Cíclope 3.0 - 04-07-17 - Especial The Blue Nile

Cíclope 3.0 del Martes 4 de Julio del año 2017.  Edición Especial dedicada al grupo escocés The Blue Nile.

The Blue Nile, trío original de la ciudad escocesa de Glasgow, nace como grupo en 1980.  Dos amigos de la infancia, Paul Buchanan y Robert Bell, coinciden en la Universidad de Glasgow.  Buchanan se gradúa en Historia y Literatura Medieval, Bell en Matemáticas.  Un tercer amigo, Paul Joseph Moore, que había crecido en el mismo barrio que Buchanan y con quien había compartido juegos, entraría en contacto de nuevo con su antiguo vecino en la Universidad, donde Moore estudió Electrónica.  No sería sino hasta el final de sus carreras universitarias cuando se plantean el hecho de la Música, sacar de ellos esa vocación que, hasta el momento, estaba adormecida.  Para darse a conocer escogieron el nombre de McIntyre (John McIntyre Building, nombre del edificio de las oficinas de la Administración de la Universidad).  Duró poco ese nombre de McIntyre porque sin dar actuación ninguna cambiaron a Night by Night, nombre con el que, como mucho, dieron unas tres actuaciones en vivo en algún pub local.  Desconocidos aún popularmente deciden cambiar de nuevo el nombre del trío y así aparece, definitivamente, el nombre The Blue Nile, extraído de la obra original de Alan Moorehead (1910-1983) The White Nile (El Nilo Blanco) 1960.  Su secuela sería The Blue Nile (El Nilo Azul) 1962, y de ahí el nombre de la banda.

Alan Moorehead

Ya como The Blue Nile, Buchanan y sus dos amigos acuerdan no ampliar el formato del grupo.  Se quedan como trío y con una instrumentación fundamentalmente electrónica: sintetizadores, teclados en general, bajo, guitarra tan tratada que no sonaba como tal y una maltrecha caja de ritmos que venía a sustituir la ausencia de batería.  Así se ponen en camino buscando realizar una primera grabación, un single titulado I Love this Life que les sirvió como tarjeta de presentación para que se fijara en ellos un antiguo amigo: el ingeniero de sonido Calum Malcolm.  Aunque éste hace que el single aparezca en una compañía independiente la quiebra de la empresa facilita que el disco desaparezca sin dejar rastro.
Pero sí hubo huella, rastro que seguir porque el trío había grabado alguna que otra demo en los estudios de Calum Malcolm.  La suerte jugó un papel importante en aquellos comienzos porque una de esas demo, en concreto la que recogía la canción Tinseltown in the Rain (Ciudad de Oropel bajo la Lluvia) llegó a los oídos de Ivor Tiefenbrun, responsable de Linn Electronics Products, fabrica local de productos de alta fidelidad.  Buscaban la colaboración de alguien, grupo o solista, para que grabase con su nueva consola y demostrar así la fidelidad, versatilidad y calidad del aparato.  Ahí entraron los miembros de The Blue Nile con su canción Tinseltown in the Rain.  Para demostrar el rango dinámico y la claridad del equipo de grabación la canción fue arreglada con la voz, la guitarra, el bajo, los teclados y las secciones completas de la secuencia pero nunca al mismo tiempo.  A Linn Electronics le gustó tanto la canción que formaron un sello discográfico y financiaron la grabación del álbum al completo apareciendo en 1983 con el título A Walk Across the Rooftops (Un paseo por los Tejados)

Las siete largas composiciones de A Walk Across the Rooftops siguen el modelo de la canción homónima que abre el disco, con la voz rica de Paul Buchanan en el centro de arreglos casi sinfónicos que logran sonar exuberantes.  Los ritmos son extraordinariamente lentos exceptuando el tempo, tal vez más optimista, de Tinseltown in the Rain.

Se acababan de dar a conocer y aún no habían entrado en una curiosa dinámica que hizo que, alrededor de The Blue Nile, se formara un halo de misterio: no daban entrevistas, o raramente concedían alguna, evitaban la publicidad y mantenían una relación distante con la Industria Fonográfica.  Eran muy perfeccionistas y además mantuvieron un ritmo de trabajo muy lento ya que entre los años 1980 (fecha de reunión) y 2004 (fecha de separación) grabaron cuatro álbumes.

Tras A Walk Across the Rooftops de 1983, el trío edita en 1989 Hats, un álbum inmensamente cálido y humano.

Hats es un disco donde, cada canción está elaborada con una precisión pictórica.  Impresionistas y brillantes, los temas son perfectamente evocadores de sus títulos: From a Late Night Train (De un tren nocturno), Seven A.M. (Siete de la Mañana), Over the Hillside (Desde la ladera).  Bruma romántica, neblina de amanecer, sentimientos de amor y soledad.  También hay espacio para tiempos más ligeros de ritmo como Headlights on the Parade (Los Faros del Desfile) y para la melancolía catártica en The Downtown Lights (Las Luces del Centro).  El disco está grabado por Calum Malcolm y producido por el trío.

Si entre el primer y el segundo disco transcurrieron seis años, entre el segundo y el tercero pasaron siete.  Peace at Last (Paz al Fin) apareció en 1996.  La guitarra y la batería encuentran hueco en las composiciones del grupo y Nigel Thomas se va a encargar de todo lo que signifique percusión-batería.  Su colaboración va a ser tan constante como la del ingeniero de sonido Calum Malcolm, tanto es así que casi se puede hablar de dos miembros nuevos en el seno de The Blue Nile aunque el grupo sigue manteniendo el formato de trío.  

