Cíclope 3.0 - 09-03-21

 

Guitarras por un tubo

Cíclope 3.0 del martes 9 de marzo de 2021.  Acumulación guitarrera en el programa de hoy, eléctrica o acústica, soleadas o un poco tenebrosas, pero guitarras en definitiva.  Para comenzar un hombre que ha sonado en otras ocasiones y que el Cíclope vuelve a recuperar una vez más: desde Canadá, Matthew Good.

Comenzó capitaneando la banda que fundó con su nombre y apellido en 1995, Matthew Good Band.  Estuvieron activos entre 1995 y 2001; dejaron 4 álbumes y un montón de singles.  Después, desde 2003, él continuó en solitario, rodeándose de otros músicos para grabar los discos y para las actuaciones en vivo aunque, también puede aparecer acompañado por la guitarra eléctrica y la acústica, él solo.

Publica discos con una cadencia de unos dos o tres años entre álbum y álbum.  El último, Moving Walls, veía la luz el 21 de febrero del año 2020, fecha muy mala para plantearse una gira de promoción porque al poco tiempo la pandemia de la COVID-19 desmontaba cualquier plan de futuro.  Pero por lo menos nos quedan los discos y de esas Paredes móviles nos quedamos con un par de temas donde el músico canadiense juega más con lo acústico que con lo eléctrico.

El Cíclope lanza ahora un búmeran con recorrido pacífico, es decir, vuelve pero no porque no haya encontrado nada que golpear sino porque tiene la misión de buscar, encontrar y traer sonidos de guitarras apasionadas y las encuentra en un cuarteto que existió en la década de los 80 y que respondía al nombre de The Del Fuegos.

El cuarteto lo lideraba un dúo de hermanos, Dan y Warren Zanes, ambos guitarristas y el primero de los dos, Dan, voz principal del grupo (en la foto anterior los hermanos Zanes los dos primeros por la derecha).

Se bautizaron con el nombre de The Del Fuegos para indicar que eran de allí, pero en verdad eran oriundos de Boston, Massachusetts, y se confesaban unos apasionados admiradores de dicha localidad argentina, la Tierra del Fuego.

Comenzaron a construir su sonido basado en las guitarras eléctricas con la década de los 80, al principio.  Tocaban en locales (bares, clubs, pubs) de Boston y las actuaciones constantes fueron levantando un interés por la banda que se extendió por toda la Costa Este.  En 1984, en otoño, lanzaron su primer álbum de título The Longest Day.

The Longest Day

La potencia de las guitarras de los hermanos Zanes sumada a la emotividad de sus composiciones hizo que The Del Fuegos se volvieran una referencia en la nómina de músicos que, en los 80, reivindicaban el sonido de la guitarra eléctrica como tálamo de la música.  Todo parecía dispuesto para que, después de una presentación así, siguieran sembrando y recogiendo buenas cosechas eléctricas y emocionantes.

Un año después de aquel El Día Más Largo, el cuarteto publica Boston, Mass., una semblanza homenaje a su cuna natal.  El disco incluye una de las composiciones más emotivas que hicieron los hermanos Zanes, el tema I Still Want You.

Ya habían sembrado buena semilla con el disco anterior y con este lo único que hicieron, ahí es nada, fue reforzar aquella fama de banda guitarrera y apasionada.  Sonaron en diferentes medios radiofónicos (Emisoras de Radio institucionalizadas, Emisoras de radio universitarias...).  Tanto el primer vinilo como el segundo recibieron una más que cálida acogida por parte de la crítica y de la audiencia.  Lo que nadie se podía esperar es que, por motivos ajenos al Destino del grupo, un grupo cervecero norteamericano, una firma dedicada a la elaboración de cerveza escogió una canción de The Del Fuegos para ilustrar un spot publicitario emitido por televisión.  El tema no recuerdo cuál fue, sí que pertenecía al segundo álbum.  La empresa cervecera pagó los correspondientes derechos de autor por la utilización de la canción, pero los ortodoxos del rock se indignaron con el hecho: ¿Cómo?  ¿Ahora se van a dedicar a componer canciones moñas para anuncios de televisión?  Y le echaron la cruz negra invertida de los satanistas y renegaron de lo que habían aportado a la música.

Sacaron un disco nuevo, en 1987, Stand Up, pero no había nadie esperándolo y el trabajo pasó de largo.  De los dos hermanos Zanes sería Dan, el cantante y guitarrista, el que hizo algunos trabajos interesantes en solitario.  Cerrando la década de los 80, sobre 1989, volvieron a reunirse para grabar un disco, igualmente repitieron la acción en pleno siglo XXI, en el año 2012, con el cuarteto reformado con otros miembros, pero no pasó de ser una reunión para grabar un disco y ofrecer un par de conciertos con el halo mítico de The Del Fuegos.  

Dejamos la Costa Este de Norteamérica y nos trasladamos a la Costa Oeste, a California, en concreto a San Francisco para continuar con guitarras luminosas y soleadas, las del cuarteto Translator.

Translator

Inspirados por The Beatles y fusionando un Pop enérgico con melodías elegantes, Translator fue una banda con sede en San Francisco.  El grupo se formó en Los Ángeles en 1979 y se trasladan a San Francisco poco tiempo después.  En Frisco se asientan y florecen, moviendo la demo de su canción Everywhere That I'm Not que se llegó a convertir en una tarjeta de presentación que les abrió las puertas de las Emisoras de Radio independientes sobre todo en las Emisoras de campus universitarios.  Tanto llega a sonar la canción que sirve como para que una discográfica se fije en ellos y les ofrezca un contrato para grabar lo que sería su LP de presentación, Heartbeats and Triggers que se publicó en 1982.  El disco incluiría el ínclito single y un trallazo guitarrero electro-acústico como es el tema When I am With You, los dos temas que recupera el Cíclope para la ocasión.

