Cíclope 3.0 - 16-06-20

El lema del Cíclope es: Escuchamos música a través del Prisma del Tiempo.  En la foto, un grupo de oyentes que han viajado desde otra dimensión del pasado, en concreto del año 1913, abducidos por el Prisma y seducidos por el Tiempo. 

Cíclope 3.0 del martes 16 de junio.
Dice el Cíclope en su lema: Escuchamos música a través del prisma del Tiempo.  Y eso es lo que hacemos precisamente al comienzo de la edición de hoy: recuperar sonidos llegados desde un tiempo atrás, no muy lejano, como fue el sonido multicolor de los años de la década de los 80.  El caudal de músicos, solistas o en grupo, que se dió a finales de los 70 y principios de los 80 fue tan abundante y variado que muchos discos y sus artífices quedaron olvidados.  Es el caso de la banda con la que comenzamos hoy, unos americanos afincados en Francia, en París en concreto, y que responden al nombre de Orchestre Rouge.

Orchestre Rouge

Orchestre Rouge surgen en Francia aunque su fundador, Theo Hakola, voz y violin, es de origen norteamericano.
Comenzaron con los turbulentos años 80 tomando como referencia el nombre de Oquesta Roja, organización perteneciente a la Resistencia francesa contra el nazismo en la Segunda Guerra Mundial.
Se dieron a conocer con el álbum Yellow Laughter de 1982, producido por el insigne Martin Hannett, responsable del espectro musical de Joy Division, New Order, Durruti Column y tantos otros.

Carpeta del primer LP de Orchestre Rouge

Foto original del grupo de la Resistencia francesa al nazismo, Orquesta Roja, que serviría de base para el diseño del álbum anterior

El Cíclope recupera el segundo álbum de la banda, More Passion Fodder, de 1983, segundo y último porque tras la grabación del disco la banda se separaba o, mejor dicho, dejaban de llamarse Orchestre Rouge para rebautizarse como Passion Fodder.

Para evitar despistes te lo indicaban en la carpeta: la continuación de Orchestre Rouge.
Passion Fodder en verdad eran los anteriores tanto en formación como en estética, si quieres, un poco menos...siniestra.
4 Songs fue un EP de cuatro canciones aparecido en 1984 y que abriría una nómina de discos inmensamente más larga que la de sus antecesores, que tan sólo dejaron dos LPs.  ¿Tal vez más acústicos estos Passion Fodder?  A veces, no siempre.

Theo Hakola, músico, escritor, director de Cine y actor, motor de Orchestre Rouge y de Passion Fodder.  Cuando estos últimos se separaron, en 1991, continuó en solitario desde 1993 hasta nuestros días.

Los que sí sonaron siempre de forma caleidoscópica son los siguientes invitados: Family Fodder.

Family Fodder

Aquí la palabra Fodder, aunque tiene componente de sustantivo, en verdad es apellido ya que el fundador de la banda se apellida así, Fodder.

