Cíclope 3.0 - 15-03-22

 

Paul Gauguin tocando el harmonio en el estudio de Alphonse Mucha en 1895

Cíclope 3.0 del martes 15 de marzo de 2022.

La propuesta del Cíclope para el programa de hoy es una trenza formada por dos ramas del Arte: la Música y la Pintura.  Canciones que homenajean la figura de un pintor o que parten de un cuadro.  Una pinacoteca sonora que comienza por el retrato que realizó David Bowie en 1971 de Andy Warhol.

El Bowie de 1971 tenía la imagen que aparece en la foto de la izquierda.  Después vendrían los cambios, cada vez más diversos y camaleónicos.  Había comenzado en 1969.  Ya había sembrado una semilla luminosa que, con el paso de los años y de los álbumes grabados, iría adquiriendo cada vez más y más brillantez.  

En ese año de 1971 vio la luz Hunky Dory, un LP que contiene una de las composiciones representativas de la creatividad del Duque Blanco: Life on Mars?  En los créditos del disco figuras como la de Mick Ronson, un músico fundamental en el desarrollo de la obra de Bowie, tocando la guitarra eléctrica y acústica y encargándose de los arreglos; Rick Wakeman en los teclados y, por supuesto, Bowie como catalizador de la energía reunida en el álbum donde graba ese homenaje a la figura de Andy Warhol firmándolo con su nombre y apellido.

Andy Warhol (1928-1987)

  
Andrew Warhola conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y actor estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del Pop Art.  Comenzó como ilustrador profesional para adquirir fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.  Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, entre aristócratas y celebridades de Hollywood, entre modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.  Su nombre y apellido está entroncado con momentos de la Historia de la Música tan significativos como la aparición de The Velvet Underground.

Del retrato de un artista polifacético a una dedicatoria, la que realizaban en el año 1996 Manic Street Preachers a su admirado Willem de Kooning.

Manic Street Preachers

Manic Street Preachers surge a principios de la década de los 90 en la ciudad de Blackwood, País de Gales.  Con su estilo inspirado en The Clash y Sex Pistols, se  presentaron con una propuesta: intentar restaurar la revolución en el Rock & Roll en un momento en que Gran Bretaña estaba dominada por el sonido de guitarras guinglineantes, lo que se llamó irónicamente shoegazers y el Acid House psicodélico.  Comenzaron como cuarteto para quedar al final como trío.  Su imagen conscientemente peligrosa, sus inclinaciones izquierdistas, su rock duro y su estatus de outsiders ayudaron para que se convirtieran en uno de los favoritos de la prensa musical británica, cosa que favoreció la formación de largas listas de numerosos seguidores devotos y devotas de su música.

En 1996 publicaron Everything Must Go, un disco que incluye un tema, Interiors, dedicado a la memoria de Willem de Kooning.  

Willem de Kooning (1904-1997)

Willem de Kooning, pintor neerlandés nacido en Róterdam, se nacionalizó estadounidense.  Fue un exponente en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial del expresionismo abstracto.  Con el paso del tiempo  experimentó con nuevos movimientos artísticos como la escultura y la performance.

De un retrato sonoro y una dedicatoria a una canción basada en una obra: In the car... es una pintura original de Roy Lichtenstein, conocido sobre todo por sus obras, a gran escala, del arte del cómic.  Esa obra le sirvió como punto de fuga a Paul Weller para escribir una composición donde homenajea tanto el cuadro como a su autor.

Paul Weller primero fue el alma de la banda legendaria The Jam entre 1977 y 1982.  Después, entre 1984 y 2001, estaría al frente del proyecto The Style Council.  Paul Weller es un compositor, cantante y guitarrista extraordinariamente activo y prolífico.

Comenzó una labor en solitario en 1992, compaginándola con las últimas producciones de Style Council.  En el año 2015 apareció Saturns Pattern, el álbum en el que aparece ese tema titulado In the Car... basado en la obra del mismo nombre del pintor norteamericano Roy Lichtenstein.

In the Car...

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Roy Fox Lichtenstein, pintor de Arte Pop, artista gráfico y escultor.

En este bucle entre Música y Pintura que propone hoy Cíclope 3.0 nos quedamos ahora con otro homenaje, el que realizaban The Modern Lovers en 1976 en su álbum de presentación, bautizado de forma homónima, The Modern Lovers, que incluye una canción dedicada al gran Pablo Picasso.

El primer álbum de The Modern Lovers se publicó en 1976, pero en verdad se había grabado en 1973 con producción de John Cale.  Un jovencísimo Jonathan Richman (primero por la derecha en la foto) era su alma mater y motor y en ese primer disco, The Modern Lovers incluyen una canción original de Richman dedicada al pintor Pablo Picasso titulada con su nombre y apellido.  Cale haría  una versión que apareció en 1975 en su álbum Helen of Troy.  Tiempo después revisaría el tema David Bowie, en su disco Reality del año 2003.