Steve Barton y Robert Darlington (primero y segundo siguiendo el orden de las fotos de la carpeta del disco) eran los cantantes y guitarristas del grupo, además de encargarse de la composición de los temas.  Tercero y cuarto Dave Scheff, batería, y Larry Dekker guitarra bajo.

Fue la formación constante durante el tiempo de vida de la banda e incluso para sus apariciones esporádicas posterioes a la disolución del grupo ocurrida en 1986.

En 1996, diez años después de su ruptura oficial, Translator recibió un regalo inesperado: ser confundidos con los mismísimos Beatles cuando alguien desempolvó el single de 1983 Break Down Barriers cuya Cara B lo ocupaba una versión del tema Cry for a Shadow, una rareza de los cuatro de Liverpool.  Fue confundida por los fans beatlemaníacos con una nueva grabación de los miembros supervivientes de los Fab Four para la serie documental The Beatles Anthology.

Siguieron reuniéndose incluso en pleno siglo XXI para participar en eventos festivaleros, incluso volvieron a los estudios de grabación en 2012 para lanzar un nuevo álbum, Big Green Lawn.  Se subieron al escenario para dar unos cuantos conciertos promocionales del nuevo trabajo.  Lo mismo un día de estos se reúnen y vuelven a dar un puñado de buenas canciones.

Hasta el momento en el programa han sonado guitarras canadienses, norteamericanas de la Costa Este, del lado opuesto, guitarras de la Costa Oeste, y ahora volamos hacia Europa, en concreto al sur de Francia con un grupo que responde al nombre de Dead Horse One.

Dead Horse One

Oriundos de Valence, una localidad conocida como la puerta sur de Francia, Dead Horse One utilizan el inglés como idioma para cantar y suenan como una especie de cruce entre las armonías vocales de The Byrds y las guitarras oscuras de bandas como Red Lorry Yellow Lorry.  El proyecto se formó en el año 2011 con forma de cuarteto capitaneado por Olivier Debard, voz y guitarra (en la foto, en el centro, con los brazos cruzados), Ludovic Naud, voz y guitarra bajo, Antoine Pinet, batería y Jérôme Simonian guitarra eléctrica.  Simonian fue reemplazado por Maxime García y un miembro nuevo se unió a la banda, Ivan Tziboulsky, encargándose de los teclados y también de la guitarra y asentando definitivamente la forma de quinteto.  La primera vez que graban es el año 2014 y desde entonces hasta hoy llevan publicados tres álbumes.  El que sirvió como debut fue el disco Without Love We Perish.  El último, editado en 2019, lleva por título The West is The Best.  El Cíclope saca un tema de cada uno de esos trabajos, por si no los conoces, para que sepas qué hacen.

Without Love We Perish

The West is The Best

   

  

En la recta final de la edición de Cíclope 3.0 de hoy, una alegría muy grande: poder compartir contigo la edición de un disco muy bueno, editado el 19 del pasado mes de febrero, firmado por una banda a la que tenemos un especial aprecio, Mogwai.

As the Love Continues

Ese es el título del nuevo trabajo de los escoceses Mogwai, que vuelve con un álbum de canciones mayoritariamente instrumentales y más escuetas de lo que hacen habitualmente.  Son 11 temas en total donde los cuatro miembros del grupo no han dejado de trabajar con colaboradores habituales como Atticus Ross, con quien ya habían elaborado la banda sonora del documental Before The Flood de 2016, para la ocasión se encarga de los arreglos de cuerda y de interpretar la parte que le corresponde.

Atticus Ross

El otro músico que también interviene en el nuevo disco de Mogwai es Colin Stetson, saxofonista, que sopla en el saxo alto en uno de los tres temas que escoge el Cíclope, el titulado Pat Stains.  Por cierto, creo que en la locución del programa me equivoco y digo que en el tema, además de tocar el saxo, canta y no es así, error.  

Colin Stetson

Son tres temas los que suenan, dos instrumentales y uno cantado, Ritchie Sacramento, dedicado a la memoria de Dave Berman, guitarrista, compositor, cantante norteamericano y motor de proyectos como Silver Jews y Purple Mountains fallecido el 7 de agosto del año 2019.

Dave Berman (1967-2019)

Mogwai se reinventan, recrean deconstruyendo esquemas en los que ya habían trabajado para volver a construir, aportando ideas nuevas.  Canciones más cortas de lo que hacen regularmente, composiciones de 5, 4 minutos y algo, frente a los 10 ó 16 minutos o más a los que tienen habituada a su audiencia.  Lo último que habían publicado fue el año pasado, la banda sonora de la serie de televisión sobre narcotráfico ZeroZeroZero y dadas las circunstancias actuales determinadas por la pandemia de la Covid-19, los beneficios de la venta del disco los comparten con organizaciones benéficas del Servicio Nacional de Salud.  Concienciados de lo que conlleva no poder dar actuaciones en vivo (menos ingresos, poder adquisitivo mermado) no sólo para los músicos sino para todas las personas relacionadas en dichos eventos (técnicos de sonido, técnicos de luces...y un largo etcétera) participan de la iniciativa WLR (Whole Lotta Roadies) para apoyar a los trabajadores del sector.

