Cíclope 3.0 - 11-10-22

 

Gotas de agua en un estanque del Parque de María Luisa, Sevilla (foto del autor del blog)

Cíclope 3.0 del martes 11 de octubre de 2022.  Comienzo complicado el que se le plantea hoy al Cíclope: escoger un par de canciones de la discografía de Joe Jackson.

David Ian Jackson, más conocido como Joe Jackson

Lo digo en la locución del programa y lo repito ahora: un día le dedicaremos uno de los dos espacios Especial Discografía (el primer o el último martes de cada mes) a la figura de este compositor, cantante, multinstrumentista que responde al nombre y apellido de Joe Jackson.

En sus memorias de 1999 A Cure for Gravity: A Musical Pilgrimage, Jackson escribe con admiración y encomio sobre la figura de George Gershwin, lo dibuja como un músico que mantuvo un pie en el ámbito popular y otro en el terreno de la música clásica.  Al igual que Gershwin, Jackson posee una imaginación musical inquieta que lo ha encontrado a caballo entre géneros musicales sin pedir disculpas, poco inclinado a elegir un estilo y ceñirse a él.  Comenzó una extensa y rica discografía en 1979 y en 1986 ya poseía una nómina de unos 6 LPs.  Ese año, 1986, es el año de publicación de Big World, un doble álbum resuelto con formato de trío de Rock (guitarra eléctrica, guitarra bajo y batería) y que a pesar de ser doble tan solo aparecen grabadas 3 caras, la que hace número 4 está en blanco como queda claro en la cara B del segundo disco

Acompañamiento vocal más amplio que esa formación espartana de trío y el piano eléctrico de Jackson.  Y una peculiaridad: el disco se grabó en el Roundabout Theatre, East 17th Street, de Nueva York, a principios del año 1986 y se publicaba en marzo de ese año, y se llevó a cabo la grabación en vivo, frente a una audiencia a la que el músico rogó, suplicó, insistió en que no hicieran ningún ruido, nada de aplausos, en todo caso las toses inevitables que se suelen producir sería lo máximo que se admitiría para una limpieza posterior, por lo demás el disco no tendría ningún tipo de posproducción, no se limaría nada, tenía que sonar tal cual pero no como un álbum en vivo.  Había que evitar, como fuera, cualquier corrección.  El resultado final fue una colección de canciones vivas como la que le da título al disco y con la que empezamos esta edición de Cíclope 3.0

El segundo tema que escogemos para continuar con Jackson es uno perteneciente a su LP de 1994, Night Music.

Jackson, con un pie en la música popular y otro en el academicismo, realizó un primer acercamiento a las formas serias en 1982 con la publicación del álbum Night and Day, recibido con los brazos y los oídos abiertos por parte de audiencia y crítica.  El segundo intento para aproximarse a composiciones serias fue en 1994 con la publicación de Night Music, un trabajo que encontró cerrados los brazos y los oídos de los que le aplaudieron doce años antes.  Night Music es un ciclo de canciones con un denominador temático común: el bloqueo creativo de los escritores.  La crítica puso verde al disco y sus seguidores torcieron el gesto: no cuajó.  Y sin embargo tiene momentos francamente brillantes como el tema que suena, Ever After, con un piano eléctrico y sobre todo una batería potente.  Ya que se ha nombrado al piano eléctrico vamos a continuar con él, piano eléctrico o acústico, ahora en manos de un músico que se nos fue a principios de año, Gary Brooker.

Gary Brooker (foto de la izquierda) nacía el 29 de mayo de 1945 en Londres y fallecía el 19 de febrero de 2022 en Surrey, Inglaterra.  

Los primeros meses de este 2022 tuvieron saturación de noticias necrológicas relacionadas con el mundo de la música.  Entre enero y febrero nos dejaron músicos más o menos conocidos como Mark Lanegan, Ian McDonald, Willie Leacox (que fue batería del grupo América y que tocó en canciones como A Horse with No Name), Meat Loaf, Jordi Sabatés...

Brooker era conocido fundamentalmente por ser la voz de la banda inglesa Procol Harum que, en la década de los años 60, se hicieron famosos por aquella Con su blanca palidez.  El grupo fue una de las mejores escuelas de R & B británica que se caracterizó por tener dos teclistas (en la foto anterior, Gary Brooker piano, primero por la izquierda en la primera fila; Matthew Fischer órgano, en el centro de la primera fila), un batería, B.J. Wilson, (en el centro de la fila superior) que utilizaba dos timbales de base en la batería, un magnífico guitarrista que desarrollaría una rica labor en solitario, Robin Trower (de pie, al fondo) y un sexto miembro, Keith Reid (con gafas), letrista de la banda.