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)

Pablo Picasso, creador junto a Georges Braque del movimiento cubista, está considerado como uno de los mayores pintores que participaron en los variados movimientos artísticos que se propagaron por el mundo desde el inicio del siglo XX.

En esta galería que propone Cíclope 3.0 están algunos pintores y sus obras sugiriendo canciones dedicadas a la figura del autor de un cuadro o tomando como punto de partida un lienzo concreto.  El siguiente nombre recibe un homenaje directo a su apellido: Basquiat.

Jean-Michel Basquiat (1960-1988)

 

De ascendencia haitiana por parte de padre y puertorriqueña por la madre, Jean-Michel Basquiat desarrolló un poliedro de capacidades a lo largo de su corta pero intensa existencia.  La actividad académica la dejó un año antes de finalizar el bachillerato, con 16 años.  Abandonó la casa familiar para vivir en la calle, ya fuese en edificios abandonados o en casas de los amigos.  Con apenas 17 años  se inició en el mundo del grafiti junto a su amigo Al Díaz.  Pintaban los vagones del metro y las paredes del barrio neoyorquino de Soho, donde abundan las galerías de arte, y firmaban con el pseudónimo SAMO, siglas de SAMe Old shit, la misma mierda de siempre.  Un par de años después abandona esta idea para fundar un grupo de música, Gray, donde tocaba el clarinete y el sintetizador.  No llegaron a más, a pesar de haber tocado en lugares emblemáticos de la cultura underground neoyorquina como la sala CBGB.  A Basquiat se le conoció, principalmente, por su pintura, por su fascinación por el expresionismo abstracto.

En memoria de este artista que falleció tan joven (aún no había cumplido los 28 años), la banda canadiense Cowboy Junkies le dedicaron un tema, My little Basquiat, aparecido en su álbum del año 2007 At the End of Paths Taken.

Los hermanos Timmins (Margo, Michael y Peter) junto al guitarra bajo Alan Anton, dando forma al colectivo Cowboy Junkies

Hace poco, finales del año 2021 y principios de este 2022, se pudo ver en Madrid en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza una retrospectiva del gran pintor belga René Magritte.

René Magritte (1898-1967)

 

Él protagoniza la dedicatoria de la próxima canción firmada por Paul Simon.

Simon había publicado discos con gran acogida por parte de crítica y público cuando se edita su álbum Hearts and Bones en 1983, un disco que, comercialmente hablando, fue un desastre.  

No se vendieron las suficientes copias como para cubrir las expectativas de la Industria Fonográfica que se enfrentaba a una de esas ironías de su vida: no era un disco comercial y sin embargo es su colección de canciones más personal, una de las más ambiciosas y una de las mejores, a juicio de sus más fieles admiradores.  Verdaderamente el disco contiene canciones que permanecen, canciones de una excelente factura como la que le da título al álbum.  Pero la que interesa para esta edición de Cíclope 3.0 es una dedicada a la figura de René Magritte, el pintor belga.  El tema en cuestión tiene un título cercano a los nombres con los que el pintor bautizó sus obras: Rene and Georgette Magritte with their Dog after the War (Rene y Georgette Magritte con su perro después de la guerra).

Georgette y René en una foto surrealista 

Nos situamos en la recta final de la galería sonora donde aún nos quedan algunos pintores con una de sus obras.  Volvemos al principio del programa de hoy pero lo hacemos compartiendo fecha, la de 1971, cuando se publican entre otros discos el segundo álbum firmado por Don McClean y titulado American Pie.

Don McClean, nacido y criado en New Rochelle, Nueva York, en 1945, fue un enamorado de la música folk desde su adolescencia.  Como músico supo cruzar la naturalidad de los sonidos acústicos del folklore de los años 60 con la introspección de un autor de los 70.  Su primer trabajo data precisamente de 1970, un LP titulado Tapestry que pasó sin pena ni gloria.

Pero un año después, en 1971, aparecía American Pie, el disco con el que inscribió su nombre en la Historia de la Música, apartado Rock.

El tema que le da título al trabajo es una de esas canciones millonaria en emisiones en las Emisoras no sólo de América sino también en todo el resto de continentes.  Son 8 minutos y 27 segundos, una larga y alegórica historia del Rock & Roll, larga para la época porque con esa duración se grababan otro tipo de canciones.  Por dicha duración, la versión  Single fue una tortura porque, 8 minutos no cabían en una sola cara, así que en la Cara A a los 4 minutos y pico el tema se iba desvaneciendo para seguir, en la Cara B, recuperando la canción donde se había quedado.  Una cosa francamente rara.

