Cíclope 3.0 - 03-06-25 - Especial David Sylvian # 13 y Final

David Sylvian

Cíclope 3.0 del martes 3 de junio de 2025.  El espacio está dedicado a la última entrega del Especial David Sylvian, la número 13.  

Comenzamos donde terminábamos la edición anterior, la del mes de mayo.  Entonces escuchábamos un par de cortes del álbum Wandermüde, firmado entre Stephan Mathieu y David Sylvian, un disco instrumental publicado el 18 de diciembre de 2012.  Ese mismo año, el 30 de julio, veía la luz Night Within, un disco de 7 cortes firmado a medios entre los músicos norteamericanos Daniel Lea y Matthew Waters bajo el nombre de LAND.

Daniel Lea, compositor e intérprete residente en Los Angeles

Matthew Waters, saxofonista norteamericano relacionado con la vanguardia californiana

 

En este trabajo colaboraron una serie de músicos entre los que se encuentra David Sylvian, improvisando el texto del tema Nothing Is Happening Everywhere, que es el corte con el que iniciamos esta edición.

Un año después de esta colaboración de nuestro protagonista, Sylvian entrega un adelanto, un Single de un futuro álbum que se quedó en proyecto, porque no se llegó a terminar, y todo quedó en un sencillo de dos canciones.

¿Hasta qué punto puede un artista experimentar plenamente con el sonido de su música sin perder el significado en el proceso?  La posibilidad de experimentar con el sonido es ilimitada, aunque el resultado final a veces puede hacer que el concepto original se pierda en la propia obra: el significante se traga al significado.  Y viceversa.  

David Sylvian comenzó en la música mediada la década de los años 70 capitaneando la banda Japan.  Siguió en una constante búsqueda de formas musicales que le ha llevado a cultivar un sonido caleidoscópico, poliédrico, desarrollado a través de diferentes caminos: maneras del Jazz, de la música Pop más sofisticada, vanguardia experimental asequible, elementos con los que ha ido levantando un escenario de horizontes crepusculares, ambiente otoñal, redención de una melancolía que llegaba a un resolución luminosa.  Pero llegó un cruce de caminos, una opción en la que tuvo que dotar al vector de su música de una dirección.  Fue al principio del nuevo siglo, año 2003.  Su notable firmeza en crear música cada vez más vanguardista, aún a riesgo constante de distanciarse de su base de fans, Sylvian abandonó prácticamente el formato Pop convencional de una vez por todas con su obra seminal Blemish, publicada ese año, 2003.  Continuó profundizando y aparecerían trabajos como When Loud Weather Buffeted Naoshima en 2007, una composición de Sylvian de larga duración (1 hora, 10 minutos y 21 segundos) pieza para una instalación encargada por la Fundación del Museo de Arte Naoshima Fukutake en la isla de Naoshima, Japón, como parte de la exposición NAOSHIMA STANDARD 2 que se realizó desde octubre de 2006 hasta abril de 2007.  El resultado es un paisaje sonoro ambiental atmosférico, un collage de sonidos  concretos y encontrados.  Nuestro protagonista volvería a elaborar canciones pero no tuvieron nada que ver con lo que había hecho antes.  A Blemish, álbum seminal, le seguirían trabajos aún más difíciles de escuchar como Manafon, 2009, Died In The Wool-Manafon Variations, 2011.  En el terreno de las colaboraciones en el año 2012 se publicaba el álbum Uncommon Deities, firmado entre Jan Bang y Erik Honoré donde nuestro protagonista interviene como colaborador.  Ese mismo año aparecía el álbum que aparece citado al principio de la entrada de hoy, Wandermüde, de Stephan Mathieu y Sylvian.  Pocos meses antes colaboró con el proyecto LAND en su Mini-LP Night Within, y tras este looping en el Tiempo, recalamos en aquel Single adelanto de un álbum que no fue, el que se iba a titular Do You Know Me Now?.  

Sylvian había llegado a un punto de no retorno.  No quedaba rastro de aquel compositor de paisajes sonoros que mostraban la música por dentro.  El escalofrío de su voz no prometía el confort de sueños cálidos sino que pedía, exigía una escucha, una audición atenta.  Sus oyentes, largamente asentados en sus diseños interiores, se encontraron con que la música de su ídolo se había vuelto inexplicable, rara, fea, ruidosa.  Pero Sylvian seguía su camino, inflexible.  Le había dado la espalda a la Música Pop y a las grandes discográficas.  Junto a su hermano, Steve Jansen, había fundado el sello discográfico Samadhisound.  No había que pelear con ninguna productora, no había que buscar a alguien interesado en publicar lo que hacía.  Pero parte de la audiencia no aceptó esta línea evolutiva porque lo que querían, lo que quieren es seguir escuchando lo que Sylvian comenzó a hacer después de la existencia de Japan, esa forma de hacer música que mostró a partir de 1984 con la publicación del álbum Brilliant Trees y que siguió desarrollando.  Es decir: más de lo mismo.  Que todo siga igual.  Esto es algo común a otros grupos de admiradores no sólo de la Música, también se da en la Literatura: el perfil de oyentes, de lectores, que siempre buscan lo mismo, compuesto, cantado, escrito, estructurado, con el mismo contenido, las mismas formas, mil y una vez más.  Pienso que, para eso en el caso de la música, lo que pueden hacer es tirar de catálogo: tomar los discos anteriores y volverlos a escuchar una y las veces que haga falta.  En el caso de la literatura, con volver a leer lo ya leído, tienen bastante.  Así que, nuestro protagonista, con la nómina de fans particularmente mermada, ha continuado su camino y así nos encontramos este Single formado por dos composiciones que no tienen nada que ver con la producción que ha venido realizando desde principios del siglo XXI.  Do You Know Me Now?/Where Is Your Gravity? poseen una naturaleza más asequible al oído sin comprometer las ideas de su creador en aras de la accesibilidad porque, son composiciones de un perfil armónico frente a otras de los últimos trabajos donde abunda la abstracción y la experimentación, pero no son sencillas y, menos aún, simples.   Ambas canciones aquí tienen una identidad distintiva y un fuerte énfasis en el minimalismo, la atmósfera y el lirismo. Para la ejecución de las dos piezas, Sylvian se reúne de músicos con los que ha trabajado en varias ocasiones: Jan Bang, Erik Honoré, Arve Henriksen, Steve Jansen.

