Lillian Hellman

Lillian Hellman (1905-1984)

En el libro de memorias titulado Pentimento del año 1973, la dramaturga y guionista de Cine, Lillian Hellman, definía el concepto artístico Pentimento con éstas palabras:

La pintura en un lienzo, al envejecer, a veces se vuelve transparente.  Cuando ese fenómeno ocurre es posible, en algunos cuadros, ver las líneas originales: un árbol se divisa detrás del vestido de una mujer, un niño se convierte en perro, un barco ya no flota en un mar abierto.  Eso se llama pentimento porque el pintor se "arrepiente", cambia de opinión.  Quizás se pueda decir que aquella vieja concepción, reemplazada por una elección más tardía, es un modo de ver y luego de ver de nuevo.

Los recuerdos, las huellas mnémicas, se ven reducidas o ampliadas con el paso del Tiempo.  Se añaden matices porque se recuerdan detalles olvidados, afloran matices que salen a la luz una vez reconstruidas imágenes que pertenecen al pasado.  Como en una especie de reflejos especulares, de juegos de transparencias, Lillian Hellman reconstruye los recuerdos de personas, sucesos, circunstancias acaecidas en otro tiempo, en otro lugar, en éste hermoso libro de memorias que lleva por título Pentimento.

Nació en Nueva Orleans, a diez días del final del mes de Junio, con las cigarras ensayando el canto que anuncia el inminente Verano.  Después de pasar sus años de estudios universitarios entre Columbia y New York, después de ejercer como comentarista literaria y agente publicitario, Lillian Hellman comienza a mostrar lo que escribe a principios de la década de los años 30.

Lillian Hellman en los años de Hollywood

Conoció al escritor Arthur Kober, con quien contrae matrimonio y del que se divorcia en 1932 en Hollywood, donde se habían trasladado.  Ese mismo año, 1932, el Amor vuelve a salir a su encuentro y conoce a la persona con la que llega a compartir más tiempo de su vida: Dashiell Hammett, padre de lo que se conoció como Novela de Detectives y que, con el paso del Tiempo, se ha dado en llamar Novela Negra.

Dashiell Hammett

Hammett fue su más fiel lector y, especialmente, su corrector, el que supervisó todo lo que ella escribió a lo largo de los años que estuvieron juntos, en concreto hasta 1961, año de la muerte de él.

La primera obra que brilló de Lillian Hellman fue la obra de teatro The Children's Hour, del año 1934, traducida al español como La Calumnia.  En ella se cuenta la historia de dos profesoras acusadas falsamente de lesbianismo.  La obra levantó ampollas en la Norteamérica de la época.  En 1936 fue adaptada al Cine por William Wyler con el título These Three (Esos tres).  Wyler, más que mediatizado, estrangulado por la Censura, realizó cambios sustanciales en la historia: en vez de una mujer que se enamora de otra, esa mujer se enamora del prometido de otra mujer amiga suya.

Luchando contra viento y marea, William Wyler realizó una nueva versión en 1961, ahora íntegra, fiel al manuscrito de Hellman y con una pareja femenina protagonista excepcional: Audrey Hepburn y Shirley MacLaine.  Se mantuvo todo como originalmente fue hecho: título original, The Children's Hour; traducción al español: La Calumnia.

  

No fue la única ocasión en la que Wyler adaptó una obra de teatro de Hellman al Cine.  En 1941, con ella como guionista, llevó a la pantalla The Little Foxes del año 1939, titulada en español La Loba, con la gran Bette Davis.

En la década de los años 70, en concreto en 1977, Fred Zinnemann llevó al Cine parte de las memorias de Lillian Hellman recogídas en su libro Pentimento, en concreto el capítulo dedicado a su íntima amiga Julia, hija de una acaudalada familia escocesa de origen judío a quien conoció en los años 20.  Sus destinos se separarán en la época universitaria: Lillian se quedará en Estados Unidos mientras que Julia marchará a Oxford y después a Viena.  En Viena, a finales de los años 30, no era el mejor sitio para vivir siendo de origen judío como lo era Julia.  La película narra el proceso por el que Hellman ayudó a huir a un grupo de judíos, entre los que estaban su amiga, de la amenaza nazi.  La película de Zinnemann realiza una interesante adaptación del libro de memorias porque no sólo se centra en el caso Julia sino que también recoge el perfil de la relación sentimental entre Lillian Hellman y Dashiell Hammett, el proceso de creación de ella, las correcciones de él.  La cinta está protagonizada por Jane Fonda en el papel de Lillian Hellman, Vanessa Redgrave en el papel de Julia y Jason Robards como Dashiell Hammett.  