Mogwai (de izquierda a derecha, Dominic Aitchison, guitarra bajo, Stuart Braithwaite, guitarra eléctrica, Barry Burns, guitarra eléctrica y Martin Bulloch, batería)

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-09-03-21

Cíclope 3.0 - 02-03-21 - Especial Magazine # 3

 

Magazine en una actuación en vivo

Cíclope 3.0 del martes 2 de marzo de este año 2021.  Como es primer martes de mes hoy toca edición Especial y, como viene siendo habitual desde el pasado mes de enero, el Especial que tenemos en activo es el de Magazine, en esta ocasión Especial Magazine Número 3.

Comenzamos conectando con el final del contenido de la edición del mes de febrero, recuperando parte del material que nos quedaba por escuchar de aquel The Correct Use of Soap de 1980 en concreto un par de temas: I'm a Party y una de las composiciones mejores, en mi opinión, de Howard Devoto y compañía, A Song from Under the Floorboards.  El álbum se abre con un enérgico y acelerado Because You're Frightened y se cierra con ese otro tema que conecta con esas canciones de perfil cercano al rock progresivo como son The Light Pours Out of Me del primer disco o Feed the Enemy del segundo.  A nosotros nos sirve para cerrar también la audición del tercer álbum de la banda.

Este tercer álbum de Magazine tuvo una particularidad y es que fue el último trabajo donde estuvo John McGeoch, cofundador con Howard Devoto de la banda.

McGeoch argumentó decepción porque el grupo no le daba preponderancia a su trabajo como guitarrista; tampoco le veía la punta, económicamente, a la labor del grupo porque a pesar de que los discos de Magazine se agotaban porque se vendían bien eso no se traducía en percibir el suficiente dinero como para poder vivir de forma holgada.  Así que, sin más, adiós, adiós.

Hacemos un alto en la discografía de Magazine para repasar la carrera del guitarrista disidente.  

John McGeoch, considerado el Jimmy Page de la New Age británica, el mismo año que causa baja en Magazine, 1980, pasa a formar parte de Siouxsie and The Banshees, con quienes ya había trabajado ese mismo año cuando fue invitado a participar en el álbum Kaleidoscope.  Además de aparecer en los créditos del sencillo Happy House también lo hizo en el álbum Juju de 1981, ya como miembro estable del proyecto con el que sigue trabajando hasta la publicación de A Kiss in the Dreamhouse de 1982.  Tras la grabación y edición del disco, durante una gira internacional que los trajo a España, McGeoch comienza a tener problemas de carácter personal con cualquiera que estuviese a su alrededor.  Su adicción a diferentes sustancias y al alcohol le convierten en alguien intratable y eso supuso su expulsión del grupo.  En su lugar entraría Robert Smith de The Cure.

Siouxsie and The Banshees con John McGeoch a la derecha.  

Siouxsie declaró, posteriormente a la marcha del guitarrista, que la etapa que más disfrutó con los Banshees fue mientras estuvo McGeoch, por su forma y estilo de tocar el instrumento.

En 1983, McGeoch entra a formar parte de la banda The Armoury Show, un proyecto ideado por su paisano y amigo Richard Jobson.

Jobson, junto a Stuart Adamson, habían formado Skids, un grupo que dejó a sus espaldas unos siete álbumes y un halo de pretenciosidad que no fue bien visto por sus intentos de cruzar la fuerza de las guitarras de U2 y el sonido amplio de Simple Minds.  La banda se disolvió y de sus cenizas surgieron grupos como Big Country con Adamson capitaneando el barco y The Armoury Show que incluiría en sus filas a otro exmiembro de Skids, el guitarra bajo Russell Webb.  El proyecto The Armoury Show tenía como almamater a Jobson que sacó el nombre de Armory Show, denominación de las exhibiciones artísticas que tuvieron lugar en la armería del 69º regimiento de la Guardia Nacional en Nueva York.  Es el término utilizado para referirse a la Exposición Internacional de Arte Moderno que tuvo lugar entre el 17 de febrero y el 15 de marzo de 1913.  En dichas muestras se agruparon obras que describían el desarrollo del arte de la edad contemporánea desde Francisco de Goya hasta Marcel Duchamp o Vasily Kandinsky, con obras representativas de movimientos como el impresionismo, el simbolismo, el cubismo y el fauvismo.  Ese era el punto de fuga desde el que Jobson intentó abrirse a una especie de Renacimiento Escocés ejerciendo de cantante, compositor, escritor y actor.  También ensayó la poesía hablada pero cuando empezó a recibir ofertas de diferentes círculos culturales prefirió centrarse en la música y en su proyecto nuevo.  Encontró a un aliado perfecto en la figura de McGeoch, músico y graduado en Arte por la Universidad de Manchester.  Se les une Russell Webb, guitarra bajo y, ocasionalmente, siempre que su compromiso con Magazine no se lo impida, el batería John Doyle.  The Armoury Show estuvieron actuando en vivo desde 1983 hasta 1988.  Grabaron un sólo LP, Waiting for the Floods, publicado en 1985, del que se sacaron varios singles y que tuvo buena acogida tanto por la crítica como por la audiencia, pero nada más.  El LP se agotó, no fue reeditado sino años después en formato CD y el grupo pasó a los libros de historia del Rock.  Jobson se dedicó a otras historias laborales y se convirtió en locutor de Radio.