Llegamos al año 2014 y Sylvian compone una obra de largo título y también larga duración: There's A Light That Enters Houses With No Other House In Sight (Hay una luz que entra en las casas sin otra casa a la vista), 1 hora 4 minutos y 20 segundos.

  

Sylvian, además de componer, se encarga de grabar y de tocar una serie de instrumentos.  En la labor musical de interpretar instrumentos le acompañan dos amigos y colaboradores

El músico austríaco Christian Fennesz, guitarra eléctrica y ordenador

John Tilbury, pianista inglés

También intervienen dos músicos japoneses que volverán a aparecer como colaboradores poco después  

Otomo Yoshide

  

  Toshimaru                Nakamura

Sylvian formó junto a Christian Fennesz y Stephan Mathieu el proyecto The Kilowatt Hour.

  

En el año 2013, el trío actuó en vivo junto al poeta estadounidense Franz Wright (en la foto anterior).  Wright, nacido en 1953 y fallecido en 2015 de cáncer de pulmón, fue Premio Pulitzer.  Su extensa obra poética incluye el libro Kindertotenwald, cuya traducción podría ser Bosque de niños pequeños, aunque, dado el bien documentado trabajo voluntario de Wright con niños afligidos por el dolor, Niños del Bosque Muerto podría ser una traducción más apropiada.  Sobre la relación con el poeta, Sylvian contaba en septiembre del año 2013:

A principios de este año tuve la fortuna de conocer y trabajar con el poeta estadounidense Franz Wright, ganador del premio Pulitzer.  Había sido un admirador entusiasta de la obra de Franz durante muchos años, pero con la publicación del volumen Kindertotenwald descubrí que había establecido una conexión muy personal con una colección de poemas en prosa singularmente íntimos.  Al leerlo, no tenía ni idea de los giros inesperados que daría mi vida al año siguiente, cuyas ramificaciones encajaban tan profundamente con la obra de Franz (ya había escrito y grabado la canción principal de Died in the Wool y mis interpretaciones de la poesía de Emily Dickinson), ni tenía ni idea de que aproximadamente un año después estaría sentado en un estudio en su ciudad natal, Massachusetts, grabando sus lecturas de ese mismo volumen (Kindertotenwald).  A principios de este año 2013, le escribí a Franz con la esperanza de despertar su interés en un posible proyecto, que solo podía describir de forma vaga.  Por fortuna, conocía mi obra lo suficiente como para aceptar la idea desde el principio.  Desafortunadamente, su salud era muy delicada, pues le habían diagnosticado un cáncer terminal.  El cáncer no es un desconocido para Franz, ya lo había enfrentado una vez, una batalla que había ganado contra todo pronóstico, pero aquí estaba de vuelta, acechando, esperando el momento oportuno, un tiempo que Franz no puede permitirse desperdiciar mientras continúa escribiendo con formidable determinación, honestidad, coraje y devoción a su oficio, su musa, documentando sus fluctuantes estados de ánimo, sus percepciones, su intelecto, sus penas, sus amores y su furia sangrienta en estos, sus últimos volúmenes, el último de los cuales es F.  Al mismo tiempo que hablaba con Franz, también estaba hablando de una serie de conciertos con Stephan Mathieu y Christian Fennesz.  Ahora parece inevitable que estos dos proyectos se hayan unido en lo que actualmente es una breve serie de interpretaciones basada en el esbozo de una composición que preparé en agosto de 2013.  La pieza está construida para permitir la libre improvisación de Christian y Stephan, basada en las lecturas de Franz y mis propias construcciones compositivas. Mientras escribo esto, seguimos explorando las posibilidades de la pieza tras nuestra primera actuación en el Festival Punkt de Kristiansand, Noruega, en septiembre de 2013, y Franz sigue al otro lado de la línea hablándome de Jacob, del ángel y de mil cosas más que, la verdad, me han ayudado a sostenerme, al igual que su magnífica voz, que resuena en salas y teatros de Europa.

No podemos escuchar la obra There's A Light That Enters Houses With No Other House In Sight al completo porque dura más que el programa, pero sí al menos un fragmento.  De los textos que lee el mismo Wright entresaco dos.  Uno dice:

Me costaba dormir.  No sé cuánto tiempo estuve allí tumbado, escuchando la ventisca.  Tuve la impresión más vívida de que era una ventisca en Minneapolis en 1959.  Y esto me pareció perturbador.  Sabía que ahora tendría que encender la lámpara, levantarme de la cama e intentar escribir sobre mí.  Y, por supuesto, escribiera lo que escribiera, sonaría como algo que se había inventado. Pero al final, decidí quedarme quieto, darme la vuelta y guardarme para mí.  Creo que hice lo correcto.  Después de todo, solo fue una ventisca en Minneapolis en 1959.  ¿Cómo se supone que vas a describir algo como yo?  Y, pensándolo bien, ¿por qué deberías intentarlo?  ¿Por qué debería importarte?

