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Atardecer (Foto del autor del blog) |
Cíclope 3.0 del martes 8 de noviembre de este año en curso, 2022.
El lema del Cíclope es: escuchamos la actualidad musical a través del prisma del Tiempo. Eso es precisamente lo que hacemos en esta edición, antes de quedarnos con una novedad, algo del pasado de quien firma una de las turbulencias novedosas de la actualidad. Antes de Björk, The Sugarcubes.
The Sugarcubes fue la banda con más repercusión que jamás haya surgido desde Islandia en lo que llevamos de Historia del Rock y del Pop.
Debutaron en 1988 con el LP Life's Too Good, que reunió excelentes críticas por parte de los comentaristas musicales y se convirtió en un grupo de éxito entre la audiencia, pero nunca pudieron recuperar esa sensación emotiva de su primer disco. Hasta la carpeta de ese primer trabajo multiplicó su diseño (color) para mostrar la bienaventuranza del éxito.
Además de los tres colores incluían en el disco un azucarillo. Para endulzar aún más su buena estrella, para colmo, su canción Coldsweat, Sudor Frío, fue prohibida en la BBC inglesa, primero el vídeo-clip, después la emisión en Radio del tema. Publicidad gratuita y efectiva: prohíbe algo y verás cómo se multiplica exponencialmente el interés por eso prohibido.
En España el Single promocional fue la canción Deus, pero el LP funcionó al 100 por 100.
Todo lo que Sugarcubes no mantuvieron, esa expectativa entre sus seguidores y crítica musical, sí lo ha ido manteniendo con el paso de los años la vocalista principal del grupo, Björk, de nombre y apellidos completo Björk Guðmundsdóttir, capaz de cambiar de tonos dulces y penetrantes a gritos rugientes, a tonos intensamente dramáticos, y todo como si tal cosa. Desde que comenzó a trabajar en solitario Björk ha escrito música, la ha interpretado, ha compuesto bandas sonoras de películas y ha trabajado como actriz a las órdenes de Lars von Trier en la cinta Bailar en la oscuridad del año 2000. Curiosa la anécdota que se cuenta del encuentro de ambos, cuando Trier le pide que componga el score de la cinta, además de interpretar el papel protagonista femenino. Al parecer quedaron para comer en casa del director y mientras él enredaba en la cocina le pide a ella que ponga algo de música, lo que prefiera, ahí están los discos. Björk se pone a mirar los vinilos y descubre un montón de Céline Dion. Pregunta en voz alta el por qué de tantos discos de la cantante francocanadiense. La respuesta de Trier, que está poniendo las viandas en la mesa, es simple y sencilla: porque le gusta. Vuelve a la cocina pero en el salón no suena la música, hay un silencio marcado. Björk sencillamente había desaparecido. No soportaba a Dion y no podía entender que a alguien le gustara. En fin, Björk es así. Además de tener ese carácter también mantiene una actividad como intérprete y compositora recogida en una discografía que, hasta el momento, suma una docena de álbumes publicados con su nombre y apellido, el último vio la luz el pasado 30 de septiembre bajo el título Fossora.
Fossora (carpeta en la foto de la derecha) es un disco que se puede tildar de conceptual porque la conexión entre las composiciones, la asociación que se entabla entre un corte y otro es el amor, relaciones de amor entre madre e hija: Björk, y su hija, que se separa buscando su propia realización; Björk y su madre, fallecida con 72 años en el año 2018, la activista ambiental Hildur Rúna.
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Hildur Rúna Hauksdóttir (1946-2018) |
Una hija que se despide de su madre y una madre que se despide de su hija. El disco Fossora contiene dos temas en los que homenajea la figura de la madre desaparecida: Ancestress y Sorrowful Soil. De los dos nos quedamos con el segundo, un interesantísimo juego de espejos vocales con Björk sola, en un álbum cuyo título viene del latín y significa Excavador, un trabajo casi estructurado sobre el sonido de los clarinetes, un instrumento querido y apreciado por ella. Poca suavidad ha guardado la compositora e intérprete islandesa para este nuevo trabajo que tendrá sus seguidores incondicionales y sus detractores que, una vez más, no están de acuerdo con nada. El segundo tema que extrae el Cíclope es Victimhood.
La edición de hoy de Cíclope 3.0 está transida de cierta oscuridad paradójica porque a pesar de los claroscuros marcados hay luminosidad, como la que tiene esta banda que no es la primera vez que suenan en el programa:
The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble.
Así es, The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, oriundos de los Países Bajos, en concreto de la ciudad de Utrecht, han sonado un par de veces por aquí, por Cíclope 3.0, con algún tema de su corta discografía (4 álbumes entre los años 2006 y 2011), From the Stairwell, el último álbum que grabaron en estudio, en 2011, una colección de composiciones que podrían ilustrar perfectamente alguna película dirigida por Dario Argento. Hoy los recuperamos con un corte de su primer trabajo firmado en el año 2006 y que bautizaron con el nombre del proyecto, un tema titulado Lobby. El otro tema, este del disco Here Be Dragons del año 2009, es Sharbat Gula.
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The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble - 2006 |
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Here Be Dragons - 2009 |
La discografía de la banda ha pasado casi al completo, falta tan solo un álbum grabado en vivo y publicado en el año 2011, I Forsee the Dark Ahead, If I Stay. Cuando The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble se separó como proyecto siguieron tocando en directo y en esas ocasiones utilizaban el nombre de The Mount Fuji Doomjazz Corporation. Con ese alias tocaban los mismos miembros de la formación anterior. Lo hicieron durante un tiempo, no dejaron ninguna grabación, ni de estudio ni en vivo bajo ese nombre, y estuvieron más o menos activos hasta que Jason Köhnen, alma y motor, cambia de ideas y forma un nuevo grupo.
