Cíclope 3.0 - 29-06-21

Rodolfo Valentino

Comenzamos hoy esta edición de Cíclope 3.0, la del martes 29 de junio, con una obra maestra de la melancolía: Héroes de Celuloide de The Kinks.  Ray Davies propone un paseo a lo largo de Hollywood Boulevar, por el Paseo de la Fama, por la acera de la larga de la avenida en la que están impresas en el asfalto las huellas de las manos y de los pies de estrellas de Hollywood.  Davies, en el texto de la canción, cita a algunas: Greta Garbo, Bela Lugosi, Marilyn Monroe, Mickey Rooney, George Sanders, Bette Davis y Rodolfo Valentino, todos, Héroes de Celuloide.  El programa de hoy lo dedicamos a estrellas del firmamento hollywoodiense,

canciones dedicadas a actores y actrices, comenzando por esa pluralidad de nombres famosos que nos dejan los Kinks de 1972, Celluloid Heroes, incluida en el álbum Everybody's In Show-Biz-Everybody's A Star.

Y para entrar en la selección de nombres propios que hemos preparado nos quedamos en Inglaterra, en Liverpool en concreto, con Julian Cope y su artista homenajeado: Robert Mitchum.

Robert Mitchum aparecía como parte del LP Skellington del año 1990.  El tema no es de Cope sino de un viejo amigo y colega de la música, Ian McCulloch, con quien compartió el proyecto The Crucial Three, trío formado por ellos dos más el músico también de Liverpool Pete Wylie.  El grupo se disolvió sin dejar rastro discográfico.  Cope formaría The Teardrope Explodes, McCulloch capitanearía Echo & The Bunnymen y Pete Wylie seguiría enredando en el mundo de la música.  Robert Mitchum es una canción resuelta con voz, guitarra acústica y silbidos.  Volvería a aparecer en 1993 en el álbum doble The Skellington Chronicles que reunía el álbum de 1990 más un segundo LP titulado Skellington 2.  Por cierto, Jack Skellington es el protagonista de la película de animación Pesadilla antes de Navidad, de 1993, dirigida por Henry Selick según la historia y los dibujos creados por Tim Burton.

Jack Skellington

 

 

Cubierta común para Skellington - 1990 y The Skellington Chronicles - 1993 con un Julian Cope irreconocible en la foto de la portada

Tomando un ala delta hacemos un barrído, utilizando la terminología cinematográfica, y nos venimos a nuestro país, en concreto a Sevilla para quedarnos con un músico, compositor y multinstrumentista que responde al nombre de Dr. Soy.

Dr. Soy es un poliedro de nombres, un kaleidoscopio de la creación más plural.  Es el nombre artístico de José Ignacio Sierra Valverde, de quien ya hablamos hace un tiempo aquí en el blog con motivo de su participación en el Especial Roky Erickson el 29 de octubre del año 2019, programa especial motivado por la muerte de Erickson.  Hoy vuelve de nuevo el Dr. Soy con un tema compuesto para su banda Wolbakia, un curioso nombre de raíz suajili, lengua bantú oriental que se habla en Kenya.  Aunque tiene influencias persas y árabes Dr. Soy escoge el inglés para cantarla.  Obviamente el tema en cuestión está referido al Cine y en concreto a la actriz Michelle Pfeiffer.  As Michelle Pfeiffer es una reflexión un poco sarcástica sobre el amor resuelta con guitarra electroacústica, tres guitarras eléctricas, bajo, batería, organillo, órganos (Farfisa, Wurlitzer, Oberheim y Hammond), arpa, violín, viola, violoncello, flauta, oboe, campanas tubulares y sintetizador, con música y letra a cargo del Dr. Soy que por supuesto se encarga de cantar.

Diseño de Xan Medina

Michelle Pfeiffer

Con el ala delta no hay que cruzar ningún mar porque volamos a ras de las nubes por superficie sólida, siguiendo el sentido del mapa de Europa para recalar en Suiza y en una de sus capitales más prolíferas en música y en músicos, la localidad de Lausanne.  De esta ciudad son Favez, cuarteto en un principio llamado The Favez Disciples y posteriormente ampliado a quinteto y hasta sexteto.  Comenzaron a principios de los años 90 y para cerrar el siglo XX se presentan con un primer álbum que iría marcando su carrera musical hasta hace 10 años, 2011, cuando graban por última vez.  En su discografía algunas menciones a estrellas de Cine como por ejemplo la canción Marlon Brando, Porsches, Hondas y yo del año 2005, pero la que traemos a Cíclope 3.0 es otra, una canción incluida en su álbum de 2002 From Lausanne, Switzerland, dedicada a la descendencia de un actor admirado, Steve McQueen, su hijo Chad McQueen, también relacionado con el Cine y, al igual que su padre, también con el mundo de las carreras de coches.