El fragmento que suena de la obra en el programa incluye éste párrafo:

Lluvia de glicinia.  ¿Dónde está tu hija madre?  Esta debe ser la última abeja de la Tierra. ¿Así que ya no encuentras grandeza ni misterio aquí? Quizás olvidaste traer algo. Gorriones ambulantes.  Vasta nube electrónica de mosquitos en aguas sin viento.  Volumen azul noche en un idioma que nadie lee.  ¿Ya estamos cansados?  ¿Has terminado de debatir con los ciegos que insisten en que la luz no existe y tienes pruebas de ello?  Nadie está solo. Dios está solo. Si te gustó nacer, amarás morir.

Del año 2014 pasamos al año siguiente, 2015.  Desde los años 90 y principios del siglo XXI, Sylvian está relacionado con la escuela londinense reduccionista de música improvisada, punto de formación de músicos con tendencia a la improvisación libre.  Ese año, 2015, en el mes de marzo, nuestro protagonista se reúne con un grupo de músicos amigos:

Jan Bang, compositor y productor noruego

Otomo Yoshihide, un guitarrista experimental de Yokohama que venía de colaborar con nuestro hombre en el trabajo del año anterior

otro músico que repetía también del álbum anterior, el guitarrista japonés, Toshimaru Nakamura

Por último otro músico japonés, este original de Osaka, Dai Fujikura

Se reunieron en la antigua escuela de Ny-Hellesund, puerto del municipio de Kristiansand, en el condado de Agder, Noruega.  Era el mes de marzo del año 2015 y partiendo de una improvisación grabaron Playing The Schoolhouse, una composición de 15 minutos que se publicaría en octubre de ese año en una tirada limitada a 300 ejemplares.

Por ahora es el último disco que aparece firmado por David Sylvian.  Dos años después, en 2017, aparece como invitado en un disco firmado por Rhodri Davies y Mark Wastell.  Su nombre y apellido está en medio de los otros dos músicos, indicando una importancia fundamental en el trío que realiza y graba There Is No Love.

Rhodri Davies es un músico y compositor galés.  Es arpista y trabaja en el campo de la improvisación libre.  Fue uno de los miembros más destacados de la escuela londinense reduccionista de música improvisada, citada hace un momento.

Mark Wastell es un músico inglés de improvisación libre que toca el violonchelo, el contrabajo, instrumentos electrónicos, el tam tam e instrumentos de percusión.

Estos dos músicos han colaborado juntos en diferentes proyectos de libre improvisación y, obviamente, desarrollando esa actividad entraron en contacto con David Sylvian quien aceptó inmediatamente cunado le propusieron un proyecto como There Is No Love, una pieza de música de 30 minutos compuesta por Davies y Wastell con Davies en el arpa, vibráfono y efectos de radio, Wastell en una diversidad de instrumentos de percusión y David Sylvian en la instrumentación electrónica, tratamiento de la voz y voz, leyendo fragmentos de la obra In The Solitude Of Cotton Fields, texto original de Bernard-Marie Koltès, (1948 — 1989) dramaturgo, escritor y director teatral francés que aparece en la foto a continuación.

There Is No Love aparecía en 2017 con la portada que aparece unas líneas más arriba.  Esa es la versión CD, con carpeta diseñada por Mark Wastell y la creadora Aleksandra Grünholz.  Sylvian realizó un diseño distinto para la aparición en vinilo de la obra, y la carpeta del LP quedó así

Nos vamos acercando al final del programa de hoy y nos centramos en los años que llevamos de la década de los 20 del siglo XXI.  David Sylvian, estos últimos años, ha trabajado en colaboración con otros músicos como ocurría en 2022 cuando colabora con el trío Twinkle³, es decir, Centelleo elevado al cubo.

Twinkle³ es un proyecto capitaneado por el hombre de la izquierda, Clive Bell, que toca la flauta japonesa shakuhachi (la que toca en la instantánea), la sierra pi y la armónica khene o khaen, original de Laos; a su lado, Dave Ross, manejando sintetizadores modulares, varios instrumentos de viento y cuerda.  Por último, Richard Scott, manejando samplers, sintetizadores modulares y electrónica analógica.

En el año 2022, el trío publicaba Upon This Fleeting Dream, un trabajo que abarca poemas y haikus japoneses medievales y del siglo XVI sobre la muerte y la despedida.  

Para realizar este curioso viaje interior buscaron dos voces, la de la vocalista japonesa Kazuko Hohki, que ha estado en proyectos japoneses como Frank Chickens o Kahondo Style, donde también ha estado Clive Bell.  La otra voz que aparece en este álbum de Twinkle³ es la de David Sylvian, que recita en inglés algunos de los poemas japoneses y haikus medievales.  Y sin remedio, llegamos al final de esta edición que también es el final del Especial David Sylvian, hoy con la entrega número 13.  Para cerrar vamos a hacer un looping hacia atrás, hacia 1999.  Sylvian en 1987 publicaba Secrets Of The Beehive, un trabajo hermoso, muy hermoso, que supuso un punto y aparte en su producción porque tras este disco se dedicó a colaborar con otros músicos pero sin publicar nada bajo su nombre y apellido.  Será la época fructífera en la que trabajó junto a Robert Fripp, dando como resultado composiciones de un brillo especial.  Trabajó con músicos de estética variada y volvió a grabar y a publicar discos firmados con su nombre y apellido, 12 años después, en 1999, cuando veía la luz Dead Bees On A Cake.

