Cíclope 3.0 - 14-11-23

 

Golden Bridge, puente sostenido por dos manos gigantes en las montañas sobre la ciudad vietnamita de Da Nang
(foto del autor del blog)

Cíclope 3.0 del martes 14 de noviembre de 2023.  Transitamos por las turbulencias de la música como los paseantes que se ven en la foto del puente.  Lo hacemos con calma, sin prisas, pero con ímpetu, como tiene la primera canción que suena en esta edición, una composición debida a una banda que comenzó siendo trío para asentarse como cuarteto o como quinteto, dependiendo de las necesidades.  El grupo en cuestión es New Model Army.

New Model Army se formó en la ciudad de Bradford, en West Yorkshire, Inglaterra, en 1980.  El nombre de la banda proviene del conocido ejército antimonárquico parlamentario de la Guerra Civil Inglesa, formado por Oliver Cromwell.  Los Niveladores, una facción democrática radical asociada a Cromwell, fue un grupo político influyente en los primeros años del ejército que sostenía ideales de total libertad religiosa y política con un sesgo autoritario.  Sus ideas influyeron en los movimientos de izquierda posteriores en el Reino Unido.  El guitarrista y vocalista Justin Sullivan, líder de la banda (en la foto anterior, en el centro)  adoptó el nombre de Slade the Leveller, que a pesar de su tono agresivo era una referencia esotérica a los Levellers (por cierto, hay una banda inglesa de folk-rock llamada así, The Levellers, adivina de dónde sacaron el nombre).  Sullivan usó el nombre para mostrar su conexión con el radicalismo histórico de la clase trabajadora inglesa.         El bautizar el proyecto del grupo con el nombre de New Model Army surgió de un encuentro entre Sullivan y la escritora Joolz Denby.

Joolz Denby, nacida como Julianne Mumford, conocida simplemente como Joolz es una poeta, novelista, artista y tatuadora, paisana de los miembros del grupo.  Fue pareja sentimental de Justin Sullivan.  Ella desempeñó la actividad de gerente de la banda desde el principio, y aunque el trabajo finalmente consumió demasiado tiempo, continuó diseñando las portadas de los discos del grupo y ocasionalmente proporcionó coros en el estudio.  New Model Army comenzó con una filosofía defensora acérrima y firme de la clase trabajadora británica, moderando ocasionalmente su furia política izquierdista y anti-Thatcher con momentos de introspección personal.  Sus himnos cantados a gritos a menudo tomaban prestada la sensación de cánticos de fútbol.  Para colmo, la utilización de algunas frases como eslóganes propias de un sermón, parecía indicar que lo que buscaban era animar a la chusma, pero en realidad a lo que invitaban era a la disidencia inteligente.  New Model Army pasó un par de años actuando en Yorkshire y generando un gran revuelo en la prensa musical británica.  En 1983, a finales de año, consiguió un contrato con el sello independiente Abstract.  El 4 de abril de 1984 vio la luz Vengeance (The Independent Story), su primer LP.  Del sello independiente Abstract pasó al sello EMI que fichó al grupo desde entonces.  

Del pasado más inmediato del grupo recuperamos este álbum del año 2019, From Here, y comenzamos el programa de hoy con Where I Am.  Este disco no es lo último que ha aparecido de la banda, que es el álbum grabado en directo, en Berlín, con la orquesta sinfónica de Leipzig, titulado Sinfonia, publicado el pasado 15 de septiembre.  Ya lo traeremos al programa, pero por ahora ponemos una muestra de la energía del proyecto con ese Where I Am.

Inicio impetuoso para rescatar el primer trabajo de New Model Army, el que aparecía el 4 de abril de 1984 con carpeta diseñada por Joolz con el título Vengeance (The Independent Story)  y que contiene temas como Smalltown England.

En la década de los 80, el sentimiento de orgullo por ser de una tierra como Inglaterra tuvo diferentes expresiones e interpretaciones.  Una fue la canción A New England, Una nueva Inglaterra, original de Billy Bragg que tuvo una versión aclamada y aplaudida interpretada por la mujer de la foto, la cantante Kirsty MacColl (Croydon, Londres, 1959-México, 2000).

MacColl comenzó en el mundo de la música cuando aún era una adolescente, cantando en una banda llamada Addix, rápidamente barrida del panorama musical por un grupo bautizado con el mismo nombre dedicado al Punk que, para evitar futuros problemas, se cambió el nombre a The Drug Addix.  MacColl emprendió un camino en solitario y firmó para el legendario sello discográfico Stiff.  Desde 1979 a 1984 tuvo una actividad musical que fue funcionando con cierta soltura y sería en 1984 cuando coronase las cimas de la popularidad con la versión que realizó del tema de Bragg.  En el resultado final de esa versión, en lo que fue su espectro sonoro, tuvo mucho que ver su marido, Steve Lillywhite, renombrado productor de finales de los años 70 y principios de los 80, responsable del sonido de algunos discos de, entre otros, U2, The Psychedelic Furs, Simple Minds… 1984, el año en el que aparece la canción de Bragg cantada por ella, fue precisamente el año en el que contrajo matrimonio con Lillywhite, también el año de su ascenso en las listas de popularidad y por tanto cuando se hace notable el eco de su actividad en el mundo de la Música Pop.  Y sin embargo lo dejó todo en suspenso para criar a su descendencia.  La canción A New England se editaría en Single y MaxiSingle y aparecería tiempo más tarde en formato larga duración incluida en antologías y colecciones de The Best Of...  Tras este éxito rutilante volvería cinco años más tarde, en 1989, con un trabajo más elaborado.  Repetiría de nuevo en 1991 y 1993, mostrando gran talento y diversidad y, sobre todo, buena sensibilidad pop.  Pero el Destino le deparaba un final trágico: el 18 de diciembre de 2000, Kirsty MacColl murió atropellada por una lancha rápida mientras nadaba frente a la costa de México.

