Cíclope 3.0 - 09-06-26

Fotograma de la película The Sorrows of Satan, 1926, de D. W. Griffith

(El enlace al programa de Radio al final de esta entrada)

Cíclope 3.0 del martes 9 de junio de 2026.  La foto de cabecera es toda una declaración de intenciones porque en esta edición intervienen sombras góticas de algunos años atrás, memoria de un pasado tan inmediato que se vuelve una voluta de humo sólido, una presencia tan continua que no desaparece, por suerte para un sector amplio de la audiencia.

Hoy empezamos con un músico al que le dedicamos el esquema Especial Discografía entre septiembre de 2022 y febrero de 2023, un artista multidisciplinar (músico, compositor, cantante, actor) conocido por los apodos de el Vampiro Gótico o el Padrino del Rock Gótico.  Hoy iniciamos la edición con Peter Murphy.

      

La foto de cabecera tiene una alusión directa a su presencia porque su teatralidad está ligada directamente por su presencia escénica en la banda Bauhaus.  El Single de presentación del grupo, Bela Lugosi's Dead, aparecía en agosto de 1979 y contó con esa foto como portada del sencillo.

Para arrancar esta edición de Cíclope 3.0 hemos escogido uno de los momentos brillantes y luminosos de Murphy, el tema The Prince & Old Lady Shade incluido en su álbum Ninth, publicado el 7 de junio del año 2011.

Tras la disolución de Bauhaus, Murphy pasaría por diferentes proyectos.  El más fructífero ha sido su labor en solitario como músico e intérprete desde 1986.  A finales de los años 90, en puertas del siglo XXI, conocería a Beyhan Ayse, directora artística de la Compañía de Danza Moderna de Turquía, que se convertiría en su esposa.  Murphy traslada su domicilio a Estambul y abrazaría el sufismo.  Influencias de esos cambios quedarían reflejadas en su álbum Dust de 2002.  Volvería al crisol de su música.  La última vez que entró en un estudio de grabación fue en 2014, para publicar el disco Lion.  Después su discografía se vio ampliada con trabajos grabados en vivo y diversas actividades realizadas con otros músicos como por ejemplo, las sesiones grabadas en vivo junto al compositor e intérprete Trent Reznor, en espacios de Radio de diferentes ciudades norteamericanas.

El año pasado, once años después de grabar y publicar Lion, Peter Murphy ha vuelto a entrar en sesiones de grabación y el 9 de mayo de 2025 veía la luz Silver Shade

  

Se rodea Murphy de colaboradores a los que, en algunos casos, conoce desde hace tiempo, como por ejemplo

Paul Statham, que ha participado activamente tocando la guitarra, los teclados y colaborando en la composición de varios temas de los álbumes más aclamados de Murphy como Love Hysteria, 1988, Deep, 1989, al frente de la banda de estudio The Hundred Men, como guitarra y teclista, Holy Smoke, 1992 y Cascade, 1995.  Para esta ocasión, Statham es coautor con Murphy del tema que le da título a este, por el momento, último trabajo.

El guitarra bajo de Killing Joke, Martin Glover, alias Youth, toca la guitarra eléctrica en todos los temas y en una ocasión la cambia por la guitarra bajo.  Su función principal en este disco es la de productor.

Trent Reznor, productor y músico multidisciplinar estadounidense, conocido principalmente por ser el vocalista de Nine Inch Nails, es un viejo conocido y amigo de Murphy.  Interviene en este disco nuevo cantando como segunda voz en tres temas.

Dos miembros de la banda Tool intervienen como instrumentistas: uno, el batería norteamericano

Danny Carey.

El otro, el guitarra bajo inglés Justin Chancellor.

Amir John Haddad, intérprete de instrumentos de cuerda (laúd árabe, bouzouki...), afincado en España.

George Alan O'Dowd, internacionalmente conocido por su nombre artístico, Boy George.  El cantante, compositor, productor, DJ y diseñador de moda inglés comparte micrófono con Murphy en un corte que recuperaremos en otra ocasión.  Hoy nos centramos en dos temas para entrar en este Silver Shade que ha sido acogido con muy buenas críticas tanto por parte de la fiel audiencia de nuestro protagonista como por la crítica especializada.  Personalmente no estoy de acuerdo ni con un sector ni con otro.  El disco suena moderno, con cierta potencia en la interpretación y composición de las canciones, pero no tiene gancho, no hay canciones que te atrapen como tenían álbumes como Should The World Fail To Fall Apart, o Love Hysteria, Deep (sobre todo este disco), Holy Smoke, Cascade, Unshattered...hasta Ninth, con el que hemos comenzado el programa de hoy, guarda momentos brillantes.  Pues todo ese material murphyano publicado entre 1986 y 2011, oscuro, se ha perdido para un sector de la crítica musical que considera que, por fin, Peter Murphy graba un álbum magnífico y bla, bla, bla... No sé qué habrán escuchado para aseverar algo así, o en qué estado alterado han escuchado el disco.  De todas formas tú eres quien opina en última instancia.  En otra ocasión lo volveremos a escuchar aquí en el programa.  Ahora, tirando del hilo, como en el juego de la cesta de cerezas, que jalas de una y vienen otras ensartadas, pues jalando del personal de colaboradores en el disco nuevo de Peter Murphy, nos encontramos con dos miembros de la banda norteamericana Tool, que son el guitarra bajo de origen británico Justin Chancellor y el batería americano Danny Carey.  Los dos instrumentistas nos sirven como coartada para recuperar a este grupo: Tool.

