Cíclope 3.0 - 08-10-24

 

Cloudburst - Robert y Shana ParkeHarrison

Cíclope 3.0 del martes 8 de octubre de 2024.  Comenzamos esta edición lanzando un boomerang desde el siglo XXI que va a recorrer en su vuelo de movimiento giratorio, caminos musicales de otra época.  Lo primero que suena es una canción articulada sobre un extraordinario contrabajo titulada Wish It Was, Ojalá fuera así.  La firma la banda Magna Carta.

 

Comenzaron en 1969 con la formación (de izquierda a derecha) organizada sobre las figuras de Lyell Tranter (1946-2022) guitarra y voz, Glen Stuart voz, y Chris Simpson guitarra y voz.  La formación original reunió a Simpson y a Tranter, miembros fundadores de Magna Carta.  Después se asentarían como trío y a lo largo de su extensa vida musical cambiaron en varias ocasiones de integrantes, manteniendo el espíritu folk que caracterizó al proyecto.  Nunca han llegado a ser, estrictamente hablando, un grupo de folk puro, pero han utilizado, desde sus comienzos, elementos folk y tradicionales en sus composiciones y sonido.  

La canción con la que hemos comenzado hoy pertenece a un LP de 1973 titulado Lord of the Ages que, con el paso del tiempo, se ha llegado a catalogar como Folk Progresivo.  Del trío original sólo quedaban Glen Stuart y Chris Simpson.  El resto de la formación cambiaba y ampliaba con la intervención de varios colaboradores, entre otros el hombre que toca el contrabajo, Danny Thompson

un músico del mundo del Jazz del que hemos hablado no hace mucho, en concreto en el Cíclope del martes 10 de septiembre, en el Especial David Sylvian # 4, donde aparece en los créditos del álbum de Sylvian, Secrets of the Beehive.

Lord of the Ages de Magna Carta sería el primer disco que se publicó en España del grupo.  Los primeros años de la década de los años 70, el sello discográfico Fonogram, en España, publicó la serie 70's Pop Sound, una colección de LPs recopilatorios de la producción de bandas y solistas de principios de dicha década entre los que se encontraban Genesis, Black Sabbath, Lindisfarne, Magna Carta...  Eso fue lo que se conoció del entonces trío antes de la aparición de su LP de 1973.  La banda se había formado en Londres, en 1969 y ese mismo año hizo su debut en el Coalhole Folk Club en Cambridge.

Todo les fue concedido en esa misma fecha de creación del grupo, actuación de presentación y grabación de su primer LP bautizado de forma homónima, Magna Carta.  Se les llegó a comparar, con cierta sorna, con Simon & Garfunkel, pero cualquier parecido es meramente una especulación personal de los que quisieron ver esa más que lejana referencia.  De ese su primer trabajo, el Cíclope recupera una canción marcada por las influencias ambientales de la música de la época, esta Times of Change.

La estructura de las voces, esa manera casi angelical de cruzarlas en armonía...te llevan directamente a una influencia clara, transparente y diáfana, como la luz del día: la de The Byrds.

The Byrds fueron, son y serán, un ascendiente en muchos grupos y en solistas.  Sobre todo en grupos, por aquello de la unión de guitarras y voces.  Un solista, sólo, no puede crear un arco iris de sonido así a no ser que se reúna de varios intérpretes, así que lo lógico es hablar de bandas receptivas a ese influjo.  Byrds asentaron las bases de un rock psicodélico, caleidoscópico y rico en matices.  Su LP de 1966, 5th Dimension, recoge visiones que sobrevuelan los anillos de Saturno volando en una alfombra mágica de las Mil y Una Noches, como la de la foto que ilustraba este magnífico álbum que incluye cortes firmados por el trío Gene Clark / David Crosby / Roger McGuinn como este que recupera el Cíclope: Eight Miles High.

En 1969, de la formación original quedaba tan sólo la guitarra y el ingenio de Roger McGuinn.  El 3 de febrero de ese año el grupo publicaba Dr. Byrds & Mr. Hyde, un LP que incluye una versión muy interesante de un tema original de Bob Dylan firmado a medias con Rick Danko (1943-1999), guitarra bajo de The Band.  El tema es This Wheel's On Fire, una canción que, años después, llegarían a reinterpretar Siouxsie and The Banshees en una versión que escandalizó a la audiencia.  