La película recibió tres oscars en 1977: a la mejor actriz de reparto, Vanessa Redgrave; al mejor actor de reparto, Jason Robards y al mejor guión adaptado, Alvin Sargent.

Lillian Hellman no ocultó nunca su ideología política de izquierdas.  Se negó a testificar ante el Comité de Actividades Antiamericanas en 1952, acusada de comunista.  Dio clases en Harvard y en Yale y recibió el reconocimiento de autores coetáneos.

Pentimento vio la luz en España en 1978, a raíz de la proyección de la película de Zinnemann.  Si conoces la cinta no está de más que le des un vistazo a la obra literaria.  Merece la pena.  No sé si, actualmente, se puede encontrar de primera mano, pero siempre nos quedan las librerías de libros usados que están repletas de auténticas joyas.  La edición española del año 1978 corrió a cargo de la editorial Argos-Vergara y estaba traducida por Marta Pessarrodona.

Lillian Hellman

Cíclope 3.0 - 30-01-18

Cíclope 3.0 del Martes 30 de Enero de 2018.  Comenzamos ubicándonos en un punto estratégico del mapa: en un archipiélago de islas en el Atlántico Norte, entre Escocia, Noruega e Islandia, en lo que se conoce como Islas Feroe.  De éstas islas llega un músico, Janus Rasmussen, que une su ingenio al de un músico islandés, Ólafur Arnalds, para dar como resultado de la suma un dúo que responde al nombre de Kiasmos.

Kiasmos comenzó en el año 2009, desarrollando una música de estructura electrónica donde juegan planos de música techno y un cierto minimalismo.  Tienen una discografía corta pero interesante.  El Cíclope recupera el EP que lanzaron el año pasado.

Janus Rasmussen

Ólafur Arnalds

Ólafur Arnalds es un músico, compositor e intérprete, habitual en Cíclope 3.0 por la calidad y lo interesante de su labor musical.  Janus Rasmussen es menos conocido y es un músico inquieto que participa de diferentes proyectos musicales.  Además de estar en Kiasmos también forma otro dúo de música con una estética más Pop, el dúo Byrta.  En éste caso, la otra columna vertebral está representada por una mujer, Gudrið Hansdóttir, que se encarga de la parte vocal, además de desempeñar labores como instrumentista.  Tienen, por el momento, un sólo disco, grabado en el año 2013.

Byrta

Otro proyecto donde participa el músico feroes Janus Rasmussen es la banda de origen islandés Bloodgroup, un cuarteto capitaneado por el talento de los hermanos Jónsson, Hallur y Raggi, más la colaboración de Rasmussen y la voz femenina de Sunna Þórisdóttir.  Se caracterizan por sus  sensacionales actuaciones en vivo, sus melodías cautivadoras y su música electrónica poderosamente elaborada.  Comenzaron a grabar en el año 2007 y llevan tres álbumes y unos cuantos EPs.

Bloodgroup

Un miembro no fijo en el seno de la banda Bloodgroup es la cantautora islandesa Ólöf Arnalds, una compositora e intérprete que ha colaborado con figuras de peso dentro del panorama musical islandés como es el caso de Björk.  A su vez, Björk ha participado de grabaciones de su amiga, caracterizada por una voz de tono especial.  Según la misma Björk, Ólöf Arnalds posee un registro vocal que se encuentra a medio camino entre la voz de una niña y de una anciana.
Ólöf Arnalds comenzó en el año 2000.  Ha participado de la formación original del grupo islandés Múm, en actuaciones en vivo de Bloodgroup y tiene una corta discografía de la que el Cíclope recupera el trabajo del año 2013 titulado Sudden Elevation.  Por cierto, Ólöf Arnalds es prima de Ólafur Arnalds.

Ólöf Arnalds

  

Fonéticamente, los nombres de Ólöf y Ólafur, son muy parecidos.  Si para colmo coincide el apellido como es el caso (son primos, como ya se ha indicado más arriba) la matización es imprescindible.
Conocí la Música de Ólafur Arnalds hace unos cinco años, en 2013, a través de su álbum For now I am Winter.  Al mes de haber escuchado el disco tuve la oportunidad de escucharle en directo interpretando íntegramente el disco.  Tardé meses en volver a escuchar el CD porque en vivo sonó extraordinariamente bien.  Tardé semanas (un par) en conseguir todo lo que hasta el momento había grabado éste músico islandés.  El año pasado, 2017, se cumplieron diez años de la edición del álbum Eulogy for Evolution y con tal motivo, el sello discográfico que lo sacó, Erased Tape Records, lo re-edita remasterizado.  Una buena escusa para que el Cíclope recupere dicho disco junto a una curiosa versión del tema Say My Name, original del grupo femenino Destiny's Child, donde militó Beyoncé Knowles.  En éste caso la voz es la de Arnór Dan.  Por cierto, si todo marcha como está previsto, Ólafur Arnalds estará tocando el piano en Barcelona en verano, en el mes de Julio, el día 21.