Peace at Last es un disco que parece estar grabado en el salón de la casa de algunos de los miembros del grupo por lo relajado de sus composiciones y por ese perfil pulido, casi trazado con escuadra y cartabón que tienen las composiciones aunque el resultado final no diera más que para dejar constancia de que The Blue Nile seguían vivos.

Y así llegamos al año 2004.  El periodo comprendido entre Peace at Last y su nuevo trabajo, High, es de ocho años.  La cadencia es curiosa: primer disco en 1983, segundo disco seis años después en 1989, tercer disco siete años de diferencia con el anterior 1996 y por último, ocho años, en 2004 lanzan por última vez una grabación.

High sigue los pasos de aquel A Walk Across the Rooftops.  Es un disco con canciones serenas que hablan de corazones rotos o de paseos cargados de melancolía y nostalgia.  Canciones como I Would Never o Because of Toledo hacen que el disco se vuelva de carne y hueso, humano e intrincadamente estructurado en sus composiciones.

Y hasta aquí, por el momento, lo que Paul Buchanan, Robert Bell y Paul Joseph Moore nos han legado como The Blue Nile.  ¿Volverán algún día a grabar discos con dicho nombre?  No se sabe.  Puede ser, ya que la cadencia de sus grabaciones es, como has podido comprobar, muy tranquila, no se dan prisa para que aparezca un trabajo nuevo.  Los miembros del grupo sí han seguido ejerciendo como lo que son: muy buenos músicos.  Paul Buchanan, por ejemplo, ha participado de los proyectos de otros músicos como hizo con Peter Gabriel en el espectáculo musical OVO que Gabriel compuso para la inauguración del Millenium Dome Show en Londres en el año 2000.

En dicha obra Paul Buchanan colaboraba con su voz en temas como Make Tomorrow con el que terminamos éste Especial The Blue Nile en Cíclope 3.0, en la sintonía de Radio Tomares.

Espero que te guste el programa.

       

Enlace para descargar el programa:

http://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-04-07-17

Cíclope 3.0 - 27-06-17 - Especial Marc Almond # 5

Programa Cíclope 3.0 del Martes 27 de Junio de éste año 2017.  Especial Marc Almond Número 5.

Son of Rogues Gallery: Pirate Ballads, Sea Songs & Chanteys - 2013.
No todas las canciones cantadas en el mar son canciones de marineros. Chanteys (Chabolas) son canciones sobre el trabajo, diseñadas para ser cantadas acompañando la mano de obra en los barcos, en el mar.  Sea Songs (Canciones del Mar) son canciones que hablan de la vida en el mar, crónicas de vivencias de los marinos en alta mar y suelen ser, generalmente, narrativas y personales.  Mientras que una canción pirata es eso: una canción sobre los piratas, o una canción cantada por los piratas.  Los tres estilos de canciones marítimas están representados en este disco doble, secuela ampliada de Rogues Gallery de 2006.  En la selección del año 2013 se reúnen una serie de invitados verderamente curiosos: Shane MacGowan, Robyn Hitchcock, Beth Orton, Sean Lennon, Tom Waits y Keith Richards con la guitarra de Marc Ribot, Iggy Pop, Nick Cave y Warren Ellis, Patti Smith y Johnny Depp, Anjelica Huston... y por supuesto Marc Almond.  Con él, cantando Ship in Distress, comenzamos ésta quinta entrega, penúltima, del Especial Marc Almond.

Nos detendremos especialmente en dos de tres álbumes por tener un contenido de forma y estilo particularmente ricos.  Esos tres discos que forman una trilogía independiente unos de otros pero unidos por una misma idea son The Tyburn Tree: Dark London, Ten Plagues: A Song Cycle y The Dancing Marquis.  Los tres discos tienen la misma fecha: año 2014.  Tanto The Tyburn Tree: Dark London como Ten Plagues: A Song Cycle son trabajos donde Almond ha hecho de intérprete, más que de compositor.  De los dos, en The Tyburn Tree aporta algún detalle pero sobre todo deja que la estructura musical la levante el saxofonista inglés John Harle.  Por supuesto que Marc Almond colabora, cómo no, pero está parapetado detrás de su compañero Harle.  En Ten Plagues: A Song Cycle se encuentra con la tranquilidad de tener que hacer sólo de inérprete porque tanto la música como los textos se los dan hechos: la música, el compositor norirlandés Conor Mitchell y el libreto original es del dramaturgo británico Mark Ravenhill.  Por último, The Dancing Marquis cierra esa trilogía aparecida en el año 2014, un álbum éste Marqués del Baile, que reunía una serie de canciones aparecidas en formato Maxi-Single en el año 2008 y a las que se le agregaban un par de composiciones nuevas que aparecen en el disco en diferentes remezclas.
Dije al principio de éste párrafo que eran tres discos individuales pero unidos por una misma idea: la que tenía Marc Almond con respecto a su labor como músico, compositor, creador...ya no iba a grabar más material nuevo, ya no más discos con canciones nuevas para interpretar en directo, ya no más...sólo y exclusivamente pondría su voz al servicio de los proyectos que le parecieran interesantes, por lo demás, se acabó.  Su disco Varieté del año 2010 se podía tomar como su despedida, su pre-jubilación del Mundo de la Creatividad.  Se acabó.  Adiós.
Menos mal que apareció la figura de Chris Braide, compositor, multinstrumentista, productor, que consiguió quitarle de la cabeza la idea.  Pero eso será más adelante, un año después, en 2015.  Cuando lleguemos ahí hablamos del álbum The Velvet Trail.  Ahora vamos a mirar con el ojo agudo del Cíclope ese The Tyburn Tree: Dark London, el primero de los tres discos del año 2014.