La versión de MacColl del tema original de Billy Bragg (a la derecha), es de 1984.  Bragg la grababa y la publicaba un año antes, en 1983, y la incluía en un MiniLP titulado Life's A Riot With Spy Vs Spy.

Inspirándose en la ira del Punk Rock y la tradición Folk con conciencia social de Woody Guthrie, Billy Bragg interpreta canciones, en su mayoría, en solitario, con su guitarra eléctrica, cantando sobre política y amor con igual habilidad y pasión.  Fue la figura principal del movimiento anti-folk británico de los años 80.

Comenzó a actuar a finales de los años 70 con el grupo punk Riff Raff, que duró poco.  Grabaron una serie de singles que quedaron recogidos en la colección Riff Raff The Singles 1977-1980, como muestra la foto de la derecha, portada del LP y donde se puede ver escrito en cinta adhesiva sobre la guitarra de Bragg la frase This guitar says sorry, título de una futura canción suya que aparecería en su primer larga duración titulado Brewing Up With Billy Bragg.  Tras una estancia en el ejército, trabajó en una tienda de discos donde aprovechaba para escribir canciones que estaban firmemente en la tradición de protesta Folk y Punk.  Bragg inició una gira británica, tocando siempre que tenía la oportunidad. Con frecuencia hizo de telonero para grupos y bandas, tocando solo con una ruidosa guitarra eléctrica, lo que le dio a su música una sensación punk áspera y poderosa.  

Durante 1984, Bragg se convirtió en una celebridad menor en Gran Bretaña, ya que apareció en mítines políticos, huelgas y actos benéficos de izquierda por todo el país. En 1985 ayudó a formar Red Wedge, un colectivo de músicos del Reino Unido en el que participaba Paul Weller y que intentó inculcar a los jóvenes las políticas del Partido Laborista antes de las elecciones generales de 1987 con la esperanza de derrocar al gobierno conservador de Margaret Thatcher.  Cuando Billy Bragg se lanzó por su cuenta, después de su efímera banda de punk Riff Raff, se propuso ser una versión unipersonal de The Clash, y su primer intento grabado es casi tan fuerte, una declaración de principios como fue el debut homónimo de The Clash.  Hay un detalle que, de alguna forma, hermana la actitud de The Clash con Billy Bragg en lo que respecta a la relación con las casas discográficas, y es la pelea por mantener un precio de los discos asequible al público para quien están hechos esas obras.  Fíjate en el lado izquierdo de la portada del primer trabajo de Bragg: especifica claramente que no pagues más de 2 libras con 99.  Ese primer trabajo, Life's a Riot con Spy vs Spy, del que entresacamos la versión original de la canción A New England, capta a Bragg de forma áspera pero indeleble: el registro apasionado de su voz, el ruidoso sonido de su guitarra eléctrica y el tira y afloja entre la política y la visión del mundo de un tipo normal, fueron los elementos que jugaron con firmeza para establecer el perfil de Bragg como músico, como intérprete del sentir de muchas personas que lo vieron como un catalizador de sentimientos y emociones que estaban en la gente cotidiana, en los transeúntes de a pie cotidianos.  Un corte más de ese trabajo de presentación de Bragg: The Man in the Iron Mask.

En la presentación de esta edición de Cíclope 3.0 decía que hoy tenemos sonidos novedosos y es cierto porque el músico que va a sonar a continuación ha publicado hace muy poco una colección de nuevas canciones.

Se trata de Martín León Soto, conocido popularmente como MALESO, que realiza un nuevo periplo por el interior de la música titulado Todo lo anterior es falso.

El año pasado, 2022, MALESO editaba Malesofía del tocador, un álbum de 14 canciones con moldura Pop-Rock con una variedad de instrumentos basados en la guitarra bajo, batería, guitarras (eléctrica, española, acústica)...  Ahora, este año que dentro de poco tomará la recta final, ve la luz un nuevo trabajo donde nuestro hombre emprende, una vez más, el difícil arte de no decaer para volver a crear y recrear la música por dentro, con palabras nuevas, con imágenes nuevas.  Todo lo anterior es falso es un disco dividido en dos partes, Cara A y Cara B, aunque tenga formato digital.  Lo que ha visto la luz es la primera parte, la Cara A, ocupada por 5 canciones con un mismo denominador común espartano referido a la instrumentación: voz y piano.  La Cara B, que según Martín aparecerá antes de que termine este año en curso, tendrá guitarra en vez de piano, así que serán canciones con voz y guitarra.  Pero centrándonos en el material que ha aparecido, MALESO vuelve a tocar temas relacionados directamente con la existencia, y esto no significa que repita ideas, es sencillamente que un mismo significante cambia dependiendo del camino que siga para llegar a un significado posible.  Y las posibilidades existencialistas son muchas.  De las 5 composiciones vamos a escuchar tres.  La semana que viene terminaremos de realizar una primera audición de este nuevo trabajo.

Comenzamos con Libro abierto, una contemplación poliédrica del cuerpo de la persona amada con esa carga literaria rica a la que nos tiene acostumbrado el autor, con la dificultad de la sencillez para contar que, pase lo que pase, esa persona sigue siendo el faro en la costa de las tormentas para quien compone música y letra.  Esa persona que recoge el significado de la palabra amor y que no se agota porque, como dijo Shakespeare, 

para mi, tú no puedes envejecer, porque tal y como eras la primera vez que te vi, así seguirás siendo en tu belleza.