De ellos el Cíclope extrae un par de temas de su único disco, composiciones que cuentan con la presencia y actividad de la guitarra de John McGeoch.

Hoy y ayer de Richard Jobson

McGeoch estuvo con The Armoury Show desde el principio hasta su marcha en 1986.  Desde este año ya colaboraba con John Lydon en PIL (Public Image Limited).  La admiración entre ambos era recíproca y al final McGeoch aceptó la invitación de Lydon para pertenecer como miembro fijo de su proyecto, grabando con ellos los álbumes Happy? de 1987, 9 de 1989 y That What Is Not de 1991.

PIL (McGeoch izquierda, Lydon a la derecha)

Poco después, McGeoch y el resto de PIL se trasladan a Los Ángeles, California.  Hizo memoria de todo lo que había sido su vida musical de los últimos quince años y recordó la colaboración con Richard Jobson cuando este estaba en Skids y con quien llegó a tocar bajo el arco de ese nombre, sustituyendo a Stuart Adamson momentáneamente por encontrarse este enfermo aquejado de un fuerte estado gripal.  Estuvo con Billy Idol en Generation X, colaborando en la última grabación de la banda, el LP titulado Kiss Me Deadly...suma y sigue...el sol californiano no le llegaba a seducir por completo y McGeoch se volvió a Inglaterra.  Intentó varios proyectos con otros músicos pero no llegó a cuajar ninguno.  Siguió interesado en las formas del Arte, pintura, dibujo, hasta le llamó la atención la fotografía como medio de expresión.  En 1995 consiguió el título de enfermero aunque nunca ejerció la profesión.  Estuvo componiendo música para televisión (documentales, cortos, series) durante unos años junto a su antiguo compañero en The Armoury Show el guitarro bajo Russell Webb.  Aunque había dejado de mezclar alcohol y drogas, su salud, bastante deteriorada, manifestó el desorden una madrugada, mientras dormía: se le paró el corazón y ya no hubo más riffs de guitarra.  Había nacido el 25 de agosto de 1955 en Greenock, Escocia, y fallecía el 4 de marzo de 2004 en Londres, con 49 años de edad.

John Alexander McGeoch

Tras este paréntesis volvemos de nuevo a Magazine y al álbum que hoy ocupa el grueso del contenido del programa, el disco titulado Play que aparecería el mismo año que lo hizo The Correct Use of Soap, 1980, lo que ocurre es que este lo hizo a principios del año y el otro, a finales.

Play es el cuarto disco de Magazine y está grabado en vivo, en directo.  Recoge la actuación que llevó a cabo la banda en la ciudad australiana de Melbourne, en la Sala Festival Hall el 6 de septiembre de 1980, lo que significa que cuando el álbum ve la luz la grabación está caliente, recién realizada.  La producción del enlatado corrió a cargo de John Brand, un reputado ingeniero de sonido de los años 70 en los Estudios Trident de Londres.  Play reúne canciones de sus tres primeros discos, temas que, al ser interpretados en vivo, cambian notoriamente como es el caso de la versión que hacen de Feed the Enemy, tensa el original, acelerada la que realizan para la ocasión.

Un dato importante en la formación de Magazine: no está el guitarrista John McGeoch, cosa que no hay que recordarle a Devoto, aturdido y confuso por ya no tener la presencia creativa de su viejo amigo.  Le ha sustituido Robin Simon, que había estado tocando con Ultravox en el tercer álbum del grupo, Systems of Romance, de 1978, el último trabajo que contó con la voz de John Foxx.  Simon encajó notablemente bien en la densa interacción del grupo Magazine y cumplió con su labor que fue, básicamente, ejercer de guitarrista en la inminente gira que estaba planeada desde principios de año, meses antes de la marcha de McGeoch.  Para lo que viniera después...bueno, ya hablarían de eso porque, se quiera o no, Devoto andaba cabizbajo, sin muchas ganas de seguir haciendo cosas con el grupo.  Latía un cierto desaliento, no había una carga de producción como había sido habitual hasta el momento, con montones de temas para escoger para incluirlos en un disco larga duración y con los descartes elaborar una lista de posibles cara B de singles...se notaba la falta del guitarrista escocés...incluso la discográfica, con cierta previsión a la hora de cumplir con los puntos del contrato con el grupo, escogió la opción de un LP en vivo para cumplir con ciertos plazos indicados.

Play como ya ha quedado dicho ve la luz a finales de 1980.  El 3 de octubre de 1988 se reedita en formato CD tal cual fue el LP, pero la reedición del disco, en CD, en agosto de 2009 es doble: incluye además del original otro disco con otra actuación, en este caso en Manchester, en Lesser Free Trade Hall el 21 de julio de 1978.  En el primer CD la guitarra es de Robin Simon, en el segundo es de John McGeoch, como es obvio por la fecha de la actuación.  ¿Diferencias-semejanzas entre ambos?  El sonido más pulido del primero y el resultado más áspero, más punky, del segundo.  Y la carpeta del CD que es la misma foto de portada tanto del LP como la reedición del CD pero incluyendo un signo PLUS para indicar que contiene material extra.

 
Llegamos a los minutos finales del programa de hoy.  Para cerrar, después de escuchar a la banda en vivo y en directo, nos quedamos con un par de canciones no incluidas en su discografía de LPs pero que fueron Cara B de singles.  Es un material aparecido en 1990, cuando Magazine no existían ya como grupo y aún no nos podíamos imaginar que volverían a reunirse treinta años después de la aparición de su quinto disco, Magic, Murder and The Weather, de 1981, y que escucharemos en la próxima entrega de este Especial.