Su referente siempre fue el grupo con el que creció, pero siempre estuvo dispuesto a colaborar con otros músicos y en proyectos donde pudiera aportar algo.  En la década de los 70 era habitual encontrar su nombre y apellido y su piano en discos de muchísimos músicos como por ejemplo en All Thing Must Pass de George Harrison.  En 1979, sin abandonar el seno de Procol Harum, Gary Brooker se decidió a recorrer un camino en solitario que duraría cuatro años (1979, 1982, 1985 y 1998) con sus correspondientes LPs que corroboraban su actividad como músico compositor e intérprete.  El debut lo hacía en el 79 con No More Fear of Flying, un disco que contó con la labor de George Martin, el quinto Beatle, como productor.  Recuperamos el tema que le da título al trabajo y también rescatamos del recuerdo el LP A Salty Dog de Procol Harum del año 1969 con el tema All This and More.

En Cíclope 3.0 escuchamos música a través del prisma del Tiempo.  Aprovechamos una abertura en el tejido del espacio y nos dejamos llevar por el sendero por el que transitan los elefantes.

La Senda de los Elefantes es el primer trabajo del nuevo proyecto de José María Sagrista (foto a la derecha) bautizado con su apellido, Sagrista.

El disco sonó por aquí por primera vez en junio, cuando escuchamos un buen número de las composiciones que conforman el trabajo.  Hoy nos volvemos a ocupar de él y de algunas canciones que no sonaron entonces como por ejemplo esta Alta Tensión, un tema compuesto en música por José María con letra de Kiko Veneno, una brillante trama transida de guitarras, poderosas guitarras.  Hoy le dedicamos tiempo de nuevo a un álbum que es una colección de canciones bien hechas, bien tocadas y bien cantadas, con el buen gusto que queda al realizar una actividad con pasión.  Nos quedamos con un par de cortes más, el que le da título al trabajo, La Senda de los Elefantes y otro más, Un día cualquiera, cantado este en inglés.

Volveremos a pisar esta senda de los elefantes de Sagrista.  Cuando estas líneas vean la luz, él y los músicos que le dan forma al nuevo proyecto estarán actuando en vivo en Madrid, Toledo... dejando la impronta de su buen hacer en la Música.    Ahora, aprovechando las turbulencias novedosas del Pop y del Rock, una entrega de Rock Independiente por parte de una banda original de la ciudad de Bellingham, ubicada en el condado de Whatcom, en el estado norteamericano de Washington.  Una banda que es muy querida por el Cíclope, Death Cab for Cutie, y que tienen nuevo trabajo titulado Asphalt Meadows.

Asphalt Meadows - 2022

Praderas de asfalto, es lo primero que suena, el tema que le da título al nuevo trabajo de Death Cab For Cutie, la banda de rock alternativa independiente capitaneada por la guitarra y la voz de Ben Gibbard (en la foto anterior en el centro).  Continúan ofreciendo lo mejor de sí mismos, inmersos en su tercera década de existencia, con algunas bajas como la de Chris Walla, teclista que abandonó la banda en el año 2015 tras la grabación del álbum Kintsugi. Actualmente son cinco miembros los que hacen canciones como Praderas de Asfalto, Aquí para siempre o Pepper, un tema que hace alusión a The Beatles en la letra, dice algo así como

Y todo lo que queda es una versión de la verdad.  Un recuerdo que a menudo se malinterpreta.  Sargento Pepper con cara de amigos en la portada.  Pero todos los nombres te eluden al final.

El disco se publicaba el 16 de septiembre y hoy lo traemos por primera vez al programa.  Seguro que lo retomamos en ediciones posteriores de este Cíclope 3.0 que termina hoy con una reedición, la del disco Fool's Mate de Peter Hammill.

El Mate del Loco de Hammill veía la luz en 1971, coincidiendo con la separación de Van der Graaf Generator.  El Tiempo nos enseñaría que las disoluciones de Van der Graaf fueron un arrebato de su alma-máter: comenzaron a finales de la década de los 60, sobre 1969, grabaron 4 LPs y el grupo, ya, no tenía nada más que decir.  Fue precisamente en 1971 después de la publicación de Pawn Hearts cuando se produce el final de la banda y el comienzo de la obra de Peter Hammill en solitario con la edición de Fool's Mate donde, qué cosas tú, tocan todos los miembros de VDGG: Nic Potter en la guitarra bajo, Dave Jackson en el saxo tenor, saxo alto y flauta, Guy Evans en la batería y percusión, Hugh Banton en el piano y, sobre todo, órgano.