De las cinco canciones que forman esta primera entrega de Todo lo anterior es falso, tal vez la que más se ha escuchado es Mirlos y gorriones.  Tiene un subtítulo posible: Desde una habitación de tres por cuatro alquilada a Satie.  De hecho, Erik Satie está presente en las formas de la melodía del piano en esta canción.  Por cierto, quien se sienta al piano en este trabajo es Manu Sánchez, habitual en los créditos de las grabaciones de Javier y Javi Ruibal, padre e hijo.  Mirlos y gorriones es un tema inspirado en el estándar del Jazz de finales de los años 20 del siglo pasado, A Cottage For Sale, compuesto por el tándem Larry Conley-Willard Robison, interpretado en muchas ocasiones por diferentes voces de las que ninguna en concreto ha llegado a inspirar directamente a Maleso, sino que se ha servido del recuerdo donde se mezclan unas y otras y de ese crisol ha sacado el hilo para llegar a hacer su propia interpretación.  

Las canciones de este Todo lo anterior es falso - Cara A, se grababa y mezclaba en junio de este año por Juan Antonio Mateos.  La portada del disco es diseño de MALESO tomando como referencia una foto de Ágata Sandecor.  MALESO se encarga de los textos de las canciones, de la música y de cantar.  Como he dicho antes, la semana que viene escucharemos las canciones que conforman el disco, por ahora nos despedimos de él con el tema que, en una primera audición, a mi me llegó muy hondo: Dios cree en mi.  Con ironía y sarcasmo, con aires de Jump-Blues, es para mi el tema puntero de esta Cara A del trabajo nuevo de MALESO.  Lo dicho, la semana que viene, más.

Seguimos con el poliedro de la creatividad ahora con la banda Casas y La Pistola.

Casas y La Pistola (de izquierda a derecha)
Fran Sequeiros, batería; Dani Losada, guitarras;
Jose Casas, voz y guitarras; Julio Zabala, teclados
y Álvaro Joya, guitarra bajo

El 4 de mayo de 2018 Casas y La Pistola publicaban Padrino Bufalo 1, un EP de 5 canciones que fue el primer trabajo de un proyecto formado por tres discos.  En este primer volumen contaron con la colaboración en la guitarra de Juano Azagra, motor y alma de la banda All La Glory.  

Padrino Bufalo 2 estaba previsto que viera la luz en la primavera del año 2020, pero las siniestras circunstancias de la Pandemia de la COVID 19 hizo que se retrasara su publicación hasta el año 2021, en concreto se editó el 7 de mayo.  En esa segunda entrega vuelven a repetir el formato de EP también con 5 temas.  Al principio, el grupo estaba formado por Jose Casas, Fran Sequeiros, Julio Zabala y el guitarra bajo Álvaro Márquez.  En Padrino Bufalo 2 sigue la formación original y se le suma la guitarra de Dani Losada que llegó para quedarse.  La guitarra bajo sería sustituida por las manos de otro Álvaro, Álvaro Joya.

  

2018

2021

Con la formación de quinteto que aparece en la foto anterior del grupo se llega al cierre de la trilogía de Padrino Bufalo con la entrega número 3.  De base, una diferencia fundamental: ya no es un disco con formato de EP, es un álbum con 8 cortes.  Hay más material, hay más donde escoger y el abanico se abre de forma ostensible.  Casas y La Pistola continua elaborando un Power-Pop colorido con canciones que desarrollan textos casi surrealistas, imaginativos y, siempre, muy policromáticos.  De las 8 canciones, 4 están compuestas íntegramente por Jose Casas y las otras 4 por binomios donde él está presente, cambiando el segundo compositor.  El nuevo trabajo de Casas y La Pistola suena hoy y lo hará la semana que viene otra vez y aún y así, se nos quedará algo por escuchar por lo que volverán a Cíclope 3.0 en un futuro extraordinariamente inmediato.

Hoy nos vamos a quedar con tres cortes empezando por Flores de estiércol, una de las composiciones firmada por Jose Casas que cuenta además con la colaboración del músico que aparece en la foto de la izquierda, Chencho Fernández, guitarra y voz del grupo sevillano Sick Buzos.  Una cosa hay que tener en cuenta: la creación de la banda no radica sólo y exclusivamente en la labor musical, el trabajo visual de los videos promocionales de los singles es muy importante.  El tema Flores de estiércol lo escuchas en el programa, el videoclip, lo puedes ver aquí:

https://www.youtube.com/watch?v=YLDAsiR0tjo

Sin Norte fue el avance, el primer single extraído de Padrino Bufalo 3.  De nuevo Jose Casas es el responsable de la composición tanto de la música como del texto.  Una cosa que me llama poderosamente la atención son las imágenes que maneja Jose en las letras de las canciones porque considero que no es nada fácil conjugar la melodía con unas letras que utilizan nombres, palabras, como las que, por ejemplo, tiene este Sin Norte:

Un samurai que se perdió del asfalto,

un cíclope llorando en un ascensor,

un cowboy sepultado en las ruinas

un bombero sin rumbo en el Ártico...