Decía que en 1990 aparece un CD titulado Scree (Rarities 1978-1981) que recoge esas Caras B de singles como por ejemplo el tema TV Baby, con letra de Howard Devoto y música de Dave Formula,  que fue Cara B del sencillo Rhythm of Cruelty, publicado el 2 de marzo de 1979 como tarjeta de presentación del segundo LP del grupo, Secondhand Daylight.  

En el álbum Play hemos escuchado el tema Twenty Years Ago, en directo, ahora, para cerrar esta edición de Cíclope 3.0, lo volvemos a traer pero en estudio, el original que aparecía como Cara B del single A Song from Under the Floorboards.

Hasta aquí el Especial Magazine # 3 que, espero, te haya gustado.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-02-03-21

Cíclope 3.0 - 23-02-21

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Forestbed - Robert & Shana Parkeharrison

Cíclope 3.0 del martes 23 de febrero de 2021.  Como sucede en tantas ocasiones, al comenzar la edición, el Cíclope escoge como apertura la música que está escuchando en el momento de ponerse a realizar la selección de canciones para el programa que tenga ante su ojo estereofónico.  En este caso escucha a The Colourfield.

A pesar de ser oriundos de la ciudad británica de Coventry, los miembros de The Colourfield se asentaron y crecieron como músicos en Manchester.  Capitaneados por Terry Hall (primero por la derecha), un hombre que venía de participar en proyectos dinámicos como The Specials, impulsores del ska inglés y Fun Boy Three, con su banda formada a principios de los 80 elaboró y desarrolló una música más calmada.

Se dieron a conocer como Colourfield en 1985 con un disco titulado Virgins and Philistines que incluía una versión de un tema original del trío The Roches, tres hermanas (Maggie, Margaret y Suzzy Roche) de origen irlandés-norteamericano apadrinadas por Robert Fripp que en alguna próxima edición rescataremos.  Hoy tan solo las traemos a colación por ser las autoras de Hammond Song, la primera pieza que escuchamos en versión de Hall y compañía.

  

Utilizando un reflejo especular del título del anterior álbum nos quedamos ahora con vírgenes, en masculino, llegados desde Nueva York.

The Virgins pertenecen a la nómina de músicos del siglo XXI.  Originales de New York, el cuarteto se forma sobre el año 2006.  Grabaron un primer álbum en el año 2008 y para salir de gira forman cartel haciendo de teloneros de figuras como Sonic Youth o Patti Smith.  En 2012 aparecía un single que no iría incluído en ningún larga duración y en 2013 veía la luz un segundo disco que cerró su producción y su historia.

Corta existencia, corta discografía y a pesar de ser de New York no sembraron una música de sonido impulsivo y rockero.  Eran tranquilos, dentro de un orden, como lo demuestra el tema que escoge el Cíclope incluido en su disco de presentación que bautizaron con el nombre de la banda.

The Virgins - 2008

Los dos primeros cortes que escuchamos en la edición de hoy de Cíclope 3.0 van a ser los dos únicos momentos tranquilos del programa porque lo que viene es bastante más agitado.

De vírgenes va la cosa y ahora vírgenes llamadas Mary, en plural.

The Virginmarys

The Virginmarys comenzaron como dúo y se asentaron al final como trío.  Es una banda original de la ciudad inglesa de Macclesfield que producen un rock fuerte, claro, transparente y diáfano como la luz del día.  Son, al igual que The Virgins, músicos que pertenecen a la nómina del siglo XXI: comenzaron rozando la década de los 10 de la nueva era, publicando un álbum de presentación en 2008.  Después de haber autoeditado una serie de EPs que se agotaron nada más aparecer, The Virginmarys siguieron fieles a lo que sabían hacer: rock mezcla de grunge y punk, metáfora de la insatisfacción expresada con el enriquecimiento del paso de los años.  No descubren nada nuevo, sencillamente interpretan y crean a partir de lo escuchado, asimilado y transformado.  Un trío, guitarra eléctrica, guitarra bajo y batería en una habitación, en un garaje, es la estructura de Rock más sólida que se puede uno encontrar.  Si se les deja que se expresen pueden montar un cirio como saben hacer los protagonistas de los dos próximos cortes extraídos de su EP del año 2010 titulado Casta the First Stone.  A ver qué te parece.

   

De vírgenes y filisteos ha sido el punto de partida del programa de hoy.  De las o los vírgenes ya tenemos referencia.  De los filisteos, uno de esos pueblos garrulos de la época de los hebreos, no vamos a hablar pero sí de uno de los mitos pertenecientes a la era anterior a Cristo, en concreto los Gigantes, aquellos seres mitológicos producto de la unión entre ángeles caídos y mujeres humanas que habitaron lo que se conoce como los Campos, las Tierras de Nefilím.

Siguiendo la narración del primer Libro del Pentateuco, el Libro del Génesis, después de que Yahvé creara al Hombre y la Mujer, Adán y Eva, tal para cual la pareja ideal, tuvieron descendencia: Caín y Abel.  Hay un tercer descendiente en discordia, Set, imprescindible porque la Humanidad tenía que continuar ya que Abel muere a manos de Caín y no íbamos a descender todos de la rama cainita, genealogía oscura maldita por su acción fratricida.  No es momento ni ocasión ni lugar para hacer una exégesis de los textos bíblicos, recordemos únicamente que Caín mató a su hermano Abel y que por tal motivo Yahvé (ya ves) lo expulsó del Paraíso que, a esas alturas, había dejado ya de ser una especie de Dysneilandia porque ya se había dado el pecado original, la desobediencia de no comer del Árbol del Bien y del Mal...etcétera.  El caso es que el Creador manda a Caín muy lejos, al Este del Edén, tierras conocidas con el nombre de Campos de Nefilím.