Ya que estamos con versiones vamos a recuperar una del tema Eight Miles High original de los Byrds.  La realizan cuatro músicos holandeses reunidos bajo el nombre de The Thought (en la foto anterior).

Originalmente fueron un quinteto, los hermanos Cock y Jan De Jong, Rob Marienus, Rob Van Zandvoort y Wieb Zigtema.  Creo recordar que fue Jan De Jong el que abandonó al grupo y que, como cuarteto, firmaron el álbum homónimo en 1985.  No fue el primero, a pesar de la incierta costumbre de bautizar el primer trabajo con el nombre del grupo o del solista.  La versión que hicieron de la canción de los Byrds estaba pasada por la electrónica (cajas de ritmo y otros instrumentos), no había guitarras, o más bien dicho, no hubo gama de guitarras electro-acústicas (6, 12 cuerdas) y las voces estaban trabajadas aunque distaban de esa pluralidad armónica que tenía el original, pero sonaba bien, al menos como homenaje en plena década de los 80.

Dije más arriba, al comienzo de esta entrada, que lanzábamos un boomerang desde este siglo hacia atrás.  El continuo flap-flap-flap del vuelo giratorio del objeto de madera nos devuelve a nuestra época y a una metáfora de una caravana.  Vamos de vuelta a casa guiados por la voz de esta mujer que aparece en la foto siguiente: Lizz Wright.

Nacida como Elizabeth LaCharla Wright en 1980, en Hahira, Georgia, desarrolló su pasión por la música desde muy joven. Su padre era pianista y director musical de la iglesia local y animó a su hija a absorber himnos clásicos. Con el tiempo, Wright añadió blues y jazz a su paleta musical que contaba también con elementos de gospel, folk y soul.  Es una mujer con una ductilidad en la interpretación extraordinaria, con su voz de contralto.

Vamos a escuchar un par de temas de esta mujer, uno del pasado inmediato, Coming Home, incluido en su tercer disco The Orchard, de 2008.

El segundo corte que escuchamos de ella pertenece al álbum Shadow, publicado el 12 de abril de este año en curso, 2024, un tema titulado Your Love.

Wright interpreta composiciones propias y realiza versiones de clásicos como Cole Porter o recupera a compositoras e interpretes como es Sandy Denny, que además de tener una discografía propia también fue voz de la banda Faiport Convention.  Cuando Wright participaba con su voz de formaciones de coros se le presentó una oportunidad porque estuvo en el lugar apropiado en el momento justo: Joe Sample (1939-2014), entre otras cosas, fundador del grupo The Crusaders, publicaba en el año 2002 su álbum The Pecan Tree.  Ahí fue donde Lizz Wright hizo su debut en el mundo discográfico: Sample escuchó voces de coros buscando posibles colaboraciones y la de ella le llamó la atención tanto como para entresacarla del grupo coral.  El primer disco en solitario de ella aparecía un año después, en 2003.  Sample no estuvo entre la nómina de músicos colaboradores, pero ayudó presentándole a una serie de instrumentistas que se acercaron atraídos por la voz, por la forma de hacer que tenía esta muchacha.  

Otras mujeres no han tenido tanta fortuna de estar en esa encrucijada de caminos que, a su vez, se van abriendo en senderos que llevan a otros y a otros y las posibilidades se se van transformando en hechos y las ideas adoptan formas concretas.  Hay quienes han tenido que luchar contra viento y marea como es el caso de la siguiente compositora e intérprete: Rokia Traoré.

