Cíclope 3.0 - 15-03-22

 

Paul Gauguin tocando el harmonio en el estudio de Alphonse Mucha en 1895

Cíclope 3.0 del martes 15 de marzo de 2022.

La propuesta del Cíclope para el programa de hoy es una trenza formada por dos ramas del Arte: la Música y la Pintura.  Canciones que homenajean la figura de un pintor o que parten de un cuadro.  Una pinacoteca sonora que comienza por el retrato que realizó David Bowie en 1971 de Andy Warhol.

El Bowie de 1971 tenía la imagen que aparece en la foto de la izquierda.  Después vendrían los cambios, cada vez más diversos y camaleónicos.  Había comenzado en 1969.  Ya había sembrado una semilla luminosa que, con el paso de los años y de los álbumes grabados, iría adquiriendo cada vez más y más brillantez.  

En ese año de 1971 vio la luz Hunky Dory, un LP que contiene una de las composiciones representativas de la creatividad del Duque Blanco: Life on Mars?  En los créditos del disco figuras como la de Mick Ronson, un músico fundamental en el desarrollo de la obra de Bowie, tocando la guitarra eléctrica y acústica y encargándose de los arreglos; Rick Wakeman en los teclados y, por supuesto, Bowie como catalizador de la energía reunida en el álbum donde graba ese homenaje a la figura de Andy Warhol firmándolo con su nombre y apellido.

Andy Warhol (1928-1987)

  
Andrew Warhola conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y actor estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del Pop Art.  Comenzó como ilustrador profesional para adquirir fama mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.  Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, entre aristócratas y celebridades de Hollywood, entre modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.  Su nombre y apellido está entroncado con momentos de la Historia de la Música tan significativos como la aparición de The Velvet Underground.

Del retrato de un artista polifacético a una dedicatoria, la que realizaban en el año 1996 Manic Street Preachers a su admirado Willem de Kooning.

Manic Street Preachers

Manic Street Preachers surge a principios de la década de los 90 en la ciudad de Blackwood, País de Gales.  Con su estilo inspirado en The Clash y Sex Pistols, se  presentaron con una propuesta: intentar restaurar la revolución en el Rock & Roll en un momento en que Gran Bretaña estaba dominada por el sonido de guitarras guinglineantes, lo que se llamó irónicamente shoegazers y el Acid House psicodélico.  Comenzaron como cuarteto para quedar al final como trío.  Su imagen conscientemente peligrosa, sus inclinaciones izquierdistas, su rock duro y su estatus de outsiders ayudaron para que se convirtieran en uno de los favoritos de la prensa musical británica, cosa que favoreció la formación de largas listas de numerosos seguidores devotos y devotas de su música.

En 1996 publicaron Everything Must Go, un disco que incluye un tema, Interiors, dedicado a la memoria de Willem de Kooning.  

Willem de Kooning (1904-1997)

Willem de Kooning, pintor neerlandés nacido en Róterdam, se nacionalizó estadounidense.  Fue un exponente en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial del expresionismo abstracto.  Con el paso del tiempo  experimentó con nuevos movimientos artísticos como la escultura y la performance.

De un retrato sonoro y una dedicatoria a una canción basada en una obra: In the car... es una pintura original de Roy Lichtenstein, conocido sobre todo por sus obras, a gran escala, del arte del cómic.  Esa obra le sirvió como punto de fuga a Paul Weller para escribir una composición donde homenajea tanto el cuadro como a su autor.

Paul Weller primero fue el alma de la banda legendaria The Jam entre 1977 y 1982.  Después, entre 1984 y 2001, estaría al frente del proyecto The Style Council.  Paul Weller es un compositor, cantante y guitarrista extraordinariamente activo y prolífico.

Comenzó una labor en solitario en 1992, compaginándola con las últimas producciones de Style Council.  En el año 2015 apareció Saturns Pattern, el álbum en el que aparece ese tema titulado In the Car... basado en la obra del mismo nombre del pintor norteamericano Roy Lichtenstein.

In the Car...

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Roy Fox Lichtenstein, pintor de Arte Pop, artista gráfico y escultor.