Tool tuvo su origen con el comienzo de la década de los 90, en concreto en 1990.  El motor fue el hombre con gafas en primer plano de la foto anterior, Maynard James Keenan, cuya fuente de inspiración inmediata era, es e imagino que será, la contradicción.  

Este hombre nació en 1964, en Ravenna, Ohio.  Desde adolescente tuvo muy clara dos cosas: quería ser militar y músico.  Uno se pregunta: ¿qué tiene que ver el espíritu militar con la vocación de músico?  Pues como no sean las marchas militares...no sé qué punto de contacto habrá, si es que lo hay.  Keenan se unió al Ejército en 1982.  Estudió en la Academia Militar de los Estados Unidos de 1983 a 1984, pero la abandonó para dedicarse al arte, matriculándose en el Kendall College of Art and Design en Michigan.  Con un pie en la Academia Militar y el otro en un local de ensayo, Keenan durante ese tiempo fue miembro de dos bandas:  Children of the Anachronistic Dynasty y TexAns.  Esta última no realizó ningún hecho encomiable, la otra, Children of the Anachronistic Dynasty, grabó un cassette, Fingernails, de 1986.  Rollo experimentaloide hasta que nuestro muchacho comienza a delimitar con claridad sus intereses verdaderos: empieza por abandonar la disciplina militar y se busca un empleo que le permita vivir.  Lo encuentra y lo curioso es que no tenía nada que ver ni con la música ni con el mundo militar: trabaja como remodelador de tiendas de animales.  Será entre 1988 y 1992 cuando la música y el tener como meta crear un proyecto de grupo, de banda, se convierta en el sentido de su vida.  Encuentra a una serie de músicos con los que conecta, se barrunta un posible comienzo y así surgiría la idea de Herramienta, Tool en inglés: son tu herramienta...pueden representar un falo, una llave inglesa...lo que necesites.  Así se venden a la opinión pública que, en 1993, recibe el lanzamiento del álbum debut de la banda: un larga duración titulado Undertow,

Undertow portada frontal

 

Undertow contraportada

una tarjeta de presentación con esquemas de rock alternativo, con letras sombrías y la voz fría y llena de angustia de Keenan.  Su mayor logro fue fusionar el metal oscuro underground con la ambición del rock progresivo, creando canciones complejas y con múltiples secciones.  Consiguieron atraer tanto a los rockeros góticos como a los entusiastas del heavy metal.  Y Tool se hizo un hueco en la última década del siglo XX.

Como si todas las dudas y cambios de destino existencial le hubieran provocado a Maynard James Keenan una ansiedad sobrenatural, como si se hubiese contagiado de las prisas del Conejo Blanco de Alicia en el País de las Maravillas que siempre va corriendo y gritando a los cuatro vientos que llega tarde.  Pues Keenan encuentra siempre un resquicio en los bucles del Tiempo para formar otro proyecto, paralelo al que esté en vigor en ese momento.  Por ejemplo en los 90, con Tool funcionando, formó otra banda: A Perfect Circle.

Menos duros que Tool, con las aristas más limadas, A Perfect Circle se originó por el cruce de ideas del guitarrista y compositor, Billy Howerdel (en la foto, en el centro, con la cabeza despejada) y Maynard James Keenan, con melena y gafas.  

El staff de miembros del proyecto ha sido tan cambiante como variado: han participado Danny Lohner, guitarra eléctrica y guitarra bajo, Troy Van Leeuwen, guitarra eléctrica y Josh Freese, batería, los tres del grupo Nine Inch Nails; en el caso de Danny Lohner, miembro también de Marilyn Manson.  De esta banda el guitarra bajo Jeordie White, alias Twiggy Ramírez.  Por cierto, el guitarra Troy Van Leeuwen y el batería Josh Freese también pasaron por Queens Of The Stone Age.

Uno de los miembros más constantes en A Perfect Circle ha sido el guitarrista japonés James Iha, que venía de The Smashing Pumpkins (en la foto anterior, el segundo por la izquierda).  

Ya que estamos repasando el pasado de Maynard James Keenan nos quedamos con un corte de eMOTIVe, el tercer disco de A Perfect Circle publicado en 2004.

Dejamos las metamorfosis de Keenan con uno de los últimos proyectos en los que se ha embarcado, el grupo Puscifer.