El Tiempo no había pasado en balde y nos reencontrábamos con un Sylvian que había aprendido y mucho a manejar diferentes instrumentos, entre ellos la guitarra, tanto acústica como eléctrica.  Esa que ves en las líneas anteriores es la portada del disco de 1999, la misma que se utilizó en 2018, cuando se reedita el álbum pero doble, tanto en formato CD como en LP.  El contenido era más amplio que el de la edición de 1999, no porque incluyese las ínclitas Demos o Versiones Alternativas, sino porque recogía canciones que quedaron fuera por falta de erspacio en la primera edición, como sucede con el corte que hemos escogido para cerrar, un tema titulado Cover Me With Flowers, Cúbreme con flores.  

En los dos últimos años, de Sylvian ha aparecido una reedición en CD de su obra, una Box Set de 10 CDs titulada Do You Know Me Now?, como se tituló aquel Single de 2013 que quiso ser un anticipo de un álbum de nombre idéntico pero que se quedó en la intención.  Así que en 2023 vio la luz esta caja con esta portada:

      

Se vende en la web oficial de Sylvian, donde aparece también la caja The Perfume of Wealth, una edición limitada de 20 fotografías de David Sylvian y Yuka Fujii, fotógrafa, diseñadora, directora de arte y artista, más conocida por el público a través del trabajo en las carpetas de los discos de David Sylvian.  La publicación de este trabajo fotográfico se realizó el 23 de febrero de 2024.

Lo más inmediato, musicalmente hablando, que verá la luz de Sylvian será la publicación del álbum Vermilion Hours del pianista y compositor francés Melaine Dalibert, donde nuestro hombre colabora.  El disco verá la luz el próximo 27 de este mes de junio. 

Cuando nos sea posible, nos haremos con este disco para que puedas escucharlo aquí, en Cíclope 3.0

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-03-06-25

Cíclope 3.0 - 27-05-25 - Especial Siouxsie and The Banshees # 8

Foto original de Adrian Boot

 

Cíclope 3.0 del martes 27 de mayo de 2025.  Con el calor invadiendo hasta el último rincón despedimos el mes con la octava entrega del Especial Siouxsie and The Banshees, ocupado por dos discos de larga duración: el segundo álbum de The Creatures y el décimo álbum de estudio de Siouxsie and The Banshees.

Budgie y Siouxsie Sioux formaban The Creatures como un proyecto paralelo al proyecto madre Siouxsie and The Banshees en 1981.  Debutaron discográficamente ese año con un EP, Wild Things.  En 1983 aparecía su primer larga duración y siempre tuvieron muy claro que jamás harían sombra al proyecto matriz sino que Las Criaturas sería una actividad secundaria, sin desmerecer por ello.  En todo caso se movieron a rebufo de lo que sembraba y recogía la banda madre: Siouxsie and The Banshees se reinventaban, adquirían brillo, eso repercutiría sobre The Creatures.  Es lo que sucedió a finales de la década de los 80 y comienzo de los 90, cuando Siouxsie y compañía publican, en 1988, Peepshow: la banda se amplía de cuarteto a quinteto y desarrolla una actividad extraordinariamente inventiva.  Se enriquecen las estructuras de las canciones, suenan mejor que nunca, o suenan igual de bien pero dando unas cuantas vueltas de tuercas más.  Se han reinventado.  Esto da como resultado posibilidades que se vuelven hechos: composiciones, canciones nuevas que refrescan posibles dudas de cansancio.  Y al rebufo de esta abundancia creativa, la variedad del proyecto paralelo, The Creatures.  

El segundo larga duración de Las Criaturas vio la luz el 6 de noviembre de 1989.  Cuando Budgie y Siouxsie deciden grabar, lo primero que se plantean es cambiar de decorado: lo hicieron con Wild Things y con Feast, los dos primeros trabajos del proyecto, grabados en Hawai.  De la producción del EP se encargaron ellos dos, Budgie y Siouxsie, del LP un viejo conocido, Mike Hedges.  También estuvo presente en el EP, pero como ingeniero de sonido.

Ejerció como productor en el nuevo álbum, Boomerang, y se encargó de buscar un decorado afín a la actividad creativa de la pareja.  Frente al exotismo de Hawai les sugirió visitar España,

y en el mes de abril de 1989 recalaban en Cádiz, en Jerez de la Frontera, en la Hacienda La Peñuela (foto a la izquierda), donde se grabarían, en una unidad móvil, en el mes de mayo, las bases del disco Boomerang: las voces, la mayoría de los instrumentos.  Las mezclas finales se realizarían en Londres.

El segundo álbum de The Creatures se beneficia de la buena salud creativa de Siouxsie y compañía.  Boomerang es un trabajo vivo, amplio y variado.  Escucharemos siete cortes, dos de ellos hechos uno tal y como aparecen en el disco.  Desde el tema de apertura, el contundente Standing There, hasta la canción que tanto admiró Jeff Buckley, Killing Time, de la que llegó a hacer una versión.  Algo que resalta especialmente de este disco son los arreglos de instrumentos de metal, trombón, saxo y trompeta.  Estos arreglos se llevaron a cabo en Londres, cuando la grabación casi se había terminado y lo que quedaba eran las mezclas finales más algunos detalles que se ultimaron en la capital británica.  La instrumentación, las voces...de eso se encargaron Budgie y Siouxsie Sioux, pero recibieron la ayuda inestimable de una lista de colaboradores como por ejemplo la de Martin McCarrick

McCarrick es teclista y violonchelista, uno de los miembros nuevos en el seno de Siouxsie and The Banshees.  El instrumento que toca en el álbum Boomerang es el acordeón.

Más arriba he señalado como algo importante los arreglos de trompeta, saxo y trombón.  Hay un sesgo jazzístico en el disco y ese perfil lo da esa tríada de instrumentos de metal cuyos músicos son:

Peter Thoms, trombonista, compositor, arreglista británico.

