Cíclope 3.0 - 22-06-21

 

Jazz O(b)scuro

Cíclope 3.0 del martes 22 de junio, un día después del solsticio de verano de 2021, comenzando así el inicio astronómico del verano.  Haciendo alusión a la ínclita estación del calor por antonomasia comenzamos la edición de hoy, con un trompetista excepcional: Miles Davis.

En 1958 veía la luz la grabación de la ópera Porgy and Bess realizada por Miles Davis al frente de un combo de músicos excepcional: Julian Cannonball Adderley en el saxo alto, Paul Chambers en el contrabajo, Jimmy Cobb en la batería, Davis en la trompeta y como coordinador encargado de los arreglos y orquestación, Gil Evans.  En cualquier enciclopedia, libro o tratado sobre el mundo del Jazz, esta versión de Porgy and Bess está catalogada como uno de los momentos más brillantes de la Música AfroAmericana.  La ópera, original de George Gershwin en la partitura con libreto de Ira Gershwin y DuBose Heyward, ha recibido infinidad de interpretaciones.  El aria Summertime se ha escuchado por una diversidad amplísima de cantantes, músicos...una de las más conocidas fue la de Janis Joplin, pero nosotros hemos escogido la que hizo Davis con su trompeta para iniciar una edición de Cíclope 3.0 eminentemente jazzística...y oscura.

Hay una gama de sonidos dentro del mundo del Jazz que se le ha dado en llamar Dark Jazz, Jazz Oscuro.  Consiste en la unión de sonidos experimentales asentados en la electrónica, en los paisajes sonoros, en la música ambiental, en las formas libres de improvisación...  LAND, con mayúsculas, es una muestra de ese estilo que hoy ocupa el programa.  

LAND es un proyecto fundado por dos músicos británicos, Daniel Lea y Matthew Waters.  De Daniel Lea no hay fotos, no sabemos cómo es; de Matthew Waters sí,

pero hay que buscar a través de su alias artístico, Fatal, que no utiliza con LAND sino con otras aventuras de perfil electrónico.

La formación de la banda es temporal, la nómina de músicos cambia dependiendo del trabajo que se pretende organizar alrededor de unas composiciones que, unidas, presentan un resultado que se puede catalogar de narrativa musical apocalíptica, negra, que apunta hacia un mundo habitado por los detectives de las primeras historias de Paul Auster, mundos urbanos nocturnos, iluminados con dislocaciones de neón...Taxi Driver con su protagonista existencial deambulando sólo por la ciudad a altas horas de la noche.

Night Within fue el álbum de presentación de LAND, un disco aparecido en el año 2012, grabado en Islandia, en Reykjavik, con producción de Ben Frost, el músico australiano asentado en Norteamérica y miembro de los ruidosos Swans.  El disco contó con colaboraciones como la de David Sylvian, que se encarga de cantar y escribir el texto del segundo tema que escoge el Cíclope de esta banda.  También colabora un músico del que hablamos la semana pasada cuando escuchábamos el nuevo álbum de Morcheeba, el cantante y multinstrumentista Duke Garwood, que formaría parte del proyecto The Quiet Temple con los que terminábamos la edición anterior de Cíclope 3.0

En esta ocasión se encarga del saxo alto y el clarinete.

David Sylvian

 

Duke Garwood

Ya lo señalábamos al hablar de Garwood, que es un músico que está presente en los créditos de los discos de una variedad muy amplia de colegas de trabajo y que con todos saca lo mejor de sí mismo.  Por ejemplo ha trabajado con Carolyn Hume y Paul May, dos figuras del Jazz británico, pianista ella, batería él, que en el año 2000 grababan uno de los muchos álbumes que tienen firmados a medias.  Zero es el título de ese disco donde Duke Garwood tocaba el clarinete, en dos piezas en concreto, una de ellas es la que reseña el Cíclope, Black Clouds.

Paul May y Carolyn Hume

Hace tiempo, no mucho no creas, si utilizabas un nombre artístico y lo registrabas no lo podía utilizar nadie más.  Un grupo se bautizaba con un nombre y ese nombre no se podía volver a utilizar hasta que los músicos hubieran desaparecido y por lo tanto el proyecto.  Lo mismo para un artista solista masculino o femenino.  Pero las cosas han cambiado tanto que ahora si eres famoso, escribes un libro y lo publicas y alguien denuncia el contenido de la obra como plagio, en vez de hundirte en la más absoluta miseria el libro en cuestión puede duplicar o triplicar las ventas.  Hace tiempo a quien culpaban de plagio le caía encima una cruz negra invertida y se lo, o se la llevaba el Demonio y el Olvido.  Con lo de los nombres de grupos suceden cosas curiosas.  Una vez entré en una tienda de discos buscando un disco de un grupo llamado Incubus.  No recordaba el título del álbum pero si veía la portada lo reconocía.  El muchacho que me atendió me preguntó que a qué grupo con el nombre Incubus me refería, porque están Incubus de Calabasas, California; Incubus de Nueva Orleans; Incubus de Tampa, Florida; Incubus de Río de Janeiro, Brasil...  Todos hacían Rock, más o menos cañero.  Para colmo el tema que yo buscaba de ellos era un poco más tranquilo de lo que hacían habitualmente...  No, no lo encontré, me lo grabó un amigo unos meses después y sí, eran los Incubus de Calabasas, California.  Cuento todo esto porque la banda que escuchamos a continuación se llaman Land, igual que los que han sonado al comienzo del programa de hoy solo que escrito en minúsculas y los otros escriben el nombre en mayúsculas.  ¿Lo escogieron así para diferenciarse de estos otros que, además, son anteriores?  Lo ignoro, pero lo cierto es la coincidencia no sólo en el nombre sino también en la estética porque ambos proyectos se adentran en las formas del Jazz Oscuro.