Robert Fripp en la guitarra eléctrica y acústica, compartiéndolas con Hammill, amo y señor del disco que escribe tanto en música como en letra.  Un disco diferente a los que produciría después, un trabajo donde predominan los sonidos del piano y de las guitarras y donde las letras de las canciones resultan menos trascendentales y existencialistas como las que había ido desgranando desde que comenzó.  Recuperamos dos cortes de este primer disco de Hammill en solitario, disco que se ha reeditado con las ínclitas remasterizaciones que hacen que sí, que suene muy bien en los equipos de alta fidelidad dotados de excelsos reproductores de CD, pero que yo sigo quedándome con la edición original y, fíjate, hasta en CD, porque cuando aparece en formato digital hacen una transcripción tal cual, sin remasterizaciones ni leches, el disco tal cual.  En fin, el día 7 de este mes de octubre se ha puesto de nuevo a la venta y lo que importa es que su audición capte a nuevos y nuevas oyentes porque él lo merece.

Peter Hammill al piano en 1971

Hasta aquí el programa de hoy.  Ya sabes, si se te apetece volver a compartir la pasión por la música la semana que viene vuelve Cíclope 3.0 como es habitual, en la sintonía de Radio Tomares.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-11-10-22

Cíclope 3.0 - 04-10-22 - Especial Dead Can Dance # 13

Interior de la carpeta del disco Anastasis
de Dead Can Dance

 

Cíclope 3.0 del martes 4 de octubre de 2022, edición dedicada al Especial Dead Can Dance número 13 que, como en otras ocasiones, tiene contenido de música cinematográfica, además de otros elementos interesantes.

Comenzamos con la figura mítica de Gengis Kan.  

On The Trail Of Genghis Khan, El rastro de Genghis Khan, es el título de una serie documental del año 2010 de la cadena australiana de radio y televisión ABC.

Protagonizada por Tim Cope (foto de la izquierda), aventurero australiano, escritor, cineasta y guía de trekking, viajó durante tres años y medio agotadores 10 000 km a caballo por la estepa euroasiática a través de Mongolia, Kazajstán, Rusia, Ucrania y Hungría.

Desde la antigua capital mongola, Karakorum, hasta el Danubio, Tim volvió sobre el camino de los primeros nómadas y siguió la ruta tomada por el legendario Gengis Kan mientras forjaba su gran imperio.  El score original de la serie está compuesto a medias entre Cye Wood,

compositor e intérprete multinstrumentista originario de Australia (a la izquierda), y su paisana Lisa Gerrard. 

Lo mismo te resulta complicado encontrar los capítulos de esa serie.  Pero la banda sonora es más accesible el conseguirla.  Mientras preparaba esta entrada me he acordado de que la figura de Gengis Kan tiene poca información en lo que a biografía se refiere.  Recuerdo que comencé a leer hace unos años una biografía de él, pero no me acuerdo de la autoría, ni de quién se encargó de la traducción, tampoco de la editorial.  Sí que tiré el libro lejos cuando me encontré con una línea en la que Kan le reprocha algo no sé si a un mando que estaba al frente de parte de sus fuerzas o se trataba de un sirviente, el caso es que otro personaje le aconseja que deje de hablar con ese hombre porque Ese hombre es un alienado... (¡¡¿¿??!!)

¿Cómo?  ¿Alienado?  ¿Así se expresaba alguien a finales del siglo XII principios del XIII, con conceptos como el de alienación?  Sí, tiré el libro lejos.  No recuerdo, como digo, ni el nombre del traductor/traidor ni el autor/a.  A ciencia cierta no sé si era producto de una mala traducción o es que estaba ya mal en el origen.  El caso es que ha habido que esperar un tiempo para poder leer una semblanza biográfica muy buena sobre la figura del conquistador como es el libro El Conquistador del Mundo. Vida de Gengis Kan, escrito por el historiador y orientalista francés René Grousset (1885-1952), traducido por José Ramón Monreal y publicado por la editorial Acantilado en junio del año 2015.  Puedes poner la banda sonora de la serie de televisión de pantalla de fondo y leer el libro.

 

Continuamos con música de cine en este Especial Dead Can Dance # 13.  De nuevo la colaboración entre el compositor e intérprete italo/argentino Marcello De Francisci y Lisa Gerrard da como resultado una banda sonora, hoy, además, por partida doble.  Primero el score para un thriller policíaco titulado Insight, escrito también In/Sight, o InSight

diferentes grafías para una cinta norteamericana del año 2011 dirigida por Richard Gabai con guión de Aaron Ginsburg y Wade McIntyre.

Cuenta la historia de Kaitlyn, una enfermera de urgencias, que atiende a una joven que ha sido apuñalada.  Es electrocutada accidentalmente por el desfibrilador y casi inmediatamente después comienza a experimentar recuerdos de la víctima.

La segunda banda sonora que traemos hoy al programa escrita a medias entre De Francisci y Gerrard pertenece a la película Oranges & Sunshine.