En este bucle entre Música y Pintura que propone hoy Cíclope 3.0 nos quedamos ahora con otro homenaje, el que realizaban The Modern Lovers en 1976 en su álbum de presentación, bautizado de forma homónima, The Modern Lovers, que incluye una canción dedicada al gran Pablo Picasso.

El primer álbum de The Modern Lovers se publicó en 1976, pero en verdad se había grabado en 1973 con producción de John Cale.  Un jovencísimo Jonathan Richman (primero por la derecha en la foto) era su alma mater y motor y en ese primer disco, The Modern Lovers incluyen una canción original de Richman dedicada al pintor Pablo Picasso titulada con su nombre y apellido.  Cale haría  una versión que apareció en 1975 en su álbum Helen of Troy.  Tiempo después revisaría el tema David Bowie, en su disco Reality del año 2003.

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)

Pablo Picasso, creador junto a Georges Braque del movimiento cubista, está considerado como uno de los mayores pintores que participaron en los variados movimientos artísticos que se propagaron por el mundo desde el inicio del siglo XX.

En esta galería que propone Cíclope 3.0 están algunos pintores y sus obras sugiriendo canciones dedicadas a la figura del autor de un cuadro o tomando como punto de partida un lienzo concreto.  El siguiente nombre recibe un homenaje directo a su apellido: Basquiat.

Jean-Michel Basquiat (1960-1988)

 

De ascendencia haitiana por parte de padre y puertorriqueña por la madre, Jean-Michel Basquiat desarrolló un poliedro de capacidades a lo largo de su corta pero intensa existencia.  La actividad académica la dejó un año antes de finalizar el bachillerato, con 16 años.  Abandonó la casa familiar para vivir en la calle, ya fuese en edificios abandonados o en casas de los amigos.  Con apenas 17 años  se inició en el mundo del grafiti junto a su amigo Al Díaz.  Pintaban los vagones del metro y las paredes del barrio neoyorquino de Soho, donde abundan las galerías de arte, y firmaban con el pseudónimo SAMO, siglas de SAMe Old shit, la misma mierda de siempre.  Un par de años después abandona esta idea para fundar un grupo de música, Gray, donde tocaba el clarinete y el sintetizador.  No llegaron a más, a pesar de haber tocado en lugares emblemáticos de la cultura underground neoyorquina como la sala CBGB.  A Basquiat se le conoció, principalmente, por su pintura, por su fascinación por el expresionismo abstracto.

En memoria de este artista que falleció tan joven (aún no había cumplido los 28 años), la banda canadiense Cowboy Junkies le dedicaron un tema, My little Basquiat, aparecido en su álbum del año 2007 At the End of Paths Taken.

Los hermanos Timmins (Margo, Michael y Peter) junto al guitarra bajo Alan Anton, dando forma al colectivo Cowboy Junkies

Hace poco, finales del año 2021 y principios de este 2022, se pudo ver en Madrid en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza una retrospectiva del gran pintor belga René Magritte.

René Magritte (1898-1967)

 

Él protagoniza la dedicatoria de la próxima canción firmada por Paul Simon.

Simon había publicado discos con gran acogida por parte de crítica y público cuando se edita su álbum Hearts and Bones en 1983, un disco que, comercialmente hablando, fue un desastre.  

No se vendieron las suficientes copias como para cubrir las expectativas de la Industria Fonográfica que se enfrentaba a una de esas ironías de su vida: no era un disco comercial y sin embargo es su colección de canciones más personal, una de las más ambiciosas y una de las mejores, a juicio de sus más fieles admiradores.  Verdaderamente el disco contiene canciones que permanecen, canciones de una excelente factura como la que le da título al álbum.  Pero la que interesa para esta edición de Cíclope 3.0 es una dedicada a la figura de René Magritte, el pintor belga.  El tema en cuestión tiene un título cercano a los nombres con los que el pintor bautizó sus obras: Rene and Georgette Magritte with their Dog after the War (Rene y Georgette Magritte con su perro después de la guerra).

Georgette y René en una foto surrealista 

Nos situamos en la recta final de la galería sonora donde aún nos quedan algunos pintores con una de sus obras.  Volvemos al principio del programa de hoy pero lo hacemos compartiendo fecha, la de 1971, cuando se publican entre otros discos el segundo álbum firmado por Don McClean y titulado American Pie.

