Cíclope 3.0 - 03-03-26 - Especial Julian Cope # 6

Julian Cope

Cíclope 3.0 del martes 3 de marzo de 2026.  Comenzamos el mes de marzo con la entrega número 6 del Especial Julian Cope que va a estar ocupado por un solo disco, el espléndido álbum que aparecía el 22 de abril de 1991 con el título Peggy Suicide.

Cope, tras la vivenciación frustrante del álbum de 1988, My Nation Underground, necesitó de un sitio donde esconderse para reactivar una creatividad que se había contaminado de mal humor y malas sensaciones.  No se encerró en sí mismo aislándose del resto de la humanidad sino que convocó a sus colaboradores más inmediatos, Donald Ross Skinner y Mark "Rooster" Cosby más a él mismo bajo el pseudónimo Double De Harrison para grabar Skellington, que vería la luz en el mes de noviembre de 1989.  El disco no pretendía ser otra cosa que una respuesta inicial al fracaso de lo que fue el trabajo anterior, My Nation Underground.  Fue una especie de sublimación de un extraordinario mal sabor de boca.  Le siguió la publicación de Droolian, en 1990, con una grabación de un perfil eminentemente de ensayo, de sonido de maqueta, publicado en principio para recoger fondos de ayuda económica para Roky Erickson de la banda 13th Floor Elevator.  Ambos trabajos tuvieron una distribución a través de sellos independientes: primero con el de Cope y después a través de la independiente Zippo Records.  Fue un punto de inflexión en las relaciones de nuestro hombre con el sello Island Records, con quien tenía un contrato y que provocó ciertas fricciones.  No hubo más consecuencias y las conversaciones entre ambas partes llegó a buen puerto, facilitando que Cope entregara el material para su próxima LP, un disco tan brillante que tanto la audiencia como la crítica especializada coincidieron en el mismo punto: lo mejor que había grabado Julian Cope en su historia como artista.

Peggy Suicide es un disco doble dividido en 4 Phases, cada una ocupando una de las cuatro caras.  Un total de 18 canciones de las que escucharemos en el programa de hoy 11.

El álbum se publicaba el 22 de abril de 1991 con unos créditos en los que de nuevo aparecen los colaboradores habituales de Cope de los últimos tiempos: Donald Ross Skinner al bajo, guitarra eléctrica, teclados, órgano, piano y batería; Mark Rooster Cosby en la batería, percusión y congas.  Julian Cope con el pseudónimo DeHarrison o Double DeHarrison, voz, guitarra acústica y eléctrica, bajo, sintetizador Moog, sintetizador de cuerdas y arreglos de cuerdas.  Se sumaron para la ocasión una serie de músicos de sesión para intervenir en casos específicos con instrumentos variados.  La primera edición del álbum incluía extensas notas de portada en las que Cope explicaba el significado de cada canción y afirmaba que todo el trabajo era una meditación sobre la relación de la humanidad con la Madre Tierra.  Aunque hemos reproducido la carpeta del disco más arriba, vamos a verla en una foto ampliada

  

El diseño estuvo en manos de Darren Woolford, fotógrafo, ilustrador y diseñador gráfico australiano.  La composición de portada se debe a la pintora Darina Roche.  En el interior de la carpeta Cope explicaba la génesis del trabajo:

"En el verano de 1990, tuve una visión del mundo.  En ella veia a la Madre Tierra: una enorme diosa erguida y orgullosa, pero con la cabeza echada hacia atrás, dolorida y confundida por el trato que la humanidad había decidido imponerle.  Su cabello era el viento que rodeaba el mundo y su brazo izquierdo estaba extendido, con la luna girando en el dedo índice de su mano izquierda.  Estaba magullada por el vertido de sustancias químicas, y su expresión era de éxtasis y tristeza religioso/espiritual.  Rayos de luz resplandecientes perforan el centro de su cráneo, como el agujero de la capa de ozono hace que la luz solar atraviese el Polo Norte.  Esta clásica imagen mítica de la iluminación del alma reflejaba irónicamente la supuesta muerte del mundo por el Efecto Invernadero.  Era una hermosa y absurda espada de doble filo.  Esta enorme Madre Tierra se encontraba al borde mismo del precipicio más alto del Infinito, y estaba a punto de saltar...  Tenía que grabar este disco sobre la descabellada situación.  Hoy en día llamamos a la Madre Tierra Peggy Suicide".

Aparentemente concebido como un álbum conceptual sobre un posible colapso ecológico y social, el disco busca crear estados de ánimo con una colección de canciones que vamos a escuchar en el mismo orden en que aparecen en el disco.  El primer tema que suena es Pristeen, una canción de la que Cope dice

"Trata sobre un hombre que se enamora de su mujer ideal, vive con ella un tiempo y descubre que no es así en absoluto,  simplemente había proyectado su propia imagen en ella, y su amor se transforma gradualmente en odio.  Es una metáfora de la relación del hombre con la Madre Tierra: al principio creíamos que era la Diosa que todo lo da.  Cuando descubrimos que no lo era, surgieron religiones que insistían en el dominio sobre la tierra.  Como dijo Jim Morrison: "¿Qué le hemos hecho a la Tierra?...  La hemos atado con vallas y la hemos hundido".

