Cíclope 3.0 -08-11-22

Atardecer (Foto del autor del blog)

Cíclope 3.0 del martes 8 de noviembre de este año en curso, 2022.

El lema del Cíclope es: escuchamos la actualidad musical a través del prisma del Tiempo.  Eso es precisamente lo que hacemos en esta edición, antes de quedarnos con una novedad, algo del pasado de quien firma una de las turbulencias novedosas de la actualidad.  Antes de Björk, The Sugarcubes.

The Sugarcubes fue la banda con más repercusión que jamás haya surgido desde Islandia en lo que llevamos de Historia del Rock y del Pop.

Debutaron en 1988 con el LP Life's Too Good, que reunió excelentes críticas por parte de los comentaristas musicales y se convirtió en un grupo de éxito entre la audiencia, pero nunca pudieron recuperar esa sensación emotiva de su primer disco.  Hasta la carpeta de ese primer trabajo multiplicó su diseño (color) para mostrar la bienaventuranza del éxito.

Además de los tres colores incluían en el disco un azucarillo.  Para endulzar aún más su buena estrella, para colmo, su canción Coldsweat, Sudor Frío, fue prohibida en la BBC inglesa, primero el vídeo-clip, después la emisión en Radio del tema.  Publicidad gratuita y efectiva: prohíbe algo y verás cómo se multiplica exponencialmente el interés por eso prohibido.

En España el Single promocional fue la canción Deus, pero el LP funcionó al 100 por 100.

Un año después de su LP de debut se publicaba Here Today, Tomorrow Next Week!, que no tuvo la misma acogida que el primero, ni siquiera se le acercó.  El brillo de la estrella rutilante de Sugarcubes se fue apagando y el proyecto desapareció dejando una corta discografía pero un grato recuerdo tanto por sus grabaciones de estudio como por sus actuaciones en vivo.

Todo lo que Sugarcubes no mantuvieron, esa expectativa entre sus seguidores y crítica musical, sí lo ha ido manteniendo con el paso de los años la vocalista principal del grupo, Björk, de nombre y apellidos completo Björk Guðmundsdóttir, capaz de cambiar de tonos dulces y penetrantes a gritos rugientes, a tonos intensamente dramáticos, y todo como si tal cosa.  Desde que comenzó a trabajar en solitario Björk ha escrito música, la ha interpretado, ha compuesto bandas sonoras de películas y ha trabajado como actriz a las órdenes de Lars von Trier en la cinta Bailar en la oscuridad del año 2000.  Curiosa la anécdota que se cuenta del encuentro de ambos, cuando Trier le pide que componga el score de la cinta, además de interpretar el papel protagonista femenino.  Al parecer quedaron para comer en casa del director y mientras él enredaba en la cocina le pide a ella que ponga algo de música, lo que prefiera, ahí están los discos.  Björk se pone a mirar los vinilos y descubre un montón de Céline Dion.  Pregunta en voz alta el por qué de tantos discos de la cantante francocanadiense.  La respuesta de Trier, que está poniendo las viandas en la mesa, es simple y sencilla: porque le gusta.  Vuelve a la cocina pero en el salón no suena la música, hay un silencio marcado.  Björk sencillamente había desaparecido.  No soportaba a Dion y no podía entender que a alguien le gustara.  En fin, Björk es así.  Además de tener ese carácter también mantiene una actividad como intérprete y compositora recogida en una discografía que, hasta el momento, suma una docena de álbumes publicados con su nombre y apellido, el último vio la luz el pasado 30 de septiembre bajo el título Fossora.

Fossora (carpeta en la foto de la derecha) es un disco que se puede tildar de conceptual porque la conexión entre las composiciones, la asociación que se entabla entre un corte y otro es el amor,  relaciones de amor entre madre e hija: Björk, y su hija, que se separa buscando su propia realización; Björk y su madre, fallecida con 72 años en el año 2018, la activista ambiental Hildur Rúna.