Alig Fodder y Dominique Levillain

Reunidos por primera vez en 1975, Family Fodder surge como proyecto musical bajo los auspicios del compositor, productor y multinstrumentista Alig Fodder, que en el Londres de finales de los 70 uniría ingenio e intereses con la vocalista Dominique Levillain.  Su música, una especie de caleidoscopio donde se mezclan el punk suave, elementos de rock acústico, reggae y música clásica, dio como resultado final una especie de experimento, de laboratorio musical donde realizaban además de composiciones propias versiones peculiares: fueron capaces de transformar la música de Erik Satie o incluso Franz Schubert en parte integrante de sus remolinos musicales.  En 1980 lanzaron un LP titulado Debbie Harry, dedicado íntegramente a la figura de Deborah Harry y algunas canciones de Blondie como las multiversiones del tema Sunday Girls, aparecida en formato de Single y Maxi-Single reproduciendo la canción a diferentes velocidades, distorsionadas y caóticas.  Sería una de las últimas intervenciones de la vocalista Dominique Levillain porque a finales de 1981 abandonaba el proyecto para dedicarse de pleno a su escuela de canto conocida como Prymary Rhythms (Ritmos Primarios).  Antes de dejar el grupo, cuando la banda la formaban unos 10 miembros, en 1979, Alig Fodder, con el proyecto Family Fodder en marcha, formó un proyecto paralelo que duró tan solo un año, que grabó un disco (inencontrable) un Maxi-Single firmado bajo el irónico nombre de Frank Sumatra y La Mafia.  Después, todo continuaría más o menos como se ha indicado.  A Dominique Levillain la sustituyó la cantante Lynn Alice que estuvo al frente vocal de temas como el que se recoge en el Single Coral, de 1982, un tema que parece grabado en el TioVivo de una feria.
La banda Family Fodder se disolvería a lo largo de los años 80.  Después de algunas apariciones en solitario o acompañado por diferentes músicos, su fundador, Alig Fodder, ha seguido grabando bajo diferentes alter-egos: DJ Katface, Johnny Human, Vox Humana y The Lo Yo Yo.
Ya que Fodder y compañía admiraban a Debbie Harry podemos recuperarla.

Deborah Harry

Capitaneó una de las bandas más aplaudidas de la New Wave de finales de los 70 en adelante: Blondie.  Como dice el refrán, no fueron profetas en su tierra porque el grupo hizo mella antes en Europa que en su Norteamérica natal.  
Deborah Harry, cantante, compositora, modelo y actriz en muchas películas, nació en Miami, Florida, el 1 de julio de 1945.  Junto al guitarrista Chris Stein, con quien mantuvo un largo romance, fundó Blondie.

Blondie

Se mantuvieron activos desde mediados los 70 hasta los 80, cuando el proyecto se vino abajo, momentáneamente porque después resurgieron a lo largo de la década de los 90.  

Ella, en solitario, ha seguido creando, música y su labor cinematográfica.  De ella recuperamos un impetuoso Muchacho de la bicicleta, de su LP de 1989 Def, Dumb & Blonde.

Y ya que hablamos de Blondie, aquel Heart of Glass

El saltarín Corazón de Cristal puede adoptar otras formas si se interpreta, por ejemplo, en clave de Jazz como hace el trío The Bad Plus.

The Bad Plus (de izquierda a derecha Reid Anderson contrabajo, Dave King batería y Ethan Iverson piano)

Estos tres músicos originales de Minneapolis comenzaron a grabar con el inicio del siglo XXI.  En el año 2001 aparecía por primera vez un disco suyo y la formación se mantendría tal cual hasta 2017, año en el que el pianista Ethan Iverson abandonó el seno del trío para seguir en otras aventuras musicales.  Fue sustituido por el también pianista Orrin Evans.

Orrin Evans en el centro

The Bad Plus interpretan composiciones propias, standars del mundo del Jazz y, especialmente, realizan versiones de temas del Pop y del Rock, pasión que une a los tres miembros tanto a los originales como a la formación actual.  Han hecho revisiones de canciones de Peter Gabriel, Nirvana, ABBA o de Blondie, que es el motivo por el que suenan en esta ocasión, con su forma de interpretar Heart of Glass, incluida en el disco These Are The Vistas del año 2003.

These Are The Vistas - 2003

También incluían en el álbum  una versión del himno grunge de Nirvana Smells Like Teen Spirit.

Siguiendo el rastro de la música, si hablamos de Nirvana y de versiones, la prestigiosa Orquesta Sinfónica de Roma publicaba hace poco, en este 2020 un álbum titulado Roma Symphony Orchestra Performs Nirvana realizando una interesante adaptación a los esquemas academicistas de aquel Come As You Are.

Roma Symphony Orchestra

Estamos en la recta final del programa.  Si acabamos de escuchar a una orquesta sinfónica y la dejamos que acompañe a músicos de rock encontramos momentos tan peculiares y brillantes como el que suena a continuación, un tema titulado Sebastian que firman Cockney Rebel.