Sigue Double Vegetation, una canción que, explica Cope,

"se burla del terror que los intelectuales liberales blancos infligen a cualquiera que crea en algo.  Antes eran los comunistas, ahora Alá viene a por nosotros. Simplemente hemos reemplazado a uno por el otro.  Ahora todos le tenemos tanto miedo al Islam que nos está convirtiendo en niños aterrorizados que corren hasta el fondo de las sábanas.  Saddam Hussein no es el Islam.   El petrodólar es una herramienta de los extremistas chiítas y no debemos pensar que todos los musulmanes están locos.  Es como si un árabe pensara que todos los católicos pertenecen al IRA".

East Easy Rider, es una canción que habla de un viaje tranquilo dentro de ti... 

"Me parece que la rueda nos va a matar.  Te pasas la vida convencido de la libertad y de la carretera.  El coche por los dos carriles, la película sobre conducción, el deportivo descapotable, la moto como metáfora fálica, todo ese rollo.  Luego descubrimos que la contaminación nos va a matar y que más nos vale que nos comportemos de forma rápida.  Este doble absurdo no debería pasar desapercibido para ninguno de nosotros, sobre todo esto: si no nos movemos, y pronto, nuestros hijos echarán un vistazo al mundo que les hemos dejado y nos matarán mientras dormimos".

Seguimos con Promised Land, Tierra prometida,

O Gran Bretaña de Rodillas.  Esta canción trata sobre un hombre que recorre cada camino, cada calle, cada recodo de las Islas Británicas.  Está atónito, deshecho y confundido por la desunión de su país.  Los ricos se enriquecen cada vez más, los sin techo aumentan cada día. La Thatcheración les dolía la espalda, pero desde que grabé esta canción en septiembre, se ha convertido en la Bruja Aburrida de Dulwich, una conductora del asiento trasero, intimidando a John Major, con el yerno al frente.  Aún así, debemos actuar ahora. Es nuestro DEBER.  Hay un profesor de política en la Universidad de Princeton, Alan Ryan, que, hablando de democracia, dice: "Es deber de todo ciudadano saber cuándo obedecer y cuándo DESOBEDECER a su gobierno". ¡Exacto!

El disco tiene una mezcla entre el sonido electro acústico de las guitarras y las guitarras eléctricas.  Sonidos calmados y canciones de estructura frenética como esta Hanging Out and Hung Up on the Line, de la que nuestro hombre dice que

"es una canción de conducción psíquica. ¿Conoces esa sensación a altas horas de la noche, o quizás muy temprano, como a las 4:30 de la mañana, en el que tu mente va a un lugar donde estás totalmente indefenso? Tus miedos más profundos surgen de tu inconsciente y piensas: ¡Dios mío! Todavía no he hecho esto o ¿Y si no doy la talla en esto otro?  En ese punto, tu mente se embarca en un viaje sin gloria, compitiendo como un loco por todos los videojuegos de carreras que nunca quisiste probar.  Supongo que parece que estoy pasando el rato y colgado en la línea".

Ahora damos un salto hacia atrás en el Tiempo y volvemos al año 1990, al álbum Droolian, el disco que Cope grababa para sacar dinero y poder ayudar, económicamente, al alma y motor del grupo 13th Floor Elevator, el guitarrista, compositor y cantante, Roky Erickson.  En ese disco incluye un corte de 1 minuto y 57 segundos titulado Safe Surfer.  Lo escuchamos y volvemos al álbum que ocupa esta sexta entrega del Especial Julian Cope, Peggy Suicide, de 1991.  Aquí se incluye otra vez ese corte que acabamos de escuchar solo que con dos diferencias: el título, que pasa de estar escrito con dos palabras a una sola, Safesurfer, y lo más importante, la duración: pasa de 1 minuto y 57 segundos a 8 minutos, además de un planteamiento y resolución inmensamente más rico.  Aquel tenía sonido maqueta, incompleto, este está finalizado.  De la canción cuenta Cope 

El tema es una larga reflexión sobre el SIDA y sus consecuencias.  Es ese tipo que todos conocemos, que escuchas hablando con una chica diciendo No soy como los demás, cariño. ¿No confías en mí?  Como si el VIH nunca fuera a desaparecer.

Una canción amorosa y sexy resulta la que suena a continuación, If You Loved Me At All.  Sobre la contaminación versa el siguiente corte, Drive, She Said.  Nuestro hombre aclara el contenido de la composición:

"Es una canción anti-conducción que habla sobre una diosa loca llamada Pollutia.  Todos los días me pongo mi máscara anti-contaminación en su honor.  Luego voy en bicicleta y veo a los londinenses en coche intentando suicidarse y matar a otros, pero sobre todo a mí.  Esta sociedad nos dice que conducir mola: si quieres ser guay, conduce. Si no quieres ser guay, usa el transporte público o camina: Acéptalo, no es muy civilizado, sí, podríamos arrastrarnos, pero prefiero conducir, dijo ella..."