Steve McQueen

Chad McQueen

Viaje desde Sevilla, España a Lausanne, Suiza, y vuelta a la capital del Sur para quedarnos ahora con un retrato parcial del cuerpo de una actriz, un primer plano de la fisonomía de Joan Collins, sus nalgas que es lo que resalta Benito Peinado y compañía bajo el nombre Dulce Venganza en el tema El trasero de Joan Collins.

El icono Joan Collins

 

La visión fetichista del icono cinerótico que representa Joan Collins es parte de todo el crisol que fue desde sus inicios Dulce Venganza.

Benito Peinado (en la foto tocado con gorra) es una de las muestras de cómo la música es un constante devenir.  Esponja de todo lo que fuese luminoso, Benito comenzó con el proyecto sobre 1982.  Ha sabido rodearse siempre de músicos que asumían todo aquello que él creaba, se convertían en tentáculos, en prolongaciones de sus ideas y sabían traducir lo que él les comunicaba.  Guitarras como la de Juanjo Pizarro, que en paz descanse, o Andrés Herrera El Pájaro, bajistas como Jesús Arispont o Miguel Suárez.

El trasero de Joan Collins forma parte del LP Hippy Hop de 1989, una de las caras del camaleónico Benito Peinado que siempre ha sido una especie de centro gravitacional que imanta cualquier manifestación mínimamente brillante, la hace suya y la pasa por su crisol de donde salen transformadas, como aquella versión que hizo del tema Te estoy amando locamente de Las Grecas.  Después las sacaba a la luz con diferentes sellos discográficos, empezando por el sello discográfico DRO pero trabajando después con sellos malagueños y sevillanos.

En este Especial Canciones dedicadas a Estrellas de Hollywood nos vamos ahora al terreno de lo virtual con la banda Gorillaz.

Gorillaz aparecen en el año 1998 ideados por Damon Albarn, vocalista del grupo británico Blur, y el diseñador gráfico Jamie Hewlett.  Los cuatro miembros ficticios de la foto de la derecha son los componentes de la banda.  La mayoría de sus canciones junto con todo su universo ficticio se presentan a través de videos musicales realizados por animación tradicional y animación por computadora, entrevistas y cortos animados.  Se presentaban en el año 2001 con un álbum bautizado con el nombre de la banda y entre las canciones que lo forman, una dedicada al actor-director-guionista Clint Eastwood.

Gorillaz - 2001

 
 

Clint Eastwood

Primero actor y después director y guionista de Cine, Eastwood cumplió otra de sus metas: crear su propia productora cinematográfica, y la llamó Malpaso Productions.  A finales de los años 80, sobre 1988, apareció una banda sevillana que se bautizaron con el nombre Compañía Malpaso, en alusión clara y transparente a la productora eastwoodiana.

Compañía Malpaso

El cuarteto estaba formado por cuatro músicos, dos de los cuales ya tenían experiencia por haber pasado por otro proyecto, los otros dos se estrenaban.  A saber: Dani y Epi venían de Retrato de una Dama, batería y guitarra (primero y segundo por la izquierda); el tercero y el cuarto siguiendo el orden, Chiqui guitarra bajo y Chuma, voz.  Hacían Rock, sin más matrículas, fueron una bola de sonido cohesionado.  En 1991 grabaron un MiniLP, Hijos de Dios, que se publicó a través del sello sevillano Trilita, un disco del que extraemos un tema, Algo se ha roto.

Vámonos ahora a otro punto del mapa de Europa, poco vuelo necesitamos para alcanzar con el ala delta el país vecino, Francia, para recuperar la voz y las canciones del singular Serge Gainsbourg.

Eternamente ligado a un cigarrillo, Serge Gainsbourg, nacido Lucien Ginsburg (1928-1991) fue cantante, compositor, pianista, poeta, pintor, guionista, escritor, actor y director de Cine francés.  Entre su amplísima producción musical dedicó álbumes a mujeres como por ejemplo uno, firmado en 1968, y cuyo título era toda una declaración de principios: Initials B.B.  Esas dos B hacen alusión clara, transparente y diáfana, a Brigitte Bardot. 

Con el ala delta hacemos un looping que es un movimiento que se realiza manteniendo la dirección hacia delante, de frente, ascendemos, mirando al cielo, giramos hacia atrás quedándonos momentáneamente boca abajo, volvemos a girar sobre el cuerpo mismo, ahora sobre el eje de coordenadas y nos ponemos paralelos al suelo, de vuelta a territorio nacional, otra vez por aquí..., luces en la noche, amanecer del nuevo día y entresacada de una conversación entre colegas que hablan de Cine y de actrices, una frase: A mí la que me gusta es Lina Romay.