 

Puscifer es una banda y proyecto musical creado por Maynard James Keenan.  Él (primero por la derecha en la foto), es el único integrante fijo, por lo que se puede considerar un seudónimo utilizado para su trabajo en solitario.  Al principio el proyecto se bautizó con el nombre de Umlaut pero cambió rápidamente a Puscifer sencillamente porque a Keenan le gustaba cómo sonaba.  La idea de ser un grupo está concebida como un lienzo en blanco donde todo vale, en el que se mezclan música, comedia y artes visuales.  La música que elaboran se abre como los brazos de un pulpo abarcando cuantos estilos puedan cubrir.

De su álbum V is for Vagina, V es de vagina, de 2008, el Cíclope recupera un corte que tiene dos versiones, en concreto entresaca la versión Hip-Hop de Momma Sed.

Cambiamos de registros musicales, de estructuras y de sonoridad.  Desde ahora y hasta que terminemos esta edición de Cíclope 3.0 nos vamos a quedar con un proyecto admirado y querido en este espacio.  Le dedicábamos un Especial Discografía entre el 7 de septiembre de 2021 y el 7 de febrero de 2023.  Fueron 17 espacios donde nos sumergimos en la música del proyecto y en sus trabajos individuales.  Me estoy refiriendo a Dead Can Dance que en este año 2026 han vuelto a publicar grabaciones realizadas en el estudio, aunque hay que matizar los hechos.

Dead Can Dance actualmente es Brendan Perry, Lisa Gerrard no aparece en la actividad del proyecto.  Perry ha abierto una página en la web bandcamp.com donde ha colgado lo último que ha realizado DCD, que ha sido la grabación de cuatro sencillos digitales que puedes escuchar y adquirir a través de dicha web.  Él mismo se ha encargado de grabar y, al parecer, de tocar todos los instrumentos, hasta donde se sabe, porque la información al respecto es inexistente así como el por qué de la ausencia de Gerrard en la actividad del proyecto.  Ella sigue trabajando, grabando y actuando en vivo.  Lo que ella hace actualmente lo escuchamos hoy como cierre del programa.  Volviendo a Perry, el pasado día 20 de marzo aparecía en bandcamp.com el single titulado Our Day Will Come.  Una canción cantada e interpretada por él que también se encarga del diseño de la carpeta virtual.  Una composición de perfil genuino de Dead Can Dance

Por cada compra de Our Day Will Come, Dead Can Dance donará el 50 % de las ganancias a MAP (Medical Aid for Palestinians).  MAP realiza una labor increíble proporcionando atención médica, así como alimentos y ayuda nutricional al pueblo palestino.  

Our Day Will Come está dedicada a las aspiraciones nacionales compartidas de los pueblos irlandés y palestino.  El título de la canción es una referencia directa y una traducción del lema republicano tradicional irlandés Tiocfaidh ár lá, un lema que encarna las aspiraciones del pueblo irlandés en su visión compartida de una Irlanda unida y libre del dominio colonial extranjero.  Ante el terrible genocidio que se sigue cometiendo en Palestina, la solidaridad entre nuestros dos pueblos es más fuerte que nunca.

El 10 de abril veía la luz el segundo single titulado Mnemosyne.  Es un corte breve de apenas 30 segundos y, cuidado, que si lo compras no recibes el audio sino un libro virtual, en PDF.  Se trata de una descarga digital del libro de letras de Dead Can Dance.  De todas formas te avisa: la compra incluye el PDF, no el breve fragmento de audio que lo acompaña.

   

También en abril, el día 18, se publicaba Death Cults.

Por último, el 15 de mayo, se publicaba el cuarto y por el momento último sencillo, Mon Amour Sauvage, Dean Can Dance cien por cien, muy paralelo a otras composiciones del proyecto con el sello de Brendan Perry.  El diseño de la portada es suyo, como el de los otros Singles.

  

Esta es una canción dedicada a la Madre Naturaleza.  Un canto de amor pagano para celebrar su obra y la transición de la primavera al verano.

Este cuarteto de Singles es lo último que ha realizado Dead Can Dance, con la participación única de Brendan Perry.  Pero, ¿qué es de Lisa Gerrard?

Ella no ha parado desde no se sabe cuándo.  De hecho el Especial Discografía Dead Can Dance es de los más largos que ha realizado el Cíclope por la obra de Lisa tanto en paralelo a su labor en DCD como en solitario, participando de colaboraciones con otros músicos, bandas sonoras de películas...  Ella continúa activa.  Lo último que se conoce ha sido el trabajo Sun and Moon, realizado a medias con la soprano de origen búlgaro Gergana Dimitrova.

Ella es una de las voces del aclamado coro vocal femenino de Bulgaria, El Misterio de Las Voces Búlgaras, más conocidos por su nombre original en francés, Le Mystère des Voix Bulgares.  Se ha ido haciendo de un reconocimiento famoso en todo el mundo por sus hipnóticas interpretaciones a capella y sus particulares armonías folclóricas.  Originalmente fundado en la década de 1950 como el Coro de la Radio y Televisión Estatal Búlgara, su objetivo era grabar y preservar canciones tradicionales de diferentes regiones del país. El productor suizo, Marcel Cellier (1925-2013) descubrió sus grabaciones y las lanzó al mercado internacional en los años 70 y 80.