Gary Barnacle, saxofonista, flautista y clarinetista, compositor, arreglista, productor e ingeniero inglés.  Ha tocado con The Clash, The Damned, The Boomtown Rats, Public Image Limited, por citar algunos nombres.

Enrico Tomasso, trompetista de jazz y fliscornista británico, tiene una intensa carrera en el estudio, incluyendo trabajos con Soft Cell, Marc Almond, Bryan Ferry.

 

Porque ni Budgie ni Siouxsie Sioux tienen caracteres impermeables, porque todo lo que les rodea forma parte del crisol de su creatividad, el que estuvieran durante un tiempo conviviendo con formas musicales como el flamenco no pasó desapercibido para sus formas de concebir la música.  La función de un productor como Mike Hedges, que ha trabajado en varios discos ya sea de la banda Siouxsie y compañía o con The Creatures, le da cierta capacidad de visión premonitoria.  Sabe de la actitud de las dos criaturas cuando se trata de ordenar ideas y ampliarlas: buscan no ocultarse, esconderse, al contrario, lo que quieren, lo que buscan es sacar los radares, ponerlos a la intemperie y que capten todas las señales interesantes posibles.  Estaban en Cádiz, en Jerez de la Frontera, veta caleidoscópica del flamenco.  Y las dos criaturas se empaparon del arte de la tierra y esponjaron todo lo que encontraban de interés en el camino.

Se vistieron de forma tópica para hacer posados de fotos.  Una forma de divertimento, pero lo más importante es que el sonido, las maneras de lo flamenco entró a formar parte de sus canciones como ocurre con la composición Manchild.  El contenido de la canción lo explicaba Budgie:

Es una historia ambientada en Colombia antes del cártel de la droga.  Trata sobre un niño pequeño envuelto en una disputa, una vendetta entre su pueblo y otro pueblo rival.  En un sentido más sutil, se trata del narcotráfico, pero termina con el pueblo más fuerte exterminando a toda la población masculina del otro pueblo hasta que solo quedó un chico llamado Nelsito.  Se creía que viviría al menos hasta los 18 años antes de ser asesinado, pero le dispararon camino a la escuela.

Como colaboradores para esta canción se rodearon de nombres relacionados con la facción joven del flamenco de Jerez de la Frontera.  No he encontrado fotos pero por lo menos tenemos sus nombres y apellidos, que son: Antonio Partida, Domingo Ortega, Eva Ruiz-Verdijo, Innia Ortega, Nuria Fernández y Rafael Cancelo.

Por último, el disco aparecía con una carpeta cuya foto de portada es francamente buena.  Aunque está reproducida más arriba, la recuperamos:

  

Es un trabajo original de Anton Corbijn, a la izquierda, de origen holandés, fotógrafo de rock, creador de video-clips y director de Cine.  En la época en la que aparece el disco de The Creatures, Corbijn formaba parte del Colectivo de Diseño Gráfico Area (10) a quien está atribuido todo el trabajo de fotografías de el álbum en cuestión.

En este Especial Siouxsie and The Banshees # 8, el segundo disco que nos ocupa es el décimo trabajo en estudio de la banda, publicado el 10 de junio de 1991 y titulado Superstition.

Están los mismos que en Peepshow: Siouxsie Sioux, voz, Martin McCarrick en el violonchelo, dulcimer y teclados, Budgie, batería, percusión y teclados, Steven Severin, guitarra bajo y teclados, Jon Klein, guitarra.  Hay una colaboración especial, la de Talvin Singh, que se encarga del instrumento hindú de la tabla.  La portada, con esa foto a medias desenfocada de la figura de Siouxsie Sioux, es original de la fotógrafa Donna Francesca.

De la producción del disco se encargó Stephen Hague, norteamericano de Portland, con una visión comercial de la música, alguien cuya labor no llegó a satisfacer especialmente a Siouxsie, cuyo resultado final del álbum no consiguió convencerla.  La banda compuso las canciones en un estudio residencial en Gales.  Posteriormente, el álbum se grabó con el productor Stephen Hague en Londres.  Hague utilizó técnicas que a Siouxsie no le gustaron como la producción digital.  Hubo canciones que le gustaron cómo habían quedado (Kiss Them for Me y Drifter, por ejemplo), pero estuvieron probando un estilo de trabajo diferente, una disciplina distinta, durante la cual realmente ella levantó una sólida defensa contra las computadoras y lo digital.  Steven Severin, sin embargo,  tenía una perspectiva diferente: le gustaba la forma de trabajar de Hague que consistía en pulir, pulir y volver a pulir, hasta conseguir algo que sonara genial.  Qué consideraba el productor como genial es otra historia porque, el resultado final de la audición de Superstition, es un tanto insatisfactorio.  No es que suene mal, es que suena a algo que podrían haber hecho otros músicos, otros grupos, pero no tiene el sello personal de una banda que ha sabido transitar entre paisajes oscuros y espacios luminosos, que han grabado discos que son ceremonias góticas con la suficiente luminosidad como para no parecerse a nadie y ese es el talón de Aquiles de este disco: canciones como Silly Thing las podrían haber hecho cualquier grupo con una producción mínimamente decente y lo que han hecho siempre Siouxsie and The Banshees es sonar de forma distinta a cualquier otro proyecto.  También es cierto que el grupo buscaba entrar en el mercado norteamericano y que para ello tenían que estar preparados, con un producto elaborado para escalar las listas de éxitos.  No sé, tú.  A mi el disco me deja un tanto indiferente, a pesar de tener un puñado de canciones que merecen la pena.  Un total de seis temas son los que escuchamos de este décimo disco de estudio del que se pueden escuchar con buen rollo algunos temas.  Que el que, la que tuvo, retuvo.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-27-05-25

Cíclope 3.0 - 20-05-25 - Especial Richard Sinclair

 

Cíclope 3.0 del martes 20 de mayo de 2025.  En el programa de hoy nos ocupamos de repasar la trayectoria creativa de un músico.  No lo hacemos porque haya muerto, no, está vivo y sigue tocando su guitarra bajo y cantando.  Le dedicamos los 60 minutos del espacio en un especial que lleva su nombre y apellido.  No es un Especial Discografía, es un Especial de un día.  O más bien dicho, un Especial de un par de martes porque con todo el material que hay de él, no abarcamos con un solo día.  Nuestro protagonista en cuestión es el hombre de la foto de cabecera, un músico que responde al nombre y apellido de Richard Sinclair.