John Harle

Tyburn es un lugar de siniestro recuerdo en Londres: entre los siglos XVIII y principios del XIX, en Londres, en Tyburn, se alzaba el cadalso con el palo de horca donde eran ejecutados los condenados a muerte por la Justicia, ya fuesen ajusticiados por crímenes, asesinatos, robos...o por herejía contra la Iglesia Católica.  Ésta página de la Historia se convirtió en una fructífera colaboración entre dos músicos: la que realizaron en el mes de Febrero del año 2014, el compositor, intérprete, profesor de música, productor y saxofonista John Harle y nuestro músico Marc Almond.  El resultado fue dicho álbum, The Tyburn Tree: Dark London, una obra que ha sido catalogada como una poderosa alianza teatral según la Crítica Internacional.  El resultado se ha comparado a la música de King Crimson o de Scott Walker.  La amplitud emocional de las interpretaciones de Almond son altamente convincentes.  Domina plenamente la atmósfera crepuscular de todo el trabajo.  La música, ambientada en capas, coloreada por el saxofón soprano del compositor John Harle, recibe colaboraciones tan estrechas como la misteriosa voz de la soprano Sarah Leonard.  Por último reseñar la guitarra eléctrica del músico británico de Jazz John Parricelli.

Ten Plagues: A Song Cycle del año 2014 es un conjunto de canciones para voz y piano.  El disco doble que apareció ese año recogía el ciclo de composiciones de Conor Mitchell interpretadas por la voz de Marc Almond siguiendo el libreto de Mark Ravenhill.  Trata sobre la gran plaga que azotó Londres en 1665 y funciona como una metáfora de grandes amenazas masivas como la Gripe Porcina o la primera avalancha del SIDA.  La obra se interpretó por primera vez en el Edinburgh Festival Fringe en el año 2011 y se volvió a interpretar en el año 2013 en Wilton's Music Hall.  El disco se editó con un DVD que recoge la representación del año 2013.
Éste álbum no suena en el Especial Marc Almond en Cíclope 3.0 porque me ha sido imposible disponer de una copia original a tiempo.  Dejo aquí un enlace a YouTube donde se puede ver y escuchar uno de los momentos de la obra, en concreto la pieza To Dream.

https://www.youtube.com/watch?v=LKNqlKEf3MY

La tercera obra de Marc Almond en el año 2014 es The Dancing Marquis, un disco que reúne canciones aparecidas en formato EP de vinilo, Burn Bright y Tasmanian Tiger, más dos temas nuevos y dos remezclas.  La lista de colaboradores incluye nombres como los de Jarvis Cocker (alma-máter de los británicos Pulp) o Tony Visconti, músico, arreglista y productor de, entre otros: David Bowie, T. Rex, Iggy Pop, Thin Lizzy, The Stranglers, The Boomtown Rats, Manic Street Preachers, etc.  El título del disco, The Dancing Marquis, hace referencia a Henry Cyril Paget, quinto Marqués de Anglesey.  Nació el 16 de Junio de 1875 y falleció el 14 de Marzo de 1905.  Apodado Toppy, fue un británico notable durante su breve vida.  Derrochó su herencia en una pródiga vida social y acumuló enormes deudas.  Considerado como "la oveja negra" de la familia le llamaban The Dancing Marquis, El Marqués del Baile, por su forma de bailar, con unos ademanes sinuosos que recordaban el movimiento de una serpiente.

    

   

Tres instantáneas del Marqués del Baile, Henry Cyril Paget (1875-1905)

Y terminamos ésta edición de Cíclope 3.0, quinta y penúltima entrega del Especial Marc Almond, con el álbum The Velvet Trail del año 2015.
Marc Almond, uno de los grandes camaleones y estilistas de la Música Pop de Vanguardia, sugirió que el álbum Varieté del año 2010 sería su último álbum con material original, que se "pre-retiraba, pre-jubilaba".  Sus trabajos posteriores, The Tyburn Tree: Dark London y Ten Plagues: A Song Cycle, fueron en gran parte trabajos de colaboración donde puso la voz, más que sus capacidades creativas como compositor.  El productor, multinstrumentista y compositor Chris Braide no estaba dispuesto a que esa decisión se cumpliera, que Almond no fuera a grabar nunca más material propio original.  Le envió tres melodías, Almond las escuchó, le gustaron lo suficiente como para ponerse a trabajar sobre esa base y encontró inspiración como para terminar tres canciones nuevas para las que elaboró letras y las cantó.  Almond se las envió terminadas a Braide, éste las produjo arreglándolas, limándolas, quitando alguna arista.  El proceso siguió con la misma tónica hasta que el producto final se completó dando como resultado un nuevo álbum.  Chris Braide y Marc Almond no se reunieron hasta el final, cuando ya todo estaba hecho.  Se abrazaron con la fuerza que da el saber que uno había encontrado en el otro lo que ni siquiera habían sospechado: una fuente de inspiración mutua.  Almond se encontró con un compositor que entendía implícitamente sus diversas obsesiones musicales y sus tópicos personales, mientras que Braide dio con un cantante cuya voz y personalidad eran lo suficientemente ricas como para dominar los registros de la Música Pop del Siglo XXI.
The Velvet Trail contiene 16 pistas, 12 canciones separadas y cerradas por cuatro breves trabajos instrumentales que lo convierten en una especie de suite.  Sus canciones están empapadas de amor, lujuria, pérdida del objeto amado y la fantasmagoría de cuerpos que se mueven en una vida subterránea.  Algunos de los protagonistas de las letras de las canciones son una versión moderna de Querelle de Jean Genet, con encuentros nocturnos en callejones obscuros y solitarios.  Con The Velvet Trail, Chris Braide, con su consumada habilidad y brillantez sensible, combina los personajes teatrales y líricos de Almond con la honestidad emocional de la textura de su voz.  Como resultado final, su creatividad lírica, a la vez directa, desafiante, vulnerable y deliberadamente excesiva, está fuera de dudas.
Por cuestión de tiempo no podemos escuchar todas las canciones escogidas de éste álbum, así que terminaremos su audición en la próxima edición del Especial Marc Almond.