El tema American Pie fue la estrella del álbum homónimo, pero el disco incluía una canción que, si bien no llegó a ser tan representativa como la otra, sí tenía emoción y calidad, una canción dedicada a Vincent van Gogh y titulada sencillamente Vincent.

Vincent van Gogh (1853-1890)

La noche estrellada

El emotivo homenaje Vincent de McClean al pintor van Gogh tiene un punto de fuga y es el cuadro La noche estrellada.  El subtítulo de la canción es claro y transparente: Starry Starry Night, Noche estrellada.  El azul del cielo, la conjunción de colores del sol y de la luna brillando al mismo tiempo...  La canción American Pie, que le da título al álbum, se llevó el reconocimiento unánime, pero el disco contiene esta otra joya que perdura con el paso del tiempo.

El último cuarto de hora del programa de hoy lo va a ocupar dos bandas de los años 70: King Crimson y Emerson, Lake & Palmer.

Con King Crimson nos encontramos con otro caso de música que se origina a raíz de la contemplación de un cuadro, en esta ocasión es La ronda de noche original de Rembrandt.

El pintor y grabador neerlandés Rembrandt Harmenszoon van Rijn, conocido como Rembrandt, es probablemente de los pintores que más autorretratos tiene, junto a van Gogh.  Una especie de antecedente de lo que serían los selfis en nuestra era, solo que aquellos eran más artísticos.  En la pintura anterior uno de tantos autorretratos del autor.

En 1974, King Crimson editaba un álbum titulado Starless and Bible Black con la formación de Bill Bruford, John Wetton, David Cross y Robert Fripp (en la foto, de izquierda a derecha).  El disco incluye el tema The Night Watch (La ronda de noche) fruto de la contemplación de la obra homónima de Rembrandt.  Partiendo de la majestuosidad del cuadro, Fripp y compañía levantan una arquitectura sonora con esas estructuras cadenciosas, lentas, con ese sello personal que tenían aquellos King Crimson.  El tema está compuesto básicamente por Robert Fripp y el guitarrista inglés Richard Palmer-James, que colaboró en varias ocasiones con la banda aunque no llegara a ser directamente miembro de la Corte del Rey Escarlata.  The Night Watch, con un comienzo que llega de lejos, la instrumentación de guitarra eléctrica, batería/percusión, guitarra bajo y violín/viola alcanza un momento de arrebato que da paso a la espléndida voz de Wetton que se va trenzando con los instrumentos hasta conseguir una de esas composiciones memorables que dejó el Rey Carmesí de esos años.

Y ahora sí llegamos al final de esta pinacoteca sonora que propone el Cíclope para la edición de este martes, y lo hacemos con una obra mastodóntica, sin carga peyorativa en lo de mastodóntico, sino en el sinónimo de grande por todo lo que significó cuando apareció y por lo que tiene de perdurabilidad.  Me estoy refiriendo a la re-creación que realizó el trío Emerson, Lake & Palmer de la obra original de Modest Mussorgsky Cuadros en una Exposición.

Modest Mussorgsky, o Músorgski (1839-1881), fue un compositor ruso autor de óperas, poemas sinfónicos y suites.  Durante muchos años, sus obras se conocieron principalmente en versiones revisadas o completadas por otros compositores.  Muchas de sus composiciones más importantes han adquirido póstumamente sus formas originales y algunas de las partituras originales ahora también están disponibles.  Es recordado principalmente por su obra Cuadros de una exposición de 1874, escrita para piano aunque se hizo popular gracias a la adaptación para orquesta que realizó el compositor francés Maurice Ravel en 1922.  Músorgski compuso esta obra inspirada en diez pinturas y dibujos incluidos en una exposición póstuma de su gran amigo, el artista y arquitecto Víktor Hartmann (1834-1873), quien solo tenía 39 años cuando murió.  La exposición fue organizada por Vladímir Stásov (1824-1906), escritor y crítico musical.  ​ A manera de homenaje, el compositor quiso dibujar en música algunos de los cuadros expuestos y dedicó la partitura a Stásov.

En la década de los años70 del siglo XX el trío formado por el teclista Keith Emerson, el cantante y guitarra eléctrica, guitarra acústica y guitarra bajo Greg Lake y el batería y percusionista Carl Palmer, cada uno con un curriculum vitae de órdago, formaron la banda Emerson, Lake & Palmer.  