Llama la atención que algunos cortes del álbum tengan una duración tan breve como es el caso de la composición que va a sonar ahora, You....  Ocupa 1 minuto y 46 segundos y nuestro protagonista nos dice que

"Es un diálogo entre la Mente Consciente y la Mente Inconsciente.  La Mente Consciente vive el presente, pero finge comprender. Actúa como una mezcla entre Tony Wilson (productor británico, ingeniero de sonido y manager) y Bill Drummond (prolífico artista, músico, productor y escritor escocés, representante de Cope a principios de los 80).  La Mente Inconsciente mira hacia la eternidad y es un alma confiada.  Vive en la esperanza eterna, es estafado por los Greedheads y parece Iggy Pop interpretando a Syd Barrett".

Para aclarar algunos términos un tanto confusos: Greedheads es un término informal y despectivo, popularizado por el autor Hunter S. Thompson (1937-2005), que se refiere a personas extremadamente avaras, egoístas y obsesionadas con la acumulación de riqueza y poder. Generalmente describe a individuos en posiciones de influencia, como en Wall Street o la política, cuya motivación principal es la codicia.

Por cierto, se me pasaba reseñar algo curioso: el título del álbum, Peggy Suicide, es un juego de palabras hecho a partir de la canción Peggy Sue de Buddy Holly.

Estamos en la recta final del programa de hoy y llegamos a una composición muy interesante, el corte titulado Leperskin.  Las ideas sobre el medio ambiente, la ecología, la política...las había tratado Cope con anterioridad, pero no de una manera tan clara y transparente como hizo en esta ocasión.  El Community Charge, conocido popularmente como Poll Tax, el Impuesto de Capitación, sustituyó el sistema anterior, basado en el valor de la propiedad, por una cantidad fija para cada adulto, considerada injusta para penalizar a los pobres.  Los disturbios por el Poll Tax, el Impuesto de Capitación de 1990 en el Reino Unido, fueron una serie de violentas protestas contra el nuevo impuesto local de tasa fija introducido por Margaret Thatcher.  La marcha principal del 31 de marzo en Trafalgar Square, Londres, atrajo a 200.000 personas, lo que provocó graves disturbios, cientos de heridos y detenidos, marcando el declive político de Thatcher.  Aunque hubo más de 6.000 acciones a nivel nacional, los disturbios en Londres del 31 de marzo de 1990 fueron los más significativos en un siglo, con 3.000 manifestantes enfrentándose a la policía con ladrillos y botellas.  La desobediencia civil masiva, con millones de impagos, y la violencia social forzaron la sustitución del impuesto municipal y contribuyeron directamente a la dimisión de Margaret Thatcher en noviembre de 1990.  El movimiento fue una manifestación de resistencia popular organizada contra una medida impopular, que transformó el panorama político británico de la época.  Y Julian Cope estuvo allí, formando parte de los manifestantes.  

Londres, Lambeth Bridge, Marcha Anti Poll Tax, el Impuesto de Capitación.  En la instantánea, de Lynne Patterson, parte de la banda de Julian Cope..  De izquierda a derecha, Donald Ross Skinner, Pam Pammo Young y Rooster Cosby. 

Leperskin habla del Poll Tax, el Impuesto de Capitación que, en algunas zonas de Londres, estaba en 521 £.  En la canción aparecen citados dos barrios londinenses, Lambeth y Wandsworth, dos de los barrios con más poder adquisitivo.  En Lambeth se encuentran el London Eye, el Royal National Theatre, el Royal Festival Hall, el County Hall y la estación de Waterloo. Wandsworth, con sus bajos impuestos municipales y la abundancia de espacios verdes, es especialmente popular entre familias y jóvenes profesionales gracias a su combinación de encanto rural, vida junto al río,  seguridad y buenas conexiones de transporte con el centro de Londres.  Según Cope, 

la canción es para todos los leprosos de Lambeth.  Al cruzar Clapham Common, pasas por un cartel que dice que sales de Lambeth, una zona libre de armas nucleares, seguido de otro que proclama Wandsworth, el distrito más brillante.  Aburrido... 

Esta canción se grabó en otoño de 1990.  Desde entonces, Margaret Thatcher, comenzó su despedida del mundo de la política de forma arrolladora.

Terminamos esta edición de Cíclope 3.0 dedicada al Especial Julian Cope Número 6 con una historia, un relato hecho canción como es Las Vegas Basement.  Volvemos con nuestro protagonista en el mes de abril.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-03-03-26

Cíclope 3.0 - 24-02-25 - Especial Marianne Faithfull # 5

 

Marianne Faithfull - 1987
Foto de Tony Wright

Cíclope 3.0 del martes 24 de febrero de 2026.  Cerramos el mes con la entrega número 5 del Especial Marianne Faithfull.  La edición anterior de este Especial terminaba con dos cortes de la banda sonora de la película Trouble in Mind, dirigida por Alan Rudolph en 1986 y cuya partitura compuso Mark Isham.  Aquellos dos fragmentos que escuchamos estaban cantados por nuestra protagonista.