Jeff Greinke, en la foto tercero contando desde la izquierda, es un compositor e intérprete de Jazz y Música Ambiental, norteamericano, que vive actualmente en Tucson, Arizona.  En 1993 funda el grupo Land descrito por el guitarrista de la banda, Dennis Rea, como una extraña mezcla de Jazz, Rock, Música Electrónica y Músicas del Mundo.  El proyecto, incluyendo a su fundador, llegó a contar hasta con 9 miembros en activo.  

Land publicaron tres álbumes entre 1995 y 2001 e hicieron actuaciones en vivo como la gira asiática de 1996 en la que tocaron en escenarios como China, Hong Kong y Macao.

Para recuperar una muestra de su música, el Cíclope escoge un tema del primer LP y otro del tercero.

Land - Land - 1995

Land - Road Movies - 2001

Los siguientes que suenan en la edición de hoy lo dicen todo con el nombre que escogieron para identificarse: The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble.

Seis o más miembros conformaban la estructura de esta banda holandesa formada en la ciudad de Utrecht en el año 2000.  La idea inicial fue la de un proyecto de música electrónica que se dedicarían a la composición de bandas sonoras para películas mudas entre las que se contaban Metrópolis, Nosferatu...  Pero se dedicaron precisamente a componer música dentro de los esquemas del Jazz Oscuro, como ellos mismos señalan en el nombre que adoptaron.  Entre los años 2006 y 2011 dejaron 4 álbumes y un montón de Singles y EPs.  Su música podría formar parte de la banda sonora de las películas de Dario Argento, de hecho en su último disco titulado From The Stairwell aparecido en 2011 firman una composición con el título de Giallo, igual que la película que Argento dirigía en el año 2009.  Ya no existen como The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, ahora siguen trabajando pero con el nombre de The Mount Fuji Doomjazz Corporation.  De ese álbum del año 2011, From The Stairwell (Desde el hueco de la escalera) nos quedamos con un tema.

Y nos ponemos ya en la recta final del programa de hoy.  Me habría gustado que hubiesen sonado más músicos de esta disciplina del Jazz O(b)scuro, pero no tenemos tiempo para más, tan sólo un tema vamos a poder escuchar de estos alemanes que ya han pasado en otras ocasiones por Cíclope 3.0 y que responden al nombre de Bohren & der Club of Gore.

Bohren & der Club of Gore

Cuatro viejos amigos que compartían el amor por estilos musicales como el Grincore, Hardcore, Death Metal y Doom Metal, se unieron en 1992 con la estructura de batería, guitarra bajo, guitarra eléctrica y guitarra eléctrica más piano.  La música que producían, instrumental, sin palabras, resultaba oscura, misteriosa y un poco inquietante.  Primero se llamaron Bohren (Taladro, taladrar, en alemán) y al poco tiempo de funcionar como banda añadieron lo de Club of Gore para aseverar que eran fans del grupo holandés Gore, especializados en música instrumental de estilo Hardcore, Metal y NoiseRock.  Sin embargo sus seguidores alemanes no seguían en ningún momento caminos tan explosivos y ruidosos.  De la oscuridad inquietante, Bohren & der Club of Gore pasaron a las atmósferas melancólicas cuando el guitarrista Reiner Henseleit abandona el grupo y es sustituido por el compositor y saxofonista Christoph Clöser quien precisamente con el sonido del saxo va a vertebrar la música de la banda.  Dark Jazz, Doom Jazz, Ambient Jazz, Jazz Noir...son matrículas que le han adjudicado a la música que produce este proyecto alemán que descubrió una vía de expresión que se deleita en un letargo sin prisas, una música persistentemente sedada, ejecutada de una manera modal y armónicamente mínima.  Sus principales influencias van desde las bandas sonoras de Cine Negro (un guiño a Miles Davis y aquella soberbia banda sonora de la película Ascensor para el cadalso), las partituras de Angelo Badalamenti, las baladas interpretadas con un saxo lánguido por parte de Ben Webster...y las imágenes sombrías, perversas y violentas de las novelas de Jim Thompson.  Con un tema de su álbum Blac Earth del año 2002 nos despedimos hasta la semana que viene.