Espero que te guste el programa.

Enlace para descargar el programa:

https://radiotomares.wordpress.com/2017/06/28/ciclope-3-0-27-06-17/

Cíclope 3.0 - 20-06-17

Cíclope 3.0 del Martes 20 de Junio de 2017.
Habitualmente, el Cíclope toma un disco y disecciona los créditos mirando con detenimiento los diferentes colaboradores, si los hubiera.  Así, con ese disco más lo que sale de los músicos colaboradores abre un abanico de posibilidades que forman todo un espacio de una hora.  En ésta ocasión el Cíclope invierte el orden: comienza con los músicos colaboradores para desembocar en un disco que es el motivo para que el programa de hoy comience con esos sonidos.  El músico que abre ésta edición de Cíclope 3.0 es Fennesz, Christian Fennesz, compositor e intérprete austríaco, cuyos instrumentos básicos son la guitarra eléctrica y su PC portátil.  Es un músico activo especialmente allí donde haya Música Electrónica.

Christian Fennesz

El comienzo del programa es con él y sus inseparables guitarra eléctrica y computadora portátil.  En el año 2011 firmó un álbum a medias con Ryuichi Sakamoto titulado Flumina, un disco doble que recoge un planteamiento sencillo: en una gira de 24 días, Sakamoto escribió y realizó una pieza de piano en una clave diferente.  Al final de la gira había explorado todas las variaciones posibles tonales dentro de la notación occidental.  Le proporcionó estas melodías cortas de piano a Fennesz el cual añadió un colchón de teclados suaves.  El resultado final fue bonito pero insustancial.

Ryuichi Sakamoto (Izquierda) y Christian Fennesz

Y después de sonar Fennesz en solitario y de realizar esa colaboración con Sakamoto, ahora nos detenemos en el último álbum grabado en estudio por Ryuichi Sakamoto, un disco difícil titulado Async.  Es su primer trabajo original grabado en unos estudios desde que fue diagnosticado de cáncer de garganta, hecho que puso su carrera en suspenso durante gran parte de los años 2014 y 2015.  Después de un tratamiento y un año completo de recuperación, compuso la aclamada partitura de la película de Alejandro González Iñárritu The Revenant; también es el compositor de la banda sonora de la película japonesa Nagasaki: Memories of my Son dirigida por Yôji Yamada en el año 2015.
En éste nuevo y flamante trabajo, Async, Ryuichi Sakamoto cita la naturaleza, objetos cotidianos y esculturas como influencias sobre la asincronía.  Las piezas musicales incorporan grabaciones de diversos lugares al aire libre, así como interiores de museos (se incluye una escultura de sonido diseñada por Harry Bertoia).  Además del piano y el procesamiento electrónico de Sakamoto, Async cuenta con instrumentos acústicos como un shamisen o samisén, un instrumento de música japonés pero de origen chino que tiene tres cuerdas (como un banjo casi cuadrado y con tan sólo tres cuerdas), un cuenco tibetano para cantar y la guitarra eléctrica más el PC portátil del compositor Christian Fennesz así como elementos orquestales.
El álbum se centra en combinar sonidos tanto musicales como no musicales y parece funcionar como escenas de la vida cotidiana.  Como sugiere el título, Asincronía, las partes individuales de la mayoría de las piezas del álbum se mueven a ritmos o intervalos diferentes, haciendo que parezca que todo es producto del azar.  Aparentemente el disco resulta muy teórico, muy académico y que no hay, no tiene emoción.  Y no es así.  Sakamoto se acerca a su trabajo desde una perspectiva humana y hay más melodía de lo que podría parecer en una primera audición.  El álbum no está hueco.
Para terminar con el nuevo trabajo de Ryuichi Sakamoto reseñar que dos cortes cuentan con poemas  hablados que reflejan la vida, los sueños y la muerte.  Life, life incluye la lectura realizada por David Sylvian del poema And this I dream, de Arseni Tarkovsky, padre del director de Cine Andréi Tarkovsky; por otro lado, Fullmoon presenta un collage de varias voces recitando en diferentes idiomas El Cielo Protector (The Sheltering Sky) de Paul Bowles.

    Ryuichi Sakamoto

No dejamos el aire de Japón ni tampoco la influencia de Sakamoto aunque nos detengamos ahora en el estado de Oregon, en concreto en Portland, con Ryan Carlile y Spencer Doran, más conocidos por el nombre artístico del dúo que forman: Visible Cloaks.  La música que realizan es un crisol de influencias étnicas donde la sombra del País del Sol Naciente es una realidad clara y diáfana.  El álbum que recupera el Cíclope, Reassemblage, aparecido éste año 2017, tiene colaboraciones de músicos nipones como es el caso de Miyako Koda.

Visible Cloaks

Miyako Koda, compositora e intérprete de música de atmósferas y ambiente, es miembro de bandas japonesas como Dip in the Pool o el grupo que recuperamos a continuación: Love, Peace & Trance.

Para acabar ésta edición de Cíclope 3.0 volvemos a Portland, Oregon, con Matt Carlson, un músico e intérprete colaborador de proyectos musicales como el de Visible Cloaks y miembro de bandas como Bonus, Golden Retriver o Parenthetical Girls, con quienes cerramos el programa.