 

En realidad la banda sonora de Oranges & Sunshine está compuesta principalmente por Lisa Gerrard, Marcelo De Francisci se encarga de añadir algunos fragmentos instrumentales derivados de la partitura que compone ella.  La cinta, de origen bitánico, está dirigida por Jim Loach en el año 2010, con guión de Rona Munro.  La película, basada en hechos reales, cuenta la dura batalla que tuvo que librar Margaret Humphreys, una trabajadora social de Nottingham, para sacar a la luz una espeluznante situación: la de numerosos niños ingleses, de distintas edades, que fueron separados de sus padres y deportados a países de la Commonwealth, principalmente Australia, donde fueron obligados a trabajar a la fuerza. El score se publicó en el año 2011 en Gerrard Records, sello discográfico propiedad de Lisa.

Un fragmento de cada una de las tres bandas sonoras que han ocupado los primeros minutos de esta edición de Cíclope 3.0 cuyo corazón está ocupado (ahora suena, de forma virtual, una trompetería wagneriana) por el reencuentro entre Brendan Perry y Lisa Gerrard, es decir, por la reunión, después de 16 años, de Dead Can Dance.

La última vez que DCD entraron en un estudio de grabación fue en el año 1996, cuando aparecía Spiritchaser.  Tras ese álbum se tomaron un tiempo sabático en el que Perry y Gerrard volaron en solitario, libres, con proyectos que no incluían al otro.  Es cierto que Dead Can Dance se reunieron en el año 2005 para realizar una macro-gira internacional con idea de que no se olvidase el nombre del proyecto.  El sesgo terapéutico, el ver si tenían algo nuevo que decir juntos, no arrojó ninguna esperanza: ya se volverían a reunir para algún concierto pero, por ahora, mejor cada uno por su lado.  Pero llegó 2012 y sin que nadie lo esperase apareció Anastasis, la voz griega que hace alusión a la Resurrección y, en el caso de DCD, no se podía aplicar mejor dicho concepto porque el álbum es una auténtica, franca y digna resurrección de los mejores Dead Can Dance.

El disco está formado por 8 composiciones escritas a medias entre Lisa Gerrard y Brendan Perry.  Cantan los dos, a solas y a dúo.  El perfil del trabajo, el espectro sonoro, es lo que hace aceptar la traducción de anastasis como resurrección porque el resultado final da la clave para aceptar como más apropiado el uso de este significado para bautizar el álbum de reunión de Dead Can Dance: vuelven a hacer lo que mejor saben, mezclar raíces e influencias.  Reúne la sabiduría de ambos miembros a la hora de recrear la música con raíces en la península de Anatolia, los aires turcos y griegos.

El álbum está producido por los dos miembros de la columna vertebral del proyecto, Lisa Gerrard y Brendan Perry.  El resultado final es un trabajo verdaderamente brillante el de esta pareja que posteriormente ha desarrollado una bien merecida reputación mundial por traspasar los límites de la música popular desde comienzos de la década de los 80.  Viniendo de los márgenes del mundo de la música gótica en el icónico sello 4AD, aportaron una sensación de disciplina casi clásica a su sonido.  Incorporaron con precisión, varias tradiciones musicales internacionales, combinando una música de perfil atmosférico, de textura exuberante, con un dramatismo trufado de los principios musicales que se derivan de fuentes sobre todo del Este del Mediterráneo y algunas de varias naciones del norte de África.  El Tiempo ha transcurrido y no lo ha hecho en vano.  Anastasis es, probablemente, uno de los discos mejor grabados por DCD, un disco que muestra hasta qué punto el sonido ha evolucionado para bien y cómo las técnicas de grabación en la casa/taller/estudio de Brendan, Quivvy Church, han alcanzado cotas tan limpias y definidas para realización del trabajo.

Por último señalar la colaboración de un percusionista alemán, David Kuckhermann, que ya sonó en alguna ocasión por aquí en el programa hace algunas ediciones.  

Llegamos al final de esta edición de Cíclope 3.0 dedicada al Especial Dead Can Dance Número 13.  Cinco cortes de Anastasis, el álbum de reencuentro del año 2012, sirve para poner el cierre.

Espero que te guste el programa.

Enlace: https://radio.tomares.es/index.php/blog/ciclope-30-04-10-22

Cíclope 3.0 - 27-09-22 - Especial Peter Murphy # 1

Peter Murphy

Cíclope 3.0 del martes 27 de septiembre de 2022.  El primer y último martes de cada mes Cíclope 3.0 está íntegramente ocupado por la estructura Especial Discografía.  Dichos Especiales tienen un contenido diferente: el del primer martes sigue aún enredando en la discografía de Dead Can Dance, con la obra en solitario de algunos de sus miembros; el Especial del último martes lo inauguramos hará cosa de un año con The Jazz Butcher.  Una vez finalizada la audición de su discografía la nueva entrega de dicha edición, el segundo Especial del mes, lo ocupa, a partir de hoy, Peter Murphy.