En 1971 veía la luz uno de los documentos seminales de la era del rock progresivo:  Pictures At An Exhibition, basado en la obra homónima de Músorgski.  La re-creación que hicieron se abrió camino en la audiencia más joven de principios de la década de los años 70 que, hasta ese momento, no había oído hablar de compositores de Música Clásica como Músorgski, por poner un ejemplo.  La versión realizada por el trío británico de Cuadros de una exposición es también el lanzamiento en vivo más enérgico y mejor realizado en el catálogo de su discografía, y presenta un caso bastante convincente para adaptar piezas clásicas tal y como fue realizada.  El disco llegó a millones de oyentes, incluida la comunidad clásica, de la que un gran número de seguidores de la música academicista se escandalizó por el resultado final y se rasgaron las vestiduras: la obra era algo parecido a una herejía, un asalto al Templo de la música seria.  Pero a pesar de todo terminó convenciendo.  Y eso que el sonido en vivo de principios de los 70 es un poco tosco para los estándares actuales, pero la rigurosidad de la interpretación compensa cualquier insuficiencia sónica.  

De los tres miembros del grupo, el que recibió una educación más académica fue Keith Emerson.  De sus años de conservatorio datan sus grandes pasiones de la música como la influencia, a la hora de sentarse al piano y componer, de Béla Bartók.  A pesar de eso, la obra de Músorgski no está tratada sólo y exclusivamente por Emerson sino que cada uno de los fragmentos de la obra está en manos de uno de los miembros del trío o por los tres.  El fragmento que resalta el Cíclope, tres momentos unidos en uno solo, está formado por La maldición de Baba Yaga escrito por Palmer, Lake y Emerson; La cabaña de Baba Yaga interpretada por el trío basándose en el fragmento original y Las grandes puertas de Kiev con Greg Lake recreando el fragmento, partiendo del mismo y añadiendo texto cantado, es decir, re-creando, volviendo a crear, volver a interpretar una partitura llegando a una meta diferente en su totalidad.

Desgraciadamente de los tres músicos que formaron el grupo tan solo queda vivo Carl Palmer.  Greg Lake, nacido en 1947, fallecía en el año 2016, en diciembre.  Y Keith Emerson, que nacía en 1944 fallecía también en 2016, como su compañero Lake, tan solo unos meses antes, en marzo.  A Emerson se le recuerda a veces por lo exhibicionista que era.

  

En 1972 se estrenó la película documental que recoge la actuación en vivo del trío en la sala Lyceum Ballroom, en Covent Garden, Londres, en 1972, interpretando íntegramente Pictures At An Exhibition.  La cinta estuvo dirigida por Nicholas Ferguson y se puede ver cómo Emerson le clava un cuchillo al teclado del órgano, mientras Lake y Palmer se miran, atónitos, preguntándose: ¿y esto?

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-15-03-22

Cíclope 3.0 - 08-03-22

 

Guitarra y armónica, dos instrumentos fundamentales en el programa de hoy

Cíclope 3.0 del martes 8 de marzo de este año en curso.  Al comienzo del programa de hoy nos trasladamos hasta el año 1970 con una sacudida de rock potente de la mano de un trío: Taste.

Taste fue el proyecto de un guitarrista irlandés llamado Rory Gallagher.  Con 18 años de edad formó, en su Irlanda natal, el trío formado por el guitarra bajo Eric Kittringham, el batería Norman Damery y él en la voz, guitarra eléctrica, armónica y, ocasionalmente, saxo.  Seguían una estructura de grupo moldeada por otro trío admirado: Cream.  Corría el año 1966 y Taste se fueron haciendo en actuaciones en vivo por toda Irlanda.  Dos años después, en 1968, con apenas 20 de edad, Gallagher se traslada a Londres y reforma el grupo quedando la misma estructura de guitarra, bajo y batería, pero ahora con el bajista Charlie McCracken, alias Richard McCracken, el batería John Wilson y Gallagher componiendo, cantando y, por supuesto, en la guitarra eléctrica.

 

         Richard McCracken

John Wilson

Rory Gallagher

Grabaron por primera vez en 1969 un álbum bautizado con el nombre del proyecto.  En 1970 se publicaba On the Boards el LP del que el Cíclope extrae ese What's Going On que hemos escuchado y en 1971 aparecía un álbum grabado en vivo que recogía la actuación del trío en la tercera edición del Festival de la Isla de Wight de 1970.

Tocaron el primer día del Festival, el viernes.

