Cíclope 3.0 - 15-12-20

 

Un oyente de Radio Tomares abducido por extraterrestres, interesados en saber por qué escucha con tanto interés Cíclope 3.0 

Cíclope 3.0 del martes 15 de diciembre de 2020.  Cumpliendo con el lema del programa, escuchamos la actualidad a través del Prisma del Tiempo y comenzamos utilizando un elemento común a muchos grupos y solistas de la década pasada de los años 80, la Caja de Ritmos.

Payola$

 

Payolas o Payola$ fue una banda de rock canadiense de aquellos años 80 que evolucionaron desde un sonido de New Wave hacia el Pop-Rock convencional lo que les sirvió para alcanzar popularidad internacional.  Tuvieron su base de acción en Vancouver, Columbia Británica.  Cambiaron de estilo y de nombre a lo largo del tiempo, y de miembros en la formación aunque siempre se mantuvo la doble columna vertebral formada por Paul Hyde y Bob Rock (primero y segundo por la izquierda en la foto anterior).

El nombre de la banda hace referencia al escándalo de la payola en Estados Unidos a principios de la década de los 60 aunque algunos historiadores lo sitúan ya en los años 20.  Payola es la palabra que denomina el soborno de empresas discográficas y representantes a emisoras de radio y DJ's para que programaran la música que les interesaba.

Activos durante los cinco primeros años de los 80, en 1982 publicaban No Stranger to Danger que contó con la producción de Mick Ronson, que se encargó también de los teclados.  En el sonido de la banda convivió la instrumentación electrónica con instrumentos básicos del rock, cajas de ritmos pero sin renunciar a la batería, aspecto que marcó, en aquellos tiempos, ciertas distancias entre los músicos que defendían una estructura de base electrónica y los que preferían seguir tocando con amplificadores de lámparas y válvulas.

Hemos comenzado con Eyes of a Stranger que tiene una entrada con caja de ritmos.  Otra canción con un inicio paralelo es la que firmaron en 1983 The Teardrope Explodes con el título de Ouch Monkeys.

The Teardrope Explodes tienen una discografia eminentemente breve: dos LPs y un montón de Singles y Maxi-Singles.  Formada a finales de los años 70 por Julian Cope (en la foto segundo por la derecha) tuvo una discografía tan breve como larga influencia en el panorama de la música Pop y Rock.  Cope venía de formar un proyecto con dos paisanos de Liverpool: Ian McCulloch y Pete Wylie.  El trío se bautizó como Crucial Three pero no llegó más allá de ser un proyecto que se quedó sin cristalizar.  Wylie continuó en la música, en solitario, McCulloch formó Echo & The Bunnymen y Cope se reunió con otros músicos para crear The Teardrope Explodes.

La Lágrima Explota grabaron dos LPs entre los años 1980 y 1981.  En 1983 aparecía el EP de la foto izquierda con la canción You Disappear From View como tema estrella.  El vinilo incluía 5 composiciones entre las que se encuentra Ouch Monkeys que, junto con las demás, aparecería en formato CD como Bonus Tracks del disco Wilder, el segundo LP que grabaron Teardrope Explodes y que el Cíclope recupera por la sabia utilización de una caja de ritmos.

Y de elementos electrónicos variados sabía mucho un músico llamado Martin Rev.

Sabía y sabe, porque sigue vivo (73 años), Martin Reverby, conocido por la abreviación de su apellido en Rev, es un músico, compositor e intérprete neoyorkino, de Brooklyn, más reconocible cuando aparece pertrechado tras unas voluminosas gafas oscuras que le permiten mantener una impostura casi de anonimato.

De esta forma, a pesar de su pretensión de permanecer casi escondido tras una máscara, Martin Rev es como habitualmente aparecía en las fotos y en las actuaciones en vivo que realizaba junto a su compañero Alan Vega, es decir, el dúo Suicide.

