Witkiewicz

El bucle de los años finales del Siglo XIX y los primeros del Siglo XX en la antigua Polonia está cuajado de hombres y mujeres que reunieron en la figura de cada vida una multiplicidad de doctrinas artísticas.  Fue una constante el escritor, la pintora, el músico, la poetisa que además de una actividad concreta también se aplicaban al desarrollo de otras vías de expresión.  Uno de esos casos de variedad artística estuvo representado por Stanislaw I. Witkiewicz, genio múltiple que cultivó diversos ámbitos de expresión artística: escritor, pintor, filósofo y artista gráfico.  Nació en Varsovia, Polonia, el 24 de Febrero de 1885 y falleció el 18 de Septiembre de 1939.

Aunque hoy se le recuerda más como novelista sus comienzos, literariamente hablando, fueron teatrales.  Su producción está considerada una precursora de lo que sería conocido como el Teatro del  Absurdo, con nombres como el de Samuel Beckett y Eugène Ionesco.  La pintura y los comentarios sobre pintores sería una actividad que se antepuso a su obra como autor de novelas, piezas cuajadas de personajes excéntricos donde el tema del Arte y la Industria Artística con todas sus derivaciones van a estar presente: críticos, marchantes, autores de vanguardia, amigos de artistas...

El motivo por el que Witkiewicz (conocido por el seudónimo Witkacy) viene a éste blog es porque su obra, especialmente como novelista, merece la pena y con creces.  Para ilustrar éste argumento tenemos su obra Las 622 caídas de Bungo o La mujer diabólica, escrita en 1911, aparecida en 1919 y editada en España por la editorial Destino en su Colección Áncora y Delfín en Enero del año 2002, con traducción de Josep M. de Sagarra.  El origen, la génesis de argumentos como el de ésta obra se encuentra en las pinturas de Witkacy donde está profundamente influido por autores como Goya, Félicien Rops o Aubrey Beardsley, los más eminentes demonólogos del Siglo XIX, según el mismo Witkiewicz.  Los principales protagonistas de esas escenas que pintaba son una mujer demoníaca y su víctima: un hombre desesperado, sin voluntad, condenado al fracaso.  Es, sin lugar a dudas, el origen, la esencia de esas 622 caídas de Bungo, una novela donde un joven artista (Bungo) se enamora de una diva inaccesible, la bella y frívola Akne Montecalfi.  Por ella es capaz de hacer lo más inimaginable, de humillarse hasta límites insospechados.  La novela tiene la declaración de amor más accidentada que se pueda leer en toda la Historia de la Literatura.  Los amigos del círculo artístico del joven Bungo son tan tremendos como sus nombres y apellidos: el barón Brummel de Bufadero-Bluff, el duque Edgar de Nevermore o el peculiar Tymbeusz.  Las 622 caídas de Bungo o La mujer diabólica es uno de esos libros que comienzan y que se van abriendo como una flor, poco a poco.  Contiene un Prefacio escrito por Genezyp Kapen, en 1919, y que no es otro que el mismo Witkiewicz, el cual cierra el Prefacio en cuestión con éstas palabras:

Si este libro le hace a alguien más llevadero, pongamos por caso, un aburrido y fastidioso viaje, o un rato de yacer enfermo en la cama, si le proporciona un momento de solaz tras los quehaceres de un día cotidiano, o puede que lleno a rebosar de importantes acontecimientos, habrá cumplido su cometido.

En España, por suerte, no es la única obra de Stanislaw I. Witkiewicz traducida, hay una buena representación de lo que escribió tanto en teatro como en narrativa: Insaciabilidad, Comedia repugnante de una madre, La gallina acuática: tragedia esférica en tres actos...  Y muchas más.  Sólo tienes que poner su nombre y apellido en el Buscador que utilices y te saldrán sus obras.  Probablemente parte de la edición de sus libros esté agotada, por las fechas de edición, pero otros se pueden conseguir con cierta rapidez.  De todas formas siempre queda la opción de comprarlo de segunda mano, por suerte para cualquier lector.

En las dos fotos superiores, dos momentos teatrales de Witkiewicz de una serie experimental de fotografías: en la inmediatamente superior a éstas líneas la foto titulada El monstruo de Düseldorff acompañado por Janina Turowska.  