Don McClean, nacido y criado en New Rochelle, Nueva York, en 1945, fue un enamorado de la música folk desde su adolescencia.  Como músico supo cruzar la naturalidad de los sonidos acústicos del folklore de los años 60 con la introspección de un autor de los 70.  Su primer trabajo data precisamente de 1970, un LP titulado Tapestry que pasó sin pena ni gloria.

Pero un año después, en 1971, aparecía American Pie, el disco con el que inscribió su nombre en la Historia de la Música, apartado Rock.

El tema que le da título al trabajo es una de esas canciones millonaria en emisiones en las Emisoras no sólo de América sino también en todo el resto de continentes.  Son 8 minutos y 27 segundos, una larga y alegórica historia del Rock & Roll, larga para la época porque con esa duración se grababan otro tipo de canciones.  Por dicha duración, la versión  Single fue una tortura porque, 8 minutos no cabían en una sola cara, así que en la Cara A a los 4 minutos y pico el tema se iba desvaneciendo para seguir, en la Cara B, recuperando la canción donde se había quedado.  Una cosa francamente rara.

El tema American Pie fue la estrella del álbum homónimo, pero el disco incluía una canción que, si bien no llegó a ser tan representativa como la otra, sí tenía emoción y calidad, una canción dedicada a Vincent van Gogh y titulada sencillamente Vincent.

Vincent van Gogh (1853-1890)

La noche estrellada

El emotivo homenaje Vincent de McClean al pintor van Gogh tiene un punto de fuga y es el cuadro La noche estrellada.  El subtítulo de la canción es claro y transparente: Starry Starry Night, Noche estrellada.  El azul del cielo, la conjunción de colores del sol y de la luna brillando al mismo tiempo...  La canción American Pie, que le da título al álbum, se llevó el reconocimiento unánime, pero el disco contiene esta otra joya que perdura con el paso del tiempo.

El último cuarto de hora del programa de hoy lo va a ocupar dos bandas de los años 70: King Crimson y Emerson, Lake & Palmer.

Con King Crimson nos encontramos con otro caso de música que se origina a raíz de la contemplación de un cuadro, en esta ocasión es La ronda de noche original de Rembrandt.

El pintor y grabador neerlandés Rembrandt Harmenszoon van Rijn, conocido como Rembrandt, es probablemente de los pintores que más autorretratos tiene, junto a van Gogh.  Una especie de antecedente de lo que serían los selfis en nuestra era, solo que aquellos eran más artísticos.  En la pintura anterior uno de tantos autorretratos del autor.

En 1974, King Crimson editaba un álbum titulado Starless and Bible Black con la formación de Bill Bruford, John Wetton, David Cross y Robert Fripp (en la foto, de izquierda a derecha).  El disco incluye el tema The Night Watch (La ronda de noche) fruto de la contemplación de la obra homónima de Rembrandt.  Partiendo de la majestuosidad del cuadro, Fripp y compañía levantan una arquitectura sonora con esas estructuras cadenciosas, lentas, con ese sello personal que tenían aquellos King Crimson.  El tema está compuesto básicamente por Robert Fripp y el guitarrista inglés Richard Palmer-James, que colaboró en varias ocasiones con la banda aunque no llegara a ser directamente miembro de la Corte del Rey Escarlata.  The Night Watch, con un comienzo que llega de lejos, la instrumentación de guitarra eléctrica, batería/percusión, guitarra bajo y violín/viola alcanza un momento de arrebato que da paso a la espléndida voz de Wetton que se va trenzando con los instrumentos hasta conseguir una de esas composiciones memorables que dejó el Rey Carmesí de esos años.

Y ahora sí llegamos al final de esta pinacoteca sonora que propone el Cíclope para la edición de este martes, y lo hacemos con una obra mastodóntica, sin carga peyorativa en lo de mastodóntico, sino en el sinónimo de grande por todo lo que significó cuando apareció y por lo que tiene de perdurabilidad.  Me estoy refiriendo a la re-creación que realizó el trío Emerson, Lake & Palmer de la obra original de Modest Mussorgsky Cuadros en una Exposición.