De conversaciones, de pensamientos e ideas reflexivas que se vuelven imágenes convexas, de pequeños relatos de la más trabajada literatura, surrealista e imaginativo, de todo eso y más se surten los textos de las canciones de Martín León Soto, conocido artísticamente como Maleso.

Maleso

Conocí a Martín hace tiempo, cuando formaba parte de la banda Tiernos Mancebos allá mediada la década de los años 80.  Estuve en la presentación del grupo, en aquella actuación en una sala del barrio Los Remedios (no recuerdo el nombre del local).  Iban vestidos con trajes de chaqueta y pantalón de color negro, con imperdibles no en plan estética punk, sino ensartados en la ropa.  Recuerdo el escenario decorado con perchas de armario.  Por aquellos tiempos yo trabajaba en RadioCadenaEspañola, RadioCadenaPop, realizando el programa Cámara de Ecos.  Los entrevisté en un par de ocasiones.  Después Martín estuvo en grupos como Las Balas y Sur Pop, pero para ese entonces Cámara de Ecos había cerrado su puerta, RCE había sido absorbida por RNE y las cosas cambiaron.  Pero eso es otra historia y de quien estoy hablando es de MALESO.

Perdí el contacto con Martín como lo perdí con tantos otros músicos de la ciudad.  Me reencontré con su música a raíz de otro reencuentro gratificante como fue el volver a contactar con Paco Cruces, alma del sello discográfico Trilita y del actual sello Felices Años Veinte.  Lo primero que escuché de MALESO me lo enseñó Paco, el álbum Casémonos del año 2020.

Al escucharlo, la primera impresión es engañosa: ¿escuela Javier Krahe?  Mmmmmm...no, y sí.  Digamos que se podrían poner en la misma estantería más por cercanía que por seguimiento.  Claro que hay admiración de este hombre por el músico fallecido (de hecho tiene una composición homenaje) pero es otra historia.

La historia de MALESO viene de años atrás: desde el año 2009 viene grabando largas duración y algunos singles, pero mayoritariamente, álbumes.  Lo primero que llama la atención es que tanto los textos como la música están extraordinariamente cuidados.  Que las letras están escritas con un sentido literario marcado, que son interesantes, muy interesantes, y que lo que hace MALESO no es moco de pavo.

Que 2020 es un año marcado negativamente es un hecho obvio, la Pandemia de la COVID-19 puso todo bocabajo.  Sin embargo es el año en el que vio la luz un nuevo sello discográfico en Sevilla, Felices Años 20 https://fa20.es/ con Paco Cruces al frente del proyecto.  Lo primero que han editado ha sido el álbum doble Fracasos que no me explico de MALESO

Con ilustraciones de Miguel Brieva, el vinilo doble está impreso en bicolor: un LP blanco el otro negro.

Paco Cruces y MALESO

Fracasos que no me explico repasa la obra de MALESO y recoge entre otras canciones una que aparecía en formato de Single en el año 2011, A mí la que me gusta es Lina Romay.

Lina Romay (1954-2012) cuyo nombre real era Rosa María Almirall Martínez, fue actriz, directora y montadora de cine española de presencia constante en la filmografía de Jesús Franco de quien fue pareja hasta su muerte.

Lina Romay

Estamos en la recta final del programa de hoy dedicado a canciones sobre actores y actrices de Hollywood, homenajes indirectos o claros y transparentes como el que acabamos de escuchar o como el que nos ocupa ahora, una canción escrita e interpretada por Pedro Cruz, dedicada a la gran Sofía Loren.

Pedro Cruz fue la voz y una de las dos guitarras del cuarteto sevillano Los Picapiedra.  Él era el que, al comenzar las actuaciones en vivo de la banda, gritaba aquello de: ¡¡¡Vilmaaaaaa!!!  Desde aquel Pop rockerizado de Los Picapiedras de los años 80 hasta hoy han cambiado mucho las cosas.  A Pedro hace años que no lo veo y ha sido por Paco Cruces, Paco Trilita, por quien he conocido lo que está haciendo desde hace ya tiempo.  A través de Facebook supe de una entrevista que le hicieron para un canal de televisión en Alemania, donde reside por motivos laborales.  Esa entrevista estaba trufada de fragmentos de canciones suyas y ahí escuché esta, Filosofía Loren.  Me llamó la atención como para intentar encontrarla y escucharla entera y bien.  A través de Paco contacté con Pedro, nos reencontramos, virtualmente porque hay cierta distancia entre Alemania y España como para quedar para tomarnos una cerveza inmediatamente o en unos días, pero quedamos para vernos en la primera oportunidad que nos encontremos.