Witkiewicz un hombre que, en líneas generales, está considerado como un autor especialmente difícil.  Es cierto: sus reediciones no se van a encontrar entre los libros más vendidos en algunos comercios de superficies más o menos grandes, pero sí van a estar en ese rincón del corazón de las personas que disfrutan leyendo libros que cuentan historias.  Esto puede parecer una obviedad y sin embargo no lo es: no todos los libros que ven la luz guardan una historia de interés en su interior, por mucha apariencia que tengan.  Ocurre como con los seres de apariencia humana: no todos tienen alma, por muchas similitudes que puedan presentar con otros seres semejantes.  Stanislaw I. Witkiewicz fallecía el 18 de Septiembre de 1939.  Ante el terror de la invasión de las tropas alemanas y soviéticas de Polonia escogió el suicidio.  Tanta Vida se quedó sin opciones de seguir creando.

Cíclope 3.0 - 09-01-18 - Especial "De tal palo tal astilla"

John Lennon con su hijo Julian en brazos

Cíclope 3.0 del Martes 9 de Enero de 2018 haciéndose eco de ese refrán que dice: De tal palo tal astilla.  El espacio de hoy está dedicado a progenitores con oficio de Músicos y descendientes que hayan heredado tal profesión.  Escucharemos un tema de cada uno: padre/madre e hijo/hija.  Son unos cuantos y hay muchos más que estarán en programas posteriores, por ahora ponemos algunos ejemplos estereofónicos comenzando con Papá Dylan y su legendario Blonde on Blonde.

Bob Dylan

Jakob Luke Dylan nace el 9 de Diciembre de 1969 en New York City. Es el menor de los cuatro hijos de Bob Dylan y Sara Dylan, de soltera Shirley Marlin Noznisky.  A raíz de su primer matrimonio con el fotógrafo Hans Lownds, Shirley se cambia el nombre por el de Sara, persuadida por su marido que argumentó no poder estar casado con una mujer que se llamara Shirley (¿?).

Jakob Dylan

Jakob Dylan fue el alma-máter de la banda The Wallflowers.  Comienzan en 1992 y llegan hasta 2012.  Seis álbumes de los que brilló especialmente el que ediatron en el año 2000: Breach.

Jakob Dylan, en solitario, lleva grabados dos discos entre los años 2008 y 2010.

The Wallflowers (Jakob Dylan primero por la izquierda)

Ian Dury

Ian Dury fue un músico británico, cantante, compositor, líder de la banda The Blockheads con quienes protagonizó momentos interesantes en la eclosión del Punk a mediados-finales de la década de los años 70.  De pequeño sufrió de poliomielitis lo que marcó su físico, sin restarle ni un ápice de fuerza y voluntad para hacer cosas y, sobre todo, contornearse en el escenario en sus actuaciones en vivo.  Pasó las fronteras del Punk, de la New Wave, fue uno de los músicos que abanderaron el sello británico Stiff Records y además de cantar, componer, bailar, también fue actor de Cine.  Películas como Piratas de Roman Polanski o El Cuervo: Ciudad de ángeles de Tim Pope, cuentan con sus actitudes de interpretación.  Nació el 12 de Mayo de 1942 en Upminster, Essex y fallecía el 27 de Marzo del año 2000 en Londres.

Baxter Dury

Baxter Dury, nacido el 8 de Noviembre de 1972 en Wingrave, Buckinghamshire, Inglaterra, es el único hijo que tuvo Ian Dury y Bette Dury.  Musicalmente hablando nació en el año 2002, con 30 años, dos después de la muerte de su padre, que no conoció la labor musical de su hijo.
Baxter Dury, extraordinario mal estudiante, expulsado de un montón de institutos, comenzó a componer música a los 20 años y pico junto al hijo de Mickey Gallagher, miembro de la banda de su padre The Blockheads.  Desde el año 2002 hasta la fecha lleva cinco álbumes grabados.