Permanecieron juntos el tiempo que duró la existencia del grupo.  Poco tiempo después de la aparición de este álbum que recoge la actuación de Taste en la Isla de Wight se separaron y Gallagher inició una labor en solitario que lo convirtió en una de las guitarras más importantes de la Historia de la Música.  Su forma de tocar el instrumento, la elocuencia que extraía de las seis cuerdas electrificadas, fue y es para muchas personas, el mejor guitarrista del mundo, como afirmó Jimi Hendrix cuando, al final de una actuación, un periodista le preguntó qué se sentía siendo el mejor guitarrista del mundo, a lo que Hendrix contestó: No sé, pregúnteselo a Rory Gallagher.

Gallaguer siguió fiel a la estructura de trío (guitarra, bajo y batería).  Incluiría en alguna ocasión un piano eléctrico pero básicamente trabajaba en formato de tres. 

Había nacido en la ciudad de Ballyshannon, en el condado de Donegal, en Irlanda, el 2 de marzo de 1948.  El Destino nos lo arrebató el 14 de junio de 1995.  Desde su fallecimiento, en Ballyshannon su ciudad natal, desde el año 2002, en el mes de junio, se lleva a cabo el Rory Gallagher International Tribute Festival, acto que conmemora el recuerdo de su figura.  En Irlanda es y sigue siendo una leyenda como muestra el que una calle de Dublín lleve su nombre y apellido y tenga, como decoración, una copia de su guitarra Fender colgada en la pared.

Foto realizada por quien escribe, gallagheriano hasta la médula

Taste grabaron tres álbumes (2 de estudio y uno en vivo).  Después de 1971 la industria fonográfica y sus tentáculos de sellos discográficos engrosaron la lista de títulos de la banda con la publicación de una serie de discos que recogían actuaciones en diferentes salas y locales.  Las ediciones en CD de cualquier grupo o solista se suelen ver hinchadas con la adhesión de pistas de Demos y versiones alternativas, tan innecesarias como inútiles porque, generalmente, son relleno que lo único que hacen es elevar el precio de la rodaja de plástico.  De Rory Gallaguer se ha publicado, en 2020, un disco que es una auténtica gozada, un documento sonoro que, debido a la fecha de publicación y encontrarnos bajo el arco gravitatorio de la ínclita Pandemia de la COVID-19, ha sufrido el stand-by, la pausa a la que se han visto sometidos tantos proyectos.  El disco en cuestión es este: Cleveland Calling.

Este disco recupera una grabación encontrada en una bobina de una hora (las antiguas cintas abiertas o carretes utilizadas en los magnetofones analógicos) y que estaba entre los archivos de Rory Gallagher que guardan sus herederos.  Se trata de una sesión acústica, inédita hasta el momento, de 45 minutos realizada en la emisora de radio WNCR de Cleveland, Ohio, el 7 de agosto de 1972 donde Gallagher tocó la guitarra acústica, la armónica y cantó en una entrevista que le hizo la locutora y DJ de la emisora, Carolyn Thomas.  No hay retoques posteriores, post-producción, el disco recoge lo que fue la conversación entre ambos y las 8 canciones que interpretó.  Para utilizar esas canciones las hemos editado, le hemos quitado toda la parte hablada para quedarnos tan solo con la música aunque en la resolución de algunos temas se cuela algún comentario por parte de la locutora.  Así que el disco es una pequeña joya para los amantes de la música del irlandés que llena todo con sus aires de Blues.

Y ya que estamos con sonidos bluesy y celebrando publicaciones como la anterior, ahora una alegría porque nuestro próximo invitado cumplió 88 años el pasado 29 de noviembre de 2021 y a pesar de ser un músico octogenario sigue en la brecha.  Acaba de publicar un disco nuevo, el número 60 de su larga discografía, siempre le hemos conocido como el Rey del Blues Blanco.  Lo mismo ya te has dado cuenta de que hablamos de John Mayall.

John Mayall

El mismo día de su cumpleaños, Mayall anunció que dejaba las giras estresantes pero que desde luego seguirá grabando discos.  Personalmente creo que ese abandonar las giras mastodónticas de meses saltando de una ciudad a otra, de un país a otro, es a lo que se refiere con giras estresantes, pero que si la sala, el local donde puede tocar está más o menos cerca, entonces eso es otra historia.  En definitiva, y esto es lo importante, Mayall sigue vivo y en activo.

El pasado mes de enero, el día 28, se publicaba The Sun is Shining Down, ese disco número 60 en su haber que sirve para mostrar que el Rey del Blues británico continúa con una evidente habilidad para escribir y grabar Blues Moderno, Blues vital rodeado de excelentes músicos.  Le acompañan los miembros de su banda actual formada por la guitarrista

  

 

Carolyn  Wonderland

el guitarra bajo

Greg Rzab

y el batería

  Jay Davenport

Son 10 temas los que forman el álbum, 6 composiciones firmadas por él y 4 versiones, trenzadas con un elenco de invitados estelares, la mayoría guitarristas cosa que no es de extrañar porque este es el hombre que dejó que se formaran y nos dio a Eric Clapton, Peter Green o Mick Taylor por citar algunos nombres.