Hildur Rúna Hauksdóttir (1946-2018)

Una hija que se despide de su madre y una madre que se despide de su hija.  El disco Fossora contiene dos temas en los que homenajea la figura de la madre desaparecida: Ancestress y Sorrowful Soil.  De los dos nos quedamos con el segundo, un interesantísimo juego de espejos vocales con Björk sola, en un álbum cuyo título viene del latín y significa Excavador, un trabajo casi estructurado sobre el sonido de los clarinetes, un instrumento querido y apreciado por ella.  Poca suavidad ha guardado la compositora e intérprete islandesa para este nuevo trabajo que tendrá sus seguidores incondicionales y sus detractores que, una vez más, no están de acuerdo con nada.  El segundo tema que extrae el Cíclope es Victimhood.  

La edición de hoy de Cíclope 3.0 está transida de cierta oscuridad paradójica porque a pesar de los claroscuros marcados hay luminosidad, como la que tiene esta banda que no es la primera vez que suenan en el programa: 

The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble.

Así es, The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, oriundos de los Países Bajos, en concreto de la ciudad de Utrecht, han sonado un par de veces por aquí, por Cíclope 3.0, con algún tema de su corta discografía (4 álbumes entre los años 2006 y 2011), From the Stairwell, el último álbum que grabaron en estudio, en 2011, una colección de composiciones que podrían ilustrar perfectamente alguna película dirigida por Dario Argento.  Hoy los recuperamos con un corte de su primer trabajo firmado en el año 2006 y que bautizaron con el nombre del proyecto, un tema titulado Lobby.  El otro tema, este del disco Here Be Dragons del año 2009, es Sharbat Gula.

The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble - 2006

Here Be Dragons - 2009

 

La discografía de la banda ha pasado casi al completo, falta tan solo un álbum grabado en vivo y publicado en el año 2011, I Forsee the Dark Ahead, If I Stay.  Cuando The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble se separó como proyecto siguieron tocando en directo y en esas ocasiones utilizaban el nombre de The Mount Fuji Doomjazz Corporation.  Con ese alias tocaban los mismos miembros de la formación anterior.  Lo hicieron durante un tiempo, no dejaron ninguna grabación, ni de estudio ni en vivo bajo ese nombre, y estuvieron más o menos activos hasta que Jason Köhnen, alma y motor, cambia de ideas y forma un nuevo grupo.

Jason Köhnen

Con el paso del tiempo, Jason Köhnen, guitarra, bajo y producción, forma el trío Mansur junto a Dimitry El-Demerdashi, del grupo Phurpa y la vocalista de origen húngaro Martina Veronika Horváth.

Dimitry El-Demerdashi

 

Martina Veronika Horváth

El sonido de Mansur navega entre las aguas de la fantasía musical y la realidad, se transforma y combina la instrumentación tradicional con la electrónica moderna.  Usan la kalimba, un instrumento idiófono extendido por tierras africanas, el violonchelo, ney, una flauta de Oriente Medio, el violín y otros instrumentos similares como el erhu, un violín chino de dos cuerdas, o el zhonghu, similar al anterior.  El  jinhu tiene un tono similar al de un violín pero más rasposo, el kemenche, un instrumento de cuerda que se origina en el Mediterráneo Oriental (Armenia, Grecia, Irán, Turquía, Azerbaiyán).  Dilruba, un instrumento de arco originario de la India que se hizo famoso en la década de los años 60 del siglo pasado por el uso de artistas occidentales como los Beatles, que lo utilizaron en la canción Within You Without You.  Bansuri, una flauta transversal originaria de la India y Pakistán.  Además suman otros elementos instrumentales como el contrabajo y varios de percusión como cajón, castañuelas, krotal y agitadores y tambores orgánicos.  Con todo eso, Mansur lleva al oyente a un mundo místico y mágico lleno de incógnitas, que se encuentran mucho más allá de los reinos de la percepción material.  El resultado es un nuevo sonido único que es al mismo tiempo cálido, oscuro, brumoso, cósmico, místico, cinematográfico y dinámico.  Fusiona cantos vocales etéreos, melodías inquietantes tocadas en un oud, el laúd árabe, con la música electrónica.  Jason Köhnen ha estado involucrado en innumerables proyectos de metal, electrónicos y experimentales desde que comenzó a hacer música a finales de la década de 1980.  Bajo su principal alias en solitario, Bong-Ra, es uno de los artistas más notables del breakcore, y es particularmente conocido por ser pionero en el raggacore, una variante más extrema del ragga-jungle.  Uno de sus proyectos más recientes es Mansur, formado en 2019.  El trío lanzó su EP de debut, Temple, y su primer trabajo de larga duración, Karma, ambos en 2020.  Una grabación en vivo improvisada, Minotaurus, siguió en 2021.  El cuarto lanzamiento de Mansur, Oscuras Flores, apareció este año 2022.