Espero que te guste el programa.  Aquí el enlace para poder descargarlo:

https://radiotomares.wordpress.com/2017/06/22/ciclope-3-0-20-06-17/

Joseph Heller

Joseph Heller (1923-1999) fue un escritor y dramaturgo norteamericano cuya narrativa estuvo constantemente impregnada de un humor absurdo y de su incondicional desacuerdo con las grandes corporaciones, la industria militar y el control arbitrario del Estado sobre los ciudadanos.  Escribió novelas y obras de teatro.  Alcanzó el reconocimiento del público a raíz de la edición de su primera novela, Trampa 22, escrita y editada en 1961.  Ésta novela vio la luz en España por primera vez en 1975, en una edición de bolsillo, impresa con letra minúscula que, psicológicamente, invita mal a su lectura.  Sin embargo, ahí estuvo y quienes la leímos nos adentramos en una obra que ha retratado la sin razón de la Guerra como muy pocas obras han conseguido realizar.  El protagonista, Yossarian,piloto de aviación en la Segunda Guerra Mundial (alter ego del mismo Heller que fue piloto en dicho conflicto), intenta por todos los medios ser eximido del servicio alegando enfermedad mental.  Como respuesta recibe la aseveración de la idea que sólo los locos aceptan misiones aéreas y que su postura demuestra con claridad que está sano y que por lo tanto puede volar.  La estructura le permitió a Heller levantar todo un alegato no sólo contra la Guerra, sino especialmente contra el conflicto de Vietnam.  Rápidamente Trampa 22 se convirtió en bandera de los movimientos pacifistas de la época.  

• Trampa 22 (Catch 22) - 1961

-Traducción: Francisco Elías

-Editorial: Plaza & Janés - Colección El Arca de Papel - 1975

Años antes de la traducción por primera vez al español de ésta novela, las noticias que teníamos llegaron de la mano del Cine: la adaptación realizada por el guionista Buck Henry para la película homónima dirigida por Mike Nichols en 1970.  A pesar de las buenas intenciones, la adaptación cinematográfica desvirtúa la novela de Heller.  El plantel de actores protagonistas es de lujo: Alan Arkin, Orson Welles, Jon Voight, Anthony Perkins, Martin Sheen, Art Garfunkel, Buck Henry... Recuerdo que la cinta se pasó por la Segunda Cadena de Televisión Española allá por 1986 y que nunca más se ha podido ver en televisión.

Treinta años después de aquella edición que hizo Plaza & Janés, la novela volvería a ver la luz en nuestro país.

• Trampa 22 (Catch 22) - 1961

-Traducción: Flora Casas

-Editorial: RBA; Primera Edición: Octubre - 2005

La editorial RBA realiza dos reediciones de Trampa 22 en los años 2007 y 2012.  La obra completa de Joseph Heller no está al día en España.  Falta su obra Poética (Poetics) del año 1987 y sus dos obras de teatro: Bombardeamos en New Haven (Bombed in New Haven) 1968 y El proceso de Clevinger (Clevinger's Trial) 1974.  Conseguir algunos libros del autor, por no decir la mayoría, es una labor de búsqueda, caza y captura que hay que llevar a cabo en Librerías de Segunda Mano.  Es el caso, por ejemplo, de La hora del recuerdo editado por la Editorial Planeta en 1995; es también el caso de su novela Tan Bueno Como el Oro (Good as Gold) del año 1979, editado en su primera edición en el mes de Septiembre de 1980 por Bruguera Editorial en su colección Cinco Estrellas y traducida por Emecé Editores.  Parte de la novela apareció como un adelanto en 1976 en la prestigiosa publicación The New York Times.  

Al ver ésta portada me pregunto: ¿leerías un libro con una cubierta así?  No creo que me equivoque si afirmo rotundamente que no.  Después de muchos años buscándola (se editó en 1980) en éste 2017 he dado por fin con ella, de segunda mano como se puede apreciar por el estado del libro.  Vuelvo al tema de la portada: sí, es horrible, poco atractiva, pero el contenido...eso es otra historia.  Bruce Gold es un profesor de literatura que detesta enseñar, es escritor de libros que nadie lee, viene de una familia capitaneada por un padre tiránico, ha formado una familia con la que no es feliz...pero su intención suprema es ser Secretario de Estado.  El Presidente de los Estados Unidos le admira como escritor y quiere contratar sus facultades como narrador...Y Bruce Gold sale de Coney Island en dirección a la Casa Blanca, dispuesto a arreglar el Mundo.  Todo ésto, y mucho más, narrado con ese sentido del humor que caracterizó al maestro norteamericano.

La novela, aquí en España, tuvo un handicap muy importante: apareció en la Colección Cinco Estrellas de la Editorial Bruguera.  La Colección Cinco Estrellas, salvo honrosas equivocaciones, fue una plataforma de Best-Sellers.  Lo que Bruguera incluía en esa colección eran libros cuyas ventas, fuera de España, habían sido astronómicas, sobre todo en Norteamérica.  Pero no en nuestra Piel de Toro.  Sucedió con la edición en el mismo sello de la editorial de la obra Fantasmas, del escritor norteamericano Peter Straub.  El buen lector de Literatura de Terror, al ver que el libro estaba publicado en una colección de Best-Sellers, pasaba de leerlo, perdiéndose una de las mejores revitalizaciones que ha tenido la Novela Gótica en las dos últimas décadas del Siglo XX.  Y por otro lado, el lector habitual de Best-Sellers comenzaba a leerla para desistir de su lectura cuando apenas llevaba leídas unas treinta páginas.  Porque Fantasmas de Peter Straub tiene una estructura, como novela, que es anti best-selleriana: la acción comienza más allá de la página 40 y el resultado es soberbio, magnífico.  Pero, se editó en una firma editorial que no supo hacer bien las cosas, como le ocurrió a la novela de Heller.