Frank Sinatra

   

Decir Frank Sinatra es nombrar a uno de los mitos de la Historia de la Música del que no se puede añadir nada nuevo a no ser que sean cotilleos más o menos obscuros, cosa que nos interesa bastante poco.
De su descendencia, una hija y un hijo se dedicaron a la Música: Nancy Sinatra y Frank Sinatra Jr., fruto del matrimonio con la que fue su primera esposa, Nancy Barbato.  Frank Sinatra Jr. cuatro años menor que su hermana fallecía en el año 2016, después de una carrera musical donde combinó la dirección musical y una obvia carrera desigual como cantante: ser hijo de La Voz y adoptar como nombre artístico el nombre y apellido del padre, diferenciándose solamente por lo de Junior, son ganitas de suscitar las comparaciones más inmediatas: ¡Sí, hombre!  ¡Igualito que el padre!
Sin embargo, la mayor de los hijos de ese primer matrimonio Sinatra-Barbato, Nancy Sinatra, es otra historia.  Nacía el 8 de Junio de 1940 en Jersey City, New Jersey.  Su carrera como artista engloba diferentes doctrinas: modelo recatada fotografiada en bikini nada escandoloso, actriz y, sobre todo, cantante muy activa.  Se estrenó en el año 1966 con tres discos.  Sería precisamente el tercero, el titulado Boots el que la lanzaría a las listas de éxitos internacionales con una canción como These Boots Are Made For Walkin'.  El álbum estaba estructurado por las canciones originales de Lee Hazlewood, uno de esos compositores veteranos especializados en melodías y éxitos seguros.  Pero además incluía versiones de The Rolling Stones (As Tears Go By), The Beatles (Day Tripper, Run For Your Life), Bob Dylan (It Ain't Me Babe) y Ray Charles (Lies).  Todas esas canciones escogidas por ella misma para mostrar su capacidad de intérprete.
Nancy Sinatra sigue activa en pleno Siglo XXI como lo demuestra la edición de un nuevo disco en el año 2013.

Nancy Sinatra, con botas, por supuesto

Paul Simon será siempre recordado por ser miembro del dúo Simon & Garfunkel.  Por supuesto ha seguido trabajando después de la separación del tandem y tiene canciones y álbumes con valor propio como para considerar la etapa con su amigo Art Garfunkel precisamente como eso, como una etapa, una época de un extraordinario contenido que no vamos a descubrir ahora.  Sigue activo, como lo demuestran sus últimas grabaciones como la que recupera el Cíclope del año 2016.

Paul Simon

Fruto de la unión entre Paul Simon y su mujer, Peggy Harper, es Harper Simon, que nacía el 7 de Septiembre de 1972 en la ciudad de Nueva York.  Desde que cumplió 4 años de edad ya mostró inclinación por la Música y ha crecido al compás de las giras de su padre, con quien ha tocado la guitarra en infinidad de ocasiones.  Se mete en los estudios de grabación en la primera década de éste siglo y el año 2009 ve la aparición de su primer disco.  Se lo toma con tranquilidad y vuelve a grabar tres años después, en 2012.  Será en el año 2013 cuando reciba el reconocimiento de Crítica y seguidores con la edición de su álbum Division Street, un trabajo en el que colaboran grupos como The Strokes y Wilco.  Tiene algo que recuerda a su padre: algo en la voz, en la forma que tiene de cantar que lleva directamente a su progenitor.  Le sucede lo mismo que a Jakob Dylan: su tono de voz, la forma de modular, recuerda a su padre.  Y en ninguno de los dos casos es algo negativo, al contrario.

Harper Simon

En la recta final de ésta edición de Cíclope 3.0 dedicada a progenitores músicos y descendencia heredera de oficio, nos quedamos con la figura, con la música de John Lennon y dos hijos suyos seguidores de la estela musical del padre: Julian Lennon y Sean Lennon.