Cockney Rebel

Steve Harley
(el cuello de la camisa, por Dios)

Cockney Rebel fue una banda británica surgida en la década de los 70, en concreto en 1973 cuando publican su primer single, ese Sebastian que acaba de sonar, inmenso, grandioso, con unos arreglos orquestales y de coro verdaderamente brillantes.  La banda estaba capitaneada por un ex-periodista, Steven Nice, rebautizado artísticamente como Steve Harley.  
El grupo debutó aquel año de 1973 con un álbum que resultó de los más aclamados de esa fecha, The Human Menagerie que incluía su Single de presentación, un tema que tuvo la colaboración de Andrew Powell, compositor, productor y arreglista, que se encargó de todo lo relacionado con los arreglos orquestales y el coro.

Andrew Powell

Powell adquirió cierto renombre a raíz de su trabajo con Alan Parsons en aquel legendario disco Tales of Mystery and Imagination que utilizaba de base las Historias Extraordinarias de Edgar Allan Poe, especialmente el fragmento dedicado al Hundimiento de la Casa Usher, resuelto con las indicaciones y trabajo de Powell.  Tan fructífera y satisfactoria fue su labor que pasaría durante un tiempo a formar parte de los músicos de The Alan Parsons Project.  De hecho el segundo álbum de Cockney Rebel, The Psychomodo, de 1974, estaba coproducido por Alan Parsons y Andrew Powell.

Carpeta del primer LP de Cockney Rebel, The Human Menagerie, de 1973.  Le seguiría en 1974, The Psychomodo, el segundo y último disco del grupo porque después de éste pasarían a llamarse Steve Harley & Cockney Rebel.






Si dispusiéramos de más tiempo en el programa ahora seguirían una serie de canciones rock con gran acompañamiento de orquesta, pero el Tiempo nos vence y llegamos al final, por supuesto con una de esas composiciones tremendas, un arrebato protagonizado por Susan Janet Ballion, más conocida como Siouxsie Sioux.

Siouxsie Sioux

Siouxsie and The Banshees

El séptimo álbum que publicaban Siouxsie and The Banshees lo hizo en el año 1984 y se tituló Hyaena.  El disco incluía e incluye uno de los rituales más hermosos que ha celebrado la Suprema Sacerdotisa del Rock Gótico, el tema titulado Dazzle.  La composición está pensada para que la interprete el grupo de rock acompañado de orquesta, en este caso The Banshees arropados por el conjunto orquestal The Chandos Players.

Así se cierra por hoy Cíclope 3.0

Espero que te guste el programa, y cuídate mucho, que eres oyente imprescindible.


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Cíclope 3.0 - 09-06-20

Mogwai

Slint

Trioscapes

Cíclope 3.0 del martes 9 de junio.  En la edición de hoy contamos con tres grupos invitados, tal y como muestra la triple foto de cabecera.  Por qué tres, en este caso, grupos (podrían haber sido solistas) porque la duración de los temas exceden los 7 u 8 minutos y eso provoca pues que entren menos músicos, menos material.  En el caso de hoy porque, además, nos extendemos un poco más en uno de los invitados.  En definitiva, tres bandas, tres formas diferentes aunque dos de ellas estén más cercanas.  Y sin más, comenzamos con el contenido musical que se inicia con unos escoceses: Mogwai.

Mogwai

En 1995, en Glasgow, un grupo de amigos de toda la vida con facultades musicales e intereses paralelos, se reúnen con la sana intención de crear un grupo donde componer e interpretar música de guitarra seria.