• Dios sabe (God Knows) - 1984

-Traducción: Fernando Santos Fontenla

-Editorial: Alianza Editorial-Alianza Tres - 1986

Probablemente, entre los libros escritos por Joseph Heller, Dios sabe se lleva el primer puesto como obra divertida, donde la ironía, el sentido del humor y la humanidad del autor alcanzan cotas que nunca volvería a visitar.  En Dios sabe, Heller hace hablar al bíblico Rey David.  La obra comienza con los últimos días de la vida del que fue escogido por Dios para ser Rey de los israelitas.  Son días de triste soledad donde únicamente recibe la visita de Abisag, la sunamita, que cuida de él.  El Rey David, después de mantener una extraordinaria relación con Dios a lo largo de su vida, pero dicha amistad se quiebra precisamente en las postrimerías de su azarosa vida como monarca.  Ha hecho y deshecho a su antojo, siempre con la complicidad de Dios, pero ahora...ahora se han enfadado.  Y si Dios quiere algo de él, que se manifieste y se lo diga, si no, él, David, no va a dar el paso para acercarse.  Y desde esos días de profunda decepción y desencanto de la condición humana y divina, el Rey David reconstruye la Historia del Antiguo Testamento, desde el Éxodo de Egipto hacia el Valle de Canaan.  Desde las batallas con los filisteos a su victoria sobre Goliat.  Recuerda su picante vida sexual, traicionando a su mejor amigo porque se ha quedado prendado de su esposa y la quiere para él.  La voz del Rey David se desliza por una espiral del Tiempo en la que las voces narrativas saltan, haciendo que lea a Milton, que cite a Shelley, a Nietzsche y a Freud.  Un delirio extraordinario en una magnífica traducción hecha por Fernando Santos Fontenla.  Se ha respetado el sentido de las expresiones en yiddish y para no cargar la edición con notas a pie de página, se incluye al final del libro un glosario con dichas expresiones.

     

• Figúrate (Picture this) - 1988

-Traducción: Juan Gabriel López Guix

-Editorial: Versal, Colección Meridianos; Primera Edición: Octubre - 1989

Figúrate, aparecida cuatro años después de Dios sabe no despierta la carcajada como lo hacía su antecesora.  Está presente el humor absurdo de Heller pero no explota, no irradia la hilaridad que produce la lectura del texto sobre el personaje bíblico.  Es interesante porque todo lo que ha dejado escrito el maestro Heller merece la pena y ésta novela sobre Rembrandt pintando su famoso cuadro Aristóteles contemplando el busto de Homero es un juego de malabarismo, una de esas historias contadas con un ritmo y una sabiduría como tan sólo él supo hacer.

• Retrato del artista adolescente, viejo (Portrait of an Artist, as an Old Man) - 2000

-Traducción: Mariano Antolín Rato

-Editorial: Alianza Editorial - 2002

Aunque Retrato del artista adolescente, viejo es la última obra de Joseph Heller que se editó en España dos años después haber aparecido, es la penúltima en la lista de obras suyas traducidas y editadas aquí.  Ninguna de las novelas que escribió después de Trampa 22 llegaron a tener tan buena acogida por parte de la crítica como esa primera obra.  Es verdad que a Heller la Crítica institucionalizada lo ha tratado con cierta condescendencia, pero tan sólo eso: con cierto y distante respeto, nada más.  También es cierto que aquella Trampa 22 puso el listón muy alto y que nunca llegó no a superarlo, sino ni siquiera a ponerse de nuevo a la altura.  Estoy hablando de cifras de ventas, de dólares, de divisas...porque la calidad de Joseph Heller como escritor está muy por encima de estadísticas de ventas.  Pero personalmente para el autor fue una especie de obstáculo, una especie de reto que tuvo presente a lo largo de su vida: superar un primer éxito, volver a posicionarse en el mismo punto, alcanzar con otra obra suya aquella cota.  Y no lo logró.  Y precisamente de eso trata Retrato del artista adolescente, viejo.  Sobre eso escribió al final de sus días: hizo una extraordinaria sublimación del hecho y consiguió la catarsis definitiva haciéndose uno con el personaje protagonista de su novela, Eugene Pota, un escritor con su misma problemática, autor de una primera obra muy bien recibida que después de intentar repetir otro libro con éxito se encuentra casi ante un problema de agrafía: no se le ocurre nada.  En un juego de reflejos especulares, Heller se vuelve Pota y Pota se vuelve Heller.  Se ceden la palabra pero en un plano no visible para el lector.  Se reconoce a uno y a su alter ego, independientemente.  Después están los comienzos de cada una de las obras que Pota pretende escribir, que no son sino un resumen de cada una de las novelas de Joseph Heller.  No es una obra para escritores en crisis de creatividad.  Es una obra para ser leída, eso sí, después de haber leído todas las obras anteriores del autor porque así se comprende y se entiende todo lo que se despliega ante el lector.

La obra aparecería de forma póstuma en el año 2000.  Joseph Heller falleció en el mes de Diciembre de 1999.

• Algo ha pasado (Something happened) - 1974

-Traducción: Lucrecia Moreno de Sáenz

-Editorial: El Aleph; Primera Edición: Mayo - 2013

Editada en 1974, aparece su traducción española en el año 2013.  Algo ha pasado es una de esas obras hellerianas cargada de humor negro que hace que a veces el lector tuerza la boca en una especie de sonrisa triste.  Casi se podría catalogar como una obra tristemente graciosa o alegremente triste.  Tiene esa capacidad transparente de la escritura de Heller, esos diálogos entre personajes de carne y hueso que son fragmentos de la Vida que él supo observar de una forma tan certera.