En 1985, el productor norteamericano Hall Willner, organizó la grabación de un disco homenaje a la música de Kurt Weill que apareció con el título Lost In The Stars - The Music Of Kurt Weill, Perdido en las estrellas - La música de Kurt Weill.  La nómina de intérpretes y colaboradores fue extensa y enjundiosa: Sting, Stan Ridgway, el motor de la banda Wall of Voodoo, la voz de The Psychedelic Furs, Richard Butler, John Zorn figura de la vanguardia musical, Lou Reed, la pianista Carla Bley y el saxo de Phil Woods, Tom Waits, el brujo Todd Rundgren, el contrabajo de Charlie Haden y la multinstrumentista Sharon Freeman, y Marianne Faithfull junto al guitarrista británico y productor Chris Spedding, interpretando Ballad Of The Soldier's Wife, que es precisamente con lo que abrimos esta edición de Cíclope 3.0, haciendo un bucle en el tiempo para recuperar esta grabación que se quedó fuera en la edición anterior del Especial que cerramos en 1986.

Hall Willner (1956-2020), fue un productor musical estadounidense que trabajó en grabaciones, películas, televisión y eventos en vivo.  Fue el responsable directo de la resurrección de Marianne Faithfull como artista.

Faithfull estuvo inmersa en una espiral de autodestrucción desde finales de los años 60 hasta los primeros años de la década de los 80.  El primer anillo que atravesó de ese bucle fue su inicio en el consumo de heroína, adicción que la tuvo atada desde 1969 hasta 1986, 17 años en los que se balanceó sobre el abismo de la muerte.  Consiguió salir de su estado existencial paupérrimo, dejó atrás los días sin techo, las noches durmiendo en la calle, con frío, lluvia, calor...pero la heroína la mantuvo atrapada a pesar de haber realizado grabaciones de discos como Broken English cerrando los años 70, disco que parecía que lo que quedaba era poder realizar el vuelo del Ave Fénix mirando al futuro.  Pero en realidad tenía plomo en las alas y no podía cubrir las distancias que en verdad intentó ensayar.  Hasta 1983/84, fechas en las que el productor Hall Willner se fija en ella y considera que en el proyecto que se trae entre manos, revitalizar la música de Kurt Weill, Faithfull puede participar por derecho propio, porque esa voz encaja perfectamente en la idea de cabaret oscuro que él tiene en la cabeza.  La voz de Faithfull es lo idóneo para que entone la ironía, la tristeza macabra que se ríe de su propio dolor.  Enlaza la capacidad interpretativa de ella con el talento de un músico como Chris Spedding,

camaleónico guitarrista que había colaborado con una amplia lista de músicos entre los que se encuentran John Cale.  

Spedding es capaz de dar la imagen de un rocker, vestido con pantalón vaquero, botas y cazadora de cuero, rematando su perfil con un tupé marcado con fijador.  Y después realizar los arreglos imprescindibles como hizo con ese corte que escuchamos al comienzo del programa, Balada de la esposa del soldado.

Las conversaciones entre Willner y Faithfull fueron a más, y él supo tocar las terminales más sensibles del sentido existencial de nuestra protagonista.

  

De entrada preparó un programa de canciones ajustadas a la voz actual de Faithfull: versiones de temas estándars del Jazz, composiciones conocidas de Bob Dylan, alguna revisión de temas interpretados hacía tiempo por ella misma pero que tenían nuevas posibilidades al ser re-interpretadas como As Tears Go By.  Hasta una composición nueva escrita para la ocasión por Tom Waits y su esposa Kathleen Brennan, el tema Strange Weather.  En definitiva, un poco de lo que siempre había hecho: cantar canciones escritas por otros pero ahora con una voz nueva, voz rota, dramática, pero por eso mismo revalorizable.  En los estudios de grabación todo un comité de bienvenida, una delegación de músicos entre los que se encontraban

Bill Frisell, compositor y guitarrista de Jazz americano

    

Michael Gibbs, compositor, arreglista, director musical, productor

Fernando Saunders, guitarra bajo, compositor

J.T. Lewis, batería de Brooklyn, New York

Sharon Freeman, intérprete de la trompa, pianista, compositora

Garth Hudson, acordeón.  Uno de los fundadores de The Band

El pianista y guitarrista Mac Rebennack, más conocido por el alias artístico Dr. John

Robert Quine (1942- 2004), guitarrista americano que formó parte del proyecto Richard Hell & The Voidoids

William Schimmel, músico americano que toca el acordeón 

Lew Soloff (1944-2015), trompeta y fliscorno americano, compositor 

    