  

 

Espero que te guste el programa.

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https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-22-06-21

Cíclope 3.0 - 15-06-21

 

Suspension - Robert y Shana Parkeharrison

Cíclope 3.0 del martes 15 de junio, edición un tanto tranquila, calmada...o por lo menos es la intención con la que comenzamos.

Lo primero que suena en el programa de hoy es uno de los EPs que Ben Watt (foto de la izquierda) grababa antes de que apareciese el primer álbum del dúo en el que desarrolló su actividad creativa, Everything But The Girl, donde compartió titularidad con Tracey Thorn.  El tándem se daba a conocer en 1982 con un EP, Night and Day, Watt, un año antes, publicaba Can't en formato Extended Play también.  Paralelamente al proyecto junto con Thorn, en 1982 la columna masculina del dúo editaba otro EP, Summer Into Winter

grabado a medias con Robert Wyatt que se encargó del piano y de los coros además de algún instrumento de percusión, mientras que Watt, además de componer, canta y toca la guitarra eléctrica en temas como el que escoge el Cíclope, Slipping Slowly.

Ben Watt ha sido siempre un hombre solitario que entabla diálogos fácilmente con otra persona cuando crea música.  Sin embargo hay excepciones, por ejemplo el año pasado, 2020, cuando publica Storm Damage, un disco marcado por la intimidad, por el dolor de la perdida de un ser querido y que contiene composiciones realizadas por él y la compañía de un trío formado por piano, bajo y batería.  Este año 2021 Watt edita Storm Shelter, más desnudo instrumentalmente que el anterior porque tan sólo está él y su piano con canciones como Winter's Eve.

Storm Shelter - 2021

Este comienzo tranquilo nos favorece que continuemos por senderos con ondulaciones calmadas como las que nos trae un hombre cuya labor en la música ha contribuido a que Portugal mantenga esa brillantez especial que posee en sus formas artísticas.  Me refiero a Rodrigo Leão.

Nacido en Lisboa en 1964, Rodrigo Leão es uno de los compositores e intérpretes portugueses que más ha contribuido a la riqueza y diversidad de la música en el país vecino.  Leão inició su andadura en la música como teclista, tocando en la banda Sétima Legião, un grupo que dio una nueva visión de la música Pop/Rock portuguesa a principios de los años 80.  Unos años después pasaría a formar parte de uno de los proyectos musicales más significativos nacido en territorio portugués, Madredeus, donde tocaría también los teclados.

A principios de los años 90 es cuando comienza a desarrollar una obra personal bebiendo de diferentes fuentes: comienza un periplo que parte de algún lugar situado entre los sondeos de ecos electrónicos y experimentales y la música clásica.  

Con el piano como instrumento de base, Rodrigo Leão ha ido elaborando una discografía y una puesta en escena que difícilmente puede dejar indiferente a los espíritus que busquen una expresión musical sin fronteras, sin matrícula que la defina, sólo música.

El 21 de febrero del año pasado, 2020, se editaba O Método, lo último que ha grabado el músico portugués.  Escogió Sevilla para presentar el disco que vería la luz inmediatamente después de esa actuación, al filo de la declaración de Estado de Alarma y el consiguiente Confinamiento.  Ya había pasado por la capital hispalense en el año 2011 y volvía para reencontrarse con una ciudad que le es cercana y grata.  Para presentar ese nuevo trabajo, actuó el 12 de febrero de 2020 en el Teatro Lope de Vega.  

En este nuevo trabajo, Leão refleja sus particulares habilidades compositivas retratando esos caminos musicales singulares que se inspiran en los sonidos electrónicos y en las diferentes expresiones de la música en el mundo.  En el disco intervienen músicos como Federico Albanese, compositor, teclista de origen italiano, cuya versatilidad le hace recorrer estilos que van desde la música clásica a la electrónica y a la psicodelia.  Junto a Jessica Einaudi, hija del reconocido compositor e intérprete Ludovico Einaudi, conforman el dúo La Blanche Alchimie.  De su álbum Galactic Boredom el Cíclope extrae el tema que le da título al disco.

Jessica Einaudi

Federico Albanese

Volviendo al disco O Método de Rodrigo Leão nos quedamos con otra de las colaboraciones que incluye la obra, la del cantante Casper Clausen (en la foto de la izquierda), vocalista de la banda danesa Efterklang.  

Con Clausen en la parte vocal y Albanese  contribuyendo en los teclados junto a Leão resuelven una de esas composiciones francamente hermosas contenidas en este álbum del músico portugués: The Boy Inside.

El último corte que escuchamos del disco de Leão, O Cigarro, está compuesto a medias entre él y la violinista y teclista Viviena Tupikova (en la foto inferior, a la derecha) que además canta.