En este tema también hay una colaboración especial, es la de Pablo Cuevas (segundo por la izquierda), voz y guitarra de la banda sevillana Los Fusiles.  Participa tanto en el disco como en el videoclip: cuando Jose termina la última frase de las 4 reseñadas más arriba, entra él, cantando a su vez el tema.  La canción, en el programa, el video, aquí: 

https://www.youtube.com/watch?v=DynPv8Yfvso  

Dejamos por hoy este Padrino Bufalo 3 de Casas y La Pistola con una composición escrita a medias entre Jose y el teclista del grupo, Julio Zabala, el tema El sereno.  Personalmente, cuando escuché el disco al completo, fue la que me llamó la atención de una forma inmediata.  Si hubiese tenido cerca a un amigo que no hubiera escuchado aún el disco le pasaría el dossier informativo y de fondo le pondría ese tema, para que se fuera haciendo una idea, no porque el disco sea así, como ese corte, sino porque es parte de una variedad poliédrica.  La semana que viene, más de esta entrega número tres del proyecto Padrino Bufalo de Casas y La Pistola.  Ahora, siguiendo el rastro emotivo que me une a Jose Casas como amigo, enlazamos su música con una banda que tanto él, como yo y como muchas personas que escucháis Cíclope 3.0, estamos de acuerdo en catalogar de Grupo de Alto Interés.  Me estoy refiriendo a los irlandeses Fontaines D.C.

Fontaines D.C. tocando y grabando en vivo en Kilmainham Gaol

El grupo, asentado en Dublín, se forma en la recta final de la década de los años 10 de este siglo, en la capital irlandesa.  Se dan a conocer en el año 2019 con un álbum titulado Dogrel que nos deja a muchos con un extraordinario sabor de boca y con ganas de mucho más.  Llega 2020 y el 31 de julio publican A Hero's Death.  Sale con la ínclita Pandemia en acción aunque no tan virulenta como un par de meses atrás.  Con dos trabajos publicados, ese último año de 2020, la banda realiza una actuación singular: tocan en vivo, en directo, sin público, en la cárcel de Kilmainham.

Kilmainham Gaol, en irlandés, Príosún Chill Mhaighneann, era una cárcel situada en Inchicore, en Dublín, reconvertida hoy en museo.  La cárcel se inauguró en 1796 denominándose New Gaol debido a que sustituía a la antigua cárcel situada a cierta distancia de ella.  Kilmainham Gaol ha jugado un papel importante en la historia de Irlanda ya que muchos de los líderes de las revueltas de la independencia de Irlanda fueron confinados y recluidos en esta prisión.  Muchos de estos presos fueron además ejecutados en este lugar.  Las rebeliones de 1798, 1803, 1848, 1867 y 1916 acabaron con sus cabecillas en estas celdas.  El último preso de la cárcel fue Éamon de Valera que salió de la cárcel el 16 de julio de 1924.  Ese año de 1924 la cárcel se cerró definitivamente sufriendo una remodelación en la década de los 70.   

En tan emblemático lugar, especialmente para un irlandés, el 14 de julio de 2020, Fontaines D.C. tocaban una selección de canciones de sus álbumes Dogrel y A Hero’s Death en una actuación que se grababa en vivo, tal cual, en Kilmainham Jail como parte de la serie irlandesa para televisión Other Voices Courage.  Es una producción documental en la que han intervenido diferentes solistas y grupos tocando en vivo y cuyas actuaciones quedan registradas en vídeo y grabadas en disco.  La actuación de Fontaines D.C. se realizaba el 12 de junio de 2021 y se publicó el 26 de noviembre de ese mismo año.  El vinilo está agotado y únicamente se puede conseguir el CD.  De aquella actuación el Cíclope recupera Chequeless Reckless, incluido en su primer disco, y puestos a escuchar un poco al quinteto de Dublín, un corte de, por el momento, su último trabajo titulado Skinty Fia, el tema Roman Holiday.

En la recta final de esta edición de Cíclope 3.0 nos vamos a quedar con sonidos irlandeses.  Van Morrison, este año 2023, se ha dejado caer con dos álbumes publicados entre marzo y noviembre.

El primero de los dos, Moving On Skiffle, se publicaba el 10 de marzo.  Después de los últimos álbumes que ha publicado Van Morrison quejándose del mundo moderno, de la política, de los atrasos en el hipotético desarrollo...el León de Belfast se ha tomado un tiempo sabático donde la música le ha devuelto un tiempo pasado sencillamente lleno de buenos recuerdos musicales donde el estilo del skiffle es fundamental.  El skiffle es un tipo de música originada por trabajadores pobres negros en Estados Unidos en la década de 1920, basada en armonías sencillas y ejecutadas con instrumentos acústicos, baratos y caseros.  El skiffle estalló como género autónomo en Gran Bretaña en la década de 1950, donde se desarrolló como una corriente popular de gran aceptación relacionada con las privaciones de la posguerra y emparentada con el naciente Rock and Roll.  De hecho fue definido como un rock and roll sin electricidad.  Entre los años 1956 y 1958 aparecieron decenas de bandas de skiffle integradas por adolescentes en un fenómeno social que se conoció como la locura del skiffle, skiffle craze.  Grupos y músicos británicos como The Rolling Stones, Bee Gees o Jimmy Page de Led Zeppelin se iniciaron como intérpretes de skiffle.  El origen de The  Beatles estuvo en una banda de skiffle, The Quarry Men.  Pues eso es lo que hace Morrison, recuperar la música de su infancia, de su adolescencia.

El segundo álbum que publica en este 2023 ha sido Accentuate The Positive, un disco lleno de estándars de música bailable de otros tiempos.

Con un corte de cada uno de estos álbumes, con un Van Morrison que levanta su baso de whisky para brindar por lo que merezca la pena celebrar, nos despedimos.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-14-11-23

Cíclope 3.0 - 07-11-23 - Especial Joni Mitchell # 7

Cíclope 3.0 del martes 7 de noviembre de 2023.  Entrega número 7 del Especial Joni Mitchell con el repaso a dos álbumes: uno, de 1982, el otro de tres años después, 1985.