Los créditos recogen también la lista de músicos de sesión encargados de los instrumentos de cuerda (violines, violas, violonchelos), metal (saxofón), y alguno más.  Las canciones escogidas van desde los estándares del Jazz como Yesterdays, una composición que interpretaron entre otras voces la de Billie Holiday, Penthouse Serenade (When We're Alone) que el pianista y cantante Nat King Cole grabó en 1952 sólo como Penthouse Serenade en un disco instrumental, o A Stranger On Earth, un tema que había adaptado Dinah Washington, cantante estadounidense de blues, R&B y jazz, activa desde la década de los 40 del siglo pasado hasta principios de los 60.  Como ha quedado dicho más arriba, la canción que le da título al álbum, Strange Weather, compuesta por Tom Waits y su esposa Kathleen Brennan.  Y la tanda de versiones de composiciones coetáneas a Faithfull como la que realiza de la canción original de Bob Dylan, I'll Keep It With Mine, o la reelaboración de As Tear Go By.  De esta canción de Mick Jagger, Keith Richards y el entonces manager de los Rolling Stones, Andrew Oldham, que le regalaron para que lo estrenase en su LP de debut de 1965, Marianne Faithfull, lo que hacemos en el programa es volver a escuchar aquella versión, la primera, para que puedas apreciar la diferencia por los matices de la voz: de la voz cristalina e inocente de aquella muchacha joven a la voz rota, áspera de esta mujer que canta con melancolía sobre el rastro de unas lágrimas que son pasado inmediato.

La labor del productor Hal Willner fue fundamental en todo lo que significó la vuelta artística de Marianne Faithfull porque actuó como un catalizador que le permitió, por un lado, superar su imagen idealizada de musa de los años 60 y por otro, superar sus adicciones para renacer como una intérprete madura y respetada.  Su colaboración comenzó en los primeros años de los 80 y fue clave para redefinir el sonido de Faithfull: con la intervención en el álbum homenaje a Kurt Weill, el productor Willner puso el primer tramo del camino de la nueva Faithfull, un sendero con dirección hacia un estilo de cabaret oscuro, con mucho blues y mucho jazz.  Todo centrado en la voz característica de nuestra protagonista.  Cuida de ella como hemos visto más arriba en este texto, reuniendo la colaboración de músicos de talla que, en algunos casos, ya habían trabajado con ella y que ayudaron a crear un ambiente sonoro perfecto.  El productor buscó qué canciones podría interpretar, siempre consultando con ella su opinión y sus afinidades con una lista de posibles opciones, siempre buscando cómo potenciar su voz, la forma de dejarle libertad a la hora de realizar toda una interpretación dramática con la textura de su voz característica.  

Más allá de intervenir de forma influyente en la grabación y producción de un disco, Willner fue un cómplice constante.  Su relación profesional estaba fundamentada en una profunda amistad, lo que facilitó que el productor tuviese siempre una meta más allá de los intereses prácticos del negocio de la música.  Apreciaba la individualidad de ella como persona, como cantante, y se centraba en potenciar todo lo positivo que había en la intérprete.  Estuvo junto a Faithfull no solo en una ocasión sino en varias, por ejemplo en trabajos tan importantes como el disco Blazing Away de 1990.

Grabado en directo entre los días 25 y 26 de noviembre de 1989 en la Catedral de Santa Ana en Brooklyn, Nueva York, el álbum recoge el sonido en directo de Marianne Faithfull y de los músicos que le acompañaron en esta ocasión que fueron casi los mismos que colaboraron en Strange Weather, el disco de 1987.  Repiten Fernando Saunders, guitarra bajo, el acordeón de Garth Hudson, la trompeta y el fliscorno de Lew Soloff.  La guitarra eléctrica la van a manejar otros músicos que no son Bill Frisell, que fue quien la tocó en el álbum anterior.  En este álbum serán

Marc Ribot

  

Y

Barry Reynolds, que colaboraba con Faithfull desde finales de los años 60. 

La grabación de aquella actuación es sencillamente tremenda, no solo por la calidad del sonido sino por la interpretación instrumental de los músicos y lo que fue la forma, la manera de cantar que tuvo nuestra protagonista.  El disco es para escucharlo al completo, canción tras canción que, como está grabado en vivo, no tiene pausas entre un corte y otro.  Para hacerte más partícipe del ambiente, el Cíclope va a programar los cortes de dos en dos, para que el efecto sea lo más cercano a la audición del álbum.  Como Blazing Away cierra el programa no nos va a dar tiempo a escuchar sino tres temas.  Empezamos con un bloque formado por dos canciones, She Moved Through The Fair y Broken English.  La primera de las dos pertenece a la época Folk de Faithfull, un tema tradicional que grababa en 1966 en su LP North Country Maid.  En este Blazing Away ella realiza los arreglos y la canta a capela, solo con su voz.  La segunda canción es la que le dio título a su álbum de 1979.  Cerramos con una composición original del guitarrista Barry Reynolds titulada Guilt, perteneciente también al LP de 1979, Broken English.

Así terminamos esta quinta entrega del Especial Marianne Faithfull.  Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-24-02-26

Cíclope 3.0 - 17-02-25

 

Concepción Villegas Gómez, Conchirri para familiares y amigos, tiene cita en la peluquería y no se puede entretener por eso le ha pedido el favor a doña Eulalia Martín, portera del edificio, que le pase el teléfono por la ventana, para poder decirle a su vecina, Leonor Armiñan que, por favor, le grabe en un pendrive, el Cíclope 3.0 del último martes.  Que van a cortar la luz a las 12 para arreglar no sabe qué avería y cuando vuelva quiere escuchar el programa en su reproductor mp3 que, como va a pilas, no necesita electricidad.  Y que se va, que va a llegar tarde.  Conchirri no serviría para monja de clausura, tiene la necesidad imperante de hablar y hablar.  Solo se calla cuando escucha Cíclope 3.0, y entonces, que no la moleste nadie. 