Ólafur Arnalds - Eulogy for Evolution - 2007

Desde Islandia, el Cíclope toma su ala delta y vuela hasta Argentina, país de origen de un músico, compositor e intérprete, pianista, afincado en España, en Barcelona, que responde al nombre y apellido de Bruno Sanfilippo.

   

Sanfilippo lleva tiempo dedicándose a la Música y a construir una arquitectura pianística particularmente brillante.  Su Música es como el buen vino: mejor mientras más tiempo pasa.  Sus grabaciones van añadiendo perfiles en el tapiz de composiciones cada vez más ricas en matices y contenidos.  El año pasado lanzó un nuevo trabajo titulado Lost & Found con el piano como instrumento de base.  Bruno Sanfilippo: la Música por dentro.

  

En la recta final del programa no abandonamos el piano como instrumento básico y nos quedamos con Roger Eno.  Con ese apellido delata el árbol genealógico al que pertenece: efectivamente es hermano de Brian Eno, once años menor que Brian.  Ambos son teclistas y ambos participan tanto en proyectos con otros músicos como en la construcción de una discografía en solitario.  Sin lugar a dudas Brian abarca más campos que Roger, pero eso no desmerece la labor de éste último, polifacético y multinstrumentista.  El año pasado lanzaba un álbum vertebrado alrededor del piano y el Cíclope reseña un par de composiciones suyas.

Roger Eno

Y para cerrar el programa de hoy nos quedamos en familia, con lo último, por el momento, que ha hecho Brian Eno, un álbum a medias con el músico Tom Rogerson, pianista, teclista, fundador del grupo de Rock Experimental Three Trapped Tigers.

Brian Eno izquierda; Tom Rogerson derecha

     

Espero que te guste el programa.


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Antonio Botín Polanco

Antonio Botín Polanco sentado en una playa de Cantabria, con las piernas extendidas.  Algunas personas, al oír sus apellidos, tuercen un poco el gesto y piensan, con prejuicios, que si aparecen los apellidos Botin y Polanco...  Efectívamente tiene relación con el Mundo de la Banca porque fue tío del pasado Presidente del Grupo Santander, Emilio Botín-Sanz de Sautuola y tíoabuelo de la que después ha sido Presidenta del Grupo, Ana Patricia Botín-Sanz.  Pero él no tiene culpa de lo que hicieran sus descendientes, bien o mal.

Antonio Botín Polanco nace en Santander el 11 de Agosto de 1898 y fallece en Madrid el 15 de Octubre de 1956.  Sobre su nacimiento él mismo decía

nací en Santander, porque nací en verano, he sido veraneante en Santander desde antes de nacer.  Es, quizá, el sino de los que nacemos en agosto, el ser veraneantes en la vida.

Se licenció en Derecho, en Madrid, donde entró en contacto con el ambiente cultural y desarrolla una actividad próspera y creativa.  Entre los años 1928 y 1934 se edita el grueso de su obra conocida: La Divina Comedia; Él, ella y ellos; Virazón; Logaritmo y Peces goviales.  En 1951 vería la luz Manifiesto del humorismo y cuando falleció se quedaron sin acabar una serie de ensayos y novelas que fueron proyectos incompletos.
Admiró a Ramón Gómez de la Serna, a cuyas tertulias literarias asistió y con quien mantuvo una larga amistad.  La influencia de don Ramón es clara y transparente, sobre todo en la novela que traemos hoy al blog.

Ramón Gómez de la Serna en su gabinete de trabajo

De él, de don Ramón, heredó, en la creatividad literaria, esa mirada poliédrica hacia todas las cosas.  Decía Gómez de la Serna que hay que mirar 

en derredor como en un delirio de esponja con cien ojos, apreciando relaciones insospechadas de las cosas.

La metáfora será una de las herramientas que utilice Botín Polanco para construir sus historias

La espuma, esa risa desganada con que la alta mar responde a las cosquillas del viento.

También

Y es que cubrirse la cabeza con una boina es vendarse la frente con la fe de la gente marinera, tener el viento de la mar por sombrero y ponerse por montera todos los "que te crees tu eso" de tierra adentro.