Temple, el EP de debut de Mansur (portada a la izquierda) incluye el tema Ruinas Pentatónicas que selecciona el Cíclope.  Llama la atención las palmas flamencas que suenan en el corte y es que Mansur son unos apasionados del Flamenco.  De hecho hacen una versión de La leyenda del tiempo, instrumental, que, bueno, está bien como acto de admiración por aquella composición original en la música de Ricardo Pachón, con letra de Federico García Lorca y cantada nada más y nada menos que por El Camarón de la Isla.  Tres elementos que dan como resultado Oro; lo que hace Mansur hay que tomarlo como lo que es, un homenaje, no se puede esperar un acto alquimista para lograr un duplicado.  El trío Mansur titula ese homenaje simplemente como Leyenda.

El EP aparecía como descarga en la Red, sin ningún sello discográfico.  El segundo trabajo (foto de la derecha) publicado el mismo año que el EP, 2020, sí se editaba bajo licencia discográfica con el título Karma y además era un larga duración.  El disco incluye temas como el que suena, Memento Mori.

Estamos en la recta final del programa de hoy y los últimos minutos los vamos a ocupar con una banda dotada de una capacidad extraordinaria: convertir el caos en una luminosidad radiante.  El grupo en cuestión es este: Naked City.

Naked City

Naked City fue una banda neoyorquina capitaneada por John Zorn.  Aunque podría tocar cualquier estilo de música, la mayoría de sus canciones fueron ruidosas y complejas.  En cualquier momento, una melodía hermosa, delicada, podía degenerar en un huracán de ruido blanco y, de repente, cambiar a otra cosa.  Tomaron todo lo agresivo del jazz y el heavy metal, lo mezclaron y lo ajustaron. Parecían una banda de rock: batería, guitarra eléctrica, bajo, teclados y saxofón.

La banda se formó en 1988, tocando en vivo antes de grabar su primer álbum bautizado con el nombre del grupo (foto de la izquierda). Grabaron su último álbum en diciembre de 1992.  Siete discos repletos de caos luminoso.  Naked City fue algo así como un supergrupo neoyorquino de rock de vanguardia, de free jazz.  Tuvo un elenco estelar de músicos de perfil experimental en el campo del jazz de Nueva York dirigidos por una figura como la de Zorn.  La formación reunió a John Zorn en el saxo alto,

 

Wayne Horvitz en los teclados,

 

Bill Frisell en la guitarra,

 

Fred Frith en el bajo

y Joey Baron en la batería

Ocasionalmente el vocalista japonés Yamatsuka Tetsurō, conocido por su apodo artístico Yamatsuka Eye fue colaborador sobre todo en las actuaciones en vivo

Yamatsuka Eye

  

Naked City, más que cualquier otro grupo dirigido por Zorn, lo puso en contacto con una audiencia de Rock.  La banda tenía un repertorio enorme y sus actuaciones en vivo eran impredecibles.  Zorn aseguraba que concibió la banda como un taller de composición y el desafío radicaba, según sus palabras, en escribir tanto como fuera posible dentro del formato limitado de los esquemas del Rock.  Una vez que dejó de escuchar y escribir para la banda, se disolvió el proyecto.  

Naked City, el primer álbum del grupo, además de incluir ilustraciones tan inquietantes como la de la derecha, contiene 26 composiciones entre temas originales y versiones que abarcan nombres como Ennio Morricone, Henry Mancini, Ornette Coleman, Jerry Goldsmith, John Barry, Georges Delerue y Johnny Mandel.  El Cíclope escoge 3 cortes del disco, una composición propia, Latin Quarter, y dos versiones, The Sicilian Clan de Morricone y A Shot in the Dark de Mancini.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 01-11-22 - Especial Dead Can Dance # 14

Una iglesia de Salamanca, no recuerdo el nombre
(Foto de Lola Pérez Gómez)

Primer Cíclope 3.0 del mes de noviembre de 2022, en concreto el Cíclope del martes día 1.  En esta edición nos ocupamos del Especial Dead Can Dance Número 14 con trabajos en solitario de Lisa Gerrard como viene siendo habitual.  Hoy empezamos con una de las grabaciones del dueto Klaus Schulze/Lisa Gerrard, en concreto el álbum titulado Big In Europe vol.1 - Warsaw del año 2013.