Cíclope 3.0 del martes 17 de febrero de 2026.  Esta edición comienza con una nota reseñable: el Cíclope ha cumplido un año más en la sintonía de Radio Tomares, ya tiene 12 años en antena.  Comenzó a existir el 11 de febrero del año 2014 y ahí sigue, con la colaboración indispensable de Pablo Franco en el Control de Sonido.  Vamos a por un año más enredando música como la que traemos hoy, comenzando por una banda de actividad longeva, los británicos Fischer-Z.

Fischer-Z debutaron en el paso de los años 70 a los 80, en el año charnela entre una década y otra, 1979.  John Watts, segundo por la izquierda en la foto, fue el motor vital de un proyecto que ha llegado desde entonces hasta la actualidad del siglo XXI.  Tuvieron un comienzo que despistó un poco a la audiencia, mezcla de Pop y Rock indefinidamente progresivo, pero en 1980 publicaron el LP que les impulsó hacia un estilo claro, transparente y diáfano, un disco titulado Going Deaf For A Living

Quedarse sordo para ganarse la vida resultó un disco que cayó bien en todas partes: las composiciones de Watts se hicieron más cercanas con respecto a las del álbum de debut, World Salad, un año antes.  Muchos cortes del LP tenían una dinámica activa de la New Wave que florecía en Europa en aquellos años.  Algunas composiciones recogían toques reggae, algo que se llegaría a convertir en una especie de obsesión en los estilos de ciertas bandas británicas.  So Long, la canción con la que iniciamos esta edición de Cíclope 3.0, fue la canción insignia de Fischer-Z, la que le abrió una garantía a la hora de escuchar cualquier disco nuevo que publicaran.

El líder del grupo, John Watts, compositor, guitarrista y cantante, a partir de este segundo y exitoso trabajo, modificó su registro vocal: a partir de ahora sonaría diferente, oscilando entre un barítono grave y un registro más agudo.  Además iniciaría una labor en solitario, paralela a su actividad en el grupo.  Habitualmente una dinámica así se estructura cuando el trabajo en grupo ha avanzado cierto tiempo, pero en este caso no fue así.  La banda llevaban publicados dos discos, 1979 y 1980, y Watts entregaba el primer álbum en solitario en 1982.

One More Twist no fue un disco más de Fischer-Z, aunque sonaba al grupo, algo lógico porque su creador participaba de forma directa tanto en formato colectivo como en solitario.  En este álbum Watts trabajaba más su faceta creativa como escritor.  Los textos de las canciones mostraban un perfil existencialista como es el caso de Carousel, que no la escuchamos hoy pero sí esta otra, Speaking a Different Language, Hablando un idioma diferente, una canción de factura impecable.

Hemos comenzado el programa pasando de un lado a otro entre los extremos de un cable que conecta el final de los años 70 con el comienzo de la década de los 80 en lo que se conocía como Nueva Ola inglesa.  En otros puntos de Europa, por ejemplo en Alemania, la Nueva Ola iba levantando la cresta con bandas como esta: Xmal Deutschland.

  

Xmal Deutschland, cuyo nombre deriva de un tratado sociopolítico de principios de los 60 escrito por el periodista y activista alemán Rudolf Leonhard (1889-1953), se constituyó como grupo en 1980 por Anja Huwe, inicialmente en la guitarra bajo, Caro May, batería, Manuela Rickers, guitarra, Fiona Sangster, teclados y Rita Simon, voz. Se conocieron en conciertos de punk en Hamburgo.  Comienzan a levantar el proyecto que se conocería con el nombre de Xmal Deutschland.  Ensayan, encuentran un hueco en conciertos de perfil local, cubren el puesto de teloneras en actuaciones de bandas como Palais Schaumburg y otras formaciones del ambiente de Hamburgo.  El quinteto femenino acepta grabar para Zickzack, el sello discográfico independiente local para estas bandas de la New Deutsche Welle.  La vocalista Rita Simon no apareció en la primera sesión de grabación en el estudio, por lo que la antorcha del liderato del grupo pasa, a regañadientes, a Anja Huwe, la más responsable, por su entusiasmo en el proyecto.  Sería la figura permanente en la formación, las demás, como por ejemplo Simon, pasó a tocar la guitarra bajo durante un tiempo, no mucho, porque abandonó la formación más pronto que tarde.  El salto a círculos de mayor popularidad llegó cuando Xmal Deutschland actúan en Inglaterra.  Llegan con la etiqueta de Rock Gótico pegada al espectro de su sonido.  En verdad, los comienzos del grupo estuvieron marcados por su semejanza con Siouxsie & The Banshees, a quien admiraban profundamente.  Pero cantaban en alemán y esto fue lo curioso: no supuso ningún problema en los ambientes underground de la Inglaterra de aquellos años.  Tanto es así que contratan a la banda alemana para que actúen como grupo telonero de Cocteau Twins en la actuación de presentación de estos en Londres.  Del paso por el escenario londinense se hizo eco nada más y nada menos que Ivo-Watts Russell, el jefe de la 4AD, el sello independiente escocés, que lo tuvo claro: tomó a la banda alemana bajo su paraguas protector y le publicó dos LPs, Fetisch, 1983, y Tocsin, 1984.