Tiene tres nombres, Peter John Joseph, pero lo conocemos por su primer nombre y apellido, Peter Murphy.  Descendiente de padre y madre irlandeses, nacía en el Reino Unido, en la localidad de Northampton, el 11 de julio de 1957.  Desarrollaría un gusto e inclinación especial por temas religiosos y metafísicos, escribiría poemas que rezumaban un romanticismo académico que, con el paso de los años, serían catalogados por la crítica como incomprensibles y pretenciosos.  Pero cuando eso ocurre, da igual: por aquel entonces, finales de los años 70 principios de los 80, Murphy estaba considerado como el padrino del Rock Gótico y de la subcultura Gótica, así que estaba lo suficientemente impermeabilizado ante la lluvia de críticas en contra como para seguir tranquilamente en su camino.  Pero todo a su tiempo, por ahora, vamos a situarnos en las coordenadas de espacio y tiempo, vamos a hacer un poco de historia.

Bauhaus

Si hablamos de Peter Murphy no nos podemos olvidar de Bauhaus.  Es cierto que, a veces, la muletilla "Peter Murphy, el que fue vocalista de Bauhaus", puede sonar a una devaluación de su obra en solitario, pero en absoluto es así.  Es una referencia indispensable y una forma de poner las cosas en su sitio porque Bauhaus tiene su punto de origen en él, en el que sería su vocalista y el foco de atención de la imagen del grupo, porque fue el que ideó el proyecto a finales de la década de los 70 junto a su compañero de colegio Daniel Ash, guitarra eléctrica y acústica (primero por la derecha en la foto de la banda).  Después se sumarían otros antiguos compañeros, David J, guitarra bajo (primero por la izquierda) y el batería Kevin Haskins (segundo por la derecha).  Por situarnos en la línea de la Historia reseñar que Bauhaus tomó su nombre de la escuela de diseño alemana creada durante la segunda década del siglo XX.  Primero se bautizaron como Bauhaus 1919 para pasar a llamarse inmediatamente Bauhaus.  Se dieron a conocer en 1979 con el tema Bela Lugosi is Dead; protagonizaron la floración de lo que se dio en llamar Rock Gótico junto a Joy Division, Siouxsie and The Banshees, The Cure y muchos más.  Dejaron una discografía oficial que va del año 1980 a 1983, corta pero enjundiosa.  No vamos a peinar la discografía de la banda Bauhaus para después entrar en la discografía en solitario de Peter Murphy, vamos a ir intercalando temas del grupo con los álbumes de Murphy, protagonista de este Especial.

Y para adentrarnos en la música de nuestro protagonista hemos comenzado con un tema de la banda Bauhaus, The Passion of Lovers, incluido en su segundo trabajo firmado en 1981, Masks, cuya carpeta desplegada se puede ver 4 líneas más arriba.

Volveremos, por supuesto, sobre el grupo pero ahora, nos quedamos con un Peter Murphy delgado y elegante, con pómulos prominentes y aspecto vampírico, dotado de una voz profunda que se asemeja en ocasiones al registro de David Bowie, a quien admiraba profundamente.  Año, 1986.  Atrás quedaba Bauhaus y un segundo proyecto inmediato a ese, Dali's Car, del que ya hablaremos y escucharemos.  Por ahora, el primer álbum en solitario de Murphy: Should The World Fail To Fall Apart?

Se editaba en julio de 1986 y no creas que tuvo una acogida calurosa y de bienvenida entre la audiencia.  Se miraba la carpeta, se consideraba el hecho (¡Ah, sí!, Peter Murphy, el cantante de Bauhaus que ha grabado en solitario) pero nada más.  A nadie le dio, en su momento de publicación, por darle una audición, escuchar qué había hecho.  Y el resultado de su labor fue un disco distinto a lo que había estado haciendo hasta el momento, el rock a veces disonante de Bauhaus.  Estaba más cerca de lo que fue Dali's Car, pero tampoco.  Should The World Fail To Fall Apart? es un disco formado por 10 canciones, 8 originales y 2 versiones, una de las dos de esas versiones es The Light Pours Out of Me, nada más y nada menos que una versión de un tema de Magazine compuesto por Howard Devoto, Pete Shelley y John McGeogh que colabora para la ocasión con su guitarra eléctrica.

La otra versión es una reinterpretación del tema Final Solution original de Pere Ubu (foto de la izquierda), un colectivo original de Cleveland, Ohio, capitaneado por David Thomas (en el centro, con sombrero) situado más allá de la vanguardia musical.

