Cíclope 3.0 - 08-03-22

 

Guitarra y armónica, dos instrumentos fundamentales en el programa de hoy

Cíclope 3.0 del martes 8 de marzo de este año en curso.  Al comienzo del programa de hoy nos trasladamos hasta el año 1970 con una sacudida de rock potente de la mano de un trío: Taste.

Taste fue el proyecto de un guitarrista irlandés llamado Rory Gallagher.  Con 18 años de edad formó, en su Irlanda natal, el trío formado por el guitarra bajo Eric Kittringham, el batería Norman Damery y él en la voz, guitarra eléctrica, armónica y, ocasionalmente, saxo.  Seguían una estructura de grupo moldeada por otro trío admirado: Cream.  Corría el año 1966 y Taste se fueron haciendo en actuaciones en vivo por toda Irlanda.  Dos años después, en 1968, con apenas 20 de edad, Gallagher se traslada a Londres y reforma el grupo quedando la misma estructura de guitarra, bajo y batería, pero ahora con el bajista Charlie McCracken, alias Richard McCracken, el batería John Wilson y Gallagher componiendo, cantando y, por supuesto, en la guitarra eléctrica.

 

         Richard McCracken

John Wilson

Rory Gallagher

Grabaron por primera vez en 1969 un álbum bautizado con el nombre del proyecto.  En 1970 se publicaba On the Boards el LP del que el Cíclope extrae ese What's Going On que hemos escuchado y en 1971 aparecía un álbum grabado en vivo que recogía la actuación del trío en la tercera edición del Festival de la Isla de Wight de 1970.

Tocaron el primer día del Festival, el viernes.

Permanecieron juntos el tiempo que duró la existencia del grupo.  Poco tiempo después de la aparición de este álbum que recoge la actuación de Taste en la Isla de Wight se separaron y Gallagher inició una labor en solitario que lo convirtió en una de las guitarras más importantes de la Historia de la Música.  Su forma de tocar el instrumento, la elocuencia que extraía de las seis cuerdas electrificadas, fue y es para muchas personas, el mejor guitarrista del mundo, como afirmó Jimi Hendrix cuando, al final de una actuación, un periodista le preguntó qué se sentía siendo el mejor guitarrista del mundo, a lo que Hendrix contestó: No sé, pregúnteselo a Rory Gallagher.

Gallaguer siguió fiel a la estructura de trío (guitarra, bajo y batería).  Incluiría en alguna ocasión un piano eléctrico pero básicamente trabajaba en formato de tres. 

Había nacido en la ciudad de Ballyshannon, en el condado de Donegal, en Irlanda, el 2 de marzo de 1948.  El Destino nos lo arrebató el 14 de junio de 1995.  Desde su fallecimiento, en Ballyshannon su ciudad natal, desde el año 2002, en el mes de junio, se lleva a cabo el Rory Gallagher International Tribute Festival, acto que conmemora el recuerdo de su figura.  En Irlanda es y sigue siendo una leyenda como muestra el que una calle de Dublín lleve su nombre y apellido y tenga, como decoración, una copia de su guitarra Fender colgada en la pared.

Foto realizada por quien escribe, gallagheriano hasta la médula

Taste grabaron tres álbumes (2 de estudio y uno en vivo).  Después de 1971 la industria fonográfica y sus tentáculos de sellos discográficos engrosaron la lista de títulos de la banda con la publicación de una serie de discos que recogían actuaciones en diferentes salas y locales.  Las ediciones en CD de cualquier grupo o solista se suelen ver hinchadas con la adhesión de pistas de Demos y versiones alternativas, tan innecesarias como inútiles porque, generalmente, son relleno que lo único que hacen es elevar el precio de la rodaja de plástico.  De Rory Gallaguer se ha publicado, en 2020, un disco que es una auténtica gozada, un documento sonoro que, debido a la fecha de publicación y encontrarnos bajo el arco gravitatorio de la ínclita Pandemia de la COVID-19, ha sufrido el stand-by, la pausa a la que se han visto sometidos tantos proyectos.  El disco en cuestión es este: Cleveland Calling.