Ya no eran cinco mujeres.  Seguían siendo quinteto pero con un miembro masculino.  O dos, cuando se convierten en cuarteto y de nuevo en quinteto.  Anja Huwe seguirá como líder indiscutible, ya sea cantando en alemán o en inglés.  De este disco el Cíclope recupera un corte, Luz de luna.  Tocsin funcionó bien en las ventas y a pesar del éxito conseguido, Ivo Watts-Russell no se sintió particularmente entusiasmado con la dirección cada vez más comercial que estaba tomando Xmal Deutschland.  4AD abandonó al grupo y la banda fundó su propio sello discográfico, Exile.  Posteriormente se sintetizaría el nombre en Xile.  Entre 1985 y 1986, el proyecto se fue desintegrando: habiendo comenzado como quinteto terminaron como dúo, y eso fue todo.

Tomamos de nuevo la tirolina con la que hemos comenzado para deslizarnos por los años pasados y así de aquellos años 80, del final de Xmal Deutschland, nos trasladamos hasta la actualidad con la líder de la banda alemana.

La cantante, artista visual e ícono gótico Anja Huwe es conocida como la líder del proyecto post-punk Xmal Deutschland, fue comparada constantemente con Siouxsie Sioux como ha quedado dicho más arriba.  Tras la separación de Xmal Deutschland, Huwe se convirtió en productora de televisión y luego dedicó su carrera a la pintura, la fotografía y otras formas de arte.  Durante los 90, Huwe se interesó por el techno y el trance, y trabajó como productora y editora para VIVA TV, presentando un programa de música dance de una hora llamado HouseFrau, así como un programa titulado simplemente Trance. También se dedicó por completo al arte visual, creando pinturas e instalaciones llenas de patrones y grupos de colores brillantes.  Llegamos al siglo XXI y a la actividad musical recuperada de Anja Huwe.  En esa recuperación va a influir y mucho una amiga de toda la vida de Huwe, la cantante, compositora y productora musical Mona Mur.

De esta mujer hablaremos y, sobre todo, escucharemos su música en otra ocasión.  Por ahora tan solo reseñar su existencia porque es muy interesante y la citamos por su vínculo amistoso con Anja Huwe, porque la ayudó a retomar su carrera musical en la actualidad.  Ambas trabajaron juntas en el estudio de Mur en Berlín durante un año y medio, con la colaboración de Manuela Rickers, la que fue guitarra de Xmal Deutschland.

  

Codes es el disco de reencuentro con Anja Huwe.  Nueve temas de los que 7 están compuestos por ella y por Mona Mur.  Mur además es ingeniera de sonido, se encarga de las mezclas y coproduce el álbum junto a Huwe.  Una muestra de lo que hace ella en estos tiempos es el corte Zwischenwelt, Mundo intermedio.

De los estudios de grabación de Mona Mur en Berlin, nos movemos, en la misma ciudad, hasta la sala Morphine Raum.  

Morphine Raum es una combinación de estudio de grabación profesional con capacidad para presentaciones en vivo y espacio para proyectos de sonido.  Está dirigido por el músico, productor y propietario del sello Morphine Records, Rabih Beaini.

En esa sala, el 30 de abril de 2025, la compositora, cantante y multinstrumentista Rosa Damask, presentó, en directo, su álbum Adore You, publicado el 13 de diciembre de 2024.  En la foto inmediatamente anterior se reproduce la portada del disco.

  

Rosa Damask, alias artístico, cuyo nombre real es Nastia Reigel, de nacionalidad rusa, es el típico caso de artista que personifica el Hazlo Tú Mismo.  Toca todos los instrumentos, o al menos es lo que he conseguido saber buscando información sobre ella.  El disco Adore You está compuesto por 8 temas, en la sala Morphine Raum interpretó 4 del total.  Ella canta, toca la guitarra eléctrica y, en esta actuación, se acompaña por la guitarra bajo que toca Masha Raeva.  El resto de instrumentos como batería y sintetizadores están pregrabados porque en el estudio ella podrá tocarlo todo, pero en la actuación en vivo es imposible hacerlo.  Lo que suena en el programa hoy, los dos cortes The Sun y Adore You, están sacados directamente de esa actuación en directo donde el sonido es inmensamente más envolvente que el que reproduce el disco que suena muy bien, muy bien producido, excepto la calidez que desprende la actuación en el Morphine Raum.  Dicha sesión está recogida en un video que se puede ver y escuchar en YouTube y que no tienes que buscar porque te enlazo a él aquí:

https://www.youtube.com/watch?v=AMpScs_LjzU

  

Salimos de la sala Morphine Raum y nos adentramos en otra de atmósfera distinta a la de esa voz y ese sonido envolvente.  Sobre una pantalla imaginaria, películas que no existen pero que tienen banda sonora interpretada por un proyecto que responde al nombre de Federale.