  

El sello discográfico independiente escocés 4AD publicó y reeditó internacionalmente el aclamado primer volumen de Le Mystère des Voix Bulgares (portada del disco en la foto anterior) en abril de 1986.  El Vol. 2 de la discografía del Coro ganó un premio Grammy en 1990.  Interpretan tanto temas folclóricos tradicionales como composiciones contemporáneas arregladas por músicos como Filip Kutev (1903-1982), el compositor búlgaro fundador del Coro Femenino de la Televisión Estatal Búlgara.

Lisa Gerrard conoció al coro y participó en el disco titulado BooCheeMish, lanzado en el año 2018.  En este álbum, el legendario coro búlgaro fusionó sus cantos tradicionales con la característica voz de la cantante australiana y elementos de percusión.

Y a día de hoy, el pasado 22 de mayo, veía la luz el álbum Sun and Moon, firmado a medias entre Gergana Dimitrova y Lisa Gerrard

La colaboración entre estas dos mujeres es particularmente brillante.  De Gerrard se conocen sus trabajos en diferentes áreas tanto como compositora como intérprete; en el caso de Dimitrova, menos conocida su labor en solitario, merece la pena que un día hagamos una semblanza de ella como motor de los proyectos en los que trabaja, como por ejemplo Eva Quartet.

Una de las formaciones vocales folclóricas más prestigiosas del mundo, surgida directamente del aclamado coro nacional Le Mystère des Voix Bulgares. El grupo destaca por su dominio absoluto de la difícil técnica polifónica de los Balcanes.  El cuarteto está integrado por cuatro solistas, entre ellas Gergana Dimitrova, que representan los diferentes rangos vocales de la tradición búlgara.

Por último, Dimitrova también protagoniza un proyecto en solitario bajo el nombre de Belonoga.

Ahora sí, llegamos al final del programa de hoy y lo hacemos con dos cortes del trabajo Sun and Moon firmado entre estas dos voces, las de Lisa Gerrard y Gergana Dimitrova.  Escuchamos el tema que le da título al álbum y el corte Rain Butterfly.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-09-06-26

Cíclope 3.0 - 02-06-26 - Especial Julian Cope # 9

 

Julian Cope

(El Enlace al programa, al final de esta entrada)

Martes 2 de junio de 2026, primer Cíclope 3.0 del mes, dedicado a la entrega número 9 del Especial Julian Cope que arranca desde el final de la edición anterior, la correspondiente al mes de mayo.

Terminábamos con unos cuantos cortes del álbum Autogeddon, de 1994, punto de fuga para comenzar el programa de hoy.

Autogeddon es la tercera entrega de la trilogía que comenzó en 1991 con la publicación del álbum Peggy Suicide, disco conceptual que abre la temática sobre el planeta tierra y el medio ambiente.  Le siguió Jehovahkill en 1992.  Entonces la temática gira alrededor de la religión, las formas primitivas de adoración de la humanidad, el mensaje depositado en las construcciones megalíticas, los monumentos prehistóricos, y una crítica profunda hacia la monopolización de la verdad a través de la cultura judeocristiana.  Esos dos trabajos aparecerían editados a través de un sello discográfico potente, Island Records.  La trilogía se cierra con un disco publicado por un sello independiente tras los desacuerdos de Cope con la industria fonográfica institucionalizada.

El título Autogeddon es un cruce entre Auto y Armagedón, el nombre bíblico que recibe el lugar donde se llevará a cabo la confrontación ideológica final entre el Bien y el Mal.  Autogeddon, como su título indica, se centra en los coches, específicamente como metáfora de la destrucción ambiental.  El título viene del poema épico del mismo nombre original del poeta, actor, activista político y dramaturgo inglés Heathcote Williams (1941-2017), que describe el saldo global de muertes causadas por la industria automovilística.  Además hay un hecho que estuvo relacionado también en el origen del andamiaje y tornillería del disco sobre su crítica al uso de los automóviles: fue un pequeño incidente relacionado con la esposa de nuestro protagonista, embarazada en aquel entonces, y un Ferrari amarillo de 375.000 libras esterlinas en St. Martin's Lane, Londres, Inglaterra.  El coche casi los atropella, a Cope y su esposa, lo cual implicó una denuncia por parte de la pareja y un punto de origen para que nuestro hombre extendiera su crítica hacia la poderosa industria del automóvil.

En Autogeddon se recupera el tema de las estructuras megalíticas.

West Kennet Long Barrow, también conocido como Túmulo Alargado de West Kennet, es una tumba neolítica entre Caine y Marlborough, Wiltshire, Inglaterra.  Fue proclamado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1986.