Los primeros que se reúnen serían tres de los futuros miembros:

Stuart Braithwaite, guitarra y vocalista

Dominic Aitchison, guitarra bajo

Martin Bulloch, batería

Antes de debutar como grupo agregan a un miembro más

John Cummings, guitarra

Así, con formato de cuarteto, se dan a conocer con el nombre de Mogwai, el mismo que tenía aquel dulce animalito de la película Gremlins, que narraba las peripecias de unos bichos de origen cantonés, cuyo nombre significa Espíritu Maligno, muy graciosos y entrañables, con los que había que mantener tres reglas de oro: no darles de comer después de medianoche, no mojarlos y evitar que les dé la luz del sol.  De lo contrario, se vuelven punkarras porculizantes.  Pues el nombre del cuarteto de Glasgow no tiene nada que ver ni con los bichos, ni con el significado del nombre ni con nada que no sea la casualidad, la coincidencia.
La forma de su música abunda en cambios dinámicos, ritmos lentos que se transforman en una tormenta sonora y viceversa.  Graban un larga duración por primera vez en 1997 pero el año anterior, 1996, lo habían trufado de EPs y Singles, unos cuatro en total.  Es en el 97 cuando aparece Young Team.

   

Hay un rastro en este disco que recuerda el Coney Island Baby de Lou Reed, por lo menos suena muy cercano el tema R U Still in 2 It?, con ese casi recitado tan caro a Reed.  Hay un legado muy claro en el Rock de Mogwai, y es el que ellos mismos reconocen como una marcada influencia: la música de la banda norteamericana Slint.

Slint

Aunque durante su vida, breve, se pasó por alto su existencia, Slint se convirtió en una de las bandas más influyentes y de mayor alcance que surgió de la comunidad estadounidense de rock underground de finales de la década de los 80.  Innovadores, iconoclastas, las habilidades para manipular el volumen, el tempo y la estructura de sus composiciones los convierten en claros progenitores del movimiento Post-Rock que florecería durante la siguiente década.
Slint se formó en 1987 en Louisville, la ciudad más poblada de Kentucky y tuvo una corta vida: se separaron en 1992.  Corta discografía también: dos álbumes, uno en 1989 y el otro en 1991.  A título póstumo, en 1994, aparecería un EP con material que no se incluyó en sus dos discos.

Tweez - 1989

Spiderland - 1991

Dos guitarras: Brian McMahan, vocalista además, y David Pajo.  Un batería, Britt Walford y el guitarra bajo Ethan Buckler.

El productor Steve Albini, responsable del sonido de Pixies, PJ Harvey o Nirvana, entre otros, se encargaría de producir el primero de los dos discos.  Para el siguiente, Spiderland, la producción estaría en manos de Brian Paulson que se encargaría de producir a bandas como Son Volt y Wilco, entre otras.  En el segundo disco, el bajista Ethan Buckler sería sustituido por Todd Brashear, para cerrar esa colección de composiciones de enfoques estilísticos extraños, ritmos fracturados entrelazados por aceleraciones y fragmentos líricos.  El Cíclope recupera un par de temas de Spiderland.

Y en este punto del programa volvemos a Mogwai.

Con el paso del tiempo, la música del grupo escocés se ha ido volviendo más ambiciosa y diversa.  El dominio de la atmósfera ha ido encauzando el trabajo de la banda hacia el campo de las bandas sonoras de películas tanto para la gran pantalla como para la pequeña, películas de ficción, series y documentales.

La primera incursión en el Cine fue en el año 2006 en la película de Darren Aronofsky The Fountain, traducida aquí como La Fuente de la Vida.  El score era original de Clint Mansell con la colaboración de Kronos Quartet y Mogwai.  

Más tarde, ese mismo año de 2006, y compuesta por la banda e interpretada por ellos, aparecía la película de Douglas Gordon y Philippe Parreno Zidane.  Un retrato del siglo XXI.

Le seguiría, en el año 2012, el score original de la serie de televisión Les Revenants, creada por Fabrice Gobert y dirigida por él y otros realizadores.

Atomic: Living in Dread and Promise, documental de la BBC 4 dirigido por Mark Cousins en el año 2016 muestra el espantoso poder destructivo de la bomba atómica.  La cinta recoge los desastres de la era atómica, pero también sus éxitos como los Rayos X y la resonancia magnética, que han mejorado la vida humana.  Todo acompañado por las composiciones de Mogwai.