En 1976, Pere Ubu publicaron un cassette titulado The Shape of Things que incluye ese Final Solution en cuya composición intervinieron todos los miembros que militaban en aquel entonces en la banda.  En el siglo XXI, en el año 2000, se reeditaría en formato de CD.

Final Solution es una composición que dura 6 minutos y 41 segundos en manos de Pere Ubu y que se convierte en 3 minutos y 56 segundos de intensidad según la reinterpreta Peter Murphy.

Este primer álbum suyo en solitario cuenta con un respetable plantel de colaboradores entre los que están Daniel Ash, guitarra de Bauhaus y cofundador con Murphy del grupo; Ivo Watts-Russell, el padre del sello 4AD, encargándose de la producción de parte del disco, un trabajo en el que Murphy se centra principalmente en liberarse del estereotipo gótico en el que se había encontrado él mismo atrapado al desarrollarlo en el seno de la banda que lo ve crecer como músico y como letrista.

Ya lo he señalado: a Murphy la crítica musical le afeó el perfil de sus letras, los textos de sus canciones por considerarlos excesivamente herméticos unas veces y otras cargadas de un goticismo digno de un vampiro.  El tema vampírico le es muy cercano, muy querido.

El año que Bauhaus se separaban hacían una aparición en la película de temática vampírica El ansia, dirigida por el hermano de Ridley Scott, Tony Scott.

El comienzo de la historia se sitúa en una sala de actuaciones en vivo donde una pareja (Catherine Deneuve y David Bowie), vampiros, buscan posibles víctimas para saciar su sed de sangre.  La acción se desarrolla mientras un grupo de música actúa en directo interpretando una canción: el grupo es Bauhaus y la canción Bela Lugosis's Dead.

Y aún habría más relacionado con el tema de los No-Muertos.  Algunos años después, en 2010, Peter Murphy intervendría con un papel breve en la cinta Eclipse, la tercera entrega de La saga Crepúsculo, interpretando en una secuencia de flashback el papel de un vampiro despiadado.

De ese primer disco en solitario de Murphy, Should The World Fail To Fall Apart?, hemos escuchado cinco cortes de los diez que lo forman.  En la recta final del programa de hoy vamos a recuperar el sonido y parte de la obra anterior de nuestro protagonista.

El año de 1983 supuso el final de muchas cosas y también el principio de otras.  Entre lo que finalizaba estuvo la separación de Bauhaus y también la disolución de otro proyecto de origen británico llamado Japan, el grupo del que surgirían nombres como el de David Sylvian, Richard Barbieri, Steven Jansen o Mick Karn.  Karn, guitarra bajo, poco tenía que ver con formas y maneras goticistas.  Murphy y él se conocieron hacía poco, conectaron a través de algunas ideas sobre música y otras afinidades y cuando las bandas de ambos se separaron encontraron el camino libre para unir su creatividad e ingenio y formar un dúo llamado Dali's Car.

Por si había dudas: la imagen es sobria y el sonido elaborado, pero sin obscuridades, en todo caso muy elaborado a través de las vibraciones de la guitarra bajo de Karn que hace que las cuatro cuerdas de su guitarra vibren como si fuesen cuatro cartílagos palpitantes.  La voz elegante de Murphy fluye a lo largo de las canciones que forman el primer y único LP del Coche de Dali: The Waking Hour, de 1984.

La base de la formación serían ellos dos más la colaboración de un batería-percusionista electrónico, Paul Vincent Lawford (a la izquierda). 

Dali's Car sacaron su nombre de una canción del mismo título del LP Trout Mask Replica de 1969 de Captain Beefheart.

 

Captain Beefheart

La grabación del único disco de Dali's Car no fue ni cómoda ni fácil: Karn y Murphy, vivieron un enamoramiento musical tras conocerse, los primeros meses fueron un constante Oh How Beautiful Is The Moon hasta que apareció el primer contratiempo y a partir de ese momento toda creatividad, toda sugerencia se convirtieron en órdenes dadas por uno o por otro, y de mal pasaron a peor y...  Las discusiones y el mal rollo hicieron que buscaran una salida para poder hacer realidad una grabación, un disco que recogieran aquellas ideas que, francamente, estaban muy bien y así llegaron al punto en el que prefirieron no coincidir en los estudios de grabación, dejaron cada uno su parte grabada en una cinta y el disco se fue haciendo como una especie de Frankenstein.  Como mucho se vieron para la mezcla final del álbum que fue un desastre económico para el sello discográfico y prefirieron dejarlo todo como estaba, a pesar de las expectativas que se crearon ante la aparición del trabajo, a pesar de ser un disco del que se habló y mucho antes de que viera la luz, cuando se estaba gestando en los estudios de grabación.  Ni por esas se cubrieron las ventas como para plantearse seguir con el proyecto.  Hubo un intento, con el paso de los años, para volverse a reunir y hacer algo nuevo.  Era 2010 y la idea era reunirse en septiembre para retomar el proyecto y grabar un disco nuevo como Dali's Car, pero no pudo ser: Mick Karn había sido diagnosticado de cáncer y fallecía en enero del año 2011.  Sin embargo algunas canciones sí se habían grabado a lo largo del año, antes de aquel septiembre de 2010.  Un total de cinco composiciones, mezcladas por Steve Jansen, batería de Japan y colaborador de cualquier proyecto donde esté su hermano David Sylvian, aparecieron el 5 de abril de 2012 con formato EP titulado InGladAloneness.  Uno de los temas es la versión que realizaron del conocido Ne me quites pas de Jacques Brel convertido en inglés en If You Go Away.