Refrescamos los datos: en el 60 cumpleaños de Klaus Schulze, el músico pidió un deseo al soplar las velas de la tarta de celebración y ese deseo no era otro que trabajar con Lisa Gerrard.  Ese anhelo se hizo realidad un año más tarde, en 2008 y, desde entonces, la colaboración entre ambos ha sido fructífera.  

En el año 2013 aparecía el primer volumen de Big In Europe, una serie de discos que recogerían actuaciones en vivo del tándem Gerrard/Schulze.  Al final, solo aparecieron dos volúmenes, el primero, subtitulado Varsovia, recoge una actuación en directo en la capital de Polonia.  Es un CD más 2 DVDs y en el disco se incluyen temas largos, como era habitual en la producción de Schulze.  Recuperamos uno un poco más breve porque si no, los cortes de 20 minutos o más se comerían el espacio y optamos por alguno que sea bueno y que alcance los 10 minutos y algo más como sucede con The Da Varsaw Code, El código de Varsovia.

Ese mismo año, 2013, también vio la luz Diaries of Hope, un disco firmado por Zbigniew Preisner con la participación Gerrard.  El álbum se publicó el 4 de octubre de 2013.

Zbigniew Preisner (foto de la izquierda), cuyo nombre completo es Zbigniew Antoni Kowalski, es un compositor polaco de bandas sonoras para el Cine.  Lisa Gerrard pone la voz en dos composiciones, una de ellas es Epitaph, que ha sonado ya.  Con el disco de Preisner nos encontramos con el mismo problema que con las composiciones de Schulze, su longitud en el tiempo.  Por eso de los dos cortes en los que interviene nuestra protagonista escogemos el más breve con idea de que el Especial Dead Can Dance no se haga moroso (que no morboso) y eterno.

Archie Buchanan
foto de Dave Buttle

Las otras dos composiciones que incluyen voz están resueltas por Archie Buchanan, un joven tenor que, a pesar de su edad, es un intérprete experimentado.  La instrumentación la pone la Orquesta Filarmónica de Cámara de Varsovia con el Crouch End Festival Chorus.  La producción final del disco recae sobre su compositor, Zbigniew Preisner.

También del año 2013 data la banda sonora de la serie de televisión The Bible compuesta entre Hans Zimmer, el compositor escocés Lorne Balfe y Lisa Gerrard.  Ante la imposibilidad de conseguir una copia del disco me remito, al menos, a reseñarlo.  Tan solo encontré en la Red una página donde lo vendían pero al no poder escucharlo antes y también porque me producía cierta desconfianza la dirección de dicha web, opté por dejarlo.  Pero, como digo, al menos dar señales de su existencia.

Pasamos ahora al año 2014, cuando aparece Twilight Kingdom, un trabajo en solitario de Gerrard.

Se publicaba en Australia el 11 de agosto de 2014, en el sello Gerrard Records propiedad de nuestra protagonista.  El disco es suyo, lo firma ella con su nombre y apellido, pero no está sola, una serie de colaboradores, algunos conocidos, hacen posible este trabajo.  Entre los nombres conocidos de esos copartícipes está el de Patrick Cassidy, músico irlandés que ya había estado trabajando en álbumes anteriores de Lisa.  Hay un colaborador muy curioso: el actor Russell Crowe escribe los textos de los diferentes cortes del disco.  Escogemos unos cuantos cortes para tomarle bien el pulso a este trabajo de Gerrard que cuenta con la colaboración de otro músico habitual en sus grabaciones, Marcello De Francisci, que aparece en esta ocasión en el lado técnico, encargándose de las mezclas del álbum.  El compositor y productor australiano James Orr, al que volveremos a encontrar más tarde en el programa, se encarga de la producción junto a Lisa.