Ese mismo año, 2016, los escoceses comparten con Trent Reznor, Atticus Ross y Gustavo Santaolalla la partitura de la banda sonora del documental  Before the Flood, dirigido por Fisher Stevens.  La cinta trata sobre los efectos del cambio climático en nuestro entorno y cómo la sociedad puede prevenirlos, incluyendo la recuperación de especies en peligros de extinción.  El documental estuvo producido por Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio, que además de hacer de narrador entrevista a personalidades como Barack Obama y Bill Clinton.

El largometraje Kin, dirigida en el año 2018 por Jonathan Baker y Josh Baker, un thriller de ciencia-ficción, contaría una vez más con la música de Mogwai, inclinados por las formas cinematográficas de la música.








Lo último que ha hecho la banda ha sido el score de una serie de televisión titulada Zero Zero Zero, estrenada el año pasado y publicado el disco con la banda sonora éste año 2020.

La dirección de la serie se la reparten entre varios realizadores que adaptan la novela homónima de Roberto Saviano para contar a través de sus protagonistas, los mecanismos por los cuales la economía ilegal pasa a formar parte de la legal, y de cómo ambas están conectadas a una despiadada lógica con el poder y el control, algo que afecta directamente a la vida de los ciudadanos.  Desde los carteles mexicanos a los sindicatos del crimen italiano pasando por los negocios estadounidenses, todos están involucrados en una forma u otra en el beneficio que produce el negocio de la cocaína.

El final del programa está ocupado por una tormenta sonora, la que produce el trío Trioscapes.

De izquierda a derecha Dan Briggs, guitarra bajo, Walter Fancourt, saxo tenor y flauta, Matt Lynch, batería y teclados

La formación de Trío, en Rock, suele estar estructurada sobre un guitarra bajo, una guitarra eléctrica y una batería.  Hay muchas variantes, por poner un ejemplo, así de pronto, se me ocurre Dirty Three, guitarra eléctrica, batería y violín (Warren Ellis, desde hace tiempo inseparable de Nick Cave); Morphine, guitarra bajo, batería y saxos.  El trío que cierra hoy Cíclope 3.0, Trioscapes, es cercano a la estructura de Morphine porque también utilizan un bajo, una batería y un saxo tenor y flauta, lo que los diferencia es su sonido: no tienen el perfil alternativo de Dirty Three ni tampoco la atmósfera noctámbula de Morphine, son todo lo contrario: abrasivamente tormentosos, que no tortuosos.
Trioscapes está reconocida como una banda de Jazz-Fusion Experimental.  Son originales de la ciudad de Greensboro, en el estado de Atlanta en Carolina del Norte.  Comenzaron a principios del año 2011 cuando el Destino quiso que entraran en relación Dan Briggs, Walter Fancourt y Matt Lynch, tres músicos que compartían la misma pasión: la música de Mahavishnu Orchestra.  Entre paseos y cervezas se van conociendo y resultó que además de la banda de John McLaughlin también coincidían en el amor incondicional por King Crimson y Frank Zappa.  Se reúnen con la única intención, sana intención, de tocar la música que les gusta y así se van puliendo aristas y asperezas de un sonido que tuvo como primera muestra una versión, cómo no, de un tema de la Mahavishnu, la composición Celestial Terrestrial Commuters incluido en el segundo álbum de la M.O., Birds of Fire.  
Durante el invierno y la primavera del año 2011, Trioscapes se mantienen activos: componen música, hacen versiones, actúan en vivo.  Con la celeridad que a veces proporciona la Fortuna, a finales del verano de ese año, en concreto en la primera semana del mes de octubre, el trío entra en los estudios de grabación y dan a luz Separate Realities que incluiría, claro, la versión aquella de la Mahavishnu.

  

Hay que reconocer que el cirio que montan estos tres músicos es para tenerlo en cuenta.  Reconocen entre sus influencias también la de Return to Forever, pero al escucharlos hay un legado influyente claro y transparente, comenzando por el más obvio, el de Mahavishnu Orchestra pasando por King Crimson, los de Larks' Tongues in Aspic en adelante, y Frank Zappa.
Separate Realities se grababa a finales del año 2011 y apareció en el mercado internacional el 8 de mayo de 2012.