Empezamos por el de 1982, un LP titulado Wild Things Run Fast con diseño de carpeta realizado por la mismísima Mitchell que recuperaba la sana costumbre de utilizar obras de pinturas suyas para ilustrar las portadas y contraportadas de sus discos.

 

Joni Mitchell toma el camino de la década de los 80 con una mochila llena de sabiduría y experiencia.  Ha cultivado, y de qué manera, semillas que han florecido en diferentes territorios de la expresión musical: el Jazz, el Folk, el Pop, el Rock...  Predomina un perfil jazzístico a medida que ha ido creciendo, lo que significa que, sobre todo, lo que ha importado ha sido la libertad, no estar atada a una partitura cuadriculada, ni siquiera a una partitura, ha compuesto e interpretado música de forma libre.  Dependiendo de las hechuras de la canción que tuviera entre manos así resultaba al final.  Ha seguido siempre las normas de una costurera luminosa, creando cada canción con un traje hecho a medida de las ideas de las letras que ha ido escribiendo.

No tendría sentido repetir lo que a está hecho y, además, extraordinariamente hecho: ¿volver a crear canciones como las del álbum Mingus?, ¿o las de Hejira?  ¿Para qué?  Esa repetición no tendría sentido alguno, sólo contentar a algunos sectores de la audiencia, los que buscan siempre más de lo mismo.  Y Mitchell no es así ni siquiera por un rato.

En Wild Things Run Fast, el primer disco para el nuevo sello discográfico encargado de distribuir sus trabajos, Geffen Records, nuestra protagonista logra un mayor equilibrio entre sus habilidades Pop y sus aspiraciones de Jazz, mientras redescubre un enfoque lírico más emocional y directo.  El amor ha sido la principal preocupación de Mitchell desde que comenzó a componer y cantar.  El significante AMOR recibe cincuenta y siete menciones en este LP y van desde las sutilezas de un amor inocente al amor difuso en la vida de lujo y altos vuelos de Hollywood a la intimidad romántica de la soledad para dejar el eco de una voz mientras se da la fuga a un lugar lejano.  

Comenzamos la audición del disco con el tema con el que se abre: Chinese Cafe-Unchained Melody, una interesante serpentina formada con dos hilos, por un lado Chinese Cafe, original de Mitchell, por otro Unchained Melody, firmada por el tándem Alex North y Hy Zaret inmortalizada por The Righteous Brothers.  Este LP supone un asentamiento en el sonido Pop de la música de los años 80.  Es un trabajo muy elástico con otras formas en las canciones, distintas a las que había hecho hasta el momento.  Esto se debe a la la influencia que supuso para ella escuchar música de Steely Dan, Talking Heads y The Police, entre otros, la música que escuchó en una discoteca durante un viaje al Caribe en 1981.  De Police lo que más le llamó la atención,  lo que más la influyó a la hora de hacer este disco fue la batería de Stewart Copeland.

El tema que le da título al álbum, Wild Things Run Fast, es una composición de Mitchell en texto y música, los arreglos los realiza el hombre de la foto a la izquierda, Larry Klein, guitarra bajo y marido de Joni entre 1982 y 1994.

La lista de colaboradores en esta grabación presenta nombres que ya han aparecido anteriormente como es el caso de Wayne Shorter (1933-2023) que toca, como era habitual, el saxo soprano.

En los teclados, en concreto en el sintetizador, va a estar un pianista de jazz de origen californiano, Russell Ferrante.  El sintetizador va a ser un instrumento que tendrá gran importancia en el álbum de Mitchell de 1985, pero no nos adelantemos, estamos en 1982 con el LP Wild Things Run Fast y ahora nos quedamos con una composición debida al dúo Jerry Leiber y Mike Stoller titulada (You're So Square) Baby, I Don't Care, una canción que interpretaron, entre otros, Buddy Holly o Elvis Presley, y que en la versión de Mitchell cuenta con la colaboración de dos saxos:

 

el saxo barítono de 

Kim Hutchcroft

y

el saxo tenor de 

Larry Williams, también teclista.

Protagonismo especial para un instrumento, la guitarra eléctrica, que en este caso maneja con elocuencia el hombre de la foto a la izquierda, Michael Landau.  

El corte cuenta también con los arreglos del guitarra bajo y marido de Mitchell, Larry Klein.

Los créditos de este álbum de Mitchell de 1982 cuentan con nombres y apellidos tan reputados como el de Lionel Richie, el que fue líder vocal del grupo The Commodores durante la década de los años 70.  Él pone la voz en el tema You Dream Flat Tires.  

Otro músico que vuelve a intervenir en una grabación de nuestra protagonista es James Taylor, pareja sentimental de Mitchell durante un tiempo particularmente tortuoso que acabó con la relación amorosa pero no con la amistad y la capacidad de colaborar entre ambos.  Él está como segunda voz en el tema Man to Man.

Con el corte titulado Love cerramos la audición del álbum Wild Things Run Fast de 1982.  Ya dije más arriba que el amor es el tema fundamental de este disco.  Si bien es cierto que ha sido la temática por antonomasia en la producción literaria de Joni Mitchell, aquí se vuelve un punto de fuga poliédrico, donde la tradición norteamericana de citar las Sagradas Escrituras encuentra un terreno apropiado como sucede en la canción Love.  Mitchell recurre al apóstol San Pablo y a su obra epistolar, en concreto una de esas Cartas que, como dice el chiste, nadie contestó.  Bromas aparte, la Primera Epístola o Primera Carta a los Corintios le sirve a nuestra protagonista para ensalzar de forma abstracta el concepto de amor.  Adapta las palabras paulinas que dicen

El amor es paciente, es benigno; el amor no tiene envidia, no presume, no se vuelve engreído; no es indecoroso ni egoísta; no se irrita; no lleva cuentas del mal; no se alegra de la injusticia, sino que goza con la verdad.