  
 

Suicide

El dúo se formó a principios de los años 70 como un grupo convencional de rock, con guitarras, bajo y batería, pero poco a poco los miembros que estaban dentro del proyecto fueron desertando y sólo quedaron Martin Rev, sintetizador y caja de ritmos, y Alan Vega, vocalista.  En la temprana escena Punk neoyorkina, mientras New York Dolls hacían hincapié en crisis de personalidad y cimbreaban la cintura a golpe de Rock'N'Roll, Suicide presentaba en el Lower East Side de la ciudad de los rascacielos una música elaborada sobre riffs de teclados, simples e hipnóticos, habitualmente provenientes de un desgastado órgano y una primitiva caja de ritmos que eran el arsenal de Rev.

Con un equipo analógico como el que recoge la foto, Rev creaba sonidos minimalistas, espeluznantes, oscuros y obsesivos, con sintetizadores disonantes que proveían de la atmósfera necesaria para envolver la voz de Alan Vega.

Alan Vega, nombre artístico de Boruch Alan Bermowitz, nacía en Nueva York, en Brooklyn, el 23 de junio de 1938 y fallecía el 16 de julio de 2016 a la edad de 78 años.

Graduado en el Brooklyn College, comenzó su carrera artística haciendo esculturas de luz.  Era 1974 cuando Vega abrió una galería, pequeña, en la parte baja de Manhattan, donde comenzó a gestar la idea del Project of Living Artists, un sitio para desarrollar diversas doctrinas artísticas.  El lugar sirvió como terreno de expresión para artistas como New York Dolls, Television y Blondie.  Así conoció al grupo de Jazz de 15 miembros Reverend B., que presentaba a un músico llamado Martin Rev en el piano eléctrico.  Pronto, Vega y Rev unieron sus ingenios creativos: por un lado, la música minimalista y agresiva, fusión de los teclados ominosos y repetitivos de Rev se cruzó con el gruñido rockabilly de Vega, y así, levantando una arquitectura sonora hecha de metales soñados y textos de maderas únicas, Suicide daba sus primeros pasos.  En poco tiempo estaban sobre los escenarios, actuando en vivo.

Rev creaba las estructuras disonantes con los sintetizadores.  Los ritmos hipnóticos reducidos a un célula que se repite en bucle adornaban perfectamente un espacio en el que florecía la voz de Vega con un estilo, aunque reminiscente de Elvis Presley y cantantes de Rockabilly, dotado de originalidad en su forma de cantar, repleta de ansiedad, alaridos y murmullos nerviosos.  Las actuaciones en vivo del dúo empezaron a sembrar una reputación de grupo polémico: Vega despotricaba y escupía textos de una manera nerviosa e inconexa, convirtiéndose en una espiral conflictiva que provocaba en el público un frenesí desenfrenado que, ocasionalmente, conducía a una violencia en toda regla con la multitud atacando al cantante.

Vega herido tras una actuación

 

El 28 de diciembre del año 1977 aparecía el primero de los dos álbumes que dejaron grabados Suicide.  Lo escribieron entre ambos miembros, Alan Vega y Martin Rev, lo interpretaron entre los dos y dejaron una semilla que no sólo abarca a todos los que de alguna forma admiraron al dúo neoyorkino sino inclusive a músicos como Bruce Springsteen, que reconocía en este primer disco una obra fundamental en la historia de la música, especialmente una canción como Frankie Teardrop que sumerge al oyente en una espiral de 10 minutos y 25 segundos emotiva y obsesiva, como era habitual en el dúo.  El Cíclope opta por el tema que abre el LP, Ghost Rider, una canción que, con el paso del tiempo, en el año 2005, fue utilizada en la televisión brasileña en un anuncio de desodorante.

Suicide: Alan Vega · Martin Rev es el segundo álbum de estudio de Suicide.  Producido por Ric Ocasek de The Cars fue lanzado en mayo de 1980 y reeditado por el sello Mute/Blast First en 1999 con una nueva portada y esta vez se tituló formalmente The Second Album.

Suicide 2 portada frontal

Suicide 2 contraportada

Aunque hubo un reencuentro de los dos miembros del dúo años después, la esencia de su música está en sus dos primeros LPs, dos discos necesarios, pioneros, para que tras Suicide aparecieran, sobre todo en Inglaterra a principio de los 80, dúos que practicaban lo que se conoce como Synth Pop.  Reconocieron la influencia de Rev y Vega nombres como Soft Cell, Erasure, Bronski Beat, Yazoo...