Digital Dream Sequence vería la luz dos años después, en 2014, y sirve para que nos reencontremos con el trío pletórico en su hacer: composiciones de cierta longitud (las que duran más de 10 minutos dan muestra de cómo saben adornar sin que sobre nada) sin perder ni un segundo de pura intensidad.

De esta forma tumultuosa pero brillante terminamos la edición de hoy.  Cuídate mucho, que sigues siendo imprescindible para que el Cíclope mantenga el parpadeo de su ojo estereofónico activo.
Espero que te guste el programa.


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Cíclope 3.0 - 02-06-20 - Especial John Cale # 5

John Cale en 1981-1982

Cíclope 3.0 del martes 2 de junio de 2020.
En el programa de hoy, primer martes de mes, recuperamos el esquema Especial Discografia que desde el martes 7 de enero del año en curso estamos dedicando a la figura de John Cale.  En el pasado mes de abril escuchábamos la cuarta entrega y lo dejamos en estado de pausa por motivos sobradamente conocidos por todos.  Hoy lo recuperamos, lo volvemos a poner en activo y nos metemos de lleno en el Especial John Cale Número 5.
El espacio, los sesenta minutos, van a estar ocupados por dos álbumes de estudio firmados a principio de la década de los años 80.  El primero apareció en 1981 y lleva por título Honi Soit.

Con diseño de portada de Andy Warhol, Honi Soit veía la luz después de aquel vibrante Sabotage/Live, grabado en vivo como su propio nombre indica y publicado en 1979.  Fue un disco lleno de tristes protestas sobre la militarización global, poderoso en su ejecución y que cerraba una década.  En el disco siguiente, grabado en estudio, Cale vuelve a elaborar un trabajo de perfil intenso, probablemente comparable en su estructura al álbum Fear de 1974, con canciones de rock, melodías pop y otras composiciones más calmadas.  Honi Soit posee un estilo ecléctico que va desde los aires saltarinos del tema con el que abrimos, Dead or Alive, hasta historias de espionaje como Strange Times in Casablanca.
La expresión Honi Soit (pronunciada más o menos como Oní suá) se podría traducir como Mal pensado.  La frase es el lema de la Orden de la Jarretera, la Nobilísima Orden de la Jarretera o Nobilísima Orden de la Liga, la orden de caballería más importante y antigua del Reino Unido, fundada en 1348 por el rey Eduardo III.  Está considerada como el pináculo del sistema de honores británico.  La expresión viene del francés antiguo y su traducción aproximada es Que la vergüenza caiga sobre aquel que piense mal.  Según la trdición, esta frase fue pronunciada por el rey Eduardo III de Inglaterra cuando estaba bailando con la Condesa de Salisbury.  La liga de la condesa se deslizó hasta su tobillo y ante el hecho, aquellos que estaban a su alrededor, se sonrieron al ver el bochorno de la Condesa.  En un acto de caballerosidad, Eduardo se colocó la liga alrededor de su pierna, diciendo: Honi soit qui mal pense.  Posteriormente la frase en cuestión se convirtió en el lema de la Orden.

La banda que acompaña a Cale en este álbum viene de las actuaciones en vivo que realizó alrededor de Sabotage/Live.  De algunos músicos es imposible encontrar una instantánea que los identifique.  En la foto de la derecha aparecen cuatro de los seis que configuran los créditos del disco (Cale foto superior): Peter Muny en la guitarra bajo, Robert Medici en la batería, James Goodwin en los teclados y sintetizador.  Entre los músicos que sí tienen foto están John Gatchell, músico norteamericano, trompeta y fliscorno, nacido en 1945 y fallecido en 2004.

John Gatchell

Sturgis Nikides, guitarra eléctrica.

Sturgis Nikides

De la producción del disco se encargó Mike Thorne, ingeniero de sonido y músico.  John Cale estuvo en la producción ejecutiva y por supuesto componiendo, cantando, tocando la guitarra eléctrica, la viola y los teclados.