 

Rokia Traoré nace en Mali en 1974.  La profesión de su padre, diplomático, conllevaba un continuo desplazamiento geográfico por lo que la infancia de nuestra protagonista pasó viajando por varios continentes y ciudades: Argelia, Arabia Saudita, Bélgica, Francia.  Este abanico colorista le facilitó el aprendizaje de una variedad de estilos musicales amplio desde música académica, jazz, pop, hasta composición tradicional india.  Su familia fue una bendición y al mismo tiempo una maldición en referencia a su vida creativa como compositora e intérprete.  Te cuento por qué.  La familia formaba parte de la nobleza de Mali, que tiene prohibiciones de casta tradicionales que impiden a sus miembros hacer música.  Un ejemplo de estas prohibiciones fue el caso de Salif Keita, que era miembro del pueblo mandinga, para quien toda esa estructura fue una carga casi insuperable.  En el caso de Traoré las restricciones eran muy estrictas.  El grupo étnico Bamana tenía su propia tradición musical, especialmente entre las mujeres, con intérpretes llamados griots que viajaban para actuar en bodas y reuniones.  El estilo de Rokia Traoré, sin embargo, tiene poco en común con los griottes.  A diferencia de su característico sonido de quejido, su voz es suave y gentil, y sus arreglos hacen uso de instrumentos tradicionales como el balafón o baláfono, instrumento de teclado de madera, con resonadores de calabaza; el n'goni o kameln'goni, un instrumento mezcla de arpa y de laúd, considerado el antepasado del banjo; la kora, también mezcla de arpa y laúd; y no olvida la guitarra acústica y el bajo eléctrico.

Lo primero que se conoció de Rokia Traoré fue su álbum Mouneïssa, publicado el 1 de septiembre de 1998.  El disco tuvo otra edición anterior, en 1996, con un subtítulo, Mouneïssa (Dédié Aux Enfants...).  Son las mismas composiciones en ambos, la única variante es el orden y el subtítulo.  Es un trabajo más arraigado en las formas y en las maneras del país de donde viene.  Son composiciones de perfil étnico, con un sesgo tradicional que mantendrá en los discos que van desde 1998 hasta 2013.  Después se abrirá a otras formas de expresión.

En 2016 aparecía Né So, un disco en el que incluye una interesante versión de un clásico: Strange Fruit.

Estamos en la recta final del programa de hoy y nos vamos a ocupar de una tercera figura femenina.  Ha sonado Lizz Wright, de Hahira, Georgia, después Rokia Traoré, de Mali, y ahora para cerrar esta edición de Cíclope 3.0, una mujer original de Portland, Oregon, llamada Esperanza Spalding.

Su instrumento como intérprete es el contrabajo, pero su alma es la de una abeja obrera de la música.  Está entroncada con el mundo del Jazz pero posee un conocimiento tan amplio que es capaz de polinizar diferentes formas, maneras y estilos.  

Nace en 1984, como se ha indicado unas líneas más arriba, en Portland, Oregón.  Spalding sufrió neumonía crónica y artritis reumatoide juvenil, efectos secundarios de un trastorno de deficiencia autoinmune.  Pasó gran parte de su infancia recibiendo educación en casa.  Fue durante esos años, a partir de los cinco años de edad, cuando comenzó a tocar el violín después de ver a Yo-Yo Ma actuar en un programa de televisión.  Destacó en el instrumento y se unió a la Sociedad de Música de Cámara de Oregón.  Con 15 años fue nombrada violinista concertino del conjunto.  También fue a los 15 cuando regresó a la escuela pública, donde se unió a la banda de la escuela y comenzó a tocar el contrabajo acústico. Inmediatamente se hizo con el instrumento y a los 16 años volvió a dejar la escuela para centrarse en la música a tiempo completo.  Completó un GED (Prueba de desarrollo educativo general), se inscribió en clases en la Universidad Estatal de Portland, y obtuvo su licenciatura en solo tres años.  También comenzó a tocar a nivel local y a estudiar en privado con destacados artistas de Jazz.  Dejó Portland para trasladarse a la Escuela de Música Berklee en Boston, donde se graduó en 2005 y posteriormente fue contratada como instructora, convirtiéndose en el miembro más joven del cuerpo docente de la escuela con 20 años.  Aparte de la docencia, Spalding comenzó a sembrar y a recoger los resultados de una floreciente carrera como intérprete, liderando su propio trío y trabajando con una gran cantidad de artistas, entre ellos Joe Lovano, Patti Austin, Michel Camilo, Charlie Haden, Pat Metheny...  Un inciso: me pregunto si esta mujer descansa alguna vez porque, es extraordinaria la actividad que tiene, no sólo porque se mueva en tantos campos, sino por la extraordinaria creatividad, versatilidad que tiene.  Cierro el inciso.