Joni asume el discurso del apóstol y cierra, con el saxo de Wayne Shorter, el álbum que hemos tenido entre manos.  Además de componer y cantar, toca las guitarras, eléctrica y acústica, y produce el disco.  Ahora tiempo para el trabajo de 1985, el álbum titulado Dog Eat Dog.

Probablemente es uno de esos trabajos que casi pone de acuerdo a la audiencia con la crítica especializada porque cuando se publicó Dog Eat Dog no le cayó bien a casi nadie.  ¿Qué le pasa a este disco?  Que es un punto de partida para comenzar a realizar un cambio, y profundo, de lo que hasta ese momento era el universo Joni Mitchell.  El cambio comienza por lo más obvio, lo primero que se aprecia: el sonido.  Ella sigue teniendo su estilo, su personalidad clara, transparente y diáfana como la luz del día, sigue haciendo canciones que, nada más comenzar, no hace falta preguntar quién es porque se le reconoce inmediatamente.  Pero, sí, algo hay diferente.  No sabes, así de entrada, qué es lo que tiene de distinto, hasta que en un momento dado lo captas: el cambio radica en que predomina el sonido de teclados.  Hasta el momento las guitarras, acústicas o eléctricas, eran la columna vertebral, o al menos parte fundamental de las estructuras de las composiciones.  El piano también.  Pero que lo que impere sean sintetizadores...  Y uno se pregunta: ¿qué tienen de malo?  Es 1985, Joni Mitchell no vive aislada, ajena al Mundo y, en este caso concreto, el Mundo de la Música.  Colaboran en el disco, como es habitual, músicos que son amigos y colegas de profesión.  Hay una intervención muy interesante porque no es alguien que toque su instrumento y pueda añadir algo o, sencillamente, se circunscriba a lo que le dicen que haga.

Estoy hablando de Thomas Dolby, en la foto de la izquierda.  Compositor, intérprete, arreglista, productor...  

Si él está en un proyecto es un hombre que interactúa con quienes le han llamado para colaborar.  Había trabajado con la banda Prefab Sprout ese mismo año de 1985, en el LP Steve McQueen, y los resultados habían sido brillantes.  Así que Dolby tuvo algo que ver con las posibilidades que dan los teclados, los sintetizadores, y sí, animó a Mitchell a que experimentara con ellos.  Pero lo que no encaja como algo habitual es la postura existencial de la compositora/intérprete/escritora/pintora: antes, Mitchell miraba por la ventana hacia fuera y lo que veía entraba a formar parte de una reflexión sobre el amor roto, sobre la desnudez del amante que se levanta del lecho por última vez porque no se volverán a ver ni en ese motel ni en la casa de ninguno de los dos, reflexiones sobre el tiempo que ha pasado y que no se puede recuperar, de lo que escogió y las consecuencias de tomar por un camino o por otro...  Se produjo un cambio en la forma de contemplar el Mundo.  Personalmente algo se había estabilizado en su interior: los habituales dramas personales habían dado paso a un período de relativa satisfacción doméstica con su nuevo marido, Larry Klein.  Eso contribuyó a que se erosionase una visión más política de lo que le rodeaba.  Estados Unidos, lleno de división y descontento, no era el lugar que ella reconocía.  El país estaba gobernado por un ex actor de películas de serie B de Hollywood y gobernador de California, Ronald Reagan, cuya cínica alianza entre los republicanos y los evangelistas cristianos había dado lugar a la Mayoría Moral y a un nuevo movimiento conservador que quería rehacer el país.  El aspecto medioambiental, la construcción de parkings asfaltando hectáreas de terrenos de bosques, la deforestación en el Amazonas y la hambruna en Etiopía, todo eso había comenzado a unir al mundo de la música en causas comunes que a Mitchell le hizo reaccionar cuestionando la complicidad de Occidente en estas crisis y su falta de voluntad para reconocer sus propios métodos destructivos.  Se dio un despertar en ella que se tradujo en la composición de canciones que aparecerían reunidas en este álbum de 1985, Dog Eat Dog.  Canciones que hasta a su manager, Elliot Roberts, no consiguieron atrapar.  Todo porque no eran las canciones de siempre de Joni Mitchell.  Sí, menos mal que ella siguió adelante y el álbum se grabó y vio la luz con canciones como Fiction, contra los falsos dioses del consumo y la fama, compuesta a medias por el guitarra bajo y marido entonces, Larry Klein: él se encarga de la música, ella de la letra.  La pareja vuelve a repetir el esquema de tándem en la composición Tax Free, donde Mitchell ataca la hipocresía de los predicadores televisivos y la línea que se desvanece entre la Iglesia y el Estado.  Con aires rockerizados la canción cuenta con la colaboración en los coros de James Taylor, una vez más, y Don Henley, de Eagles.

En esta tema suena un fragmento del discurso exaltado de un predicador televisivo.  Ese predicador no fue otro que el actor Rod Steiger (1925-2002).  En principio la idea de Mitchell era que el papel de predicador lo interpretase Jack Nicholson pero el día que ella fue a proponerle la idea a Nicholson éste se encontraba trabajando, rodando en un plató donde, el guardia de seguridad, le impidió que entrase.  Tuvo que cambiar de amigo y el papel se lo pasó a Steiger.

Un corte de perfil experimentaloide es Smokin' (Empty, Try Another), una curiosidad de 1 minuto y 42 segundos que esencialmente consiste en Mitchell cantando junto con su propia voz sampleada, el bajo de Larry Klein y un loop de una ruidosa máquina de cigarrillos.