De la mitología hebrea a la mitología del Rock.  De todas las bandas involucradas en el movimiento del Rock Gótico británico de la década de los 80, Fields of the Nephilim, fueron de los grupos más creíbles.

La banda se formó en Inglaterra, en Stevenage, Hertfordshire.  Las canciones crípticas e inspiradas en el ocultismo fueron cantadas con un rugido gutural por el vocalista Carl McCoy (en primer plano en la foto), una forma vocal que se desarrollaría después ampliamente por diferentes ramas del Metal.  Las apariciones en vivo las realizaban envueltos en una luz tenue y máquinas de humo mientras que los miembros de la banda acechaban el escenario vestidos con una indumentaria que recordaban a las figuras del lejano Oeste, como si estuvieran preparados para formar parte de aquella película de Clint Eastwood titulada Sin perdón.  Fueron además uno de los grupos de rock gótico más longevos: la banda se forma sobre el año 1984 y se separa en 1991, cuando el vocalista Carl McCoy se marcha para entrar en otros proyectos.

De Fields of the Nephilim el Cíclope recupera el álbum de 1990 Elizium con dos cortes unidos en uno sólo: At The Gates of Silent Memory y Paradise Regained.

Elizium - 1990

De los tiempos antes de Cristo y de aquella mitología a los siglos XII y XIII de nuestra era.  Más bien dicho al siglo XXI pero con referencias a esa fecha anterior porque nos situamos ahora sobre una tierra que no es muy prolífica a la hora de aportar nombres a la Historia de la Música y, en concreto, a la música moderna.  Un país que limita con Rusia al norte y con China al sur, un país llamado Mongolia, desde el que llega una banda conocida por el nombre 

The Hu.

The Hu

Es una banda que toca Hunnu Rock, denominación de origen mongol que no sé cómo se puede traducir.  Utilizan algunos instrumentos del folclore mongol como es el morin khuur (pronunciado, más o menos, como morin juur), uno de los instrumentos característicos y más importante del pueblo mongol.  En la locución del programa creo que he dicho que tiene cuatro cuerdas, pues no, error, tiene dos.  Suena como un violín o una viola pero es distinto.  

Tal y como se puede apreciar en la foto, el morin juur posee una caja de resonancia trapezoidal y dos cuerdas que van fijadas a un clavijero que termina, habitualmente, decorado con una cabeza de caballo.  Las cuerdas se denominan macho y hembra.  La cuerda macho es la más larga de las dos y está hecha utilizando 130 pelos de la cola de un caballo; la cuerda hembra, más corta que la otra, está fabricada utilizando 105 pelos de la cola de una yegua.  El instrumento se toca o bien apoyado en las piernas o entre las mismas, como muestra la foto a continuación.

The Hu, además de hacer uso habitual del instrumento emblemático del pueblo mongol, incluyen en sus composiciones el conocido como Canto de Garganta de Mongolia como puedes apreciar en el primer tema que escuchamos de ellos, un homenaje al conquistador y guerrero mongol Gengis Kan incluido en su disco The Gereg, de 2020.

 

El álbum apareció el 13 de septiembre del año 2019 y se promocionó a lo largo de 2020.  Según los miembros de la banda estuvieron trabajando en el disco a lo largo de siete años para dejar todo lo más perfilado que pudieran un trabajo cuyo título, The Gereg, hace alusión al gerege, un pasaporte diplomático de la época de Gengis Kan.

Gerege o pasaporte diplomático mongol

En el álbum, The Hu muestran una paleta de sonidos eminentemente fuertes.  Tienen unas cuantas colaboraciones por parte de bandas metaleras, sobre todo del conocido como Nu-Metal, como es el caso de Jacoby Shaddix, vocalista de Papa Roach, los miembros de From Ashes to New y Halestorm, concretamente su vocalista femenina, Lzzy Hale (no me he comido ninguna letra, se llama así, Lzzy).  De esos temas nos quedamos con el que tiene la intervención de Shaddix, una composición titulada Wolf Totem.  Por último decir que el disco está producido por un ingeniero de sonido mongol, Dashdondog.

De Asia Oriental volvemos a Occidente bajo un fuerte aguacero tormentoso con London Cowboys.

London Cowboys

Estuvieron activos entre 1980 y 1987 y se puede afirmar que, en parte, London Cowboys fueron un misterio.  La base fue una doble columna vertebral formada por dos guitarras eléctricas: Steve Dior (tocado con un sombrero, en la foto) que además de tocar la guitarra cantaba y Barry Jones, la otra guitarra, el moreno junto a Dior.  Los dos permanecieron constantes en la formación, encargándose de escribir en letra y música todo el material que dejaron a sus espaldas que no fue mucho pero sí sustancioso y de alto voltaje.  Tanto en estudio como en sus actuaciones en directo contaron con una serie de colaboradores entre los que estuvieron Glem Matlock de Sex Pistols, la batería de Terry Chimes de The Clash, Tony James de Generation X, Jerry Nolan de New York Dolls y un guitarra del que se pensó que era miembro habitual y que en verdad fue un colaborador más, Mick Jones de The Clash.  Cierto es que Mick Jones habló maravillas del rock cimbreante y chulesco de London Cowboys, tan cierto como que, en unas cuantas ocasiones, subió al escenario en actuaciones de los Vaqueros Londinenses y descargó buen rock con ellos, pero no fue miembro fijo.  