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Jason Köhnen |
Con el paso del tiempo, Jason Köhnen, guitarra, bajo y producción, forma el trío Mansur junto a Dimitry El-Demerdashi, del grupo Phurpa y la vocalista de origen húngaro Martina Veronika Horváth.
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Dimitry El-Demerdashi |
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Martina Veronika Horváth |
El sonido de Mansur navega entre las aguas de la fantasía musical y la realidad, se transforma y combina la instrumentación tradicional con la electrónica moderna. Usan la kalimba, un instrumento idiófono extendido por tierras africanas, el violonchelo, ney, una flauta de Oriente Medio, el violín y otros instrumentos similares como el erhu, un violín chino de dos cuerdas, o el zhonghu, similar al anterior. El jinhu tiene un tono similar al de un violín pero más rasposo, el kemenche, un instrumento de cuerda que se origina en el Mediterráneo Oriental (Armenia, Grecia, Irán, Turquía, Azerbaiyán). Dilruba, un instrumento de arco originario de la India que se hizo famoso en la década de los años 60 del siglo pasado por el uso de artistas occidentales como los Beatles, que lo utilizaron en la canción Within You Without You. Bansuri, una flauta transversal originaria de la India y Pakistán. Además suman otros elementos instrumentales como el contrabajo y varios de percusión como cajón, castañuelas, krotal y agitadores y tambores orgánicos. Con todo eso, Mansur lleva al oyente a un mundo místico y mágico lleno de incógnitas, que se encuentran mucho más allá de los reinos de la percepción material. El resultado es un nuevo sonido único que es al mismo tiempo cálido, oscuro, brumoso, cósmico, místico, cinematográfico y dinámico. Fusiona cantos vocales etéreos, melodías inquietantes tocadas en un oud, el laúd árabe, con la música electrónica. Jason Köhnen ha estado involucrado en innumerables proyectos de metal, electrónicos y experimentales desde que comenzó a hacer música a finales de la década de 1980. Bajo su principal alias en solitario, Bong-Ra, es uno de los artistas más notables del breakcore, y es particularmente conocido por ser pionero en el raggacore, una variante más extrema del ragga-jungle. Uno de sus proyectos más recientes es Mansur, formado en 2019. El trío lanzó su EP de debut, Temple, y su primer trabajo de larga duración, Karma, ambos en 2020. Una grabación en vivo improvisada, Minotaurus, siguió en 2021. El cuarto lanzamiento de Mansur, Oscuras Flores, apareció este año 2022.
Estamos en la recta final del programa de hoy y los últimos minutos los vamos a ocupar con una banda dotada de una capacidad extraordinaria: convertir el caos en una luminosidad radiante. El grupo en cuestión es este: Naked City.
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Naked City |
Naked City fue una banda neoyorquina capitaneada por John Zorn. Aunque podría tocar cualquier estilo de música, la mayoría de sus canciones fueron ruidosas y complejas. En cualquier momento, una melodía hermosa, delicada, podía degenerar en un huracán de ruido blanco y, de repente, cambiar a otra cosa. Tomaron todo lo agresivo del jazz y el heavy metal, lo mezclaron y lo ajustaron. Parecían una banda de rock: batería, guitarra eléctrica, bajo, teclados y saxofón.
La banda se formó en 1988, tocando en vivo antes de grabar su primer álbum bautizado con el nombre del grupo (foto de la izquierda). Grabaron su último álbum en diciembre de 1992. Siete discos repletos de caos luminoso. Naked City fue algo así como un supergrupo neoyorquino de rock de vanguardia, de free jazz. Tuvo un elenco estelar de músicos de perfil experimental en el campo del jazz de Nueva York dirigidos por una figura como la de Zorn. La formación reunió a John Zorn en el saxo alto,
Wayne Horvitz en los teclados,
Bill Frisell en la guitarra,
Fred Frith en el bajo
y Joey Baron en la batería
Ocasionalmente el vocalista japonés Yamatsuka Tetsurō, conocido por su apodo artístico Yamatsuka Eye fue colaborador sobre todo en las actuaciones en vivo
Yamatsuka Eye
Naked City, más que cualquier otro grupo dirigido por Zorn, lo puso en contacto con una audiencia de Rock. La banda tenía un repertorio enorme y sus actuaciones en vivo eran impredecibles. Zorn aseguraba que concibió la banda como un taller de composición y el desafío radicaba, según sus palabras, en escribir tanto como fuera posible dentro del formato limitado de los esquemas del Rock. Una vez que dejó de escuchar y escribir para la banda, se disolvió el proyecto.
Naked City, el primer álbum del grupo, además de incluir ilustraciones tan inquietantes como la de la derecha, contiene 26 composiciones entre temas originales y versiones que abarcan nombres como Ennio Morricone, Henry Mancini, Ornette Coleman, Jerry Goldsmith, John Barry, Georges Delerue y Johnny Mandel. El Cíclope escoge 3 cortes del disco, una composición propia, Latin Quarter, y dos versiones, The Sicilian Clan de Morricone y A Shot in the Dark de Mancini.
Espero que te guste el programa.
Enlace:
https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-08-11-22
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