De la voz de una mujer a otra, en este caso la de Lisa Gerrard

Lleva más de cuatro décadas en el mundo de la música esta vocalista, compositora y multinstrumentista.  Es una de las dos columnas vertebrales sobre las que se apoya el proyecto Dead Can Dance y además ha trabajado, y continúa haciéndolo, con una asombrosa variedad  de colaboradores, desde los compositores cinematográficos como Ennio Morricone, Hans Zimmer o Zbigniew Preisner hasta músicos como Klaus Schulze o productores como Patrick Cassidy.

De las últimas obras que ha realizado está una que es producto de la colaboración con Jules Maxwell

compositor de música para piezas de teatro y danza, influido por los esquemas minimalistas de la música de Gavin Bryars.  Maxwell entró a formar parte como miembro estable de Dead Can Dance a partir del año 2015, después de haber intervenido como músico de sesión en las actuaciones en vivo del grupo y a raíz de la reforma que realizaron Brendan Perry y Lisa Gerrard.  Desde ese año, Maxwell siguió tocando los teclados en el grupo, ya como miembro oficial.  Su relación con Gerrard  data precisamente de ese año, 2015, cuando se conocieron como compositores de piezas para el coro de mujeres Le Mystère des Voix Bulgares.  Parte de lo que no grabó el Coro se quedó entre los dos como algo susceptible de ser trabajado para darle otra meta.  Maxwell contactó con un viejo conocido, el productor afincado en Francia James Chapman.  Le enviaron parte del material que habían ido grabando y cuando deciden reunirse se declara la Pandemia de la COVID-19, por lo que tuvieron que trabajar por separado: Lisa Gerrard en Australia, Jules Maxwell en Inglaterra y James Chapman en Francia.  Trabajo concienzudo que fue adoptando forma y que acabó como el disco titulado Burn, publicado el pasado mes de mayo, el día 7 para ser más concreto.

El disco está formado por siete composiciones que, como es habitual en cualquier obra donde esté presente el ingenio de Lisa Gerrard, resultan emocionalmente resonantes donde se entretejen lo dramático, las texturas exuberantes y una dinámica que descubre un todo musical suntuoso.  Hay momentos en los que parece que estás escuchando a Dead Can Dance y es lógico: la voz icónica y a veces sin palabras de Gerrard se eleva con benevolencia sobre un misterioso y vaporoso acompañamiento instrumental.  Es algo característico en ella y allí donde interviene aparece esa, podríamos decir, marca de la casa.  El resultado final de esa triple colaboración (Gerrard, Maxwell, Chapman) es tan  envolvente, espiritual, sensual y emocional como cautivador.

Lisa Gerrard y Jules Maxwell

Por cierto, ya que estamos con una parte de Dead Can Dance, aunque lo digo en el discurso del programa lo dejo también por escrito: el próximo mes de julio cerramos el Especial Magazine; en agosto descansa Cíclope 3.0 y vuelve con la nueva temporada en septiembre estrenando Especial Discografía que va a estar dedicado precisamente a ellos, a Dead Can Dance.  Peinaremos su discografía y la de Brendan Perry y Lisa Gerrard en solitario.  El primer martes de cada mes, empezando por el del mes de septiembre que será día 7.

Como adelanto, vamos a recuperar uno de los álbumes de DCD, el titulado Aion, de 1990, y un tema interpretado por la voz masculina de la banda: Black Sun.

En la recta final de la edición de hoy nos quedamos con una banda de origen alemán que suenan con unas formas cercanas a la escuela estética de Dead Can Dance, ellos son Love Is Colder Than Death.

 

La banda se formó en 1990 siguiendo el sendero de la Dark Wave y tomando el nombre, El amor es más frío que la muerte, de la película de título homónimo del año 1969 dirigida por Rainer Werner Fassbinder (afiche de la cinta a la izquierda).

Tuvieron cambios constantes desde sus inicios, sobre todo en el frente vocal femenino (hasta tres mujeres llegaron a pasar por esa función).  Las que más tiempo permanecieron en el grupo fueron Susan Heinrich (en la foto superior) y Anja Hermann, la chica rubia de la foto inferior.

 La banda se separó en el año 2011.  En 2012, Maik Hartung, el que aparece en la foto sin un pelo en la cabeza, reorganizó el grupo con una nueva alineación pero duró poco.  La vocalista y el hombre de la derecha con melena larga, Ulrich Stornowski, dijeron adiós en 2013 y al final Love Is Colder Than Death se quedó como un dúo: Hartung y Ralf Jehnert, primero por la izquierda.

La formación de cuarteto de la foto es la que firmó el álbum de 2013 titulado Tempest

un disco que suena cercano a la estética Dead Can Dance, en la línea oscura de otras bandas también cercanas en estilo como por ejemplo el proyecto sueco llamado Arcana.