Las imágenes tratadas por él, el lenguaje, no se queda tan sólo en lo florido, lo llamativo, fuegos de artificio que se apagan al instante.  La trama de sus novelas oscila entre la fantasía metafórica o la metáfora imaginativa y la filosofía, el mundo de las ideas que crecieron a la sombra de otra figura admirada por él: José Ortega y Gasset, a quien también trató en persona, manteniendo una relación amistosa que le enriqueció.

José Ortega y Gasset

Logaritmo apareció, por primera vez, en el año 1933, editada por Espasa-Calpe.  La novela es una historia de amor que conocemos desde el comienzo:

Se encontraron en la terraza de un club náutico.  Fue la costumbre quien enlazó sus manos y les hizo enseñarse los dientes.  Ninguno de los dos era guapo.  Pero los dos tenían los dientes limpios y blancos.  Y estuvieron sonriéndose un rato, porque se tienen dientes, mitad para morder, mitad para enseñarlos.

Una historia de amor o sobre las alegrías del amor, sin olvidar los momentos obscuros, los tira y afloja que van implícitos en cualquier historia de sentimientos entre seres humanos.  Todo eso y mucho más narrado con una prosa repleta de chispa donde la presencia de Ramón Gómez de la Serna es continua, constante, siempre como influencia, jamás como copia.  El amor entre Carlos y Mechita no es un camino llano, sin altibajos: en esa historia hay unión-desunión-reunión.  Todo narrado, contado con una elocuencia colorida, amable, simpática.
Probablemente la novela se escribió entre 1931 y 1932.  Apareció, como ya se ha señalado, en 1933 en la editorial Espasa-Calpe, entre los meses de Agosto y Octubre. El manuscrito original se perdió y la edición de Febrero del año 2009 que hizo Quálea Editorial está basada en aquella.  Logaritmo es la única obra de Antonio Botín Polanco que se puede encontrar de primera mano porque las ediciones de Virazón y Manifiesto del humorismo, por ejemplo, están actualmente agotadas aunque son susceptibles de encontrarse en las librerías de segunda mano.
La edición de Quálea Editorial del año 2009 cuenta con una interesantísima introducción a cargo del poeta cántabro Alberto Santamaría.

Logaritmo, de Antonio Botín Polanco.  Si la lees, no te dejará indiferente.
 

    

Cíclope 3.0 - 23-01-18

The Church

Cíclope 3.0 del Martes 23 de Enero de éste año 2018.  Comenzamos recuperando el sonido electro-acústico de las guitarras de los australianos The Church, una de las bandas que mejor amalgamaron influencias allá por la década de los 80 del Siglo pasado.  Nacieron como grupo en el año 1980, en la ciudad de Camberra, con claras influencias psicodélicas en el rock claro y transparente que realizaban.  Empezamos con el álbum de 1988, Starfish, y seguimos con el disco que le abrió las puertas internacionales: Blurred Crusade.

De los guinglineos electro-acústicos de The Church a los sonidos calmados y serenos de su guitarra bajo y cantante: Steve Kilbey.  Kilbey, con un registro vocal cercano al de un barítono, canta como si fuera lo más natural y normal del mundo, casi sin esfuerzo.  Comenzó su discografia en solitario en paralelo a su labor en el seno de la banda con la que entró en el Mundo de la Música.  Su primer disco data de 1987, Unearthed, probablemente su mejor trabajo, que es precisamente el que recupera el Cíclope.

A las puertas de la década de los años 90, Kilbey cae en un agujero negro: comienza a consumir heroína y a lo largo de esa década la adicción se convierte en un hábito cada vez más obscuro.  Será en 1999, en Nueva York, cuando es detenido por posesión de estupefacientes.  Sesiones de desintoxicación y, a principios del Siglo XXI, puesta a punto para continuar con lo que mejor sabe hacer: Música.
Kilbey, a lo largo de la discografia de The Church, había mostrado cierta inclinación por lo místico en las letras de sus canciones.  Desde hacía tiempo coqueteaba con temas relacionados con el ocultismo, leyendo libros sobre la Orden Hermética de la Aurora Dorada, las obras de Aleister Crowley y Helena Blavatsky entre otros.  Cuando llegó la mala época de la adicción a la heroína, el tema del ocultismo se convierte en un ovillo de ideas tan liadas, tan llenas de nudos que no se sabe por dónde empezar.  Pero lo peor estaba aún por llegar.  En medio de tanto misticismo o pseudomisticismo, Kilbey encuentra una respuesta rotunda en el cristianismo y se convierte en una transformación digna de San Pablo: suscribe los principios de la Ley del Péndulo, es decir, de Nada a Todo.  No tengo nada en contra de las transformaciones espirituales.  Si alguien quiere abrazar un sistema de religión es libre de hacerlo, sea cual sea: cristianismo, budismo, hinduismo...  Lo que no soporto es la labor proselitista derivada de dicha conversión y en las transformaciones paulinas siempre, siempre, siempre terminan demostrando que el resto de la humanidad está equivocada, excepto ellos, los que han escogido el Buen Camino, ellos que han sido unos crápulas vivientes, unos pecadores irredentos, sí, ellos, que ahora han visto la Luz.  Pues a veces, como dijo Confucio