La primera vez que Esperanza Spalding aparece en un disco firmado con su nombre y apellido es en el año 2006, en concreto el 18 de abril, cuando se publica su álbum Junjo.  Formato de trío (piano, batería y contrabajo) con ella además cantando, y tocando el contrabajo, claro.

Spalding tiene una agenda de amigos dorada.  El músico brasileño Milton Nascimento, titán de la música más poliédrica surgida en el cono sur de América, es alguien que ya intervino en alguna grabación de nuestra protagonista.  

Este año 2024, el 9 de agosto, veía la luz Milton + Esperanza, el último trabajo por el momento de esta mujer.  Es un disco ingenioso, lleno de composiciones llamativas, de colaboraciones (Paul Simon en una canción dedicada a él), de versiones como es ese Outubro, un corte original de Nascimento que él incluía en su segundo LP, Courage, de 1969.  Pero si de versiones llamativas se trata, la que realizan ambos del tema A Day in The Life de los Beatles se lleva la palma.  Esperanza Spalding, además de tocar el contrabajo y poner la voz, se encarga de la producción de un trabajo que aparece en la discografía tanto de Milton Nascimento como en la de ella.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - Especial David Sylvian # 5

David Sylvian

Cíclope 3.0 del martes 1 de octubre de 2024.  Especial Discografía de David Sylvian # 5 y no número 4, como digo erróneamente al comienzo de la locución del programa.  Esta edición está ocupada por dos álbumes: uno suena casi al completo, del otro adelantamos dos cortes para escucharlo con más detenimiento en la edición del Especial David Sylvian del mes de noviembre.

Hoy nos ocupamos de una reunión que se llevó a cabo en 1991, cuando todos los integrantes de la banda Japan vuelven a reunirse para sacar a la luz un trabajo que se mueve entre lo onírico y el viaje interior, un paisaje quebradizo que ilustrará el fotógrafo japonés Shin'ya Fujiwara

Shin'ya Fujiwara en la foto de la izquierda, el fotógrafo responsable de esta foto que reproducimos a continuación, base para el montaje de la carpeta del proyecto Rain Tree Crow.

David Sylvian grababa en 1987 Secrets of the Beehive, firmando por última vez con su nombre y apellido un disco.  Tras ese álbum, comienza un periodo de crisis personal: no cuaja nada, ni musical ni relacionado con las artes plásticas.  No consigue trazar la trama sonora de exposiciones de esculturas, de pintura donde se le pide su lúcida colaboración.  Ensaya momentos, instantes captados a través de la fotografía...pero únicamente consigue retratar el vacío sin sentido que le acosa.  Da un paso adelante y se apoya en amigos: el músico Holger Czukay le sale al paso y tira de él para que le ayude a concretar una serie de composiciones.  La idea entusiasma a nuestro hombre y entre 1988 y 1989 aparecen dos trabajos firmados a medias con el antiguo miembro de Can.  Además, los dos trabajos aparecen firmados a medias entre los dos músicos, encabezado el binomio por el apellido Sylvian y...  Es en 1990 cuando, la discográfica que estuvo detrás de los discos de Japan, le proponen a nuestro hombre y al bajista de la banda, Mick Karn, que unan esfuerzos y firmen un disco entre ambos.  Karn propone que se una también el teclista, Richard Barbieri.  Y siendo así, que venga también Steve Jansen, el batería/percusionista hermano de David.  Exceptuando a Rob Dean, guitarra, ausente, todos los demás son la base de Japan.  Bueno...ya puestos, piensan las cabezas iluminadas de la discográfica, ¿por qué no resucitamos a Japan?  Jansen fue el último en salir del despacho del ejecutivo del sello discográfico.  Siempre ha mantenido un talante calmado, pero el resto, los otros tres, salieron escopetados.  Bueno, vale, venga: nada de reuniones para volver a entrar en la misma dinámica, en los mismos tira y afloja.  ¿Con qué se cuenta?, ¿qué material hay?  Sylvian y Karn habían estado escribiendo música, realizando alguna que otra demo por el simple hecho de estar activos...pero el maestro Sylvian andaba cabizbajo.  Su hermano, sin tirar de él claramente, iba situando alguna que otra pista en el camino del hermano mayor para ver si captaba su atención y conseguía poner en marcha la maquinaria creativa.  Bueno...parecía que la cosa funcionaba, más o menos:

Steve Jansen se puso al frente de la batería y de la percusión, como es habitual en él.