Es el mayor templo neolítico de los muertos de Inglaterra.  Tiene 5 cámaras y estuvo en uso durante más de 1500 años, entre 4200 y 5700 años atrás.  Se descubrieron más de 50 cuerpos de los que muchos huesos habían sido machacados, como si hubiesen formado parte de un frenesí chamánico.  El enorme túmulo tiene más de 90 metros de largo, y las piedras más grandes pesan 50 toneladas y miden 3,6 metros de altura.  Estos datos los aporta Cope en el libreto incluido en el disco.  Las tres fotos anteriores, originales de Alison Fisk, muestran tres instantáneas del lugar.  La foto alargada, presenta la entrada a la cámara funeraria principal y ahí se grabó, en una sola toma, parte del primer corte de los tres que conforman 

Paranormal In The West Country, en concreto la apertura de ese medley titulada Paranormal Pt. 1.  Ese medley se termina de formar con Archdrude's Roadtrip y Kar-ma-kanik.  De las tres partes tan solo una grabada in situ en la necrópolis de West Kennet Long Barrow.  Será uno de los centros de estructuras megalíticas estudiados por Cope, arqueólogo además de músico, entre otros aspectos de una creatividad que se va a diversificar a partir de este año 1994.

Centrándonos en la labor musical, después hablaremos de esa diversificación, Julian Cope trabaja con los músicos habituales que le han acompañado los últimos tiempos: 

Donald Ross Skinner, guitarrista, compositor y productor, cuyo nombre real es Donald Skinner.  Fue Cope el que añadió lo de Ross en honor a Glenn Ross Campbell , el guitarrista de pedal steel de The Misunderstood, banda de rock que abarcó, a lo largo de sus dos años de vida, desde el blues progresivo hasta el rock psicodélico.  El quinteto estaba formado por músicos norteamericanos, de Riverside, California y músicos de Londres, Inglaterra, como Guy Evans y Nic Potter (1951-2013), batería y guitarra bajo de Van de Graaff Generator.

Timothy Charles Lewis, alias Thighpaulsandra, 

ingeniero de sonido y músico galés.  

Como ingeniero, conoció a Julian Cope y desde el primer momento se llevaron muy bien, ya que ambos eran fans del Krautrock.  Fue nuestro hombre el que le pidió que se uniera a su grupo.  Trabajó con Cope hasta el año 2004.

Mavis Grind, nacida Beslity y cuyo nombre real es Dorian Cope, es la esposa de Julian.  También se la conoce por el pseudónimo de The Mother Of The Revolution.  Julian y Dorian contrajeron matrimonio alrededor de 1982.  La pareja ha permanecido unida desde entonces y tienen dos hijas, Albany y Avalon.  Mavis Grind colabora en dos trabajos de su esposo: Autogeddon y 20 Mothers.

Richard Adrian Frost se encarga de los teclados y de la guitarra bajo.  En la foto de la derecha, original de Peter McArthur, aparece él y su esposa, Jill Bryson.

Jill Bryson, a la izquierda, fue una de las dos partes que formaron el dúo de Pop Gótico, Strawberry Switchblade.  La otra fue Rose McDowall.  Bryson, tras la disolución del dúo en 1985, continuó trabajando en el estilo de medios mixtos que desarrolló en la escuela de arte: vidrieras, fotomontajes, tapices...  Una muestra de su obra es la siguiente fotografía

 

En Autogeddon, Jill Bryson colabora poniendo voces de coros.

La producción del álbum Autogeddon estuvo en manos de Cope.

En esta edición del Especial Julian Cope, novena entrega, estamos con los trabajos discográficos aparecidos en 1994 y 1995.  El año 94 además presenta esa diversificación creativa a la que hice alusión más arriba, más o menos al principio de esta entrada.  Julian Cope va a descubrir otro campo de su labor y en este caso va a ser su dimensión literaria: Julian Cope escritor.  Y como tal va a desarrollar una actividad que se puede catalogar en tres grandes áreas: Memorias y Biografía, Música y Musicología y por último Arqueología.

En ese primer bloque bajo el epígrafe Memorias y Biografía, se publicaba en 1994 el libro titulado Head-On, autobiografía de Julian Cope donde narra sus primeros años y su ascenso a la fama durante la era punk, centrándose especialmente en el período comprendido entre 1976 y 1982.  Partiendo de su juventud en Tamworth, de su integración en la escena de Liverpool, desarrolla todo lo que fue el auge y caída de The Teardrope Explodes.  La obra tuvo una revisión y una edición actualizada.

El 1 de enero de 1995 se editaba Krautrocksampler: One Head's Guide to the Great Kosmische Musik – 1968 Onwards, Krautrocksampler: Guía práctica de la gran música cósmica – Desde 1968 hasta la década de los 70, escrito por Julian Cope.  Se publicó en el Reino Unido y después se tradujo al alemán, italiano y francés.  España, por desgracia, quedó fuera.  El libro ofrece una narración de la cultura del rock and roll en la Alemania Occidental de la posguerra con capítulos dedicados a artistas destacados como Faust, Tangerine Dream, Neu!, Amon Düül I y II, Ash Ra Tempel, Rolf-Ulrich Kaiser and the Cosmic Jokers.