  

  

En los últimos minutos del programa de hoy vamos a hacer un looping hacia atrás en el Tiempo y para cerrar este Especial Peter Murphy Número 1 lo vamos a hacer recuperando el primer sencillo que lanzó Bauhaus, el primer Single, el tema con el que se dieron a conocer: Bela Lugosis's Dead.

El Single/MaxiSingle veía la luz el 6 de agosto de 1979, la canción seminal que multiplicaría su influencia en el sonido de tantos músicos y lo primero que se conoce de una banda que sería un punto de referencia estético no sólo para músicos sino también para una amplia audiencia.  Con sus 9’36” te decimos adiós, hasta la semana que viene en una nueva edición de Cíclope 3.0 en la sintonía de Radio Tomares.

Espero que te guste el programa.

Enlace: https://radio.tomares.es/blog/ciclope-30-27-09-22

Cíclope 3.0 - 20-09-22

 

El regalo de la Música

Cíclope 3.0 del martes 20 de septiembre de 2022.  En el programa de hoy revisitamos algunos vericuetos de las novedades discográficas y nos sumergimos en imágenes sonoras con música de Cine.  Para empezar, volvemos sobre un disco aparecido el 22 de abril de este año en curso y que ya ha sonado una vez aquí en Cíclope 3.0

Se trata del tercer álbum de la banda irlandesa Fontaines D.C. (foto de la izquierda), un disco titulado Skinty Fia del que escuchamos unos cuantos temas el día que sonó por primera vez.

Big Shot, la canción con la que hemos comenzado, es uno de los temas que no habían sonado hasta el momento.  Es muy interesante la labor creativa y ascendente que está llevando el quinteto.  Canciones en evolución, sonido más elaborado con textos que hablan de amor y de posición existencial: irlandeses viviendo en Inglaterra.  El segundo tema que suena de este álbum es una canción con connotaciones literarias: Bloomsday.

Seguramente  sabrás que Bloomsday es el evento anual que se celebra en honor de Leopold Bloom, el personaje principal de la novela Ulises de James Joyce.  Se conmemora el 16 de junio.  Empezó festejándose en Dublín para después pasar a ser una festividad mundial que se lleva acabo todos los 16 de junio.  El sentido literario que le dan Fontaines D.C. tiene más el sesgo de una historia de amor rota que se rememora el mismo día que el de Bloomsday.

Repasando un disco que fue novedad hace unos meses a otra novedad discográfica aparecida hace escasamente un mes, The Alchemist's Euphoria, el último trabajo por ahora de los británicos Kasabian.

Kasabian en este año en proceso de 2022

Kasabian, con su sonido mezcla de Stone Roses, Happy Mondays y Primal Scream cruzado con Oasis y la electrónica de DJ Shadow, asombraron tanto a la rígida crítica musical británica como a la audiencia a principios del siglo XXI.  Para bautizarse como proyecto escogieron el apellido de Linda Kasabian, conocida por haber sido una de las integrantes de La Familia Manson, liderada por Charles Manson, autores del asesinato de la esposa de Roman Polanski, Sharon Tate y de sus amigos en agosto de 1969.  Cuando se realizaron las detenciones y comenzó el proceso en los tribunales, Linda Kasabian, a diferencia de otros miembros de La Familia, durante el juicio llegó a un acuerdo de inmunidad y actuó como la principal testigo de la acusación, por lo que no fue sentenciada por ningún crimen.

Con el paso de los años sería una figura semi-admirada, como el mismo Manson, y sirvió para que un grupo de Rock se bautizara con el apellido de ella.  Una gran cantidad de influencias compartidas producen un sonido electrónico orientado al rock y en el año 2004 publican un primer álbum que se ve ampliado posteriormente, manteniendo siempre las raíces de su música en composiciones de texturas de baile fragmentadas y rock & roll bullicioso.  Es lo que vuelven a hacer este año de 2022 con temas como los que suenan en el programa de hoy, pertenecientes a ese nuevo trabajo titulado The Alchemist's Euphoria, un disco en el que no dejan de ser quienes son aunque ya no sean los mismos.  El vocalista Tom Meighan abandonaba el proyecto en el año 2020 y sería sustituido en la parte vocal por Sergio Pizzorno, además de seguir con sus funciones de compositor y guitarrista.