Pero apenas recibieron crédito mientras Suicide estuvieron activos.  Probablemente su estilo, su interpretación extremadamente conflictiva y su amor por la disonancia creó una nómina de seguidores que fueron considerados demasiado extremos para el gusto medio de una audiencia amplia que escuchaba (cuando no huía) bandas como Throbbing Gristel o Cabaret Voltaire.  En el caso de Throbbing Gristel es comprensible, pero en el de Cabaret Voltaire me parece una exageración.  En fin, sobre gustos no se discute.

Tras la desaparición de Suicide, tanto Martin Rev como Alan Vega siguieron trabajando en solitario.  En vez de quedarnos ahora con la música de ambos cada uno en su propio ámbito nos vamos a centrar en el vocalista, Vega.

Debutaba en solitario en 1980 con el álbum que bautizaba con su nombre y apellido.  En 1981 firmaba Collision Drive, donde continuó explorando una identidad fracturada, una forma de hacer música que llamó Rockabilly Cubista.  Sería en 1983 con la publicación de Saturn Strip cuando Vega consiguió obtener una mayor repercusión con su obra.  El disco estuvo producido por Ric Ocasek, fan desde hacía mucho tiempo y que había ejercido ya como productor en el segundo trabajo de Suicide.  Saturn Strip supuso el cambio de sello discográfico a una empresa más potente como era el caso de Elektra Records.  Sin embargo, las relaciones corporativas se agriaron durante la producción de Just a Million Dreams de 1985, y en un momento dado el sello incluso intentó sacar al cantante de sus propias sesiones de estudio.  El cambio de sello discográfico se impuso y Vega siguió creando y publicando sus discos hasta poco antes de fallecer.  De aquel Saturn Strip el Cíclope entresaca un tema, Wipeout Beat.

Wipeout era el nombre de un video juego con coches futuristas que se parecían más a un cohete que a un coche.  De video juegos va ahora lo que nos trae Cíclope 3.0, la banda sonora de una aventura gráfica titulada Creaks, firmada en este año 2020 por Hidden Orchestra.

 

Hidden Orchestra es el proyecto de un músico, compositor, productor y multiinstrumentista original de Edimburgo, Escocia, llamado Joe Acheson (en la foto de la izquierda).  No es que él sea el fundador de la Orquesta Escondida, es que él ES la Orquesta, una Orquesta Imaginada.  Indiscutiblemente no puede multiplicarse con el don de la ubicuidad, por lo tanto cuenta con una amplia colaboración de músicos invitados de diferentes orígenes musicales como por ejemplo Poppy Ackroyd, violin y piano, los baterías Tim Lane y Jamie Graham, el clarinetista Tomas Dvorak, también conocido como Floex, alias que utiliza cuando realiza grabaciones de música electrónica...Acheson graba las sesiones con cada músico por separado para después mezclarlas en el estudio y crear el sonido de una obra con texturas orquestales oscuras que se superponen en capas.  Acheson partía en el año 2009 con esta idea, publicaba un disco por primera vez en el año 2010.  Diez años en activo, viviendo durante una época en España, en concreto en Barcelona.  Actualmente reside en Brighton.

Hidden Orchestra en directo.  Cinco miembros, pero pueden llegar a ser siete, o nueve, depende.

Del proyecto de un hombre solo al proyecto de una mujer sola: CORECASS.

No es muy habitual que una mujer lidere un proyecto en solitario utilizando un nombre que puede ser el de un grupo más o menos numeroso.  Normalmente un proyecto femenino, en solitario, suele llevar el nombre y apellido de su creadora-alma mater.  En este caso no es así ya que quien está detrás de CORECASS es una multiinstrumentista alemana original de la ciudad de Hamburgo: Elinor Lüdde (en la foto).