El grupo alemán alterna la parte vocal entre la voz masculina y la femenina, como hacen DCD con un sonido épico a veces frío y otras más cálido.  Para cerrar el programa de hoy un par de temas de este último álbum, uno cantado por voz de hombre y el otro por mujer.

Espero que te guste el programa.

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https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-15-06-21

Cíclope 3.0 - 08-06-21

 

Morcheeba

Como en tantas ocasiones hoy el Cíclope toma un disco y con una obra resuelve los sesenta minutos del programa.  Todo porque comienza a investigar los diferentes colaboradores, si los hay, y va entrelazando el hoy con el ayer de esos músicos que intervienen como es el caso del espacio de hoy, Cíclope 3.0 del martes 8 de junio, donde sonará un disco, Blackest Blue, el nuevo trabajo de la banda Morcheeba, aparecido el pasado mes de mayo, en concreto el viernes día 14, y compuesto y creado a lo largo del año 2020 mientras aprovechaban el confinamiento que les impidió tocar en directo.

Blackest Blue presenta una novedad: de trío, Morcheeba ha pasado a dúo.  Se ha ido uno de los hermanos Godfrey, Paul, y se ha quedado sólo Ross.  En la parte vocal sigue Skye Edwards, que dejó durante un tiempo el proyecto pero que volvió, después de haber grabado unos cuantos discos en solitario.

El nuevo álbum reúne una colección de 10 temas que fusionan los estilos que han desarrollado durante una carrera que ocupa ya tres décadas entre otras formas y estilos manejan el Soul, el Electro-Pop, Downbeat...  Composiciones instrumentales (empezamos con una canción sin palabras) y seguimos con el primer single extraído del nuevo trabajo.

Es un disco que contiene un par de colaboraciones, dos exactamente, que son las que protagonizan en primer lugar un músico de origen norteamericano llamado Brad Parr.

Brad Parr y su hermano Andrew (derecha e izquierda de la foto) voz y compositor uno, batería el otro, formaron por allá el año 2006 la banda The Barr Brothers.  Son de Boston, Massachusetts y a lo largo de la década de los años 90 estuvieron formando parte del combo de Rock The Slip, grupo que abandonaron en el año 2004 cuando ambos se trasladan a Canadá, a la ciudad de Montreal.  Entre esta ciudad y Quebec le dan forma al proyecto Barr Brothers.  En Montreal contactaron con una intérprete de arpa, Sarah Pagé, de formación clásica, y en Quebec conocieron al multinstrumentista Andrés Vial.

Los cuatro juntos y bajo el arco gravitatorio de composición que marcaba Brad  comienzan a desarrollar un estilo de música básicamente acústico, de raíces Folk y así en 2011 publican lo que sería su álbum de presentación, The Barr Brothers.

El disco, además de dar a conocer el universo de la banda, les sirve también para añadir al nombre del grupo el artículo "The" y The Barr Brothers se asientan en esa música de raíces folkys, aunque tienen espacio también para los ritmos más sincopados y cuando se electrifican hacen temas como el que reseña el Cíclope.

Saltamos en el espacio de hoy del disco nuevo de Morcheeba, Blackest Blue, a los discos de los dos colaboradores que participan con la banda británica.  Primero el tema en el que intervienen como vocalistas y después, algo de sus labores musicales independientes de lo que hayan hecho con Ross Godfrey y Skye Edwards.  Con ella cantan a medias Brad Parr y este otro músico, Duke Garwood.

El tema The Edge of the World cuenta con la voz de Garwood, el hombre de la foto a la izquierda, un músico nacido en 1969 en la zona rural de Kent, Inglaterra, asentado en Londres, y cuya experiencia en una amplia gama de instrumentos le ha facilitado aparecer en los créditos  de álbumes de una numerosa y ecléctica gama de músicos de estilos variados.  Esto ha supuesto que se sumerja en muchas atmósferas y formas, él que tiene sus raíces en el Blues, y que aporte unos perfiles de sonidos oscuros, espectrales, de ambientes nocturnos unas veces y otras de claroscuros experimentales que no dejan indiferente a nadie.  Ha sido y sigue colaborando con Mark Lanegan, con quien ha firmado discos a medias.  Está presente en los créditos de álbumes de músicos de Jazz como la pianista Carolyn Hume, en este caso utilizando el alias artístico de Luke Garwood.

Su primera aparición en disco, firmando con su nombre y apellido, data del año 2005, cuando aparece Holy Week, un debut que marcó una serie de grabaciones que establecieron su reputación como Bluesman de una variedad poco común.

El Cíclope rescata uno de sus discos en solitario, el titulado Heavy Love, del año 2015.

  
Garwood es uno de esos músicos cuya producción, ya sea en solitario o formando parte de los créditos de los álbumes de otros músicos, da para un montón de programas y además variados.

Entre sus diferentes proyectos está el de la banda de Jazz conocida con el nombre de The Quiet Temple con un disco grabado y publicado en 2019.