John Lennon en la época del White Album

John Lennon estuvo casado en dos ocasiones y de ambas uniones tuvo descendencia: un hijo de cada pareja.
El primer matrimonio de Lennon fue una circunstancia que se silenció todo el tiempo que fue posible.  Principios de la década de los 60, The Beatles iniciando una carrera musical de la que no tenían ni idea de lo que llegaría a significar, Brian Epstein, manager del grupo, preocupado por la imagen y la construcción del mito, no puede permitir que se divulgue que esos chicos tan alegres, tan divertidos, tienen obligaciones que les atan de pies y manos.  Sobre todo si se tratan de las responsabilidades que conlleva el tener un hijo.
John Lennon y Cynthia Powell engendraron un hijo que nació el 8 de Abril de 1963 en Liverpool.  Lo bautizaron con el nombre de John Charles Julian.  Lo de Julian era un homenaje claro, transparente y diáfano hacia la abuela paterna, Julia.
El muchacho, que creció con un padre que lo veía de higos a brevas, se dedicó a la Música y firmaría sus discos desde 1984 con el nombre y apellido de Julian Lennon.

Julian Lennon

Julian no sólo tiene el peso del apellido Lennon, también le persigue el peso pesado de ser el hijo que se parece tanto físicamente como creativamente: suena una canción suya y lo primero que piensa uno es Éste es John Lennon, ¿no?
Se estrenó en 1984 con un álbum titulado Valotte donde mostró su admiración hacia su padre: el sonido del piano, los matices, las inflexiones de la voz, el estilo...todo recuerda a John.  Desde entonces no ha faltado una entrevista en la que toda la interview, motivada por una actuación suya o la edición de un disco nuevo, no gire en torno a la figura paterna.  Da igual lo que haga, siempre van a estar las preguntas de rigor acerca de The Beatles, de sus recuerdos con su padre, de lo que se parece componiendo y cantando a John...  Una tortura.  Hasta el año 2011 lleva seis discos grabados y con el último ya expresó su firme decisión de dejar el Mundo de la Música si el disco y toda su actividad seguía estando marcada por la sombra gravitatoria de su apellido.  No sé si lo habrá cumplido, pero el caso es que el hombre no lo ha hecho mal, musicalmente hablando.

Sean Lennon

El 20 de Marzo de 1969, John Lennon se casaba con Yoko Ono en Gibraltar, después de atravesar un circuito de adversidades y contras.  La historia y consecuencias del famoso enlace más la luna de miel de la que disfrutaron es algo que ha vertido ríos de tinta y tiene muy poco que ver con lo que nos interesa, al menos en el contenido de éste programa.  Lo que sí nos importa es lo que sucedió en la ciudad de Nueva York el 9 de Octubre de 1975: nacía el primer y único descendiente del matrimonio Lennon-Ono, un niño al que bautizaron con el nombre de Sean Taro Ono Lennon y que, físicamente, delataba los genes que lo vinculaban a sus progenitores porque es un cruce perfecto entre padre y madre.  Para colmo, llevar un par de lentes iguales a las gafas más famosas de la Historia termina de configurar el perfil de una persona que, cómo no, teniendo esos padres, también se ha dedicado a las formas artísticas, en concreto a la Música y algún que otro derivado.  En solitario lleva grabados unos siete álbumes.  Tiene una voz particularmente desagradable, cercana al timbre irritante de los experimentos vocales de su madre de la que hereda, además, un puntito de las típicas excentricidades de las que ha hecho gala y sigue haciendo ella.  Se mueve entre sus grabaciones en solitario firmadas como Sean Lennon y proyectos como The Ghost of a Saber Tooth Tiger (dúo con su pareja, Charlotte Kemp Muhl) practicando Folk de Vanguardia (¿?), Claypool Lennon Delirium (dúo con el bajista veterano Les Claypool) y colabora también con un dúo femenino japonés llamado Cibo Matto.  Mucho ruido y pocas nueces.
Y así terminamos éste primer Especial De Tal Palo Tal Astilla en Cíclope 3.0 que volverá a reunir a progenitores dedicados a la Música con descendientes que han seguido las huellas del oficio, materno o paterno.

Espero que te guste el programa.

Aquí el enlace para descargarlo o escucharlo, siempre en la sintonía de Radio Tomares.  

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Cíclope 3.0 - 02-01-18 - Especial Barry Adamson # 1

Primer Cíclope 3.0 del año nuevo 2018.  Primer Martes de mes lo cual significa Programa Especial, el Especial Grande donde se puede escuchar la discografía completa de un artista, grupo, dúo, o cualquier formato de proyecto.  Inauguramos el año y el Especial Gordo con un músico rico en matices, de amplios registros y con un alma poliédrica que le hace ser una figura muy interesante en el panorama de la Música: Barry Adamson.