Mick Karn estaría en la guitarra bajo, sacando esas notas que parecen extraídas de unas cuerdas que parecen cartílagos palpitantes.  Además toca el saxo.

Richard Barbieri se sienta ante los teclados en general.

David Sylvian no sólo será la parte vocal, sino que se va a situar ante el Órgano Hammond, Guitarra (más dicho, Guitarras), Efectos de Radio de onda corta, Piano eléctrico, Marimba, Sintetizadores, Percusión...  Escribe los textos de los diferentes cortes y de la música se encargan los cuatro miembros del proyecto, así como de la producción.

Rain Tree Crow no va a ser un proyecto al uso, una banda que graba un primer disco, que sale de gira y vuelve a los estudios de grabación para preparar una nueva entrega.  De eso, nada de nada.  RTC es una idea abstracta, un significante tan poco definido como la foto que escogen para la cubierta del disco

El disco es una colección de composiciones que reflejan un catálogo de emociones vividas en un viaje por carretera a través de un paisaje lunar iluminado por un sol que se acerca al Sol de Medianoche de tierras noruegas.

 

Contraportada del disco homónimo de Rain Tree Crow: el espejo retrovisor como punto de fuga para iniciar un viaje interior del que vale la pena un buen montón de canciones que forman el disco.  Se comenzó a gestar a finales de 1990 y el 20 de abril de 1991 veía por fin la luz.  Además de los cuatro ex-miembros ya citados de Japan, también colaboraron músicos que venían de haber trabajado con Sylvian en solitario como los guitarristas

Bill Nelson, músico, pintor y fotógrafo británico fundador del grupo Be Bop Deluxe.

  

Michael Brook, guitarrista canadiense, de Toronto

Phil Palmer, guitarrista británico de sesión presente en las grabaciones de Sylvian en solitario.

También colaborador habitual de nuestro protagonista el compositor e intérprete Brian Gascoigne, que fue teclista de la conocida Stomu Yamash'ta's East Wind, capitaneada por Tsutomu Yamashita, conocido como Stomu Yamash'ta, percusionista, teclista, compositor y artista experimental japonés.

El primer tema que abre el disco Rain Tree Crow, Big Wheels in Shanty Twon, es un corte instrumental que tiene dos voces de acompañamiento.  Una es la de Djanka Diabate, en la foto anterior, cantante de Costa de Marfil, radicada en Francia.

 

La otra es la voz de Djene Doumbouya, cantante y compositora guineana también radicada en Francia.

De los 12 cortes que conforman Rain Tree Crow, escuchamos 9.  Creo que así tienes una buena audición de lo que fue esta reunión de los antiguos miembros de Japan.  No volverían a reunirse los cuatro de esta forma, aunque sí colaborarían entre ellos formando proyectos temporales o circunstanciales, dando como resultado algo siempre interesante por algún aspecto.

Y entramos en la recta final de esta edición de Cíclope 3.0, quinta entrega del Especial David Sylvian.  No nos va a dar tiempo sino a escuchar un par de temas de un álbum al que prestaremos una audición más detallada en la próxima edición de este Especial, la correspondiente al mes de noviembre.  Nos van a servir este par de composiciones como adelanto de lo que fue, en 1993, el primer trabajo firmado a medias entre Robert Fripp y David Sylvian, un álbum titulado The First Day.  

 

Esta va a ser una de las colaboraciones más fructíferas que van a tener tanto un músico como otro, porque para ambos sería un intercambio particularmente enriquecedor.  