Merece la pena que busques en las librerías de segunda mano algunas de sus novelas.  Leer a Joseph Heller es una inversión de Tiempo segura. 

Cíclope 3.0 - 13-06-17

Cíclope 3.0 del Martes 13 de Junio del año 2017.

El programa comienza con unacanción de amor y arrepentimiento aparecida hace 41 años: Coney Island Baby, original de Lou Reed, canción con la que bautizó el álbum del mismo nombre del año 1976.  Con ese disco, Lou Reed demostró, entre otras cosas que podía escribir sobre personas reales con emociones reconocibles.  La canción era una trenza entre la voz y las palabras de Reed y la guitarra eléctrica que tocaba Bob Kulick, guitarrista ocasional de la banda Kiss.

Y a la sombra de una canción así como Coney Island Baby de Lou Reed, con esa estructura de guitarra lenta y elocuente, el Cíclope rescata a algunos hijos directos de vibraciones de esas características.  Es el caso del quinteto norteamericano original de Wichita Falls, Texas, que respondían al nombre de Bedhead.  Se les considera fundadores de lo que la prestigiosa crítica británica ha dado en llamar Sadcore o Slowcore (Registro Triste o Registro Lento), etiqueta que tiene cierta retranca, significante que conduce a un significado un tanto burlesco.  Sea como sea, el sonido de Bedhead estuvo capitaneado por las guitarras de los hermanos Matt y Bubba Kadane.  El grupo terminó de perfilarse con el añadido de un tercer guitarrista, Tench Coxe, más un guitarra bajo y un batería.  Dejaron tres álbumes grabados a lo largo de los años 1994, 1996 y 1998.  Las actuaciones en directo fueron un foco de problemas entre los miembros del grupo y al final, cerrando el Siglo XX, en 1999, Bedhead desapareció.  El primero en marcharse fue el tercer guitarrista, Tench Coxe, que se marchó a Rusia como profesor de inglés.  El guitarra bajo desenchufó su amplificador y el batería soltó las baquetas.  Ambos, desanimados, desaparecieron.  Nos queda la posibilidad de escuchar qué es lo que hacían juntos y el Cíclope recupera el disco Bedheaded del año 1996.

Después de unos meses de descanso, los hermanos Matt y Bubba Kadane vuelven a organizar la formación de un grupo.  En el año 2000 ve la luz un proyecto llamado The New Year, ocasionalmente formación con estructura de quinteto tan sólo cuando los dos hermanos guitarristas necesitan el apoyo de una tercera guitarra.  Habitualmente, The New Year funciona como un cuarteto (dos guitarras, un bajo y un batería).  Editan por primera vez un disco en el año 2001 y se lo toman con extraordinaria tranquilidad eso de sacar discos: 2001, 2004, 2008 y 2017 y su música es heredera directa de la que hacían con el grupo anterior.

Para entrar en otro campo de vibraciones lentas, laxas, rescatamos de la memoria a Shipping News, uno de los grupos capitaneado por el polifacético músico norteamericano, compositor e intérprete, tristemente desaparecido, Jason Noble.  Fallecía el 4 de Agosto del año 2012 con apenas 40 años, víctima de un cáncer.  El que fuera miembro cofundador de un colectivo tan interesante como Rachel's estuvo al frente de grupos como estos Shipping News.

Shipping News.  Jason Noble primero por la izquierda.

Y termina el programa con Música de Cine, con la Banda Sonora Original de la serie de televisión británica Broadchurch y la tercera y última temporada que recibe el subtítulo de Capítulo Final.  Al igual que en las dos temporadas anteriores, el encargado de levantar los paisajes sonoros es el músico islandés Ólafur Arnalds, por quien siento una especial predilección.  Ésta entrega de Broadchurch sonó por primera vez en Cíclope 3.0 en el programa del Martes 2 de Mayo de éste año.  Entonces se pudo escuchar el avance de Broadchurch - The Final Chapter OST que fue el fragmento titulado Take my leave of You, con la voz de Arnór Dan, colaborador habitual de Arnalds.

Espero que te guste el programa.

Enlace para descargar el Programa:

https://radiotomares.wordpress.com/2017/06/14/ciclope-3-0-13-06-17/

Cine Serie B - # 21

• La Masa Devoradora (The Blob) - 1958

-Director: Irvin S. Yeaworth Jr. y Russell S. Doughten Jr.

-Guión: Theodore Simonson y Kay Linaker según una idea original de Irvine H. Millgate

-Sinopsis: En la Tierra, aparece una forma de vida alienígena que crece y crece, consumiendo todo en su camino.

Como en tantas ocasiones, un actor que tendría repercusión internacional como protagonista de películas que se han hecho míticas, comienza su carrera cinematográfica con cintas de Cine Serie B como es el caso de Steve McQueen, al frente del plantel de actores y actrices que le dan forma a ésta curiosa entrega de Cine de Ciencia-Ficción. (Fuente: IMDB.COM)

Enlace para ver el trailer de la película

https://www.youtube.com/watch?v=TdUsyXQ8Wrs

Cíclope 3.0 - 06-06-17

Cíclope 3.0 del Martes 6 de Junio del año 2017.