Mayall por su parte canta, toca el piano, el piano eléctrico, el órgano Hammond y la armónica.  De este, por el momento, último trabajo el Cíclope extrae dos temas (ya volveremos en otra ocasión con más cortes del disco), uno de los temas originales de Mayall y otro donde la colaboración no es la de una guitarra sino la de un violín que toca Scarlet Rivera, una violinista que viene de tocar con Bob Dylan, entre otros, y que aquí interviene en dos temas.

Scarlet Rivera

Y como si se tratara del juego de la canasta de cerezas, sacamos una y detrás vienen varias más ensartadas.  Si sonaban aires de Blues con Rory Gallagher y hemos seguido con John Mayall, continuamos por caminos con la misma dirección vectorial, ahora con formación de trío: Blueshadow.

De izquierda a derecha Pablo Sanpa, Mingo Balaguer y Kid Carlos

Blue Shadow es el título del álbum firmado por el compositor, cantante y armonicista Mingo Balaguer en el año 2020.  Y Blueshadow es también el nombre de un nuevo proyecto, una banda formada por Mingo Balaguer, Pablo Sanpa y Kid Carlos nacida de su amor por el blues tradicional que se hacía a finales de los años 50 y a lo largo de los 60, interpretado por músicos como T. Bone Walker, BB King, Freddie King, Hound Dog Taylor, Little Walter, Sonny Boy Williamson, Big Walter Horton y otros.

El primer trabajo de Blueshadow, aparecido en el mes de enero de este año 2022, lleva por título Cookin' at Home.  Son 9 temas de los que 8 son versiones y una composición propia, un instrumental original del guitarrista Kid Carlos.

La principal característica del álbum es que está interpretado por la voz y armónica de Mingo Balaguer y las dos guitarras de Pablo Sanpa y Kid Carlos.  No hay guitarra bajo o bajo acústico, tan solo ellos tres y la inclusión de un batería, la del músico de origen italiano Stefano Di Rubbo, que aparece en 7 cortes de los 9.

Han apostado por una música de raíz a la antigua usanza, tomando como referencia aquellas melodías interpretadas por Little Walter que se acompañaba, en los años 50, por las dos guitarras de los hermanos David y Louis Myers y más tarde por los magníficos Robert "Junior Lockwood y Luther Tucker.  Con precedentes asentados en la Historia del Blues, con unas raíces que se extienden entre bandas actuales como por ejemplo Black Keys, Blueshadow se suman a esa herencia recreando esas composiciones que al versionar vuelven a dotar de nueva vida.  El Cíclope extrae 4 cortes de este Cookin' at Home, 3 versiones y el tema The Facepotato, instrumental compuesto por Kid Carlos que sirve para cerrar el álbum y a nosotros para abrir la audición de este trabajo.  El disco se ha grabado en los estudios Kidville propiedad del guitarrista Kid Carlos que se encargó de grabar y mezclar una grabación hecha desde el amor, las ganas y la pasión por el Blues, una triada de emociones y sentimientos que consiguen transmitir plenamente y que te dejan ganas de seguir escuchando más con la firma de Blueshadow.

Nos situamos en la recta final del programa y los minutos que quedan los van a ocupar una banda de Austin, Texas, que responden al nombre de Spoon.

El grupo se forma en 1993 capitaneados por el guitarrista, cantante, compositor y letrista Britt Daniel (en la foto el primero por la izquierda).  Toman su nombre del título de una canción de la banda alemana Can, un tema aparecido en formato Single en 1971 y posteriormente incluido en el larga duración Canibalism 1, de 1989, un álbum que reunía rarezas firmadas por Can que habían sido publicadas como sencillos o caras B de Singles.

Spoon es uno de los grupos de Rock Independiente más aclamados por la crítica.  Se ha ganado la reputación de ser consistentemente inventivo e ingeniosamente consistente.  Llegaron como intrépidos y temerarios músicos de Post-Punk en la calma Post-Grunge de mediados de los años 90.  Publicaron por primera vez en 1996 y entre ese año y 2002 lanzaron cuatro discos que favorecieron su floración como músicos que se hicieron un hueco en la realidad de la música del siglo XXI.  Despojaron al Rock de sus elementos más esenciales y luego usaron el espacio vacío que quedó para jugar con ritmos cambiantes, guitarras tensas y letras literarias en canciones con estructuras y formas que sonaban innovadoras y atemporales.  Esta mezcla embriagadora de Punk de precisión y Rock clásico serpenteante, finalmente le valió a Spoon un éxito comercial nada comprometedor a partir de los años 2005/2007 con la aparición de dos nuevos trabajos que significaron un devenir, una continua evolución sin dejar de ser fieles a sus raíces a lo largo de 12 álbumes, por el momento.