Fripp y Sylvian estaban destinados a encontrarse y a intercambiar ideas.  Todo empezó cuando el guitarrista tuvo la oportunidad de cruzar algunas improvisaciones musicales con nuestro protagonista entre final de los años 80 principios de los 90.  Entonces el planteamiento fue hacerle una propuesta a Sylvian: que entrara a formar parte de King Crimson.  Una cosa es dejar que una sesión improvisada adquiera cada vez más intensidad y otra pertenecer a la disciplina férrea de la corte del Rey Carmesí.  Sin malos rollos ni nada pero, no gracias.  Y sin malos rollos continuaron los dos firmando los discos como Robert Fripp & David Sylvian o a la inversa, David Sylvian & Robert Fripp.  El producto del tándem Fripp/Sylvian se muestra por primera vez a principios de los 90 con la edición de una serie de discos no oficiales como Live' in Italy de 1992, poco antes de la aparición de Kings, otro álbum que se sumaría a esa lista de discos no oficiales entre los que se encuentra uno que es el eslabón entre esa corta discografía y la otra parte de la misma, la oficial, digamos.  Ese disco, ese eslabón no perdido, es The Day Before.

Es el antepasado directo del trabajo The First Day, las mismas composiciones pero en orden diferente, ambos grabados en vivo con el mismo personal:

Trey Gunn en el Chapman Stick, el instrumento creado por el luthier californiano Emmett Chapman a finales de los sesenta y que es una mezcla entre guitarra eléctrica y guitarra bajo que se toca utilizando la técnica de tapping, que consiste en tocar el instrumento por el cuello de este con ambas manos presionando las cuerdas sobre el diapasón.  Uno de los primeros que utilizó de forma habitual el Chapman Stick fue Tony Levin tanto en el seno de King Crimson como en sus colaboraciones con Peter Gabriel.

En la guitarra, además de Robert Fripp, colabora el combo de guitarristas conocido como California Guitar Trio

formado por (de izquierda a derecha), Hideyo Moriya, guitarrista japonés asociado a los cursos de Guitar Craft / Guitar Circle, fundado por Robert Fripp en marzo de 1985; Paul Richards, guitarrista norteamericano de Salt Lake City, residente en Hollywood, también relacionado con los cursos de Guitar Craft / Guitar Circle y por último otro guitarrista del circuito fundado por Fripp, Guitar Craft / Guitar Circle, el músico belga Bert Lams.  Una particularidad: no hay batería ni percusión, lo que le da a la grabación un aire marcado de demo.  Los créditos de este álbum, The Day Before, se cierran con David Sylvian en la voz y Robert Fripp en la guitarra.  El disco aparecería en la discografía de ambos, del dúo, como un disco no oficial, un álbum bootleg, una grabación pirata que no tiene nada, absolutamente nada en común con las características de un disco así, que se pueden resumir en un sonido paupérrimo.  Este, no, en absoluto.  La responsabilidad de la grabación fue particular, privada, de alguien del público que, sin lugar a dudas, tuvo acceso a la mesa de sonido para obtener señal limpia de lo que se produjo en el escenario.  De hecho el público está ahí, al fondo, muy al fondo, y lo normal en un disco pirata es lo contrario: público en macro primer plano y la música allí, al fondo de una tinaja o de un tubo.  En cuestión de meses se metían en los estudios de grabación y volvían a repetir el mismo programa contenido en aquella actuación solo que en orden cambiado, exceptuando algunos temas y con una formación casi idéntica: repite Trey Gunn con su Chapman Stick; sí hay batería/percusionista, Jerry Marotta

David Bottrill, ingeniero y productor de sonido canadiense, se encarga de efectos de sampleados, computadoras.  Se encarga también del sonido e inclusive colabora en la composición de algún tema. 

En la percusión colabora Marc Anderson, batería, percusionista, compositor, productor y profesor de música estadounidense de Austin, Minnesota.  Es más conocido por sus extensas colaboraciones con el guitarrista Steve Tibbetts.  Anderson también es profesor adjunto en el departamento de Antropología de la Universidad Hamline en St. Paul, Minnesota.

Los créditos de colaboradores se cierra con la poeta y vocalista mexicano-estadounidense Ingrid Chavez.  Estuvo casada con Sylvian entre los años 1992 a 2005.