En ese año, 2014, aparece el segundo volumen de la serie Big in Europe, firmado por Klaus Schulze y Lisa Gerrard.  Para la ocasión se recoge la actuación realizada en la capital de Holanda, Amsterdam, escogiendo este nombre como subtítulo, al igual que en el Volumen 1 el sbtítulo fue Varsovia.  Se publicaba el 19 de septiembre de ese año, 2014, y el trabajo se presenta en una caja con dos CDs y dos DVDs.  Aquí nos encontramos con el problema de la duración de los cortes: 18, 19 minutos.  Esos son algunos de los cortes donde Gerrard interviene, los más cortos son de Schulze y sus teclados, así que no escogemos ninguno entre otros motivos porque ya sabemos lo que hicieron ambos juntos y no hay nada especialmente encomiable.

Ya no se dieron más colaboraciones entre ambos.  Este disco que recogía aquella actuación en Holanda data del año 2014.  Klaus Schulze fallecía el 26 de abril de este año en curso de 2022, o sea que no fue la causa de su muerte con 74 años lo que determinó que no se dieran más reuniones.  Si hubiese vivido aún probablemente se hubiera dado alguna que otra nueva colaboración, pero no pudo ser.

Seguimos la espiral del tiempo.  Año 2015, nueva intervención de Lisa firmando un trabajo a medias con otro compositor, en este caso Michael Allen.  Ambos se encargaron del score original para el videojuego Wyld's Call, subtitulado Armello.

El orden de participación es Michael Allen (a la izquierda) y Lisa Gerrard.  Allen es un compositor paisano de Gerrard.  Comenzó como miembro fundador de la banda Things of Stone & Wood y cuando la banda se separó a finales de los 90, Allen lanzó 3 discos en solitario antes de dedicarse a componer música para películas, series de televisión y videojuegos.  No equivocar a este Michael Allen con el músico del mismo nombre y apellido, guitarra bajo del grupo The Wolfgrang Press.

Estamos en la recta final de este Especial Dead Can Dance Número 14 y los últimos minutos de esta edición van a estar dedicados a bandas sonoras de películas como por ejemplo esta, ambientada en el lejano Oeste: Jane Got a Gun.

El score original de la película Jane Got A Gun, traducida aquí como La Venganza de Jane, se publicó el 29 de Enero de 2016.  De nuevo el compositor e intérprete de origen italoargentino, Marcello De Francisci, formando tándem creativo con nuestra protagonista.  Es un músico que ha trabajado con Lisa y que sigue haciéndolo porque los últimos discos de Gerrard aparecidos este año en curso, en al menos uno de ellos está De Francisci y de forma activa, haciendo tándem con ella.  La cinta está dirigida por Gavin O'Connor, con guión de Brian Duffield, Anthony Tambakis y Joel Edgerton.  Cuenta la historia de la joven Jane, que está casada con uno de los tipos más peligrosos del oeste.  Un día, su marido regresa a casa con ocho heridas de bala.  La Banda del Obispo lo ha acribillado, pero el tipo sobrevive, aunque sabe que es una cuestión de tiempo que Bishop y sus sicarios vengan a rematar la faena. Jane decide no esperar y va directamente en busca de los malos.  Cuenta con la ayuda de un enemigo acérrimo de su marido, un hombre enamorado de ella, que la acompañará para enfrentarse a la banda de delincuentes.  Nos quedamos con un par de cortes de dicho score original.

Llegamos al final del programa de hoy y lo hacemos con otra banda sonora, la de la película 2:22 compuesta entre James Orr y Lisa Gerrard.  A James Orr lo cité hace un momento, fue el productor del álbum de Gerrard del año 2014, Twilight Kingdom, es compositor y productor australiano de la ciudad de Melbourne.  Los dos escriben e interpretan el score de 2:22, un thriller de género fantástico que cuenta la historia de un controlador aéreo que vive una vida caótica después de que es casi responsable de una colisión entre dos aviones causada por una misteriosa luz a las 2:22.  Este suceso le lleva a conocer a una mujer con la que todo parece indicar que sus vidas están entrelazadas desde hace mucho tiempo.  El título original, 2:22, se tradujo aquí como La hora señalada.  La cinta está dirigida por Paul Currie y el guión es de Nathan Parker y Todd Stein.  Con un fragmento de la música de dicha película titulada They Mean Everything, nos despedimos.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 25-10-22 - Especial Peter Murphy # 2

Peter Murphy

El Especial Peter Murphy Número 2, ocupa la edición de Cíclope 3.0 del martes 25 de octubre de 2022.