Comenzamos el programa haciendo honor al lema del Cíclope: Escuchamos la actualidad a través del prisma del Tiempo.  Y así es porque el inicio es con una banda que hacía 14 años que no entraban en los estudios de grabación: Procol Harum.  La banda legendaria que se hizo popular a raíz del éxito internacional A Whiter Shade of Pale (Con su blanca palidez) en 1967, vuelven con un nuevo álbum: Novum.  Para recordar algo del pasado de su discografía empezamos con Broken Barricades, un disco del año 1971 donde el quinteto ya había tenido una primera baja: el organista Matthew Fisher dejaba el proyecto y se dedicaba a grabar y actuar en solitario.  Había un miembro que permanecía en la sombra y que sin embargo solía aparecer en las fotos de promoción de la banda: el letrista Keith Reid.  El sonido de Procol Harum, cohesionado y bien estructurado, ha sido siempre una muestra de  una las mejores escuelas de Rhythm & Blues británicas que ha dado la Historia del Rock.  Entre los músicos que tocaron está la guitarra de Robin Trower y la batería de B.J. Wilson, uno de los primeros percusionistas que utilizaron el doble timbal de base en su batería.  Precisamente, hablando de Robin Trower, Broken Barricades fue el último trabajo de la banda donde colaboró como músico.  Desde 1971 vuela en solitario.  Pero, volviendo al nuevo disco de Procol Harum, Novum, ¿se puede hablar de reunión, de volver a juntar a los miembros primitivos?  En absoluto.  De aquella formación original sólo queda el pianista, compositor y vocalista Gary Brooker.  El resto del personal es nuevo aunque no falto de experiencia porque, por ejemplo, en la guitarra está Geoff Whitehorn, que fue guitarra del grupo británico de Rock-Progresivo If, activos desde finales de la década de los 60 hasta mediada la década de los 70 y su buen hacer queda claro en la canción que extraemos de éste nuevo álbum de la banda.

  Procol Harum allá por la década de los 60 y al completo, con el letrista Keith Reid (con gafas) incluido

Procol Harum en la actualidad

Tras Procol Harum, el Cíclope disecciona parte de la obra de algunos de sus componentes.  Los dos más activos son, por un lado Gary Brooker, y por otro Robin Trower.

Brooker se lo ha tomado con mucha tranquilidad y entre los años 1979 y 1998 lanza 5 discos.  Como músico de sesión colabora con todo compositor y músico amigo que se lo pida.  Es uno de los nombres que aparecen en la extensa nómina de colaboradores de aquel magnífico All Things Must Pass de su amigo George Harrison.  Pero no es la única colaboración que ha hecho.  Es habitual en las grabaciones de Eric Clapton y de un montón de músicos más.  Brooker intervino en el Concierto Homenaje en Memoria de George Harrison que se llevó a cabo en el Royal Albert Hall de Londres el 29 de Noviembre del año 2002, organizado por su viuda Olivia y su hijo Dhani Harrison en el primer aniversario de la muerte de George.  Allí estuvieron Eric Clapton, Ringo Starr, Paul McCartney, Tom Petty, Jeff Lynne, Billy Preston, y muchos más que interpretaron canciones de Harrison de su discografia en solitario o, como hizo Gary Brooker, una versión espléndida del tema que firmaron The Beatles pero que en verdad era de Harrison: Old Brown Shoe.  Con esa versión en vivo dejamos a Brooker y nos pasamos a otro músico.

Gary Brooker en los tiempos del éxito Con su blanca palidez

Gary Brooker en la actualidad, interpretando la versión de la canción Old Brown Shoe original de George Harrison y flanqueado por la guitarra acústica de Jeff Lynne

Robin Trower abandonó el seno de Procol Harum en 1971, después de que apareciera el álbum Broken Barricades.  Desde entonces ha ido madurando como los buenos vinos y actualmente y desde hace años, realiza Música de Blues y Rhythm & Blues de alto tonelaje.  Lleva editando discos desde 1973 hasta nuestros días.  En éste 2017 ha visto la luz Time and Emotion, una nueva entrega que rezuma, una vez más, ese buen hacer, ese R & B poderoso que le caracteriza.  Es hijo legítimo (siempre lo ha reconocido) de la guitarra de Jimi Hendrix.  Desde que comenzó ha mantenido la misma estructura de grupo: formato de trío, bajo, batería y guitarra.  Ha trabajado en varios discos y actuaciones en vivo con Jack Bruce, la voz y el bajo de aquellos míticos Cream.  Robin Trower es uno de esos músicos al que es mejor no perderle la pista.

Jethro Tull - The String Quartets es el proyecto llevado a cabo por Ian Anderson, alma-máter de Jethro Tull, en la actualidad.  Para adaptar a la estructura de Cuarteto Clásico de Cuerda dos álbumes míticos de la banda como son Living in the Past y Acqualung, Anderson se ha buscado la colaboración de un prestigioso colectivo como es The Carducci String Quartet.  El resultado es francamente interesante.  Al sonido clásico de las cuerdas hay que sumar el de la flauta, la mandolina y la guitarra acústica del líder de Jethro Tull, que por cierto también canturrea (y no lo digo en plan despectivo).  En el programa escuchamos dos muestras de éste trabajo francamente interesante.

      

The Carducci String Quartet + Ian Anderson

Y para terminar recuperamos a un guitarrista francés de Jazz, Jean-Pierre Alarcen, un hombre que en el año 1978 grababa un disco que bautizó con su nombre y apellido y en el que, por un momento, cambió su guitarra por un violonchelo para realizar una composición tan melancólica como hermosa.  Se llama Mon amour, mon amour... y con ella cerramos ésta edición de Cíclope 3.0

Portada del disco de 1978

Jean-Pierre Alarcen en 1978

Jean-Pierre Alarcen en la actualidad

Espero que te guste el programa.

Enlace para descargar el programa:

https://radiotomares.wordpress.com/2017/06/07/ciclope-3-0-06-06-17/