Cale visiblemente entregado a la interpretación de alguno de sus temas antes de entrar de nuevo en los estudios para grabar su siguiente álbum: Music For A New Society.

Año 1982 y Cale da de sí un nuevo trabajo: Música para una nueva sociedad.  ¿Alguna vez nuestro galés dorado ha dado algo que fuese mínimamente previsible?  Nada, absolutamente nada.  Siempre ha seguido el rastro de su proceso creativo y de concesiones, pocas, por no decir ninguna.  Así que después de un álbum en vivo filosóficamente punkero y de un álbum en estudio con ciertas señas de identidad que se pueden rastrear en su discografía, Cale publica un disco que es un notable acercamiento a su lado más íntimo.

El álbum suena tranquilo, sobrio, los arreglos, brillantemente ambientales y melódicos, están dominados por los patrones de los teclados, lánguidos, y sobre todo por el piano de Cale.  Las letras de las canciones cuentan historias de vidas dañadas, de esperanzas y traiciones emocionales dolorosas.  El conjunto de canciones, especialmente dos de ellas, Chinese Envoy y Broken Bird, tienen una resonancia emocional profunda y apasionada.
Hace tiempo leí una crítica sobre este disco (no me acuerdo dónde ni quién la escribió) en la que el comentarista afirmaba que el álbum era la banda sonora de un mundo desolado, frío y vacío, una música que dice más de lo que no está allí que de lo que está.  Para muchos de sus seguidores un disco maestro y fundamental.
Para realizar este LP, Cale se reúne de una serie de músicos que aunque pueda parecer que son muchos, en verdad, no son tantos.  Si los cuentas uno a uno te da una suma de siete, pero en realidad qué hace cada uno es un misterio porque específicamente queda reseñada la colaboración de Allen Lanier, guitarra, teclados, miembro de Blue Öyster Cult, colaborador de Patti Smith, Jim Carroll, The Dictators y The Clash.

Allen Lanier (1946-2013)

David Young

Otro de los músicos que aparecen y es de los más activos en la realización del sonido del disco es el veterano bajista inglés David Young, activo desde la década de los años 60 y colaborador de bandas como Country Joe McDonald, The Incredible String Band.  También aparece en los créditos de discos de David Bowie y Duke Ellington.  Después de cursar estudios de ingeniero de sonido en los 70, formaría parte de la banda de John Cale entre 1980 y 1985, llegando inclusive a producir cuatro álbumes del maestro galés.  
En 1987 coproduce con Cale  el LP Try to Be Mensch del grupo alemán Element of Crime, con quienes llega a tocar el bajo en las actuaciones en vivo desde 1993 además de convertirse en el productor habitual del sonido del cuarteto de Berlín.  Desde el año 2002 se quedó como guitarra bajo del grupo alemán.

Sam Shepard

Entre otras curiosidades de este disco está la colaboración con el escritor Sam Shepard, que se encarga de la letra de una canción, If You Were Still Around.  En el álbum Cale recupera un tema que ya había grabado en 1975 en el álbum Helen of Troy, aquel (I keep A) Close Watch con unos extraordinarios arreglos de cuerda de Robert Kirby, ahora interpretada sólo con el piano.

Risé Cale

Otra intervención curiosa es la de la cantante Risé Irushalmi, que cambió su apellido por el de Cale al convertirse en su esposa en 1981.  Estuvieron casados hasta 1997 y después de engendrar un hijo se divorciaron.  Ella se encarga de recitar el monólogo titulado Risé, Sam and Rimsky Korsakov que no escuchamos por prestarle atención a otras composiciones del álbum. 









Terminamos este Especial John Cale # 5 con Damn Life, donde Cale encaja en la canción un fragmento de la 9ª Sinfonía de Beethoven, en concreto el Himno a la Alegría.


Volvemos la semana que viene, mientras tanto, cuídate, que eres imprescindible.
Espero que te guste el programa.


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