Lleva mucho tiempo descatalogado, y los ejemplares originales se venden a precio de oro.  A pesar de la continua demanda de lectores y melómanos pidiendo que la obra se reedite, Cope ha declarado que el libro ni se va a actualizar ni se va a  reimprimir porque contiene algunos errores de hecho y que no quiere presentarse como un experto, ya que ha conocido a personas que, considera, están mucho mejor informadas.

La portada es un detalle de la carpeta del álbum Yeti de Amon Düül II.

Esta semblanza sobre el Rock alemán veía la luz en enero de 1995.  Ese mismo año, en el mes de agosto, se publicaba un nuevo álbum de nuestro hombre, un álbum lúdico, divertido y diverso en el estilo de las 20 canciones que lo forman.  Su título, 20 Mothers.

20 Mothers, 20 Madres...20 mujeres ocupando la portada de la carpeta del disco, entre amigas, ex-novias, compañeras o parejas de los músicos que intervienen en el disco...  Está la esposa de nuestro protagonista, Dorian Cope (en la fila inferior, la tercera por la izquierda), la madre de Julian (en la misma fila, la primera por la derecha), no sé (¡ay!) la posición pero está también su suegra...

Y no faltan el resto de familiares de las mujeres como los maridos, la descendencia...

Una dedicatoria: For Marvis and the Pretty girls.  Marvis Grind, el pseudónimo de su esposa Dorian, alias con el que aparece en el álbum anterior, Autogeddon, y en este 20 Mothers.  Y no se olvida de las dos niñas vestidas de blanco separadas del grupo general, sus hijas Albany y Avalon.  En la contraportada de la carpeta del disco se les ve con más detalles.

 

Entre los 20 cortes de este disco, Cope va a retomar la temática que ya tocó en los tres álbumes de la trilogía sobre la situación del Medio Ambiente y el Planeta Tierra.  En el primer tema que escuchamos, I Wandered Lonely As A Cloud, Vagué solo como una nube, la Madre Tierra está presente.  Él mismo la define como 

una canción de amor pagana sobre hacer el amor con la Madre Tierra en forma de doncella divina.

Este es un trabajo que reúne, en una sola paleta, colores variados.  Con desparpajo, con soltura, consigue composiciones muy breves (1 minuto y 48 segundos) en las que trata el tema de los monumentos megalíticos con resultados francamente buenos como el caso de Stone Circles 'N' You, Círculos de piedra y tú.  Canciones de perfil acústico como I'm Your Daddy, Yo soy tu papá, que recuerda al trabajo Skellington.  Por cierto, esa I'm Your Daddy está dedicada a sus dos hijas, Avalon y Albany.

Hay un corte de factura eminentemente copertiana y es el titulado Highway To The Sun, Autopista hacia el sol.  A pesar de la introducción y de la resolución, que me parecen particularmente morosas, es una canción típica de Julian Cope, por su estructura, por el tono épico, por la voz, por cómo canta...por todo.

La religión fue el denominador común de la segunda entrega de la trilogía, el álbum Jehovahkill.  Entonces se revolvía Cope contra el monopolio judeo-cristiano de un solo Dios verdadero.  Vuelve a hacerlo de nuevo con el tema 1995, donde desafía la ignorancia de la forma de pensar del binomio cristiano-judío.

Vamos a cerrar con un grupo de canciones que tienen una dedicatoria cada una.  Por ejemplo, Senile Get va dedicada a la relación que mantuvo Cope con abuela de su esposa, una señora que padeció Alzheimer.  

Try,Try,Try, Inténtalo, inténtalo, inténtalo, trata sobre la madre de Cope.  Él le reprocha, con cercanía y calidez, que nunca lo ha visto tocar en vivo, nunca ha escuchado sus discos, no ha leído sus libros, ni siquiera comió la mermelada que él hizo con las ciruelas del árbol de su jardín.

Al igual que en el disco anterior, la producción recayó directamente sobre Cope.

El último tema que escuchamos hoy es una canción dedicada a su esposa, Dorian, un tema titulado Crying babies sleepless nights, Bebés llorando, noches sin dormir, lo que ocurre es que el título aparece como una palabra sola: Cryingbabiessleeplessnights.

Así se acaba por hoy Cíclope 3.0 en la novena entrega del Especial Julian Cope.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://radio.tomares.es/blog/ciclope-30-02-06-26

Cíclope 3.0 - 26-05-26 - Especial Marianne Faithfull # 7

 

Marianne Faithfull

(Enlace al programa al final de esta entrada del blog).