Ya lo dije en el primer Especial dedicado al que fue vocalista de Bauhaus, que no ibamos a peinar la discografía de la banda para, después, escuchar los discos de su cantante en solitario.  Que íbamos a entremeter los álbumes del grupo a lo largo de las estructuras de este Especial Discografía.

Hoy hemos comenzado con el origen  de todo, la música de Bauhaus y su tercer LP publicado el 22 de octubre de 1982, The Sky's Gone Out.

  

Bauhaus en 1982

Bauhaus hicieron versiones de composiciones de músicos referentes para la banda: Ziggy Stardust de David Bowie, o Third Uncle de Brian Eno, incluido en su tercer álbum, Taking Tiger Mountain (By Strategy) de 1974.  Es una versión tremenda, contundente que proviene de una actuación en una sesión de radio de la BBC.  Es uno de los discos de la banda donde la guitarra eléctrica y acústica brillan con una personalidad propia cosa que consigue Daniel Ash.  El grupo grababa este disco atrapado entre dos frentes: las expectativas de una audiencia que ahora abrazaba por completo el incipiente género gótico, con todas las limitaciones incorporadas que tales posibilidades a menudo brindan, y el ser un grupo que quería complacer a dicha audiencia sin dejar de seguir a su propia musa.

Las primeras copias de The Sky's Gone Out contenían como regalo el LP en vivo Press The Eject And Give Me The Tape que posteriormente se editaría por separado.  

Los temas en el tercer LP de Bauhaus están compuestos por la banda al completo pero en ocasiones se matiza el orden de intervención en las labores creativas.  El guitarra Daniel Ash capitanea esas ocasiones donde se matiza el proceso de creación.  Todos participan pero quien coordina es él.  Un ejemplo es The Three Shadows, un tema dividido en tres partes, la segunda presenta a Peter Murphy cantando con una calma poco habitual.  Mirando hacia atrás suena como un antecedente de cómo sonaría después en solitario.

Y en modo solitario nos ponemos ya, con la discografía de Peter Murphy.  En el programa anterior de este Especial sonaba principalmente su primer álbum, Should The World Fail To Fall Apart? de 1986.  En la edición de hoy van a ser dos discos los que ocupen el grueso del programa, Love Hysteria y Deep.  Vamos por parte.

El segundo disco en solitario de Murphy aparecía en marzo de 1988 y lleva por título Love Hysteria.  En este disco va a tener la colaboración de un músico, Paul Statham, que va a ser fundamental en el desarrollo creativo de la obra de Murphy.

Paul Statham, a la izquierda, guitarra y teclista, ex miembro del grupo B-Movie, conocía a nuestro hombre un año antes de la grabación de este segundo LP.  Conectaron rápidamente, tenían conceptos muy cercanos sobre la música y esa amistad se amplió al plano laboral.  Statham no solo tocaría los teclados y la guitarra en el álbum, además compondría a medias con Murphy con un resultado positivo y fructífero.  De Love Hysteria vamos a escuchar tres cortes, el primero está compuesto por Murphy, letra y música, los otros dos pertenecen al binomio Statham/Murphy.  Este disco, además, supone el distanciamiento completo de la estética Bauhaus, sonando más Bowie que nunca y llegándolo a versionear en el tema Fun Time, una canción original del Duque Blanco que Iggy Pop cantó en su álbum de 1977, The Idiot.  Los tres temas que suenan de Murphy son Socrates the Python, All Night Long, el tema más brillante del disco, y el corte con el que pulsaron la tentativa para acceder al mercado norteamericano, Indigo Eyes, dotado de una comercialidad nada comprometedora.  La producción del disco corrió a cargo de un exmiembro de la banda británica The Fall, el guitarrista Simon Rogers, en la foto siguiente

Murphy, al principio, mantiene una cadencia de dos o tres años entre disco y disco.  Nos pasamos ahora al tercer álbum, aparecido el 19 de diciembre de 1989 y bautizado como Deep.