Arrancamos el espacio de hoy con una canción cantada por él, un tema perteneciente al álbum Breathless, de 1978, de la banda Camel, uno de los proyectos de los que ha formado parte durante unos años.  Es una forma de empezar, volveremos a Camel, ahora, un poco de la historia personal de este músico cuyo nombre completo es Richard Stephen Sinclair.  Nace en 1948 en Canterbury, Inglaterra.  Ha trabajado con músicos británicos y europeos de Rock Progresivo, Jazz-Rock a lo largo de varias décadas.  De hecho, en muchos sentidos, su currículum vítae se lee como un quién es quién en la legendaria escena de Canterbury.  Sus comienzos en la música se producen con tan sólo tres años de edad, cuando empieza a tocar el ukelele.  Vivía en un ambiente eminentemente musical: su abuelo y su padre fueron músicos activos, conocidos por sus actuaciones en el condado de Kent.  A los seis años, nuestro hombre toma la guitarra acústica y a los 15, la guitarra eléctrica.  Será a esta edad cuando entra en contacto con los hermanos Hopper, Brian y Hugh, ambos embriones de un proyecto tan seminal y caleidoscópico como The Wilde Flowers, punto de fuga para el desarrollo de lo que se conoce como Sonido Canterbury, Escena Canterbury, porque todos los grupos estuvieron formados, la mayoría, con músicos de la localidad que desplegaron una creatividad enraizada con el Rock, el Jazz, el Folk, enhebrado todo por los hilos coloristas de la Psicodelia.  Nombres como Robert Wyatt, Kevin Ayers, Pye Hastings, Hugh Hopper, su hermano Brian Hopper, David Sinclair y su primo, Richard Sinclair, contando 15 años edad, tocando la guitarra rítmica y haciendo coros.  Hugh Hopper estaría en Soft Machine y Richard Sinclair, con mayoría de edad, formaría parte de Caravan, dos de los grupos pioneros en la escena Canterbury a finales de los años 60 y a lo largo de los 70.  Así que, The Wilde Flowers fue el germen de dos proyectos canterburyanos tan influyentes.  Y de mucho más.  Lo curioso es que los Wilde Flowers no grabaron nada a lo largo de su existencia entre 1963 y 1969, los archivos sonoros que se han recuperado vieron la luz en 1994 bajo el título Tales of Canterbury, The Wilde Flowers Story.  Se editó en CD con la portada siguiente

A la hora de hablar de aquel Sonido Canterbury, el nombre de Caravan es un referente inmediato.  Fue una de las bandas de rock progresivo más formidables de Inglaterra a finales de la década de 1960, aunque nunca fueron mucho más que una banda de culto de gran éxito en su país y, salvo un breve momento en 1975, apenas se la consideró una banda de culto en el resto del mundo.  Solo llegaron a las listas de éxitos con un álbum en sus primeros seis años de actividad, pero causaron un gran revuelo en la prensa de rock inglesa, y su público ha sido lo suficientemente fiel y amplio como para mantener su obra impresa durante largos períodos durante las décadas de 1970, 1990 y el nuevo siglo.

Caravan se formó desde el seno de aquellos The Wilde Flowers que, tras disolverse, dejó libres a músicos como Pye Hastings, Richard Sinclair, su primo Dave Sinclair y Richard Coughlan.  En el mes de enero de 1968 quedaba constituida la existencia de Caravan.  En el mes de agosto grababan su primer LP que vería la luz a finales de ese año, con un Richard Sinclair que aún no destacaba por las características que, poco después, serían sus señas de identidad: su voz y la técnica para tocar la guitarra de bajo.

Portada del primer disco de Caravan bautizado con el nombre de la banda.

Los temas que vamos a escuchar de este grupo, en todos está presente la voz de Sinclair y su buen hacer como bajista.  Sería con el tercer LP cuando Caravan asentarían su sonido, su estilo.  El doble LP titulado In The Land Of Grey And Pink presentaba formas de composición extensas (Nine Feet Underground dura cerca de 23 minutos) algo que sería común a muchas composiciones de lo que fue el germen de lo que posteriormente se ha dado en llamar Rock Progresivo.

  

No nos vamos a quedar con esos cortes largos, escogemos otros más breves para darle cabida al mayor número de temas posibles.

En 1972 y tras la publicación del cuarto LP del proyecto, Richard Sinclair deja el seno de la banda Caravan.  Es momento de cambios, tal vez de replantearse otras formas, otras metas...  Sinclair no se va de mal rollo.  Sale pero no se aleja mucho porque siempre va a estar dispuesto a colaborar y de hecho volvió a Caravan cuando, años después, deciden reunirse de nuevo para volver a tocar.  Ya llegaremos a eso, por ahora nos quedamos con tres temas de Waterloo Lily, el cuarto disco de la banda.

Sinclair sale de Caravan en 1972, y no creas que va a estar demasiado tiempo ocioso.  Ese mismo año de 1972 ya está centrado en otra historia, otro grupo, otra banda, otro proyecto que, en esta ocasión, según una parte bastante amplia de la audiencia, es el auténtico representante de lo que se conoce como Sonido Canterbury, el cuarteto Hatfield and The North.