Último Cíclope 3.0 del mes de mayo de este año en curso 2026.  El espacio está formado por la séptima entrega del Especial Marianne Faithfull que arranca en el año 1994, cuando nuestra protagonista realiza una colaboración en el álbum Symphonic Music of the Rolling Stones, firmado por la London Symphony Orchestra.  El catálogo de música Pop-Rock orquestado de manera sinfónica es muy amplio, pero en esta ocasión no es solo la transcripción para gran orquesta, también incluye voz y la nómina de intérpretes, aunque no es extensa, sí por lo menos da un perfil de variedad.  Están la cantante irlandesa Máire Brennan, figura destacada en el folk celta y conocida sobre todo por ser la vocalista principal de Clannad, interpreta As Tears Go By; Michael Hutchence (1960-1997), que fue vocalista de la banda australiana INXS, cantó Under My Thumb; Mick Jagger remodeló una versión de Angie y Marianne Faithfull volcó toda su emotividad al cantar Ruby Tuesday.

Grabado entre el 10 de enero y el 15 de febrero de 1994 y publicado el 24 de mayo de ese año, el disco aparecía en una funda de cartón con seis páginas de fotos y notas.  Es un añadido interesante al catálogo musical de los Rolling Stones que no se olvidaban de la figura de Brian Jones: a él le dedicaron la publicación de este disco.

Así comenzamos hoy y retomando la discografía de Faithfull volvemos a 1995, el año en el que vio la luz A Secret Life, el disco que empezamos a escuchar al final de la edición anterior de este Especial, la correspondiente al mes de abril.

Este fue el proyecto durante mucho tiempo buscado, esperado, deseado por nuestra protagonista: escribir un disco, trabajar en un proyecto con Angelo Badalamenti.  Le llevó año y medio poder contactar con Badalamenti.  Cuando por fin consiguió una cita y se encontraron en persona, todo fue encajando con suavidad...o al menos esa fue la sensación mutua, porque ella lo escogió a él...y él a ella.  El intercambio emotivo fue por parte de ambos, así como el nivel de intereses.  Comenzó a rodar el engranaje: ella escribía las letras, él se encargó de la música.  Era 1991.  Badalamenti venía de firmar junto a David Lynch la banda sonora de la serie Twin Peaks y, según Faithfull, parecía que él se hubiera contagiado del método de trabajo que empleaba Lynch: minucioso, extraordinariamente lento...porque nuestra protagonista le entregaba los textos de algunas canciones que ya tenía escritas y él se las devolvía con la instrucción de que las fragmentase más.  El proceso se alargaba con una lentitud, a veces, desesperante.  Si ese iba a ser el método de trabajo, Faithfull pensó que, a ese ritmo, iban a tardar años en grabar el disco, y la verdad es que no se equivocó: ella estaba escribiendo su autobiografía,  era 1991...cuando entraron en los estudios de grabación era 1994 y el disco aparecería en 1995.  A Secret Life de Marianne Faithfull es un álbum con un estigma raro...creó expectación cuando se supo que ambos iban a trabajar juntos: la voz rota y emocional de Faithfull, las atmósferas nocturnas e ingrávidas de Badalamenti...eso iba a ser algo memorable.  Pues todas esas especulaciones se quedaron en agua de borrajas: no es que sea un disco malo, es sencillamente que no se llegó a conseguir lo que se esperaba, lo que se sobreentendía por estar realizado por los dos artífices que firmaron el trabajo.  Hubo momentos, es cierto, donde se vislumbró ese halo atmosférico, pero fueron eso: momentos.  En líneas generales el álbum dejó un poco fría a la audiencia.  En la edición de este Especial del mes de abril, escuchamos tres cortes de este disco de 1995: Prologue, Sleep (en mi opinión, la canción que mejor recoge lo más positivo del binomio Faithfull/Badalamenti) y The Stars Line Up.  Hoy, para cerrar la audición, nos quedamos con cuatro más: Flaming September, Love in the Afternoon, She y Bored by Dreams, una canción Pop que puso en común el desacuerdo entre audiencia y crítica especializada porque no gustó a nadie.

De todas las sesiones de grabación, de todos los ensayos, de todas las reuniones que tuvieron Badalamenti y Faithfull, una cosa sacaron en claro: no iban a volver a trabajar de forma conjunta.  De todo aquel gran taller de despropósitos algo se tenía que poder salvar.  Y sí, algo hubo.

     