Este disco recupera una grabación encontrada en una bobina de una hora (las antiguas cintas abiertas o carretes utilizadas en los magnetofones analógicos) y que estaba entre los archivos de Rory Gallagher que guardan sus herederos.  Se trata de una sesión acústica, inédita hasta el momento, de 45 minutos realizada en la emisora de radio WNCR de Cleveland, Ohio, el 7 de agosto de 1972 donde Gallagher tocó la guitarra acústica, la armónica y cantó en una entrevista que le hizo la locutora y DJ de la emisora, Carolyn Thomas.  No hay retoques posteriores, post-producción, el disco recoge lo que fue la conversación entre ambos y las 8 canciones que interpretó.  Para utilizar esas canciones las hemos editado, le hemos quitado toda la parte hablada para quedarnos tan solo con la música aunque en la resolución de algunos temas se cuela algún comentario por parte de la locutora.  Así que el disco es una pequeña joya para los amantes de la música del irlandés que llena todo con sus aires de Blues.

Y ya que estamos con sonidos bluesy y celebrando publicaciones como la anterior, ahora una alegría porque nuestro próximo invitado cumplió 88 años el pasado 29 de noviembre de 2021 y a pesar de ser un músico octogenario sigue en la brecha.  Acaba de publicar un disco nuevo, el número 60 de su larga discografía, siempre le hemos conocido como el Rey del Blues Blanco.  Lo mismo ya te has dado cuenta de que hablamos de John Mayall.

John Mayall

El mismo día de su cumpleaños, Mayall anunció que dejaba las giras estresantes pero que desde luego seguirá grabando discos.  Personalmente creo que ese abandonar las giras mastodónticas de meses saltando de una ciudad a otra, de un país a otro, es a lo que se refiere con giras estresantes, pero que si la sala, el local donde puede tocar está más o menos cerca, entonces eso es otra historia.  En definitiva, y esto es lo importante, Mayall sigue vivo y en activo.

El pasado mes de enero, el día 28, se publicaba The Sun is Shining Down, ese disco número 60 en su haber que sirve para mostrar que el Rey del Blues británico continúa con una evidente habilidad para escribir y grabar Blues Moderno, Blues vital rodeado de excelentes músicos.  Le acompañan los miembros de su banda actual formada por la guitarrista

  

 

Carolyn  Wonderland

el guitarra bajo

Greg Rzab

y el batería

  Jay Davenport

Son 10 temas los que forman el álbum, 6 composiciones firmadas por él y 4 versiones, trenzadas con un elenco de invitados estelares, la mayoría guitarristas cosa que no es de extrañar porque este es el hombre que dejó que se formaran y nos dio a Eric Clapton, Peter Green o Mick Taylor por citar algunos nombres.

Mayall por su parte canta, toca el piano, el piano eléctrico, el órgano Hammond y la armónica.  De este, por el momento, último trabajo el Cíclope extrae dos temas (ya volveremos en otra ocasión con más cortes del disco), uno de los temas originales de Mayall y otro donde la colaboración no es la de una guitarra sino la de un violín que toca Scarlet Rivera, una violinista que viene de tocar con Bob Dylan, entre otros, y que aquí interviene en dos temas.

Scarlet Rivera

Y como si se tratara del juego de la canasta de cerezas, sacamos una y detrás vienen varias más ensartadas.  Si sonaban aires de Blues con Rory Gallagher y hemos seguido con John Mayall, continuamos por caminos con la misma dirección vectorial, ahora con formación de trío: Blueshadow.

De izquierda a derecha Pablo Sanpa, Mingo Balaguer y Kid Carlos

Blue Shadow es el título del álbum firmado por el compositor, cantante y armonicista Mingo Balaguer en el año 2020.  Y Blueshadow es también el nombre de un nuevo proyecto, una banda formada por Mingo Balaguer, Pablo Sanpa y Kid Carlos nacida de su amor por el blues tradicional que se hacía a finales de los años 50 y a lo largo de los 60, interpretado por músicos como T. Bone Walker, BB King, Freddie King, Hound Dog Taylor, Little Walter, Sonny Boy Williamson, Big Walter Horton y otros.

El primer trabajo de Blueshadow, aparecido en el mes de enero de este año 2022, lleva por título Cookin' at Home.  Son 9 temas de los que 8 son versiones y una composición propia, un instrumental original del guitarrista Kid Carlos.

La principal característica del álbum es que está interpretado por la voz y armónica de Mingo Balaguer y las dos guitarras de Pablo Sanpa y Kid Carlos.  No hay guitarra bajo o bajo acústico, tan solo ellos tres y la inclusión de un batería, la del músico de origen italiano Stefano Di Rubbo, que aparece en 7 cortes de los 9.