De izquierda a derecha, Richard Sinclair, guitarra bajo y voz, Dave Stewart, teclados, Pip Pyle (1950-2006), batería y Phil Miller (1949-2017), guitarra.

Hatfield and The North tomaron su nombre de las señales de tráfico que indican las salidas de Londres, encaminando a los conductores hacia la carretera A1, conocida anteriormente como Great Northern Highway, que corre hacia el norte a través de Hatfield (Hertfordshire) en dirección a Edimburgo.  El proyecto se originaba en 1972.  Durante lo que quedaba de año y 1973, se dedican a engrasar la maquinaria, a ensayar juntos.  Grababan y editaban el primer disco en 1974 bautizándolo con el nombre de la banda.

El disco no se publicó en España.  Aún no existía Internet, no había plataformas de compras, ni programas de intercambio de música P2P, había que encargárselo a un amigo que se había casado y se iba de viaje de luna de miel a Londres.  El primer LP de Hatfield and The North reunía, en esencia, la Escena Canterbury: sonido de Jazz, de Rock, música elaborada, composiciones breves (30, 40 segundos) unidas, formando pequeñas unidades de 6, 7 minutos.  Escuchamos seis cortes en dos bloques y pasamos, para despedir el programa de hoy, al segundo álbum del cuarteto, el único que se publicó en España y que una vez que se agotó, no volvería a ser reeditado.  Su título, The Rotters' Club.

   

En la portada, incluida la contraportada.

Decía al comienzo que no nos iba a caber toda la actividad de Richard Sinclair en una hora, por eso volveremos con él el próximo mes de junio, algún martes de los cuatro que tiene el mes.  Escucharemos con más detenimiento el segundo disco del grupo.  Hoy nos da tiempo tan solo a un corte, Share It, Compártelo, lo que hacemos aquí en Cíclope 3.0, compartir las buenas vibraciones de la buena música.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 13-05-25 - Especial David Sylvian # 12

David Sylvian

 

Cíclope 3.0 del martes 13 de mayo de 2025.  Ya explicoteo al comienzo de esta edición de Cíclope 3.0 por qué, siendo el segundo martes de mes, dedicamos el programa al esquema Especial Discografía que, habitualmente, es al principio de cada mes y al final, primer y último martes.  Hoy entramos en la entrega número 12 del Especial David Sylvian al que que le queda muy poco para acabar y dar paso a otra discografía.  En el programa resolvemos un trabajo tan interesante como el que firmaba nuestro protagonista en mayo del año 2011, Died in The Wool - Manafon Variations

El álbum se editaba en el mes de mayo en tres fechas diferentes: en Japón el 18, en Reino Unido (Europa) el 23 y en Estados Unidos el 31.

Las Variaciones Manafon, las versiones que realizaba del anterior álbum titulado así, Manafon, las hemos escuchado y en la edición de hoy nos vamos a centrar en los cortes originales de Died in The Wool comenzando con A Certain Slant Of Light.

Habitualmente Sylvian escribe las letras de sus composiciones pero en este caso concreto, así como en otros cortes, utiliza poemas originales de Emily Dickinson (1830-1886) en la instantánea de la derecha.  La canción Una cierta inclinación de la luz lleva una dedicatoria: a M.K., las iniciales del nombre y apellido del que fue guitarra bajo de la banda Japan, Mick Karn, seudónimo artístico de Andonis Michaelides, nacido en Nicosia, Chipre, el 24 de julio de 1958 y fallecido de cáncer en Chelsea, Londres, el 4 de enero de 2011.

Mick Karn

La admiración de Sylvian por Emily Dickinson se traduce en la utilización de otro poema como texto de base para una de sus composiciones, la titulada I Should Not Dare.  Died in The Wool - Manafon Variations es un trabajo doble.  Del primero de los dos discos hoy escuchamos 7 cortes; el segundo está ocupado por uno sólo, una larga composición de 18 minutos y 15 segundos titulada When We Return You Won't Recognise Us 

una pieza compuesta e interpretada entre David Sylvian y el compositor e intérprete de origen japonés Dai Fujikura (en la foto de la izquierda)  La pieza fue un encargo para la Bienal de Canarias 2008-2009,  formó parte de una instalación sonora y se inspiraron para componerla en un artículo del año 2003 sobre investigación genética en las Islas Canarias.  Es una obra que cobra sentido si estás contemplando las imágenes a las que van asociadas la música.  Si no, es particularmente árido escuchar esos 18 minutos y pico seguidos, por eso el Cíclope te muestra un fragmento de la pieza (3 minutos y 58 segundos) para que al menos sepas cómo suena.

Entramos ya en la recta final del programa de hoy y nos quedamos con una variedad de trabajos donde aparece el nombre y apellido de nuestro protagonista pero que no son discos firmados por él como es el caso de este del que nos vamos a ocupar.  En el año 2012, el 24 de septiembre, aparecía un álbum titulado Uncommon Deities con esta portada

 

Cinco nombres y apellidos de los que dos de ellos son los responsables de este trabajo: Jan Bang y Erik Honoré.  Los otros tres, colaboradores: David Sylvian, Sidsel Endresen y Arve Henriksen.

  

Jan Bang es compositor, intérprete de una variedad amplia de instrumentos tanto acústicos como electrónicos y es además productor.

Erik Honoré es músico, compositor, intérprete también de variados instrumentos acústicos y electrónicos, es ingeniero de sonido y escritor.