Desde el año 2014, Lüdde fusiona varios instrumentos como el arpa, acordeón, guitarra eléctrica, voz combinada con grabaciones de campo y sonidos sintetizados.  El resultado final es una música cinematográfica, un conglomerado elegíacamente oscuro y atmosférico hecho de experimentos de ruptura de clichés entre sonidos y fuentes electrónicas y acústicas.  Publicó por primera vez en el año 2014.  Entonces fue un EP, seguido de Maxi-Singles en los años 2016 y 2018.  En noviembre de este año veía la luz un larga duración titulado VOID donde la compositora interpreta todos los instrumentos, compone y arregla todo el material.  Un disco interesante donde también incluye voz como se puede escucha en el tema que trae el Cíclope.

Ya que estamos enredando música atmosférica nos quedamos ahora con un dúo que ha sonado en varias ocasiones por aquí y al que siempre volvemos porque realizan una música particularmente atractiva, ellos son Andrew Thompson y Marc Byrd (izquierda y derecha de la foto), más conocidos por el nombre Hammock.

En el año 2010 Hammock publicaban un álbum, Chasing After Shadows...Living With the Ghosts y un EP de cinco canciones, Longest Year.

  

   

Aquel EP del año 2010 volvería a ver la luz este año debidamente remasterizado y con una pista extra.  La portada cambió de color: de blanco ha pasado a rojo.  El por qué de ese cambio y ese añadido de una canción más está motivado por la dedicatoria: A la memoria de todos aquellos que hemos perdido por la pandemia de la COVID-19 y a todos los que siguen luchando contra ella.

En la recta final del programa de hoy no dejamos los sonidos atmosféricos y desde Nashville, Tennessee, donde se ubican Hammock, nos movemos hacia México de donde es originario Gabriel Téllez Girón Jiménez, conocido por el nombre artístico de Amotken.

Amotken

Él es así, para ilustrar su presencia lo hace tal y como muestra la foto.  Para ubicar el significado del nombre artístico hay que consultar la mitología norteamericana, en concreto hay que buscar entre los salish, un grupo de tribus originarias del territorio que actualmente ocupa lo que se conoce como Columbia Británica, en Canadá y el estado de Washington, así como Idaho y Montana en Estados Unidos.

En la mitología salish, Amotken es el dios creador.  Su símbolo es el sol y el de su hijo, Spokani, la luna.  El dios principal es representado como un anciano amable y sabio que vive solo, en el Cielo, siempre preocupado por su creación.  Hasta ahí todo muy bien, muy bonito pero, ¿qué sería de un dios creador, en cualquier religión, que no estuviera dispuesto a (si se me permite la expresión) porculizar con sus actos de supremo prestidigitador?  Es lo que ocurrió en una ocasión cuando Amotken crea a cinco mujeres jóvenes a partir de cinco cabellos de su cabeza y les preguntó qué querían ser.  Cada una dio una respuesta diferente: la primera pidió ser la madre de la Maldad y de la Crueldad; la segunda, la del Bien; la tercera pidió ser la madre de la Tierra; la cuarta, la del Fuego y la quinta y última la madre del Agua.  Amotken les otorgó sus deseos y las envió a la Tierra para que gobernaran durante un tiempo pero para evitar que se pelearan entre ellas decretó que cada día una de ellas estaría al cargo, y que la Maldad empezaría el primer turno.

Metafóricamente hablando, cada día de la historia de Amotken representa una enorme proporción de Tiempo para los mortales, así que la Maldad aún reina en la Tierra, pero con el tiempo la Bondad llegará a gobernar.  Una especie de Caja de Pandora con la Bondad como meta en vez de la Esperanza como sucede en el mito griego.

Amotken músico, de Puebla, México, se promociona como

una criatura espacial que descendió en forma de partículas a este plano para habitar un cuerpo y explorar las posibilidades sónicas y espirituales de las frecuencias cuánticas

 

El 9 de abril de este año que se termina, Amotken ha publicado el álbum Life's a Glitch, su cuarto trabajo, compuesto, interpretado y arreglado por él en la ciudad mexicana de Cholula.

Amotken tocando en directo

Así hemos llegado al final del programa de hoy.

Espero que te guste.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-15-12-20