Hay algo que me llamó la atención desde la primera vez que escuché Filosofía Loren y es lo compactada que está la música con el texto.  La canción está resuelta con una riqueza de matices en los instrumentos que es lo que le da esa musicalidad tan sugerente y atractiva; la letra está escrita con escuadra y cartabón, trabajada, llena de dobles sentidos, de juegos de palabras.  Pedro es muy adepto a jugar con el sentidos de las palabras, cambiar el sentido de frases cortas, le gusta hacer lo que se llama pomporrutas que es escuchar una palabra o una frase en una canción, un poema, y crear una expresión homófona similar a la escuchada originalmente pero con un significado nuevo.  Un ejemplo: cantar Juan Talavera en vez de Guantanamera.  Entre pomporrutas, retruécanos, disfemismos (lo contrario de eufemismos) y calambures, Pedro trenza un texto, el de Filosofía Loren, encomiable.  Sumado a la instrumentación da como resultado una canción francamente espectacular.

Las últimas fotos de esta pinacoteca musical dedicada a las estrellas hollywoodienses están protagonizadas por una actriz y un actor e interpretadas por el que fue vocalista de la banda Bauhaus, o sea, Peter Murphy.

  

Uno de los músicos al que se le puede llamar El Hombre de las Mil Caras, por su capacidad para transformar su apariencia física.  Fue el vocalista de la banda Bauhaus, pionera de lo que se dio en llamar Rock Siniestro, Rock Gótico...  Murphy reunía en su figura y en su voz una multiplicidad de influencias de las cuales la de David Bowie es probablemente la más inmediata porque se mostraba claramente en la voz, la forma que tiene de dramatizar que recuerda, a veces incluso confunde a algunos oyentes, al Duque Blanco.

Con el grupo estuvo desde los comienzos en 1980 hasta 1983.  A lo largo de cinco álbumes, 4 de estudio y uno en directo, Murphy fue adquiriendo una popularidad que el resto de la banda no veía con buenos ojos.  Durante la grabación del  disco Burnig from The Inside, aparecido en 1983, el vocalista contrae una neumonía que le impide asistir a las sesiones de grabación y el resto del grupo aprovecha para montar una coartada: como el álbum hay que acabarlo y publicarlo lo sustituyen Daniel Ash y David J.  Cuando Murphy se recupera, si te vi no te he visto, adiós hasta otra.

Tras la formación del proyecto Dali's Car junto a Mick Karn bajista de Japan y tras su disolución por falta de éxito comercial, Murphy comienza a desarrollar una actividad en solitario auspiciado por los consejos de músicos como John McGeoch, guitarrista de Magazine y Siouxsie and The Banshees.  Lanza uno, dos discos y al que hace tres da en la diana.  Deep, publicado en 1989 contiene un montón de canciones buenas una de las cuales hace mención a la actriz Marlene Dietrich, su título El poema favorito de Marlene Dietrich.

Marlene Dietrich

  

Y para cerrar la edición de hoy no abandonamos a Murphy sino que lo ubicamos en el grupo donde creció como músico, Bauhaus.

Fue una banda extraordinariamente seminal porque con su estética, su imagen y el sonido, las formas de sus canciones, influyeron en muchísimas personas que se adentraron en la creatividad musical y en una forma de vestir como maneras de su expresión personal.  Ya he reseñado un poco de la historia del grupo, remontándonos al comienzo el primer éxito del grupo es de 1979, cuando se presentan a través de los discos con un Single: Bela Lugosi's Dead.

El primer Single de Bauhaus se convertiría en un tema emblemático del movimiento Gótico.  La banda decía adiós en 1983, el mismo año que se estrenaba una película titulada El ansia (The Hunger), dirigida por el hermano de Ridley Scott, Tony Scott, con guión de Ivan Davis y Michael Thomas, basada en la novela homónima de Whitley Strieber.  Al principio de la cinta dos de los protagonistas se mezcln con el público de una sala donde un grupo de rock interpreta un tema que sorve como telón de fondo para toda la acción que se desarrolla en dicho local.  El grupo no es otro sino Bauhaus y la canción que interpreta Bela Lugosi's Dead.  Una canción que aparecería en LP en una tirada corta realizada en Inglaterra de su primer disco, In a Flat Field de 1980, pero que no volvería a hacerlo en edición vinilo, tan sólo una versión en vivo en el disco grabado en directo Press The Eject and Give Me The Tape.  Habría que esperar a las reediciones en CD para encontrarlo y siempre en una mezcla ampliada.

Bela Lugosi 

Hasta aquí Cíclope 3.0 de esta semana.  Si te fijas no hay ninguna foto de actriz y de actor que lleve fecha de nacimiento y muerte, me refiero a los que ya no están.  De alguna forma conectamos con el mensaje de la canción del principio de The Kinks donde afirma Ray Davies que los héroes de celuloide en verdad no mueren nunca.  Cosas tan humanas en pleno siglo XXI.

Espero que te haya gustado el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/index.php/blog/ciclope-30-29-06-21