El dúo tiene en común que ambos miembros son de origen noruego, a pesar del apellido francés del segundo.  Se acompañan por dos colaboradores también noruegos, la cantante Sidsel Endresen y el trompetista Arve Henriksen.  Esto es curioso: todos han participado en trabajos recientes de Sylvian y él devuelve la colaboración poniendo la voz y digo bien: pone la voz, porque en esta ocasión Sylvian no canta, 

lee un poema del poeta noruego, Paal-Helge Haugen, a la derecha
 

Ese mismo año de 2012, el 18 de diciembre, se publica otro trabajo donde aparece el nombre y apellido de nuestro protagonista pero en esta ocasión sí como titular, es el disco Wandermüde,

un álbum cuya portada reproduce la foto de la izquierda y firmado a medias con el ingeniero de sonido y productor Stephan Mathieu que, a pesar de su apellido francés, es de origen alemán.  Sylvian no canta, toca instrumentos variados, y el dúo realiza composiciones de perfil eminentemente atmosférico y ambient.  Como muestra, un par de cortes: Dark Pastoral y Desaceleración.  Música instrumental que nos sirve para cerrar y despedirnos de Sylvian hasta el mes de junio.  Cíclope 3.0 vuelve la semana que viene.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 29-04-25 - Especial Siouxsie and The Banshees # 7

 

Siouxsie Sioux - 1988

Cíclope 3.0 del martes 29 de abril de 2025.  Séptima entrega del Especial Siouxsie and The Banshees que comienza resolviendo los cortes que nos quedaban por escuchar del álbum de versiones de 1987, Through the Looking Glass.  Serán cuatro versiones, dos aparecidas en formato LP y otras dos que se publicaron en Single antes de ser incluidas en trabajos de antologías.  Empezamos por un tema original de John Cale que él incluía en su LP de 1974, Fear, la canción Gun.  El otro corte que estaría formando parte de un larga duración es You're Lost Little Girl, de una de las grandes pasiones de Siouxsie Sioux, The Doors, especialmente Jim Morrison.  De aquel segundo LP de Doors, Strange Days, ese tema en cuestión.

Canciones publicadas en formato de sencillo recuperamos la versión del tema Little Johnny Jewel, original de Tom Verlaine cuando existía la banda Television.  El otro single es The Passenger, una composición de Iggy Pop realizada a medias con el guitarrista escocés Ricky Gardiner (1948-2022).

Y así despedimos Through the Looking Glass y con el disco al guitarra y teclista John Valentine Carruthers.  En la grabación del álbum Tinderbox, cuando entró a formar parte del grupo, algunas tomas suyas a la guitarra la tuvieron que repetir hasta 8 veces, lo cual puso de los nervios a la suprema sacerdotisa del Rock Gótico.  Hubo una posibilidad más con el trabajo realizado en Through the Looking Glass, pero no hubo forma ni manera.  Así que fue bonito mientras duró pero, mejor adiós señor Carruthers.  Y el proyecto entró en pausa porque había que buscar alguien que sustituyera el puesto de guitarra/teclista.  La pausa tampoco podía ser muy prolongada y ya que había que tomar una decisión, ¿sería muy complicado separar las dos actividades?, es decir, ¿sería muy peliagudo buscar a un guitarrista por un lado y a un teclista por otro?  A juzgar por los resultados, no lo fue.  Tras un casting sobre la marcha, Siouxsie and The Banshees pasaban de ser un cuarteto a tener estructura de quinteto con la intervención del doble fichaje Jon Klein y Martin McCarrick.

Martin McCarrick, violonchelista y guitarrista británico, original de Luton, Bedfordshire, Inglaterra, participó en los comienzos de This Mortal Coil, en concreto en su álbum Filigree & Shadow de 1986.  En 1987 se unió a Siouxsie and The Banshees hasta su disolución en 1996.  No participó en su reunión de 2003.

Jon Klein, guitarrista, original de Bristol, Inglaterra, formó parte de una de las primeras bandas de la escena gótica, Specimen, fundadores del club The Batcave, que marcó la escena londinense en el Soho, en julio de 1982.

Para encontrar los elementos necesarios para una reestructuración no tuvieron que buscar mucho.  No fue necesario poner un anuncio en el Melody Maker o en el New Musical Express.  Se conocían entre ellos, habían compartido ambiente, bares, escenarios...los unían los mismos intereses.  En cuestión de un espacio de tiempo no muy largo, el proyecto Siouxsie and The Banshees estaba listo para ofrecer una nueva visión de lo que sabían hacer: música, y por cierto, muy buena.  Esta es la nueva imagen de la banda

Y esta la portada del primer disco como quinteto

El álbum número 10 de la banda, el número 9 de estudio, es el disco testimonio de un grupo revitalizado, capaz de reinventarse para seguir adelante.  Aparecía el 5 de septiembre de 1988 y fue una alegría para seguidores de la suprema sacerdotisa del rock gótico y un faro iluminador para muchos músicos que han mantenido su admiración por las canciones de este trabajo.  Hasta Siouxsie variaba la forma de maquillarse para interpretar sus rituales sonoros

En el programa de hoy casi suenan todas las canciones que teníamos previstas, falta alguna que recuperaremos en la próxima edición de este Especial Siouxsie and The Banshees.  Me he dado cuenta que tal vez te resulte confuso el final de esta edición de Cíclope 3.0 y me explico: en la locución, los dos últimos cortes que suenan, sobre todo el último, creo que no ha quedado claro cuál es cuál.  Suena The Last Beat of My Heart y, en la resolución final, cito pero parece que no queda claro, el último tema que suena, The Killing Jar.  Queda hecha la aclaración y así cerramos la audición de 7 canciones de Peepshow.  Terminaremos de escucharlo como es debido en la próxima edición de este Especial que será en junio.

Espero que te guste el programa.

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