Su instrumento de base es la guitarra bajo aunque su capacidad como instrumentista engloba una larga y variada lista.  

Nace el 1 de Junio de 1958 en Moss Side, Manchester, Inglaterra.  Musicalmente hablando comienza a finales de la década de los años 70 en el seno de la banda Magazine, el grupo capitaneado por Howard Devoto, donde además de tocar la guitarra bajo compone a medias con otros miembros de la formación.  Para iniciar el recorrido de su discografia el Cíclope escoge dos momentos de la labor de Adamson en el seno de Magazine, uno del quinto álbum del grupo y otro del segundo álbum.

Magazine - Magic, Murder and The Weather - 1981

Magazine - Secondhand Daylight - 1979

Magazine (Barry Adamson segundo por la izquierda)

Barry Adamson en los años en los que formó parte del grupo Magazine

Antes de iniciar una carrera en solitario firmando los discos con su nombre y apellido, Adamson estuvo en diferentes bandas y proyectos.  Una de las colaboraciones más prolongadas en el Tiempo fue la que realizó con Nick Cave entrando a formar parte de la bolsa de Malas Semillas, The Bad Seeds.  Estuvo y ha vuelto en varias ocasiones aunque ya estuviera desarrollando sus proyectos personales.  Una de esas colaboraciones con Cave donde deja sentir su guitarra bajo fue en el álbum de 1985 The Firstborn is Dead, en concreto en temas como Tupelo que recoge el Cíclope para ilustrar su buen hacer como instrumentista.

Nick Cave and The Bad Seeds - The Firstborn is Dead - 1985

Y tras algunas de esas colaboraciones entramos ya en la discografia en solitario de Barry Adamson.  Año 1989, aparición de Moss Side Story, banda sonora para una película imaginaria.  Éste va a ser un punto muy importante en la producción de Adamson, el componer Bandas Sonoras que funcionan como Música en busca de una Película, porque no existen cintas que contengan estos fragmentos musicales.  Cierto es que ha compuesto partituras para películas como tales pero casi funciona mejor cuando esas historias de celuloide están hechas con la materia de los sueños: imaginadas pero nunca realizadas.

Éste primer álbum, Moss Side Story, sigue siendo, para muchos, su mejor disco.  Contiene elementos de rock, voces de reportajes, voces femeninas sin palabras (cortesía de la diva experimental / punk Diamanda Galás), teclados de música ambiental que se podría decir que sirven para una funeraria, se entrelazan en esta banda sonora tensa e irresistible. El resultado es un paisaje sonoro siniestro y nervioso, emocionante como una película de suspenso en blanco y negro. El CD agrega tres cortes de bonificación, incluye las actualizaciones que realiza del tema principal de la banda sonora de la película The man with the golden arm (El hombre con el brazo dorado) original de Elmer Bernstein y Alfred Hitchcock presents original del compositor Stanley Wilson.

Lo decía unas cuantas líneas más arriba: tal vez no sea sorprendente que el talento compositivo ecléctico de Adamson no funcione tan bien cuando deba unir su visión a una película real.  Delusion es una película norteamericana de 1991 dirigida por Carl Colpaert, un thriller policíaco que aquí en España se tituló Engaño. Esta banda sonora para una película obscura de 1991 contiene muchos fragmentos, elementos y piezas interesantes: guitarras españolas sombrías, pasajes orquestales.  Sin embargo, el disco no llega a cuajar por, entre otras cosas, esas partes discordantes de diálogos de la película que no tienen sentido en el contexto del disco y que son francamente molestas.  La banda sonora cuenta con la colaboración de, entre otros, Anita Lane, novia por aquel entonces de Nick Cave.  Ella realiza la versión de la canción Estas botas están hechas para caminar, un tema original de Lee Hazlewood que hizo popular Nancy Sinatra, la hija de Frank Sinatra, en el año 1966.