Mucha Luz o mucha Sombra, ambas, ciegan

Así que las alusiones a Él, al Señor, a la Luz, son constantes en las letras de las composiciones de Steve Kilbey desde 1997, dos años antes de entrar en una clínica de desintoxicación para ir acomodándose al consumo de metadona para, progresivamente, ir dejando atrás la siniestra sombra de los opiáceos.  En ese año, 1997, aparece Gilt Trip (Viaje Dorado) que es una declaración de principios paulinos tanto en las letras de las canciones como en la portada del disco que no puede ser más explícita

Personalmente me quedo con el Kilbey de The Church, cuando hacían álbumes como aquel del año 1986 titulado Heyday

The Church - (Steve Kilbey de pie a la derecha)

Pero no todo son malos rollos con drogas y otras paranoias.  Al Cíclope le gusta encontrar el rastro de músicos que pasan de una banda a otra, de un proyecto a otro.  En el año 2013, Kilbey colabora con un dúo de músicos originales de Nashville, Tennessee, llamados Hammock. 
Hammock se dedican a la interpretación y composición de una música atmosférica combinando arreglos orquestales de cuerda, teclados, piano y guitarras eléctricas. Marc Byrd y Andrew Thompson, guitarristas ambos, comenzaron a grabar en el año 2005.  Hasta el momento tienen 11 álbumes y 12 EPs.  En uno de esos EPs colabora el antiguo miembro de The Church.  Recuperamos esa grabación y un álbum del año 2013 de título poético: Himnos del Olvido.

Hammock
(Andrew Thompson izquierda; Marc Byrd derecha)

Éstos dos hombres, las dos columnas vertebrales en las que se apoya el sonido de Hammock, tienen sello discográfico propio, Hammock Records, donde graban algunos músicos amigos como es el caso de Matt Kidd, conocido por, entre otros seudónimos, el nombre de Slow Meadow.  Bajo éste nombre graba música de cámara, serena y hermosa.  En el año 2017 editó su último trabajo, Costero, que el Cíclope reseña junto a otro trabajo del año 2016 donde colaboran sus amigos de Hammock.
Otro de los proyectos de éste músico original de Houston, Texas, es Aural Method, que también suena en el programa.

Matt Kidd

Y para cerrar, sin dejar la presencia de Hammock, nos quedamos con Timothy Showalter, la voz de la composición Trés Dominé incluida en el álbum Himnos del Olvido del dúo Hammock que escuchamos al comienzo.
Timothy Showalter es un músico original de Indiana que está al frente del proyecto Strand of Oaks.  Por su apariencia, por su estética, nadie diría que es capaz de protagonizar momentos tan serenos como es el que el Cíclope nos trae con esa canción de Hammock o como el que suena bajo el nombre Hebra de Robles (Strand of Oaks).  Lleva grabados tres discos entre los años 2012 y 2017.


Espero que te guste el programa.


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Bruno Schulz - El Mundo hecho palabras

Bruno Schulz

Polonia, en cualquier disciplina del Arte a principios del Siglo XX, fue una cantera de minerales dorados, un crisol de ideas y formas que adoptaban diferentes vías de expresión.  De esos primeros años del XX data una trilogía de escritores cuyas obras siguen siendo piedra angular no sólo para la Historia de la Literatura, sino para la Historia del Mundo.  Esos tres autores son Stanislaw Ignacy Witkiewicz, Bruno Schulz y Witold Gombrowicz.  Los tres llegaron a conocerse y mantuvieron una estrecha relación (a ciencia cierta no sé si Witkiewicz y Gombrowicz, llegaron a coincidir en alguna ocasión).  Cada uno de estos tres escritores son un universo en sí mismos.  De Witkiewicz hay una entrada reciente en éste blog.  Hoy, el punto de atención recae sobre la figura y obra de Bruno Schulz.