La idea de ese grupo surge entre Garwood y Rich Machin, una de las dos columnas sobre las que se apoya la formación Soulsavers.  Adoptan el nombre después de escuchar una composición titulada Quiet Temple original del pianista Mal Waldron e interpretada y grabada por los trompetistas Donald Byrd y Booker Little en el álbum The Soul of Jazz Percussion de 1960.

     

Este disco se reeditaba en el año 2000 con otro título, The Third World.

El mismo contenido, título cambiado, dándole protagonismo a los dos trompetistas, y edición pésima en cuanto a créditos se refiere: no hay la más mínima especificación sobre quién toca qué instrumento en los diferentes temas. 

Donald Byrd

Booker Little

Hasta aquí el origen de la idea, de dónde sacan el nombre para darle forma a un proyecto de perfil jazzístico, oscuro.  Ahora les quedaba hacer el casting para encontrar los músicos adecuados para el posible grupo.  De base, la formación será fluctuante, músicos que estarán hoy y quién sabe dónde mañana.  Por el momento, sobre el año 2017, cuando comienza a cristalizar la idea, los componentes son viejos conocidos, amigos y colegas de profesión con quienes ya han tocado.  Son:

 
Ray Dickaty, saxofonista, miembro de Stereolab y Spiritualized

Tim Lewis teclista, también conocido por el alias de Thighpaulsandra, miembro de Spiritualized y colaborador de Julian Cope desde 1992 hasta 2002 

         El batería Paul May

Peter Marsh guitarra bajo

Tony "Doggen" Foster Guitarra eléctrica, colaborador durante un tiempo de Julian Cope

Estilísticamente The Quiet Temple tienen como referencia estética tres grabaciones de Jazz de los años 70 que son los álbumes

Lawrence of Newark, 1973, del organista norteamericano  Larry Young

El álbum Gemini del trompetista Marcus Belgrave de 1974

De 1972 el LP The Black Ark del saxo alto Noah Howard

Los padres del proyecto, Garwood y Machin, conocían los tres álbumes pero los volverían a escuchar detenidamente y no lo harían solos, realizarían una audición detallada, analítica con todos los miembros de la banda.  Era el otoño del año 2017, estaban cómodamente instalados en los estudios Real World propiedad de Peter Gabriel y llevaron a cabo la tarea de escuchar los tres discos y montar un coloquio crítico después.  Se trataba de empaparse de lo que habían escuchado con pasión y de hacerlo suyo para comprometerse a grabar un disco en vivo, es decir, sin hacer demos, sin hacer tomas alternativas, grabar del tirón el proceso tal cual.  El resultado final es un disco de música laberíntica de alta inspiración.  Con un tema de ese disco terminamos hoy, con la promesa de recuperarlo en otra ocasión.

Espero que te guste el programa.

Enlace: 

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Cíclope 3.0 - 01-06-21 - Especial Magazine # 6

 

ShelleyDevoto

                                Dave Formula

Sexta entrega del Especial Magazine en Cíclope 3.0

Esta edición, martes 1 de junio, la penúltima dedicada a la banda de Howard Devoto y compañía, está protagonizada por dos de los miembros de Magazine: Devoto y Dave Formula, tal y como ilustra la doble foto de cabecera de esta entrada.  Falta un protagonista, el que comparte foto y proyecto con Devoto, su antiguo compañero en Buzzcocks: Pete Shelley.  Nombrados los héroes de la aventura de hoy entramos en materia musical.

Shelley y Devoto

Desde que Howard Devoto dejó la compañía de Pete Shelley en la    banda Punk Buzzcocks allá por 1976,  hasta que se reencontró con su antiguo compañero en el año 2000 habían transcurrido años y proyectos.  Devoto formó el grupo Magazine, después de la extinción de la banda colaboró con el laboratorio musical This Mortal Coil.  Grabó un álbum firmado con su nombre y  apellido, trabajó a medias con el guitarrista Noko formando el dúo Luxuria a finales de los años 80 principios de los 90.  Se retiró del mundo de la música, entró a trabajar en una agencia fotográfica encargándose del material de archivo y no se supo más de él.  Pete Shelley por su parte continuó al frente de Buzzcocks combinando su liderazgo con su trabajo en solitario, de tal forma que sobre 1980 desmantela el grupo y comienza a grabar una serie de discos creados a partir de computadoras y teclados electrónicos, nada que ver con lo que había estado haciendo hasta el momento.  Cambia no sólo el estilo de su música, también su estética a la hora de vestir y llevar el pelo, más...serio, más elegantón (traje, corbata, peinado...)  Así hasta 1986, cuando reúne de nuevo a Buzzcocks.  Habría una última entrega en solitario en el año 2016, dos años antes de morir.