Cartelera de la película Delusion y portada del disco de la Banda Sonora

Para cerrar ésta primera entrega del Especial Barry Adamson nos quedamos con una colaboración que realizó nuestro hombre en el año 2012 en lo que se conoce como The Jeffrey Lee Pierce Sessions Project.  Jeffrey Lee Pierce, alma-máter de la banda Gun Club, nacía el 27 de Junio ​​de 1958 y fallecía el 31 de Marzo de 1996.  The Jeffrey Lee Pierce Sessions Project es una iniciativa tributaria organizada por Cypress Grove, músico, compositor, cantante, guitarrista y productor inglés, amigo y colaborador musical de Jeffrey Lee Pierce, que, cuando falleció su amigo, siguió las indicaciones testamentarias que había dejado y que consistían en que ordenara todo lo que se encontraba en el loft en el que vivió.  Ordenando papeles y cosas Grove descubrió un cassette que contenía canciones grabadas entre ambos con una idea: editarlas bajo el título The Jeffrey Lee Pierce Sessions Project, un proyecto que tenía la intención de ser una grabación de canciones country pero que fueron derivando hacia una sesión de Blues.   

En 2010, The Jeffrey Lee Pierce Sessions Project lanzó el primero de una serie de cuatro álbumes que recogen interpretaciones del trabajo de Pierce por parte de viejos amigos y colaboradores, como Debbie Harry, Nick Cave, Lydia Lunch, Mick Harvey, Barry Adamson, Mark. Lanegan, Kid Congo Powers y otros.  Adamson participó en concreto en el álbum aparecido el año 2012, The Journey is Long, el segundo de esa serie de cuatro, cantando el tema I Wanna Be You que es con el que terminamos el programa de hoy.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 26-12-17

Recuperando ediciones de Cíclope 3.0 que, por motivos festivos, han quedado rezagadas en el Tiempo.  Después de las vacaciones navideñas, de las comidas pantagruélicas y las catas de selección de polvorones, las funciones informáticas vuelven al orden y colgamos los enlaces correspondientes a los programas ya emitidos.

Comenzamos por el último Cíclope del año 2017, el del Martes 26 de Diciembre.  No hizo el Cíclope ningún resumen del año que se fue sino que sencillamente enredó las buenas vibraciones de músicos como Chris Burda, batería y teclados y Martin Grimm, guitarra y batería.  Ambos forman el dúo Collapse Under The Empire, originales de la ciudad alemana de Hamburgo.  Funcionan desde el año 2008, dedicados a la música instrumental de género Post-Rock.

Chris Burda izquierda / Martin Grimm derecha

El quinteto francés, original de Toulouse, Francia, Soror Dolorosa, sacan su nombre después de haber leído la novela Brujas, la Muerta de Georges Rodenbach, autor belga, poeta simbolista de finales del Siglo XIX.  Soror Dolorosa se puede traducir como Hermana Dolor, en Latín.

Soror Dolorosa

Llevan trabajando su Rock de perfiles góticos desde el año 2009 y en 2017 editaron su último trabajo, por el momento, titulado Apollo.

Soror Dolorosa - Apollo - 2017

Y el gran grueso de ésta última edición de Cíclope 3.0 del año 2017 lo ocupa el grupo británico original de Liverpool, Anathema.

Anathema

La banda se formó en 1990 bajo la tutela de Vincent Cavanagh (segundo empezando por la izquierda) y su hermano Danny Cavanagh (segundo contando desde la derecha).  Aparecen en formato de disco por primera vez en 1993 y se les ha catalogado como banda de Doom Metal, Goth Metal, Heavy Metal o Death Metal (¿?).  Personalmente, no los identifico con ninguna de estas matrículas.  El Cíclope, para escuchar un poco de su último trabajo editado en 2017 recupera primero algo de un álbum de la banda aparecido en el año 2001 que llevó por título A Find Day To Exit.

Anathema - A Fine Day To Exit - 2001

Anathema - The Optimist - 2017

Anathema han sido sexteto, quinteto y cuarteto, dependiendo de las bajas y cambios en el seno de la banda.  Sus miembros, sobre todo uno de los dos hermanos fundadores, Danny Cavanagh, tiene incursiones en solitario con discos fundamentalmente íntimos acompañado tan sólo por su guitarra y su voz.