El disco se grabó en estudio, a diferencia de su antecesor grabado en directo.  Que la grabación se realizara en estudio permitió pulir los diferentes temas compuestos en la letra por Sylvian.  De la música se encargaron varios miembros, Sylvian entre ellos.  Él junto a David Bottrill, se encargaron de la producción del álbum del que vamos a escuchar dos temas.  Sirven para captar el perfil del trabajo que da como resultado final algo absolutamente diferente a lo que hace Robert Fripp con King Crimson, y algo distinto a los paseos interiores por jardines zen que realiza Sylvian.  Volveremos con ellos dos en el Especial David Sylvian del mes de noviembre.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 24-09-24 - Especial Siouxsie and The Banshees # 1

Susan Janet Ballion más conocida como
Siouxsie Sioux

Cíclope 3.0 del martes 24 de septiembre de 2024.  Último martes de mes y este día comenzamos un nuevo Especial Discografía en Cíclope 3.0

En el mes de junio cerrábamos el Especial Joe Jackson.  Tendríamos que haber comenzado un nuevo Especial en julio, pero hacer la primera entrega para marcharnos de vacaciones en agosto y continuar con la segunda entrega en septiembre...no nos gustaba la idea.  Mejor dejarlo para la nueva temporada, para septiembre, y así el último martes del mes empezar una nueva entrega del esquema Especial Discografía.  Y eso es lo que hemos hecho.  El martes 24 levantamos la estructura gótica necesaria para que la suprema sacerdotisa del Rock Gótico, Siouxsie Sioux, desarrolle todos los cambios posibles junto a su banda, The Banshees.  Estamos dispuestos a compartir contigo la discografía completa del grupo y hoy nos vamos a ocupar de sus dos primeros LPs, previamente vamos a ir situándonos en el Tiempo.

A pesar de sus numerosos cambios de formación y cambios de textura, Siouxsie and the Banshees fue una de las bandas más longevas que surgió de la comunidad Punk de Londres a finales de la década de los años 70.  A lo largo de una labor musical que duró dos décadas, evolucionaron de una banda de Punk artístico primitivo y abrasivo a una unidad elegante y sofisticada.  El proyecto del grupo surge en el Bromley Contingent, un grupo notorio de fanáticos rabiosos de los Sex Pistols.  Deben su nombre a Bromley, un suburbio de Londres ubicado en el Condado de Kent, donde vivían muchos de los que llegarían a estar dentro del movimiento Punk británico.  De hecho sería el pilar en lo que respecta al desarrollo de la corriente punk en el Reino Unido y sus posteriores transformaciones en ámbitos no solo musicales, sino también estéticos y visuales.

La formación inicial de los Banshees comienza en 1976 con Siouxsie Sioux al frente vocal

Steven John Bailey, conocido como Steven Severin, guitarra bajo

Marco Pirroni en la guitarra

y John Simon Ritchie, que poco después asumió el nombre artístico de Sid Vicious, en la batería

El año de creación del proyecto fue 1976, el mes y el día del bautizo, 20 de septiembre, el primero de los dos días que duró el Punk Festival, celebrado en el Club 100 de Londres.  Tocaron junto a Sex Pistols.  La actuación de la banda de Siouxsie, completamente improvisada, consistió en una interpretación salvaje de 20 minutos de la oración Padre Nuestro, The Lord's Prayer, que aparecería en el segundo LP de la banda, Join Hands, de1979.

Una vez pasada la ceremonia de bautizo, Siouxsie and the Banshees se reforma: el batería John Simon Ritchie pasó a tocar la guitarra bajo en Sex Pistols y ya no dejaría de llamarse Sid Vicious; Marco Pirroni no dejó la guitarra pero ya no seguiría tocándola en The Banshees sino que entraría a formar parte de Adam and the Ants.  Tan solo quedaron Siouxsie Sioux en la parte vocal y Steven Severin en la guitarra bajo.  Los nuevos miembros serían John McKay en la guitarra

y Kenny Morris en la batería

Sería una formación con visos de durar, por lo menos, un par de años.  