Modest Mussorgsky, o Músorgski (1839-1881), fue un compositor ruso autor de óperas, poemas sinfónicos y suites.  Durante muchos años, sus obras se conocieron principalmente en versiones revisadas o completadas por otros compositores.  Muchas de sus composiciones más importantes han adquirido póstumamente sus formas originales y algunas de las partituras originales ahora también están disponibles.  Es recordado principalmente por su obra Cuadros de una exposición de 1874, escrita para piano aunque se hizo popular gracias a la adaptación para orquesta que realizó el compositor francés Maurice Ravel en 1922.  Músorgski compuso esta obra inspirada en diez pinturas y dibujos incluidos en una exposición póstuma de su gran amigo, el artista y arquitecto Víktor Hartmann (1834-1873), quien solo tenía 39 años cuando murió.  La exposición fue organizada por Vladímir Stásov (1824-1906), escritor y crítico musical.  ​ A manera de homenaje, el compositor quiso dibujar en música algunos de los cuadros expuestos y dedicó la partitura a Stásov.

En la década de los años70 del siglo XX el trío formado por el teclista Keith Emerson, el cantante y guitarra eléctrica, guitarra acústica y guitarra bajo Greg Lake y el batería y percusionista Carl Palmer, cada uno con un curriculum vitae de órdago, formaron la banda Emerson, Lake & Palmer.  

En 1971 veía la luz uno de los documentos seminales de la era del rock progresivo:  Pictures At An Exhibition, basado en la obra homónima de Músorgski.  La re-creación que hicieron se abrió camino en la audiencia más joven de principios de la década de los años 70 que, hasta ese momento, no había oído hablar de compositores de Música Clásica como Músorgski, por poner un ejemplo.  La versión realizada por el trío británico de Cuadros de una exposición es también el lanzamiento en vivo más enérgico y mejor realizado en el catálogo de su discografía, y presenta un caso bastante convincente para adaptar piezas clásicas tal y como fue realizada.  El disco llegó a millones de oyentes, incluida la comunidad clásica, de la que un gran número de seguidores de la música academicista se escandalizó por el resultado final y se rasgaron las vestiduras: la obra era algo parecido a una herejía, un asalto al Templo de la música seria.  Pero a pesar de todo terminó convenciendo.  Y eso que el sonido en vivo de principios de los 70 es un poco tosco para los estándares actuales, pero la rigurosidad de la interpretación compensa cualquier insuficiencia sónica.  

De los tres miembros del grupo, el que recibió una educación más académica fue Keith Emerson.  De sus años de conservatorio datan sus grandes pasiones de la música como la influencia, a la hora de sentarse al piano y componer, de Béla Bartók.  A pesar de eso, la obra de Músorgski no está tratada sólo y exclusivamente por Emerson sino que cada uno de los fragmentos de la obra está en manos de uno de los miembros del trío o por los tres.  El fragmento que resalta el Cíclope, tres momentos unidos en uno solo, está formado por La maldición de Baba Yaga escrito por Palmer, Lake y Emerson; La cabaña de Baba Yaga interpretada por el trío basándose en el fragmento original y Las grandes puertas de Kiev con Greg Lake recreando el fragmento, partiendo del mismo y añadiendo texto cantado, es decir, re-creando, volviendo a crear, volver a interpretar una partitura llegando a una meta diferente en su totalidad.

Desgraciadamente de los tres músicos que formaron el grupo tan solo queda vivo Carl Palmer.  Greg Lake, nacido en 1947, fallecía en el año 2016, en diciembre.  Y Keith Emerson, que nacía en 1944 fallecía también en 2016, como su compañero Lake, tan solo unos meses antes, en marzo.  A Emerson se le recuerda a veces por lo exhibicionista que era.

  

En 1972 se estrenó la película documental que recoge la actuación en vivo del trío en la sala Lyceum Ballroom, en Covent Garden, Londres, en 1972, interpretando íntegramente Pictures At An Exhibition.  La cinta estuvo dirigida por Nicholas Ferguson y se puede ver cómo Emerson le clava un cuchillo al teclado del órgano, mientras Lake y Palmer se miran, atónitos, preguntándose: ¿y esto?

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-15-03-22