 

 

El tejido del espacio Cíclope 3.0 no está formado solo por las turbulencias del mundo discográfico del Pop y del Rock entendidas esas circunvalaciones como Novedades.  También, y esto es usual, escuchamos obras que no son novedad como es el caso del álbum Velociraptor! de Kasabian, del año 2011, un disco del que se utilizó un tema, La Fée Verte, como banda sonora de una película muy interesante, London Boulevard, de 2010, dirigida por William Monahan, con guión propio basado en la novela homónima de Ken Bruen.  La cinta tiene una doble banda sonora: por un lado la banda sonora no oficial, con canciones que ilustran diferentes momentos de la historia, como esa soberbia Heart Full of Soul de The Yardbirds, con la que se abre la película, o el tema de Kasabian que aún no había aparecido en formato físico, LP ó CD, porque lo haría un año después; y otro disco este sí con el score original firmado por Sergio Pizzorno, el actual motor de Kasabian.  Tras ese cinematográfico La Fée Verte no dejamos la gran pantalla y seguimos con score originales de películas, ahora en un registro absolutamente diferente.

Motherless Brooklyn, traducida en España como Huérfanos de Brooklyn, es una película dirigida y protagonizada por Edward Norton, que se encarga también de escribir el guión adaptando la novela homónima de Jonathan Lethem.  La película es muy recomendable tanto por la temática, por el plantel de actores y actrices, y por su espléndida banda sonora.

El responsable del score original es el hombre de la foto a la izquierda, Daniel Pemberton, 

compositor británico de música para cine, televisión y videojuegos que se inició en la música electrónica ambiental y de vanguardia, influenciado por artistas electrónicos como Jean Michel Jarre, Tomita y Vangelis.  Lo que hemos escuchado es un fragmento de la partitura original resuelta en la parte vocal por Thom Yorke de Radiohead y Flea, bajista y trompetista de origen australiano-americano cuyo nombre real es Michael Peter Balzary.  Daily Battles, es el título de ese fragmento.  Es una banda sonora cuajada de momentos intensos de un Jazz de alta tensión, con la colaboración de músicos de la talla del trompetista Wynton Marsalis en momentos del score como este Close, The Right Information con el que pasamos a otros ámbitos cinematográficos.

En 1986, Julien Temple dirigía Absolute Beginners, con un plantel de músicos que era una auténtica filigrana de colorido y emoción.  El tema que le daba título a la cinta la interpreta el Gran Duque Blanco, David Bowie, que interpretaba un papel de actor.  

En el staff se encuentra también la luminosidad creativa de Ray Davies con su tema Quiet Life, parte del tapiz sonoro que forma la cinta, la crónica social y musical del Londres de finales de la década de los años 50, basada en la novela homónima de Colin MacInnes.

Un año antes de Absolute Beginners, Ray Davies escribió el guión, compuso la banda sonora y dirigió una cinta de 60 minutos de duración titulada Return to Waterloo.  Cuenta los sueños y las pesadillas de un viajero que toma un tren cuyo recorrido dura una hora, desde los suburbios de Londres hasta la estación de tren de Waterloo.  La lista de colaboradores incluye a todos los miembros de The Kinks excepto a su hermano, Dave Davies.  Nos quedamos con el tema que le da título a la cinta: Return to Waterloo.

La pésima distribución de la película, que parece haber limitado su exhibición de televisión a dos pases y su lanzamiento en video casero, tampoco promocionó la banda sonora y el álbum se agotó al año siguiente de su lanzamiento.

Seguimos con la familia Davies porque, unos años después de la película y score de Return to Waterloo de Ray Davies, su hermano, Dave Davies, también componía la banda sonora de una película, en este caso fue una colaboración a medias con el director de Cine norteamericano John Carpenter.  Entre ambos idearon la música para ilustrar el remake que realizó Carpenter de Village of the Damned, El pueblo de los malditos, una película del año 1960 dirigida por Wolf Rilla y basada en la novela homónima de John Wyndham.  La versión de Carpenter de 1985 es fiel tanto al libro como a la versión de Rilla, diferenciándose básicamente en el hecho de que la de 1960 era en blanco y negro y esta de 1985 es en color.

Y con un largo fragmento del score de esta película cerramos esta edición de Cíclope 3.0

Espero que te guste el programa.

Enlace: 

https://radio.tomares.es/blog/ciclope-30-20-09-22