El 18 de agosto de 1978 aparecía el primer single de la banda Siouxsie and the Banshees con el título Hong Kong Garden.  Iba incluido en lo que sería su primer larga duración, The Scream, que se publicaba el 13 de noviembre de ese año de 1978.

Fue un debut discográfico bastante bueno.  The Scream fue acogido por una audiencia que recibió el caleidoscopio de sonido del grupo como una deseada y esperada lluvia en una pertinaz sequía, porque fueron años donde lo distinto, lo diferente, agarraba como una planta deseosa de florecer.  El instrumento que dirige las composiciones es la guitarra eléctrica en manos de John McKay, saxofonista ocasional.  El espectro del sonido del grupo oscila entre los picos de la guitarra metalizada, oscura, y la batería, que incide aunque no desarrolla un cierto tribalismo.  Lo de música tribal vendría después, cuando los timbales de base de la batería reuniesen vibraciones más marcadas.  Pero eso será después.  Siouxsie canta e interpreta con una voz distintiva y dominante.  Comenzaba, en este disco, a contar historias y a trenzar meditaciones líricas sobre vidas y situaciones fracturadas con las que ganó una atención bien merecida a lo largo de los años.  Esta primera entrega de la labor musical de la banda recogía algo que fue constante en su discografía: los singles.  Auténtica pesadilla para los coleccionistas, los sencillos que se publicaron, los Singles, fue una auténtica prueba de paciencia para quienes intentaban conseguirlos porque las ediciones variaban según el país.  Un ejemplo de esto fue el sencillo Metal Postcard

Se publicó en Alemania primero, por lo cual  Metal Postcard aparecía con el título en alemán Mittageisen.  Meses después lo haría en Inglaterra y otros países europeos.  El mercado americano es otra historia.

En la cara B del sencillo, copia alemana, inglesa o transilvana, aparecía el tema no incluido en ningún LP, Love In A Void.

Otras de las canciones que ocuparían formato de Single fue The Staircase (Mystery).  El tema de la variedad y dispersión de los Singles llevó a la discográfica de la banda a publicar, con el paso de los años, un par de álbumes recopilación de sencillos.  Y aún y así, se quedaron fuera un montón de composiciones, sin olvidar las caras B de esos sencillos, ocupadas habitualmente por temas que no han aparecido en formato larga duración nunca.  Cierto que solían ser temas de relleno, pero hubo algún caso que en verdad merecía la pena recuperar algún que otro corte.

Las canciones de The Scream están escritas por los cuatro miembros de la banda o por dos, o por tres.  Siouxsie se encarga en cuatro ocasiones de escribir las letras.  Son todos temas originales, excepto una versión, Helter Skelter, de los Beatles.  La producción del álbum cuenta con la colaboración del grupo, pero principalmente está dirigida por un hombre fundamental en la música de finales de los 70 y principios de los 80, Steve Lillywhite.

Llegamos a 1979, al 7 de septiembre, fecha de la publicación del segundo LP de nuestros protagonistas con el título Join Hands.

Idéntica formación que en el álbum anterior para un trabajo en el que el perfil de música tribal adquiere cuerpo a través de la percusión del batería Kenny Morris.  Un álbum relativamente más oscuro que el anterior pero que adquiere sentido a medida que la banda siguió creando.  Pero en el momento de ver la luz, el LP no fue tan bien acogido como su antecesor, el disco de debut que fue recibido con los brazos abiertos.  Este, no.  La acogida fue fría por parte de algunos sectores de la audiencia que, imagino, esperaba una prolongación del primer disco, o una revisitación del mismo.  Probablemente lo más acertado fuese que Siouxsie y compañía se encogieran de hombros si a alguien no le había guastado.  Lo que tenían que hacer era continuar por el camino que habían comenzado a trazar y así ver, con perspectiva, a qué Destino tenían que llegar.  De hecho, el Tiempo les dio la razón aunque, como es habitual, todo el mundo no quedó contento.  De la producción del segundo disco se encargó Nils Stevenson.  De este Join Hands escuchamos cuatro temas en esta primera entrega del Especial Siouxsie and the Banshees.  Quedan por escuchar un par más que lo podremos hacer en la edición de octubre, el mes próximo.

Espero que te guste el programa.

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