Shiny Toys es una de esas canciones en las que intervienen amigos y colaboradores habituales de nuestra protagonista.  De nuevo Don Henley y James Taylor en los coros; Larry Williams, que tocaba el saxo soprano en el álbum de 1982, repite con el saxo y en esta ocasión incluye la flauta; la trompeta también aparece acreditada como instrumento y en este caso son dos los trompetistas

Jerry Hey

   

              Gary Grant

       

Wayne Shorter aparece en los dos últimos temas que recuperamos del álbum Dog Eat Dog.  Las contribuciones que realiza con su saxo realzan ampliamente la gracia y la elegancia de composiciones como Impossible Dreamer, una canción en la que Mitchell reconoce, irónicamente, los pocos cambios que probablemente lograrán sus súplicas y las críticas llevadas a cabo en los textos de las composiciones de este álbum.  Terminamos con Lucky Girl, una especie de encantadora viñeta sobre la felicidad doméstica que encontró al casarse con Larry Klein.  Él, junto a su esposa y Thomas Dolby, producen el disco. 

La portada del disco se debe al ingenio de Joni Mitchell.  Es una reelaboración de una pintura suya titulada así: Perro come perro.  El original es este:

Hasta aquí el Especial Joni Mitchell Número 7.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-07-11-23

Cíclope 3.0 - 31-10-23 - Especial Joe Jackson # 7

Cíclope 3.0 del martes 31 de octubre de 2023.  Último programa del mes, último martes y edición ocupada por el Especial Discografía de Joe Jackson, en esta ocasión la entrega # 7 estructurada sobre dos trabajos: uno, del año año 1994; el otro, del año 1997.  Comenzamos por el primero de los dos, el álbum que aparecía el 4 de octubre de ese año, 1994, bajo el título Night Music.

Se grabó entre los meses de febrero y mayo del mismo año de publicación, 1994, y en el mes de octubre veía la luz este segundo intento, ensayo por parte de Jackson de ofrecer música desde una perspectiva academicista.  La primera muestra fue en 1987 con la aparición de su LP Will Power, entonces con esquemas de música seria como los de una sinfonía o un nocturno.  En Night Music retoma el esquema de la pieza nocturno que, se debe aclarar, no tiene nada que ver con el Nocturno romántico del siglo XIX, pieza para piano solo que cultivó el intérprete y compositor irlandés John Field, considerado el padre de la forma Nocturno que tanto influyó en compositores como Chopin, Liszt, Schumann o Brahms.  El Nocturno de Jackson está relacionado con el Nocturno del siglo XVIII que tiene que ver con la música escrita para ser interpretada por la noche por ser una pieza que evoca el aire nocturno, como lo hace la Serenata, que tiene que ver con composiciones de Mozart y de Haydn, que están ubicados en el período de la Historia de la Música que se conoce como período clásico.  En este álbum, Nigh Music, Jackson incluye hasta cuatro Nocturnos.  En el programa de hoy escuchamos dos, el Número 3 y el Número 4.  El disco lo compone íntegramente nuestro protagonista, en música y en letra, realiza los arreglos necesarios y coproduce el trabajo con un viejo conocido, Ed Roynesdal, que viene colaborando con Jackson desde 1982.

Night Music es una colección de canciones sobre el bloqueo creativo, tanto de un músico como el de un escritor.  Jackson dijo al respecto que 

Estaba saliendo del cansancio extremo de las giras y me encontraba agotado, física y mentalmente, cuando empecé a escribir canciones que aún no sabía dónde iban a terminar.  Empecé a sentir que, musicalmente, el entorno, todos, estaban tratando de superarse unos a otros siendo duros y agresivos.  Y yo, lo que quería, era ir contra corriente y hacer algo suave, onírico y hermoso.  Terminé un grupo de  canciones a las que le faltaba acabarlas, limarlas.  Alguien las escuchó y me dijo que le gustaba quedarse dormido escuchándolo y lo tomé como un cumplido.  Acto seguido quedaron preparadas para la grabación.

Esa colección de canciones registran desde esas aspiraciones académicas de nuestro hombre hasta momentos brillantes de música Pop como sabe hacerlo Jackson, con composiciones como Ever After, una de esas canciones escritas con sensibilidad y técnica.  Hasta un total de seis cortes recuperamos de este LP sin olvidar una composición tan hermosa como The Man Who Wrote Danny Boy, El hombre que escribió Danny Boy.  Fíjate bien que el título es The Man Who Wrote Danny Boy, El hombre que escribió Danny Boy, no Danny Boy como llegan a creer algunos seguidores y oyentes porque Danny Boy es el título de una de las canciones más representativas de la cultura irlandesa.  Aunque el origen de la música es incierto y se atribuye a diferentes autores irlandeses, corresponde a una antigua tonada conocida como Londonderry Air en referencia a ese condado de Irlanda del Norte.  El registro más antiguo de dicha tonada se remonta al año 1855.

En 1910 el abogado, músico y escritor inglés Frederic Edward Weatherley (1848-1929) de Somerset (foto de la izquierda) compuso el texto Danny Boy asociado a otra música diferente.  Dos años después, su cuñada Margaret, que había emigrado a Colorado, Estados Unidos, con su marido, le remitió la música del Aire de Derry que había escuchado a unos buscadores de oro.  Weatherley adaptó inmediatamente su canción a la nueva música y la publicó en 1913, convirtiéndola en un gran éxito.

Aunque la melodía había sido grabada con anterioridad, la primera grabación de la canción tal y como se conoce hoy en día se debe a la cantante de ópera Ernestine Schumann-Heink (1861-1936) foto de la derecha.  Dicha grabación se realizó en 1915.