Faithfull escribió su autobiografía al mismo tiempo que trabajaba los textos de las canciones de A Secret Life; Badalamenti, al mismo tiempo que componía la música de las mismas, también desarrollaba ideas para que formaran parte de un encargo recibido por aquellos meses: componer el score original de la película francesa La ciudad de los niños perdidos, dirigida por Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro, en 1995, el mismo tándem de directores que realizó aquella magnífica cinta, Delicatessen, en 1991. En un fragmento de la banda sonora de La Cité des Enfants Perdus interviene Marianne Faithfull.  Mientras escribía su autobiografía elaboraba las letras de las canciones del álbum sobre el que trabajaba con Badalamenti.  Escarbar en sus recuerdos, traer al presente sombras y fantasmas que quedaban exorcizados al sacarlos a la luz, el acto de reconciliación con las equivocaciones del pasado, toda esa sublimación le hizo brillar de forma especial.  Algo de lo que hablaba Faithfull en sus textos era sobre los sueños, no las confabulaciones oníricas durante el descanso sino las metas rotas, los fines perdidos, las afinidades descoyuntadas.  Esos ideales los manejaba de forma metafórica, algo que a Badalamenti le interesaba porque le gustaba cómo lo reflejaba ella.  Por eso hizo algo que lo situaba en una posición elegante, honesta: le pidió a Faithfull que escribiera una canción de perfil elegíaco sobre la pérdida de los sueños.  Y nuestra protagonista le entregó Who will take my dreams away?, ¿Quién me arrebatará mis sueños?.  Badalamenti tomó la canción escrita por Faithfull, realizó los arreglos orquestales y, por supuesto, ella puso la voz.  Incrustó la composición dentro de otra titulada Generique.  Es el corte que abre la banda sonora original de la cinta y, qué cosas, en la película suena al final, cuando van pasando los títulos de créditos.  Muchos espectadores nos quedamos pegados a la butaca mientras sonaba.  A mí me dejó la necesidad imperiosa de volver a escuchar ese fragmento y no descansé hasta que conseguí el disco con el score original.

Seguimos en 1995, el año de la publicación del disco A Secret Life y de la traducción al español de la autobiografía de nuestra protagonista, Faithfull: An Autobiography, escrita junto a David Dalton y editada en Inglaterra un año antes, en 1994.  En 1995 Faithfull colabora con sus amigos irlandeses Paddy Moloney y compañía, es decir, The Chieftains.

  

En la primera fila, en el centro, Paddy Moloney (1938-2021).  La banda nunca emitió un comunicado oficial de disolución pero la actividad del proyecto llegó a su fin con la muerte de Moloney, líder y cofundador del grupo.

En 1995 aparecía el álbum The Long Black Veil, un disco donde la banda trabajó con amigos que colaboraron en la parte vocal como por ejemplo Sting, Mick Jagger, Sinéad O'Connor, Van Morrison, Mark Knopfler,que además tocó la guitarra; también en las guitarras eléctrica, acústica y Slide y voz, Ry Cooder; la voz poderosa de Tom Jones, los Rolling Stones al completo y, por supuesto, Marianne Faithfull.

Foto de David Stephenson

Nuestra protagonista en la grabación del disco donde interpreta la canción tradicional Love Is Teasin' 

 

Entramos en la recta final de esta edición de la séptima entrega del Especial Marianne Faithfull.  Nos queda aún tiempo para escuchar unos cuantos temas pero todos van a pertenecer al álbum 20th Century Blues.

El disco se grabó en vivo en 1996 en el club de jazz New Morning de París y se publicó originalmente en ese mismo año.  Algunas ediciones internacionales se lanzaron a principios de 1997 y ese es el motivo por el que aparecen ambas fechas en algunas bases de datos.

¿Qué es, qué contiene este disco de Faithfull?  Es otra vuelta de tuerca a su capacidad como intérprete de la música de cabaret anterior a la Segunda Guerra Mundial.  De nuevo el binomio formado por la música de 

 

Kurt Weill

y los textos de Bertolt Brecht

va a estar trufando los días de nuestra protagonista.

Desde que intervino en el álbum Lost In The Stars - The Music Of Kurt Weill, de 1985, interpretando Ballad of the Soldier's Wife con los arreglos realizados por Chris Spedding, la sombra de Weill y Brecht volvió a aparecer en su camino.  

Cuando Faithfull se instala en Dublín, en la década de los 90, una vez más el tándem Brecht/Weill aparece en su camino: el director teatral Patrick Mason la llamó para ofrecerle el papel de Pirate Jenny en The Threepenny Opera, La Ópera de los Tres Centavos, que estrenaría en el Gate Theatre de Dublín. Las funciones comenzarían en el verano de 1991.  Dos figuras importantes influyeron en el devenir de nuestra protagonista: una, la del productor Hal Willner, la otra, la del pianista, arreglista y director musical Paul Trueblood (1935-2012) que fue además quien la introdujo en el universo Weill/Brecht.  Trueblood es quien acompaña al piano la interpretación de Faithfull.  La voz resultó un

instrumento de una honestidad emocional devastadora

según la crítica del New York Times firmada por John Rockwell.  Composiciones como Alabama Song, Pirate Jenny o Mack The Knife, las resuelve nuestra protagonista con la sabiduría de su voz oscura.  Cierto sector de la audiencia veían como una especie de intromisión el que apareciesen composiciones que no pertenecen al ámbito Brecht/Weill, como es el caso de Boulevard Of Broken Dreams del binomio Harry Warren/Al Dubin o el tema original de Harry Nilsson, Don't Forget Me.  Sin embargo, la forma de cantar de Faithfull consigue que ambas composiciones encajen perfectamente en el contexto de la actuación.

Así termina este Especial Marianne Faithfull # 7.

Espero que te guste.

Enlace:

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