Sería en el umbral del siglo XXI, en el año 2000, cuando volverían a contactar los dos amigos.  En verdad nunca habían perdido la relación totalmente porque en el primer álbum de Magazine, Shelley aparece como coautor del tema Shot By Both Sides.  Pero trabajar, componer, tocar ambos juntos no ocurrió de nuevo hasta ese año, 2000.  Dos cabezas así, juntas, no tardan mucho en empezar a crear y en cuestión de nada tenían unas cuantas canciones escritas a medias.  Una admiradora de los sonidos electrónicos de Shelley era la cantante Alison Goldfrapp que, junto  al teclista y compositor Will Gregory, formaba el dúo Goldfrapp desde 1999.  Fue ella la que se interesó por lo que estaba haciendo actualmente Shelley y así supo de la existencia de un puñado de canciones que los dos músicos habían compuesto a medias sin más pretensión que el hecho de hacerlas.  A ella le interesó el resultado y les pidió que hicieran de teloneros del dúo Goldfrapp en una actuación prevista para el 2 de septiembre del año 2000 en el ICA (Instituto de Arte Contemporáneo) de Londres.  Lo que hacían ellos, Devoto y Shelley, encajaba perfectamente con lo que hacían Goldfrapp, una música donde reinaban las melodías eléctricas y la electrónica experimental.  A la hora de buscar un nombre que identificara a los dos músicos en el cartel anunciando el evento, los dos, de mutuo acuerdo, escogieron el nombre de Buzzkunst.  El nombre fue un giro bastante astuto con respecto al nombre de la banda donde habían estado ambos, Buzzcocks.  No tenía ninguna relación con la anatomía femenina lo de buzzkunst, como tampoco tenía nada que ver con la anatomía masculina buzzcocks.  Al parecer, tanto Shelley como Devoto, vieron en la revista Time-Out la frase It's the Buzz, Cock! haciendo referencia a una serie de televisión.  La voz buzz en la jerga inglesa de Manchester hace alusión a la emoción de tocar en directo sobre un escenario; cock, en el vocabulario de la misma jerga, significa compañero, colega...es decir, nada que ver con ese obsceno vulgarismo que define al órgano genital masculino cuando se le tilda de polla.  Tampoco buzzkunst tiene nada que ver con la anatomía femenina ya que kunst es una voz alemana que significa arte, para que significase coño tendría que tener una C y no una K.  El significado final es algo así como Arte del Zumbido.

Explicoteado todo lo referido a nombres y posibles significados volvemos al 2 de septiembre del año 2000, actuación de Buzzkunst como teloneros de Goldfrapp.  Poco público, de forma intencionada.  No está pensado para un número lo más amplio posible de asistentes, todo lo contrario.

Las críticas del concierto referidas al dúo Devoto/Shelley fueron positivas destacando que la música electrónica que elaboraba el combo era un avance, un paso adelante.  Ambos músicos continuaron trabajando juntos pero sin intención de volver a visitar las glorias pasadas, es decir, sin pretender una investigación a posteriori de las luces de la juventud, cuando hacían otra música, traer esas reflexiones hasta el presente y hacer participes de ellas a una juventud que no había vivido aquellos años de inicio del Punk.  Siguieron componiendo juntos, partiendo de esquemas de música electrónica que Shelley había iniciado en su álbum Homosapien de 1981.  Si bien ayuda el tener un conocimiento de las historias individuales de cada uno de los dos músicos y aunque hay indicios del pasado, no son referencias explícitas en lo que realizaban en aquel momento.  La composición de la música recae sobre Shelley mientras que de los textos de las canciones se encarga Devoto, que zigzaguea con sus historias misteriosas y oscuras por entre las teclas de los sintetizadores.  En algún punto del proceso de creación el dúo decidió llamarse ShelleyDevoto.  Se tomaron con tranquilidad el componer canciones pero lo hicieron proyectados en un posible disco futuro, realidad que cristalizó en 2002 cuando tuvieron suficiente material como para grabar un álbum al que bautizaron con el título de Buzzkunst.

14 temas conforman este Buzzkunst aparecido el 5 de marzo de 2002.  Del total de canciones 4 son instrumentales y uno de ellos sirve para abrir hoy el Especial Magazine # 6.  Son cinco pistas las que escoge el Cíclope para que conozcas, si es que no lo habías escuchado, este único álbum del tándem ShelleyDevoto.  Hay un poco de lo que es el disco incluida una canción como Til the Stars in His Eyes Are Dead, un guiño a la estética de los primeros Magazine.

Tras la aparición de este Buzzkunst, Devoto volvió a la agencia de fotografía y Shelley continuaría al frente de Buzzcocks.  Había nacido en Inglaterra, el 17 de abril de 1955, en Leigh, Lancashire; fallecía el 6 de diciembre de 2018 en Tallinn, Estonia, tras sufrir un infarto.

El otro protagonista de la edición de hoy es el teclista Dave Formula.