Han apostado por una música de raíz a la antigua usanza, tomando como referencia aquellas melodías interpretadas por Little Walter que se acompañaba, en los años 50, por las dos guitarras de los hermanos David y Louis Myers y más tarde por los magníficos Robert "Junior Lockwood y Luther Tucker.  Con precedentes asentados en la Historia del Blues, con unas raíces que se extienden entre bandas actuales como por ejemplo Black Keys, Blueshadow se suman a esa herencia recreando esas composiciones que al versionar vuelven a dotar de nueva vida.  El Cíclope extrae 4 cortes de este Cookin' at Home, 3 versiones y el tema The Facepotato, instrumental compuesto por Kid Carlos que sirve para cerrar el álbum y a nosotros para abrir la audición de este trabajo.  El disco se ha grabado en los estudios Kidville propiedad del guitarrista Kid Carlos que se encargó de grabar y mezclar una grabación hecha desde el amor, las ganas y la pasión por el Blues, una triada de emociones y sentimientos que consiguen transmitir plenamente y que te dejan ganas de seguir escuchando más con la firma de Blueshadow.

Nos situamos en la recta final del programa y los minutos que quedan los van a ocupar una banda de Austin, Texas, que responden al nombre de Spoon.

El grupo se forma en 1993 capitaneados por el guitarrista, cantante, compositor y letrista Britt Daniel (en la foto el primero por la izquierda).  Toman su nombre del título de una canción de la banda alemana Can, un tema aparecido en formato Single en 1971 y posteriormente incluido en el larga duración Canibalism 1, de 1989, un álbum que reunía rarezas firmadas por Can que habían sido publicadas como sencillos o caras B de Singles.

Spoon es uno de los grupos de Rock Independiente más aclamados por la crítica.  Se ha ganado la reputación de ser consistentemente inventivo e ingeniosamente consistente.  Llegaron como intrépidos y temerarios músicos de Post-Punk en la calma Post-Grunge de mediados de los años 90.  Publicaron por primera vez en 1996 y entre ese año y 2002 lanzaron cuatro discos que favorecieron su floración como músicos que se hicieron un hueco en la realidad de la música del siglo XXI.  Despojaron al Rock de sus elementos más esenciales y luego usaron el espacio vacío que quedó para jugar con ritmos cambiantes, guitarras tensas y letras literarias en canciones con estructuras y formas que sonaban innovadoras y atemporales.  Esta mezcla embriagadora de Punk de precisión y Rock clásico serpenteante, finalmente le valió a Spoon un éxito comercial nada comprometedor a partir de los años 2005/2007 con la aparición de dos nuevos trabajos que significaron un devenir, una continua evolución sin dejar de ser fieles a sus raíces a lo largo de 12 álbumes, por el momento.

Lo último que se ha publicado de ellos es el álbum Lucifer on the Sofa, que aparecía el pasado mes de febrero, en concreto el día 11.  El disco es una auténtica rareza en estos tiempos porque que salga un trabajo con 10 canciones de las que 8 merecen la pena es un hito en nuestros días.  Habitualmente uno se queda con un puñado, un ramillete de 3, a lo sumo 4 temas, pero 8 de 10...eso es difícil, y lo será aún más cuando aparezca el siguiente disco porque este pone el listón muy alto.

Lucifer on the Sofa tiene todos los componentes habituales de la música que elabora Spoon basada fundamentalmente en el sonido de las guitarras, en el tejido que trenzan con las doce cuerdas (son dos guitarristas) que aquí y desde hace algún tiempo, se enriquece con teclados, piano sobre todo, y el añadido de un saxo.  De base son un cuarteto pero en los últimos años las filas del grupo se han ampliado y pueden ser quinteto o sexteto.  No vamos a escuchar esos 8 temas que, en mi opinión, merecen la pena, pero sí vamos a entresacar 3.  El resto lo iremos escuchando en próximas ediciones de Cíclope 3.0  Por ahora nos quedamos con Wild para entrar en este nuevo trabajo de la banda y uno de los cortes del disco que me parece más brillante, The Hardest Cut, una canción que tiene el perfil de la música de la banda, con una estructura e interpretación guitarrera que, a mi, me tiene atrapado.  Escucho la canción una y otra vez.  El punto y final lo pone On the Radio.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-08-03-22