Lo último que se ha publicado de ellos es el álbum Lucifer on the Sofa, que aparecía el pasado mes de febrero, en concreto el día 11.  El disco es una auténtica rareza en estos tiempos porque que salga un trabajo con 10 canciones de las que 8 merecen la pena es un hito en nuestros días.  Habitualmente uno se queda con un puñado, un ramillete de 3, a lo sumo 4 temas, pero 8 de 10...eso es difícil, y lo será aún más cuando aparezca el siguiente disco porque este pone el listón muy alto.

Lucifer on the Sofa tiene todos los componentes habituales de la música que elabora Spoon basada fundamentalmente en el sonido de las guitarras, en el tejido que trenzan con las doce cuerdas (son dos guitarristas) que aquí y desde hace algún tiempo, se enriquece con teclados, piano sobre todo, y el añadido de un saxo.  De base son un cuarteto pero en los últimos años las filas del grupo se han ampliado y pueden ser quinteto o sexteto.  No vamos a escuchar esos 8 temas que, en mi opinión, merecen la pena, pero sí vamos a entresacar 3.  El resto lo iremos escuchando en próximas ediciones de Cíclope 3.0  Por ahora nos quedamos con Wild para entrar en este nuevo trabajo de la banda y uno de los cortes del disco que me parece más brillante, The Hardest Cut, una canción que tiene el perfil de la música de la banda, con una estructura e interpretación guitarrera que, a mi, me tiene atrapado.  Escucho la canción una y otra vez.  El punto y final lo pone On the Radio.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-08-03-22

Cíclope 3.0 - 01-03-22 - Especial Dead Can Dance # 7

 

Brendan Perry, Lisa Gerrard y Peter Ulrich

Cíclope 3.0 del martes 1 de marzo de 2022.  En la foto de cabecera de la entrada de hoy los tres protagonistas de la séptima entrega del Especial Dead Can Dance: Brendan Perry, Lisa Gerrard y Peter Ulrich.

Antes de la separación de la banda Dead Can Dance, la parte femenina del proyecto, Lisa Gerrard, había comenzado su andadura musical en solitario con la publicación del álbum The Mirror Pool en 1995.  Tres años después, en 1998, aparecía Duality, con la colaboración de un músico paisano, Pieter Bourke, que ya estaba en los créditos del trabajo anterior.  En Duality la colaboración fue tan estrecha que el disco se editaba firmado con el nombre y apellidos de ambos.

Bourke, compositor, percusionista, ingeniero de sonido, conoció a Lisa Gerrard antes de que ella formase parte del proyecto Dead Can Dance por lo que les unía la amistad antes de trabajar juntos, algo muy importante para alcanzar la lucidez de la complicidad entre músicos.  Bourke formó parte del grupo australiano Eden, formado a finales de los años 80 en Melbourne, en la tierra de los canguros.  Siempre se les consideró aspirantes al sonido DCD por el cruce que hicieron entre Cocteau Twins y otros proyectos aparecidos en el sello 4AD.  Lejos de enfadarse porque no los escuchaban de una forma independiente a sus posibles influencias, Eden continuaron aunque sin la colaboración de Bourke, que se enroló en diferentes aventuras sonoras, entre otras esta que traemos hoy a Cíclope 3.0, su trabajo a medias con Lisa Gerrard.  Con ella trabajó antes y después de estar en Dead Can Dance y sin ningún tipo de arrogancia asegura que él sabe más que la mayoría de dónde viene la música de Gerrard con su visión integral de la música de diferentes lugares y épocas, es decir, que la influencia en la sombra por parte de Bourke está en el tejido del tapiz sonoro que desarrolla Lisa.  

 

Duality veía la luz el 14 de abril de 1998.  Los 10 temas que conforman el disco están escritos a medias casi en su totalidad.  La producción corrió a cargo de ambos responsables, grabando el material en un estudio casero en algún punto de Australia.  

En comparación con la sensación a menudo abrumadora de The Mirror Pool, Duality no es menos misteriosa y cautivadora, manteniendo una atmósfera íntima y cercana.  Las profundidades resonantes que caracterizan el trabajo de Gerrard vuelven a aparecer, con instrumentos de percusión de todo tipo en primer plano, mezclando estilos árabe, mediterráneo, del sur de Asia y otros en un todo místico al que colabora constantemente Bourke, contribuyendo a ampliar el espectro creativo.