El tercer álbum de nuestro protagonista significa que Murphy se asienta completamente como compositor y, sobre todo, como intérprete.  Deep es un disco brillante, formado por 9 canciones de las que 7 están compuestas por el binomio Murphy/Statham y dos por Murphy solo.  En el disco anterior, Love Hysteria, se define la colaboración con Paul Statham como un punto de fuga fundamental.  Esa colaboración continúa aquí, en el trabajo de 1990, y además se asienta lo que había sido un rumor desde hacía tiempo: una serie de músicos colaboradores parece que están formando una banda fija para trabajar con Murphy.  Estuvieron tocando en directo con nuestro hombre y, en los estudios, en el trabajo anterior y, en este, se convierten en una realidad que adopta el nombre de The Hundred Men.

Con Paul Statham al frente tocando guitarras eléctrica, acústica y teclados, The Hundred Men son:

Eddie Branch guitarra bajo

 

Peter Bonas guitarras

Terl Bryant batería y percusión

Los cuatro instrumentistas más la voz de Murphy van a producir un sonido sin fisuras, compacto, de una calidad armónica extraordinaria.  De los 9 temas vamos a recuperar 6, comenzando con el que abre el disco, sonido ampuloso para Deep Ocean, Vast Sea.

Además de The Hundred Men intervienen otros colaboradores como por ejemplo Jim Williams.

Compositor y guitarrista británico está relacionado con bandas sonoras tanto de largometrajes como de series de televisión.  Es uno de los músicos de sesión británicos más solicitados.  Él se encarga precisamente de la guitarra en el tema Seven Veils.

Deep incluye un tema que, tal vez, sea de los más populares que ha firmado Murphy, en este caso a medias con Statham, la canción titulada Cuts You Up.  Desgraciadamente ni en la carpeta del LP/CD ni en ninguna base de datos de la Red aparece el nombre y apellido de quien toca el violín.  Personalmente creo que es de las mejores canciones grabadas por nuestro hombre, un tema que me mantuvo obsesionado hasta que me compré el disco y que aún hoy se mantiene con frescura.

Dos temas de perfil acústico con Murphy cantando desde la calma y la serenidad son los dos que siguen: Marlene Dietrich's Favorite Poem, inspirada en un documental que vio sobre la famosa actriz alemana que, en un momento concreto de la cinta aparece leyendo su poema favorito, ¿cuál?, pues no lo sé, no he conseguido descubrirlo.

La otra canción acústica es A Strange Kind Of Love (Version One), una de las dos canciones que firma solo Peter Murphy fuera del binomio Murphy/Statham.  El subtítulo indicando que es la versión 1 es porque hubo más de una.  La que aparece en el larga duración es esa que escuchamos, la versión 1.  En 1989, a finales de año, se publicaba Cuts You Up como single de promoción del inminente larga duración Deep; el single de adelanto tenía la cara B ocupada por la versión 2 de Una extraña clase de amor.  En 1990 además del LP/CD también se publican los singles promocionales Deep Ocean, Vast Sea y Strange Kind Of Love (Radio Version).  No recuerdo la fecha pero apareció en Europa (menos en España) un MaxiSingle con 5 versiones del tema en cuestión.  Recuperaremos en próximas ediciones de este Especial Peter Murphy alguna otra versión de la ínclita canción, hoy nos quedamos con la original.

Y para cerrar la edición de hoy nos quedamos con una de esas canciones impetuosas que se incluyen en el tercer disco de nuestro protagonista: Crystal Wrists, Muñecas de cristal.  Ya lo especifico en la locución del programa, esas muñecas no hacen referencia a los juguetes sino a la articulación que une la mano y el antebrazo en el cuerpo humano.  

Deep está producido de nuevo por el exmiembro del grupo británico The Fall, Simon Rogers.  El diseño de la portada es de Murphy.  Se escogió una fotografía que es la que aparece en la edición internacional del LP/CD, pero había otras posibles.

Espero que te guste el programa.

Enlace: https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-25-10-22