Tuvieron una discografía muy corta: dos álbumes de estudio y uno grabado en directo.  Se quedaron muchas ideas como futuros proyectos que no llegaron a cristalizar.  Lo primero que publicaron fue el LP Animal Pleasure en 1982, tomando como referencia la película The Tattered Dress (El vestido roto) dirigida por Jack Arnold en 1957, con guión de George Zuckerman.  Un fotograma de la cinta es lo que ilustra la portada del disco y el título lo sacaron de una frase dicha en la ínclita película.

   

Dos años después del álbum de debut London Cowboys publicaban en 1984 un MiniLP, Tall in the Saddle, que incluía uno de sus temas estrella, Blue Murder, que es el segundo corte que suena de ellos en el programa.

Aparecieron varios discos recopilatorios pero de London Cowboys no se llegó a saber nada más.

Llegamos al final de la edición de hoy y lo hacemos descolgando la presencia de Mick Jones en las actividades de London Cowboys en trabajos más actuales como es su colaboración con The Wallflowers.

The Wallflowers (Jakob Dylan en el centro)

La banda formada por Jakob Dylan, hijo menor de Bob Dylan y de su primera esposa Sara Lownds, tuvo una existencia fructífera entre 1992 y 2012.  Dejaron un puñado de buenos discos de los que se puede hacer una larga selección de canciones favoritas y entre ellas se cuentan dos que tuvieron la presencia guitarrera del antiguo miembro de The Clash, Mick Jones.  Fue en el último disco que grabó el grupo, Glad All Over, firmado en el año 2012 y de los dos temas, como no tenemos tiempo para más, escogemos uno, Misfits and Lovers.

The Clash (Mick Jones primero por la derecha)

Mick Jones en la actualidad

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-23-02-21

Cíclope 3.0 - 16-02-21

 

Cíclope 3.0 del martes 16 de febrero de 2021.  Edición conmemorativa porque el pasado día 11, Cíclope 3.0 cumplió 7 años en antena en la sintonia de Radio Tomares.  Comenzó el 11 de febrero del año 2014 y desde entonces hasta hoy, con algunas interrupciones como reseño en la locución al presentar el programa, el proyecto de radio Cíclope 3.0 ha continuado siempre fiel a su máxima: escuchamos música a través del prisma del tiempo.

Una vez más quiero dar las gracias a Pablo Franco y José Antonio Granero por su estrecha colaboración en el Control de Sonido y a Radio Tomares por incluir en su programación una idea como es la de este espacio.

Empezamos con un regalo para el Cíclope, una canción que ilustra la tensión del fondo de ojo de este niño grande, un tema firmado por Elliott Smith: Alameda.

Steven Paul Smith, conocido como Elliott Smith, nacía en Omaha, Nebraska, el 6 de agosto de 1969, y creció en Texas.  Durante la mayoría de su vida vivió en Portland, Oregon, que vio cómo crecía un músico multiinstrumentista cuyo instrumento principal era la guitarra acústica pero que también manejaba la guitarra eléctrica, el piano, el clarinete, el bajo, la armónica y la batería.  Fue compositor y cantante dotado de una voz suave y característica que llegó a utilizar en grabaciones multipistas para crear armonías vocales.  Fallecía el 21 de octubre del año 2003.

En 1997, Smith publicaba Either/Or, un álbum de título existencialista: Ni lo uno ni lo otro.  Así se llamó el primer libro firmado por el filósofo danés Sören Kierkegaard, padre del existencialismo, aunque el disco del músico no tenía nada que ver con la obra literaria.  El álbum incluye precisamente esa composición calmada y serena que sirve para celebrar la onomástica del Cíclope y para abrir la galería de vibraciones que van a conformar la edición de hoy.

Con tranquilidad continuamos para conectar el pasado con el presente de la mano de Peter Hammill.

Sonó hace poco en el programa el álbum que Hammill firmaba en 1975, Nadir's Big Chance.  Para muchos hammillianos una especie de herejía en la producción del músico ya que se desmelenaba con aires punk en el corte que le da título al disco, el quinto en su discografía en solitario al margen de su labor en Van Der Graaf Generator aunque parte de la banda participaba en los créditos.  El álbum reunía un puñado de canciones emblemáticas dentro de la producción del músico británico.  Entre otras se encuentra una composición de Chris Judge Smith, cofundador junto a Hammill de Van Der Graaf Generator, el tema titulado Been Alone So Long que es el que recuperamos junto a Shingle Song.  Dos formas diferentes de estructuras y contenidos: la luminosidad serena de Been Alone... y el dramatismo de Shingle..., ambas con la colaboración de tres miembros de Van Der Graaf presentes en los créditos del disco y en todos los temas: la batería y percusión de Guy Evans, la guitarra bajo y los teclados de Hugh Banton y el saxo y la flauta de David Jackson, imprescindible para dibujar esos bucles entre voz y saxo.

Ayer y hoy de Chris Judge Smith

Guy Evans

     

Hugh Banton

David Jackson

Que Jackson aparezca en la foto soplando en dos saxos a la vez no es exhibicionismo ni afán acaparador, es que podía y puede hacerlo porque posee lo que se conoce como respiración circular.  Esto se logra al almacenar aire en la boca y expulsarlo mientras se inhala aire por la nariz para luego continuar exhalando aire desde los pulmones.  Qué cosas, tú.