Bruno Schulz nació Drohobycz, en territorio austríaco, hasta que en 1918 pasó a formar parte de Polonia.  A Jakub Schulz, propietario de una tienda textil, le nace el último vástago de su descendencia en 1892 bautizándolo con el nombre de Bruno.  Su inclinación por las Bellas Artes se ve mediatizada por el consejo de sus padres que le animan a matricularse en la facultad de Arquitectura.  Aunque cumple con el deseo del Otro, como diría Lacan, también desarrolla sus virtudes como artista plástico: fue artista gráfico, pintor y dibujante, participando en diferentes exposiciones.  La literatura ocupó un espacio interior del que no dio muestras ni tampoco se preocupó de airear.  Ejerció la crítica literaria, escribió ensayos consagrados, entre otros, a Franz Kafka, del que escribió un Epílogo a su obra El Proceso, Witold Gombrowicz, Louis Aragon, Aldous Huxley, Georges Bernanos, François Mauriac, Jean Giono o Zofia Nalkowska.

Zofia Nalkowska (1884-1954)

Aunque ejercía de comentarista literario, sus manuscritos originales, su narrativa, la mantenía en silencio, no la mostraba sino en casos muy concretos.  La primera obra que se conoció de Bruno Schulz lleva por título Las tiendas de color canela.  Su edición surge por azar entre grabados, pinturas al óleo y exposiciones conjuntas que se llevan a cabo entre los años 1926 y 1931 en diferentes ciudades.  Fueron sus amigos pintores los que le presentaron a la escritora polaca Zofia Nalkowska.  Alguien le hizo llegar una copia de Las tiendas de color canela y a partir de ese momento Nalkowska se convertiría en mentora del autor, promoviendo la edición de su obra.  Esa primera relación de narraciones es la manifestación clara, transparente y diáfana de lo que es el universo schulziano: el Mundo hecho palabras, la Literatura por dentro.
¿De qué tratan los escritos de Schulz?  ¿Son relatos, cuentos?  Son exégesis de la Vida.  Cuando lees su obra la Vida ya no es lo mismo, nada es igual.  Hay autores que parece que estén sometidos a un estado de Gracia mientras escriben y cuando lees lo que han hecho el Mundo se estructura con una brillantez hasta el momento desconocida.  ¿Qué hace que su obra sea tan especial?  La capacidad que encierra para liberar una elocuencia que, a simple vista, parece un ejercicio imposible.  La voz que narra habla habla habla habla...y las palabras, las frases, las imágenes levantan una arquitectura interior por donde pasea la figura del Padre.  La presencia y el recurso de ésta figura, el Padre, ha sido el punto por el que se emparenta, literariamente hablando, a Bruno Schulz con Franz Kafka, aunque cada uno se mueve de forma distinta bajo el peso gravitatorio de la influencia del progenitor.  Eso y el hecho de que ambos fueron judíos.
Las tiendas de color canela están formadas con maderas de autobiografía donde los elementos cotidianos, domésticos, adquieren unos significados abiertos a la simbología de la Noche, del Sueño, del ensimismamiento que produce el diálogo interior que surge de la contemplación de objetos y sucesos que son parte integrante del día a día.
La obra es muy bien recibida por paisanos suyos entre los que se cuentan Witkacy, seudónimo de S.I. Witkiewicz.  Entabla contacto con Witold Gombrowicz que dará pie a una extensa y rica relación epistolar.
En Europa la obra de éste escritor polaco se comienza a difundir a finales de la década de los años 60 del Siglo XX con traducciones al italiano, al francés, al inglés.  En España aparecen esas Tiendas de color canela en 1972, editada por Barral Editores y traducida por Salvador Puig.

La segunda obra de Schulz, Sanatorio bajo la clepsidra, aparecía en 1937.  Es un paso más dentro de su producción, añadiendo nuevas narraciones en la misma línea que las que conforman su libro anterior.  No abandona su labor como pintor pero las circunstancias del Mundo están cambiando profundamente: el Tercer Reich comienza a invadir la Tierra con su sombra siniestra y el escritor no va a permanecer ajeno a las acciones del Mal.  Era judío y como tal estuvo confinado en el gueto.
Entre 1939 y 1942 guarda sus manuscritos en cajas y consigue hacerlos llegar a amistades que están fuera del Encierro Judío.  Sólo consigue pintar.  Un oficial de la SS, Feliks Landau, aprovecha las cualidades de Schulz como pintor y lo toma bajo su protección, proporcionándole trabajo: pintar murales en la habitación de su hijo pequeño y otros tantos en las paredes del casino de la Gestapo.
Se sabe que intentó escapar, que preparó concienzudamente la fuga con su familia haciéndose con papeles de identificación falsos.  Pero la mañana del día 19 de Noviembre del año 1942, a las 11, mientras se dirigía a recoger su ración de alimentos, coincide con una acción salvaje de la Gestapo contra los judíos.  Logra huir zigzagueando por callejuelas pero al volver una esquina se dio de cara con Karl Günter, miembro de la Gestapo y rabioso antagonista de Feliks Landau.  Se cruzan y al sobrepasar a Schulz, Karl Günter desenfundó su arma y le disparó un tiro en la nuca.  Así acababa, indirectamente, con Feliks Landau, a quien detestaba.  Le quitó la vida a un genio.