Danny Cavanagh

La primera entrega que hizo de su carrera en solitario fue en el año 2004 con un disco titulado A Place To Be, un trabajo formado íntegramente por versiones de temas originales de Nick Drake.

En el año 2015 aparecía su cuarto álbum de los cinco que tiene en su haber, Memory and Meaning, donde vuelve a realizar versiones de su admirado Drake y otros grupos como es el caso del famoso With or Without You de U2.

Danny Cavanagh - Memory and Meaning - 2015

Cerrando el programa otra derivación de Anathema, el grupo Antimatter, banda capitaneada por el bajista Duncan Patterson de Anathema.  Durante un tiempo también formó parte Danny Cavanagh por lo que el parecido entre un grupo y otro es algo lógico.

Duncan Patterson

Antimatter (Duncan Patterson con camisa blanca)

Antimatter - Fear of a Unique Identity - 2012

Espero que te guste el programa.

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Pájaros y Brumas

La primera entrada de éste blog en el recién estrenado año 2018 es una recomendación de lectura: Pájaros y Brumas de José María García González.  La noche del día 31, después de cenar, leí un rato antes de tomar las uvas de la suerte como cada año.  En ese par de horas antes de la medianoche terminé éste libro, el último leído en el año 2017.
Pájaros y brumas es una hermosa obra vertebrada por los recuerdos de otros tiempos en otro lugar, un alegato contra el olvido, un ensayo por intentar que el color sepia no se desvanezca en la pinacoteca de los recuerdos, que por lo menos mantenga su tonalidad.  En la obra, el gran crisol de esos recuerdos se encuentra centrado en el burgalés Valle de Caderechas, con los pueblos que delimitan su topografía: Quintanaopio (de donde es originario el autor), Rucandio, Herrera de Caderechas...  Todos los personajes que van trufando esos recuerdos, esas vivenciaciones, tienen que ver con el Valle, referente de todo.
No recuerdo qué poeta dijo una vez: Las cosas vienen, nos hacen daño y después se van.  He estado buscando en libros de varios autores pero no he encontrado la frase.  Para mí que es de Pedro Garfias (1901-1967) y que se podía encontrar en la antología De soledad y otros pesares, pero no es así.  De todas formas ese "las cosas vienen, nos hacen daño y después se van", sea de quien sea, me sirve como punto de fuga porque Pájaros y brumas de José María García González es todo lo contrario a ese pensamiento triste y doloroso.  Los recuerdos vienen, descargan su contenido mezcla de poíesis e imaginación, se van y vuelven.  Porque la estructura de ésta narración no es metonímica sino que salta de atrás hacia delante, del ahora al entonces.  Y los personajes vienen y se van, y vuelven otra vez.
Es curioso el pulso con el que narra José María García González: se aferra afectívamente a los personajes y a las situaciones, las circunstancias se vuelven un reflejo especular de la atmósfera circundante ya sea por el tiempo meteorológico o los olores de la naturaleza.  Los reflejos se dispersan por aquí y por allá y el autor recupera uno de los oficios posibles que dejó en los días del pasado: se vuelve pastor de esos reflejos que es como decir que se convierte en pastor de espejos.  Pastorea sus soledades y comunica con emoción recuerdos que son trenzas de hechos vividos, acontecimientos escuchados contados por otras voces, anhelos e influencias de autores leídos y admirados.
La vida laboral de José María García González hasta llegar al Periodismo es un crisol de profesiones.  Sus lecturas, apasionadas y varias, hacen posible un texto con un tejido narrativo como el que posee Pájaros y Brumas.  Su lectura se ve agilizada por la brevedad de las páginas de los capítulos lo que contribuye extraordinariamente a leer con interés ésta espiral que termina con un arrebato, un esfuerzo sobrehumano por no olvidar el sonido de la voz que le une a todo aquello que es el pasado de cada uno.
La obra se presentó el Jueves 9 de Noviembre del año 2017 en la sede de la Asociación de la Prensa de Sevilla.  En el acto el autor estuvo apadrinado por Rafael Rodríguez, presidente de la APS y acompañado por Miguel García, escritor y responsable de la editorial El Último Dódo que ha hecho posible que el libro haya visto la luz.

(De izquierda a derecha) Rafael Rodriguez, José María García González y Miguel García