Un año después de la aparición de este trabajo, el binomio Gerrard/Bourke volvían a unir fuerzas creativas para escribir el score original de la película de  Michael Mann titulada The Insider.

Traducida como El dilema e interpretada en sus principales papeles por Russell Crow y Al Pacino, el score utiliza material que ya había sido grabado como es el caso del fragmento Tempest que aparece en Duality aquí en una versión editada, más reducida de tiempo.  El resto de la banda sonora se completa con material ya existente de grabaciones firmadas por Graeme Revell y contribuciones atmosféricas de Gustavo Santaolalla, Jan Garbarek y Massive Attack.  El resultado es una colección de momentos evocadores y cinematográficos.

Nacido en Whitechapel, Londres, el 30 de junio de 1959 de madre irlandesa y padre inglés, las primeras producciones musicales del cantante, compositor y multinstrumentista Brendan Perry fueron como miembro de la banda de punk rock neozelandés The Scavengers, bajo el seudónimo de Ronnie Recent. 

The Scavengers con Brendan Perry
alias Ronnie Recent primero por la derecha

Siguió siendo miembro cuando se rebautizaron como The Marching Girls en 1979 y dejó la banda en 1981.
 

Ese mismo año, 1981, Perry comenzaría a gestar la idea del futuro proyecto Dead Can Dance donde se desarrollaría como músico hasta la disolución del grupo en 1996.

A finales de los años 90 comenzó a impartir talleres de percusión en los estilos afrocubano y africano mandinga, en su casa y estudio de Quivvy Church en Belturbet, condado de Cavan (el condado de origen de su madre), Irlanda.

Estos talleres culminaron con la creación de una escuela de samba comunitaria llamada The Salamanders.  

Además del taller de percusión, los trabajos más inmediatos tras Dead Can Dance fueron colaboraciones en discos de colegas y amigos, ya fuese tocando algún instrumento o realizando arreglos y produciendo.

Su primer álbum en solitario, Eye of the Hunter, fue lanzado el 4 de octubre de 1999 en el sello 4AD, su sello discográfico de siempre.

Basado en su reputación como el cantante con registro de barítono y compositor meditativo de Dead Can Dance, la rica voz de Perry, los arreglos orquestales-folclóricos de las canciones y los títulos sombríos le dan al álbum una intrigante sensación gótica y barroca.  Junto a temas originales el disco también incluye una versión de I Must Have Been Blind original de Tim Buckley, un tema del que se había hecho una versión interesante por parte del laboratorio musical This Mortal Coil de Ivo Watts-Russell en su segundo álbum, Filigree & Shadow, de 1986 .  El ritmo majestuoso de las canciones se vuelve monótono a veces, pero a pesar de todo, el primer esfuerzo en solitario de Perry fue recibido extraordinariamente bien por parte de la crítica musical que no dudó ni un momento en tildarlo de trabajo maduro digno de su reputación.  Pues lo siento pero no estoy de acuerdo porque el disco me parece monótono y no a veces, sino en su totalidad, exceptuando uno de los cortes que recupera el Cíclope, Medusa.  Si en el álbum hubiera alguna composición más con el perfil que tiene ese tema hubiese sido un trabajo a tener en cuenta, pero desgraciadamente el resultado final es un disco de tensión baja, muy baja, donde Perry toca la gran mayoría de instrumentos exceptuando la batería y la guitarra steel, donde colaboran otros músicos, en ningún caso antiguos compañeros de DCD.  La producción corre de su cuenta y, obviamente, grabó en su casa/estudio.

Llegamos a la recta final del programa de hoy y lo vamos a hacer con uno de los miembros de Dead Can Dance que más ha colaborado con el tándem Perry/Gerrard, el percusionista y compositor Peter Ulrich.

Ulrich se unió al grupo en 1983 y ha sido de los pocos que ha repetido su colaboración en diferentes álbumes de estudio desde el disco de debut del grupo y en LPs y EPs posteriores como Garden of Arcane Delights, Within the Realm of a Dying Sun o Spiritchaser, entre otros.  Fue miembro fijo para las giras del grupo hasta 1990.  También colaboró ​​en el proyecto This Mortal Coil de Ivo Watts-Russell , contribuyendo con la canción At First, And Then en el segundo álbum, Filigree and Shadow.  También aparece como percusionista en los créditos de trabajos aparecidos en el sello 4AD como los de Michael Brook o Wolfgang Press.  Su debut en solitario, Pathways & Dawns, contó con el ex compañero de banda de Dead Can Dance, Brendan Perry, como productor y arreglista, producción que comparte con John A. Rivers y el mismo Ulrich.

Y así terminamos esta edición de Cíclope 3.0

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-01-03-22