La canción cuenta la historia de un padre que se despide de su hijo mientras este se va a la guerra. Fue escrito en una época de incertidumbre y agitación, durante la Primera Guerra Mundial, cuando el mundo luchaba contra la pérdida y el dolor.  La magistral composición de Joe Jackson, combinada con una letra conmovedora, ha creado una canción que toca el alma y trasciende el tiempo.

Danny Boy ha sido interpretada por numerosos artistas de diversos géneros a lo largo de los años.  Su atractivo universal la ha convertido en una opción popular para los cantantes que buscan mostrar sus habilidades vocales y conectarse con el público.  Artistas como Elvis Presley, Frank Sinatra o Johnny Cash le han dado su toque personal a esta canción.  Una interpretación particularmente memorable fue la del tenor irlandés John McCormack, (1884-1945) en la foto anterior, cuya poderosa y emotiva interpretación de la canción ha sido reconocida como una de las versiones definitivas de Danny Boy.

A pesar de tener canciones como esta, Night Music recibió malas críticas por parte de los comentaristas británicos que tildaron el álbum de ciclo de canciones insufribles sobre el bloqueo de los escritores.  Las letras de Jackson son pesadas y elusivas, su voz es engreída y la música, de bajo perfil, se ejecuta con rigidez en un sintetizador seco y sin vida.  Lo que hunde a Night Music es la falta total de música envolvente.  Todo, desde la producción hasta la interpretación, suena procesado, sin ninguna característica definitoria.

Pues a pesar de la opinión contraria de sus paisanos dedicados a la crítica, a Jackson le tocó un pie, y siguió adelante en lo que respecta a la realización de música seria. 

Los créditos de Night Music presentan diferentes intérpretes para los instrumentos.  No hay una orquesta organizada bajo ningún nombre, hay personas individuales encargándose de la trompeta, el oboe, el clarinete, clarinete bajo, flauta, viola, violín, violonchelo, guitarra bajo, batería, ondas Martenot...  Como en otras ocasiones, Jackson se encarga de un buen número de instrumentos como piano acústico, piano eléctrico, órgano, sintetizadores, samplers, celesta, acordeón, tom-toms, campanas, vibráfono, platillos, bombo del Ejército de Salvación y voz.  Dejamos el álbum de 1994 y pasamos al trabajo del año 1997 titulado Heaven & Hell

 

Lo primero que llama la atención en la portada del disco es la firma de quien lo realiza: Joe Jackson & Friends.

En la nómina de esos amigos y amigas están algunos nombres sobradamente conocidos, como por ejemplo la mujer de la foto de la derecha, la compositora y cantante Suzanne Vega.

La soprano norteamericana Dawn Upshaw 

La compositora y cantante canadiense de Toronto, Jane Siberry

También de Canada, en concreto de Winnipeg, Brad Roberts, guitarrista y cantante de la banda canadiense Crash Test Dummies.

La vocalista británica Joy Askew.

Residente en Estados Unidos pero nacida en Italia, Nadja Salerno-Sonnenberg es compositora, intérprete del violín y profesora en el Conservatorio.

Kenny Aronoff, batería y percusionista americano.

El 2 de septiembre de 1997 veía la luz Heaven & Hell.  Jackson seguía coqueteando con la música seria, la denominada popularmente como música clásica.  Con este Paraíso e Infierno vuelve a dar otra vuelta de tuerca.  Se trata de un álbum conceptual donde desarrolla el listado de los Siete Pecados Capitales.  Con el disco ya publicado, Jackson argumentaba

lo que he buscado es ir más contra corriente que en el trabajo anterior, "Night Music".  Quería hacer algo con tantas capas que tuviera que ser escuchado muchas veces para entenderlo de verdad.  No algo fácil de asimilar en la primera audición como ocurre con la música de espíritu Pop.  Llegué a pensar que a nadie le gustaba, pero en realidad, los grandes fans aparecen en los momentos y lugares más improbables: ha sido utilizado por dos compañías de danza, por ejemplo.  Es probablemente el proyecto más ambicioso que he realizado.  Orson Welles dijo una vez algo así como que la gente le había llamado demasiado ambicioso, como si eso fuera algo terrible, pero si la ambición excesiva es un defecto, seguramente no es tan malo tenerlo.

Pues ya lo sabes: Joe Jackson es una persona ambiciosa.  Eso y otros aspectos de su vida los contaría dos años después, en 1999, cuando se editó su autobiografía titulada A Cure for Gravity: A Musical Pilgrimage, desgraciadamente no traducida al español.  Al menos por ahora.  Pero no perdamos el hilo, estamos con el álbum Heaven & Hell, con sus 8 cortes y sus 7 pecados capitales.  El primer corte, Preludio, es el único que no se corresponde con ningún pecado.  Las siete composiciones restantes sí, esas nos ocuparan parte del programa de hoy y parte de la próxima entrega del Especial Discografía de Joe Jackson porque, al tratarse de un álbum conceptual, lo mejor que podemos hacer es escucharlo entero.  Hoy tan solo nos va a dar tiempo de escuchar los cuatro primeros cortes del disco que son: el ya citado Preludio, el instrumental Fugue 1, subtitulado More Is More que se corresponde con el pecado de la Gula; Angel, con la participación vocal de Dawn Upshaw y Suzanne Vega, que se relaciona con la Lujuria y por último el tema Tuzla, con la voz, de nuevo, de Dawn Upshaw y Joy Askew y que se emparenta con la Avaricia.

Con este cuarteto de temas dejamos en pausa el disco Heaven & Hell hasta que lo retomemos en la próxima edición del Especial Joe Jackson que será el último martes del mes de noviembre.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-31-10-23