Su nombre real es David Tomlinson pero se le conoce por el nombre artístico de Dave Formula.  Su actividad como músico se centra en sus labores como compositor y como teclista, teniendo el piano (acústico y eléctrico) y el órgano como herramientas de base para trabajar.

Formula nacía en agosto del año 1946 en Inglaterra, en Whalley Range, Manchester.  Su actividad musical se inicia en la década de los años 60 cuando forma parte de la banda St. Louis Union, un sexteto de estética Mod que cultivaron el Rhythm & Blues en aquellos años.

St. Louis Union 
(Dave Formula primero por la derecha en la primera línea)

Formula, en aquel tiempo, trabajaba como aprendiz de ingeniero de televisión, ocupación que compaginaba con la de músico de cabaret, trabajos temporales que le permitían vivir, comer y mantener el alquiler de un piso que compartía a medias con un productor musical que aún no era muy conocido y que se llamaba Martin Hannett.  Con el paso del tiempo sería responsable del sonido de grupos como por ejemplo, entre otros, Joy Division.  

La estela del cometa Dave Formula adquiere una trayectoria importante a raíz de pertenecer a la banda Magazine, donde entró en 1978 para grabar el primer LP del grupo, sustituyendo al teclista Bob Dickinson.  El perfil de su música se mostró con amplitud sobre todo en el segundo disco de Magazine, Seconhand Daylight, donde influye poderosamente con sus sugerencias a la hora de realizar los arreglos de las canciones y en el uso que hace de los sintetizadores.

A principios de los 80 participará en los dos primeros álbumes de Visage junto a sus compañeros de banda Barry Adamson y John McGeoch.

A principios del siglo XXI colaboró en algunos proyectos como The Angel Brothers y en el grupo de Soul/Jazz Dave Formula & The Finks, con estos especialmente en actuaciones en directo (en la foto superior, Formula tocado con sombrero)

En el mes de enero del año 2007, Formula comienza a trabajar sobre un disco en solitario, firmado con su nombre y apellido.  El proceso se extiende a lo largo del año y en 2008, cuando todo parecía indicar que se podía resolver la grabación del álbum, se anuncia que, Magazine, se volvía a reunir por primera vez desde su separación en 1981, pero sólo para dar algunos conciertos en febrero de 2009, dos de ellos en Londres y uno en Manchester.  Por supuesto se cuenta con la presencia del teclista Dave Formula en la reunificación de la banda.  Esto significa que el trabajo de Formula se ve desplazado en el Tiempo: se retrasa tanto su finalización como su publicación, planteada ahora para...para ser editada ya, sí o sí.  No se puede esperar más y al final, en 2010, un año antes de la publicación de No Thyself, el disco de la reunión de Magazine, Dave Formula veía editado su disco Satellite Sweetheart, con un plantel extraordinario de colaboradores entre los que están antiguos compañeros de Magazine como el guitarra bajo Barry Adamson, la guitarra eléctrica de Robin Simon, el hombre que entró en Magazine en 1980 para sustituir a John McGeoch que abandonaba al grupo tras publicarse el tercer LP, The Correct Use Of Soap.  Y Howard Devoto que canta en un tema y compone la letra de la canción Via Sacra, con música de Formula.  Satellite Sweetheart es un trabajo variado, diverso y rico, con momentos francamente brillantes, bien elaborados y mejor interpretados.

Hay una versión del tema Parade que Magazine incluyeron en Real Life, su primer disco, una composición con música compuesta por Adamson y Formula y que aquí interpreta el vocalista de color David McAlmont.  Hay también un homenaje póstumo a su compañero John McGeoch con el tema The Anti Hero, compuesto y ejecutado antes del fallecimiento de McGeoch en el año 2004.  En algún lado, en algún momento, los dos realizaron la grabación que recoge a McGeoch hablando y sacando sonidos de su guitarra eléctrica.  A mi me recuerda muchísimo aquel tema de John Cale incluido en su LP de 1972, The Academy in Peril, titulado Legs Larry at Television Centre donde el galés deconstruye la melodía de un cuarteto de cuerdas capitaneado por una viola incordiando con un discurso, órdenes de realización que da un regidor puntilloso y posesivo, acerca de cómo deben quedar distribuidos los objetos del decorado de un set de televisión donde se va a llevar a cabo algo (una obra teatral, una actuación...)  Es extraordinariamente parecida una composición y otra, imagino que debido a esas imponderables coincidencias del Destino.

Otro miembro de Magazine que aporta su buen hacer es el batería John Doyle que toca junto a uno de los colaboradores de renombre, nada más y nada menos que Robert Wyatt.

Wyatt, en la foto de la derecha, uno de los músicos de la Historia del Rock con más vitalidad y sabiduría musical, canta con un registro en la voz poco habitual.  Además toca la corneta en el tema El mundo detrás de tus ojos.  Esta es precisamente la canción que cierra este Especial Magazine # 6 que finalizará el próximo mes de julio con la séptima y última entrega.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-01-06-21