De Bruno Schulz nos queda su obra, breve (dos libros de narraciones) pero extraordinariamente intensa.  Su segundo volumen de historias, Sanatorio bajo la clepsidra, vio la luz por primera vez en España en 1986, editado por Montesinos con traducción de Elzbieta Bartkiewicz y Juan Carlos Vidal.  La edición tiene un Prólogo con una firma excepcional: John Updike.
Hay una cosa que llama la atención: cinco de las narraciones incluidas en el volumen Sanatorio bajo la clepsidra (1986) aparecen en Las tiendas de color canela (1972).  Las narraciones que están duplicadas, tomando como referencia el volumen Las tiendas... son: Mi padre entra en el Cuerpo de Bomberos, El segundo otoño, La estación muerta (La temporada muerta en la edición de Sanatorio bajo...), El sanatorio del enterrador (Sanatorio bajo la Clepsidra) y El jubilado.  Esa repetición no sé si en ediciones posteriores se ha cambiado, lo desconozco.  Por suerte la obra de Schulz ha sido ampliamente editada, incluso existe un volumen con su obra completa editada en 1993 y reeditada en 1998 por Siruela.
Maldoror Ediciones, en el año 2004, con traducción de Jorge Segovia y Violetta Beck, editó Ensayos críticos, donde se recogen algunas de los ensayos realizados por Bruno Schulz.

Por último no quiero olvidarme de que la figura y la obra de éste escritor, como sucede habitualmente con los genios del lenguaje, atraen proyectos de cineastas y directores teatrales.  Son muchas las películas y obras de teatro donde la figura del escritor o su obra, se ha pretendido adaptarla fuera de la palabra escrita con resultados bastante dudosos por un motivo muy sencillo: la narrativa es la base de los textos de Schulz, la palabra.  Pero la palabra no es sinónimo de "diálogo".  Los diálogos en Schulz son elementos suplementarios que, a veces, ni existen.  Adaptarlo a la pantalla o al escenerio del teatro conlleva una injerencia que no forma parte sustancial del original.  
Algunos ejemplos de adaptaciones al Cine:

• El sanatorio de la clepsidra

Año: 1973

Nacionalidad: Polonia

Director: Wojciech Has

Guión: Wojciech Has, basado en la obra homónima de Bruno Schulz.

Género: Terror - Fantástico

• Street of Crocodiles (Corto)

Año: 1986

Nacionalidad: Reino Unido

Director: Timothy y Stephen Quay

Guión: Timothy y Stephen Quay, basado en Historias escritas por Bruno Schulz

Género: Animación

Según Terry Gilliam, "uno de los mejores 10 cortometrajes de la Historia del Cine".  Tim Burton se confiesa profundo admirador del corto.  Pero personalmente me sigo quedando con el origen: los libros de Bruno Schulz.  Si puedes, léelos.  Es una de las experiencias más enriquecedoras que da el hecho de ejercer la lectura como hábito.

       

Cíclope 3.0 - 16-01-18

El programa de éste Martes 16 de Enero tiene como punto de referencia la laxitud de una canción como Pale Blue Eyes de The Velvet Underground.  Con ellos comenzamos, con la banda capitaneada por Lou Reed, sin la presencia a estas alturas de John Cale (era el tercer álbum de la banda aparecido en el año 1969), con una dotación formada por Sterling Morrison, guitarra y cantante; Maureen Tucker, percusión y batería; Lou Reed, guitarra y cantante.  Estos tres miembros los únicos originales que quedaban del grupo.  El cuarto elemento, el miembro nuevo que venía a cubrir la baja de John Cale, fue Doug Yule, guitarra bajo, órgano, acompañamiento vocal.  Una sustitución más numérica que cualitativa porque sustituir el genio e ingenio del músico del País de Gales no es tarea fácil.  The Velvet Underground en ésta tercera entrega grabada de la banda inauguraban, indirectamente, un estilo musical que aparecería a finales del Siglo XX y que se acuñaría con el término Slowcore (Registro lento, bajo).  Los críticos británicos lo tildan, con ironía, de Shoegaze Style (Estilo Mirarse-la-punta-de-los-zapatos) en una alusión directa a músicos que tocan los instrumentos (guitarras, bajos) literalmente encorvados sobre ellos y con la mirada perdida en el suelo a partir de la punta de sus zapatos.  Los norteamericanos lo llaman de la otra forma: Slowcore, también conocido como Sadcore (Registro triste).