Del pasado de Peter Hammill al presente.  Desde el año 2019 Hammill ha estado trabajando con otros músicos como fue el caso de la colaboración realizada ese año con la banda sueca de rock progresivo Isildur's Bane en el álbum In Amazonia.  No sólo era coautor de algunos de los temas tanto en letra como en música sino que también cantaba.  Ese mismo año aparecía Not Yet Not Now, un álbum recopilatorio de actuaciones en vivo de los últimos años de Hammill en solitario (voz, guitarra acústica y piano).  En 2020, el 20 de noviembre, aparecía el disco We Persuade Ourselves We Are Immortal de The Amorphous Androgynous con la colaboración de nuestro músico alma-máter de Van Der Graaf.  Aquí no es tan amplia la aportación que realiza en comparación a lo que fue su intervención con Isildur's Bane pero no por ello menos importante.  Es la voz en el tema que le da título a este trabajo del Andrógino Amorfo y uno de los prestigiosos colaboradores del disco donde también aparece Paul Weller, el que fue alma, entre otros proyectos, de The Jam.

The Amorphous Androgynous es uno de los alias más conocidos del dúo The Future Sound of London, proyecto británico de música electrónica formado por los multiinstrumentistas Garry Cobain y Brian Dougans.

Garry Cobain izquierda; Brian Dougans derecha

 

Future Sound of London (a menudo abreviado FSOL) se dieron a conocer en Manchester en la década de los años 80.  El tejido de su música muestra influencias del Acid House, Hardcore Techno, Ambient, Krautrock, Psicodelia de los 60, Hip-Hop, Trip-Hop, texturas industriales y una topografía urbana de imágenes y paisajes sombríos.  Tienen una discografía extensa que se balancea entre lo profundamente psicodélico y lo electrónico más caleidoscópico.

De su cara psicodélica nos quedamos con tres fragmentos del último álbum publicado bajo el seudónimo de The Amorphous Androgynous, We Persuade Ourselves We Are Immortal.  El primero, el que le da título al trabajo, con la voz de Hammill, los otros dos los escuchamos juntos, como uno solo, y son Physically I'm Here.  Mentally Far, Far Away y Psych Recap.

Las carpetas de los discos de Amorphous Androgynous son toda una declaración de principios de la psicodelia como ocurre con la del disco del año 2008 The Peppermint Tree & The Seeds Of Superconciousness

De la producción del dúo como Future Sound of London recuperamos el álbum de 1994 titulado Lifeforms (cubierta del disco foto de la izquierda) y el tema Flak, una composición cuya textura musical está realizada, entre otras colaboraciones, con la guitarra de Robert Fripp.

En 2020 Future Sound Of London publicaban Cascade, otra caja de bombones electrónicos con la que aumentan su contribución al mapa de la música que interconecta tantos estilos y estética.

Llegamos al final del programa y como estamos enredando tapices sonoros electrónicos nos despedimos con uno de los músicos más nombrados, reseñados, referidos y escuchados en Cíclope 3.0, me estoy refiriendo a Brian Eno.

El 20 de noviembre de 2020 se publica la recopilación de fragmentos de bandas sonoras firmadas por él con el título Film Music 1976-2020 con temas de su discografía ya existentes y utilizados en algunas películas como banda sonora y composiciones específicas para algunos títulos.  Ese mismo año aparece un Mini-LP, Film Music: Crime Pays; en este año 2021 son tres discos los que se editan bajo el mismo formato de Mini: Film Music: Voices and Words, Film Music: Jarman Stillnes, la banda sonora de la película de Derek Jarman Stillness y Film Music: Science Fiction.  Los dos últimos aparecidos entre los meses de enero y febrero de este año en curso.

De esta producción escogemos un fragmento del disco Film Music: Crime Pays en concreto el tema Always Forever Now.  Esta  composición pertenece a la banda sonora de la película Heat, de 1995, dirigida y escrita por Michael Mann y protagonizada por Robert De Niro, Al Pacino, Val Kilmer, Jon Voight y otros.  El score original de la cinta está compuesto por un veterano en materia de bandas sonoras, Elliot Goldenthal.  Con motivo del 25 aniversario de la realización de la película se reedita la banda sonora original formada por la partitura de Goldenthal más una serie de composiciones escogidas para el momento, temas que ya existían como es el caso que nos ocupa.  Always Forever Now es un tema perteneciente al álbum Original Soundtracks 1 firmado por Passengers.  ¡Ojo!  Hay o había un cuarteto (dos hombres y dos mujeres), italianos, de música discotequera puncha-puncha, con ese nombre.  Pero los Passengers que nos ocupa no son esos, fue el grupo de existencia corta formado por los cuatro miembros de U2 y Brian Eno, un proyecto surgido a raíz de la colaboración de Eno como productor de los álbumes The Unforgetabble Fire y The Joshua Tree.

El tema en cuestión lo retoma Eno para formar parte de esos Mini-LPs o EPs, si prefieres, que se vienen editando desde diciembre del año pasado.  La versión remasterizada de la banda sonora de la película Heat tiene una mezcla diferente para la composición de Passengers, pero la mezcla incluida en el EP Film Music: Crime Pays es tal cual la original incluida en ese disco de la foto.

Brian Eno y U2, Passengers

 

Espero que te guste el programa.

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