Situar el origen de éste termino es tan difuso como aseverar el origen de un mito griego: ¿dónde nació Prometeo?  Por poner un ejemplo.  Hay una multiplicidad en conceptos así.  El Lowcore dicen que surge como una derivación de la música que hace la banda norteamericana Low, intérpretes de un Rock que surge como reacción a un exceso energético como hubo en el movimiento Grunge.  En el Slow, Sad o Lowcore hay un derroche de tempos lentos, de cierta tranquilidad, de laxitud.  Situado en una línea del Tiempo aparece a mediados de la década de los años 90 del siglo pasado y están reconocidos como "fundadores" de dicha estética un trío original de Nueva York, Codeine, que bajo el arco gravitatorio del álbum The Velvet Underground, con el que empezamos hoy, comenzaron a desarrollar una música lenta pero intensa.  

El trío Codeine se forma capitaneado por el batería Chris Brokaw, el guitarrista John Engle y el bajista/cantante Immer Wahr.  Grabaron dos discos, uno en 1990 y otro en 1994.  Se separan éste año, 94, y vuelven de nuevo en 2012.  Discografía corta para dejar una influencia larga y productiva.

Immer Wahr en el centro; a la izquierda John Engle y a la derecha Chris Brokaw

The White Birch - 1994

El segundo álbum del trío Codeine llevó por título The White Birch (El Abedul Blanco).  Como sucede en tantas ocasiones en Cíclope 3.0, nos encontramos con el típico juego de la Cesta de Cerezas: tomas una y sale otra ensartada.  Éste es el caso que nos ocupa: de una canción de The Velvet Underground sale un estilo musical capitaneado por un grupo que se reconoce deudor de la banda de Lou Reed; ese grupo, Codeine, influye a su vez, por su estética y formas musicales, en otro colectivo de músicos, trío también como Codeine pero originarios de otro sitio, de Noruega, en concreto de la ciudad de Oslo que se bautizan con el nombre The White Birch, título del segundo álbum de los neoyorkinos, y que les siguen con admiración aunque derivan por caminos diferentes a ese Slowcore que practican bandas como Galaxie 500, Low o Codeine.

The White Birch es un trío formado por el compositor y cantante Ola Flottum.  Grabaron por primera vez en 1996 acogiéndose a ese Registro Lento que tanto admiran.  Editan cinco discos hasta 2015: tres en estudio, un cuarto autogestionado y un quinto que, en realidad, está hecho íntegramente por el alma-máter del grupo, Ola Flottum, más una grabación editada en cassette que es inencontrable.  De ellos el Cíclope nos trae dos temas pertenecientes a su disco Star is Just a Sun del año 2002 donde muestran más afinidad con bandas como los islandeses Sigur Rós, con quienes se les llegó a comparar, que con el Lowcore.

The White Birch (Ola Flottum en el centro)

Ola Flottum

Ola Flottum es un hombre inquieto, con otros proyectos musicales además de la banda The White Birch.  A principios de éste Siglo XXI le dio forma a Portrait of David donde además de cantar y tocar la guitarra se encarga de más instrumentos.

Portrait of David - Portada de su disco del año 2004 These Days are Hard to Ignore

Además, Ola Flottum ha participado ocasionalmente de proyectos de paisanos suyos como es el caso del cuarteto Briskeby, tocando la guitarra tan sólo en actuaciones en directo.

Briskeby

  

Por último y como aspecto principal de la labor como compositor de Ola Flottum están sus trabajos para Bandas Sonoras de Películas.  La más reciente es la que compuso el año pasado, 2017, para la película Thelma del director noruego Joachim Trier que tuvimos oportunidad de ver en la última edición del Festival de Sitges.

Para terminar la edición de Cíclope 3.0 de ésta semana lo hacemos con otro músico de origen noruego, Torgny Knutson Amdam, más conocido como Torgny.  Sus comienzos en la Música fueron de una estética muy dura.  Formó parte de bandas de estilo Hard-Core para ir decantándose por las estructuras de Bandas Sonoras de Películas.  De hecho participa del Score de la banda sonora de la película Thelma responsabilizándose de dos cortes de dicha partitura.  En solitario, firmando con su nombre, edita por primera vez en el año 2010 un disco, Chameleon Days, que es el álbum con el que cerramos hoy.

Torgny - Chameleon Days

Espero que te guste el programa.

Enlace para descargar o escuchar:

http://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-16-01-18