Originales de Portland, Oregon, Federale es una banda que oscila entre 7 u 8 miembros.  Comenzaron a grabar en el año 2007, capitaneados por Collin Hegna, guitarra bajo de The Brian Jonestown Massacre.  El proyecto se bautiza con el título de la película Il Federale,

cinta italiana de 1961dirigida por Luciano Salce.  Lo curioso es que no escogen el nombre por la película sino por quien compone el score original, Ennio Morricone.  Pero el Ennio Morricone de las películas del género spaguetti-western porque, la banda sonora de esta Il Federale, no tiene nada que ver con el lejano Oeste, es una historia que se desarrolla en el mundo moderno.  Sí, pero el homenaje a Morricone consiste en que fue el primer score original que compuso para el Cine.  Cuando escuchas a Federale transpira el amor que sienten por las películas, las historias del Far West.  La banda tiene una capacidad extraordinaria para recrear esas bandas sonoras imaginarias para películas que no existen.  Comenzaron elaborando piezas instrumentales.  Después fueron añadiendo voz aunque en aquellas piezas sin palabras la voz estaba presente como un instrumento más, utilizada así por el miembro femenino del proyecto, Maria Karlin, vocalista con registro de soprano.  

Federale, desde su debut, siempre ha operado en sus grabaciones bajo la guía de un arco argumental bastante amplio.  Por ejemplo, La Rayar, de 2007, es una historia clásica de traición y venganza.  Devil In A Boot, de 2009, se centra en un pequeño pueblo aterrorizado por la expansión y destrucción del magnate de una compañía ferroviaria.

En su álbum de 2012, The Blood Flowed Like Wine, La sangre fluía como el vino,  cuenta la historia sobrenatural de un mal tan poderoso que ni siquiera el infierno puede contener su ira.

No Justice, de 2019, veía la luz en el mes de noviembre.  Evocaciones de calles sombrías y  praderas oxidadas de un pueblo pobre y desolado.  Es una ensoñación de producción cinematográfica.  Ya había sonado Federale en el programa, en dos ocasiones, en el año 2019 y 2021, pero en ninguna de las dos sonaron los dos temas que hemos recuperado hoy.  Es un perfil de música que nos ayuda a crear una atmósfera propiciatoria para dirigirnos a la recta final de esta edición de Cíclope 3.0 que va a estar ocupada por un guitarrista sevillano, camaleónico y versátil, que responde al nombre y apellidos de Andrés Herrera Ruiz, alias Pájaro.

    

De Pájaro guardo muchos recuerdos de su figura sobre el escenario.  Uno de los más inmediatos que se me vienen a la cabeza fue mediados los años 80, en el Cine San Vicente de Sevilla, en un concierto de Dulce Venganza.  Las guitarras estaban en manos de Juanjo Pizarro y Andrés Herrera, que habían tocado juntos en el proyecto Brigada Ligera.  Perdón porque no recuerdo al resto de la banda que tocó en aquella ocasión, excepto a Benito Peinado, como es lógico.  Fue una de tantas veces en las que recuerdo a Pájaro tocando en vivo, él, que ha colaborado con una nómina de músicos larga y extensa, mientras su guitarra se iba haciendo cada vez más permeable a influencias, una arquitectura de pasiones que reunían el sonido del lejano Oeste pasando por Las Vegas, las tierras de los indios navajos, montando un paso de Semana Santa, contemplando el desfile de la hermandad desde un balcón italiano, reuniendo el despecho de un amante abandonado y el romanticismo que sudaba el gran Silvio, junto al que tocó en Sacramento y disfrutó de la vida.  Pájaro es un crisol de vivencias hechas música: ha tocado con Kiko Veneno, por ejemplo en aquel disco titulado Échate un cantecito.  Con Pata Negra, con Pepe Begines, de No Me Pises Que Llevo Chanclas, en el disco Mi propia película...y muchos más.  Pero también es el responsable de una obra en solitario que es la que nos va a ocupar hasta el final del programa de hoy.

En el año 2012 aparecía Santa Leone, el primer disco de Andrés Herrera Pájaro.  Todo el proceso de composición, hacer las canciones, realizar los arreglos, grabarlo y mezclarlo se hizo entre

Noviembre del año 2010 y Diciembre de 2011.  Se editó el 28 de febrero de 2012.  De este álbum de debut el Cíclope recupera el tema que le dio título, Santa Leone.

  

Cuatro años después de ese Santa Leone vería la luz He matado al ángel.  Fue en marzo de 2016 y Pájaro elabora un trabajo que, cuando se escucha, se abre en la cabeza, como esos cuentos troquelados que al pasar las páginas se despliega un castillo, o un árbol, o un dragón.  Aquí suenan composiciones de perfil italiano como Viene con Mei.  Hay versiones como la que realiza de Nino Rota y El Padrino; o la que hace de la Danza del Fuego de Manuel de Falla.  Entre las canciones de perfil italiano está Guarda Che Luna, compuesta por el músico italiano Walter Malgoni, con letra de Bruno Pallesi, popularizada inicialmente por el cantante y actor italiano Fred Buscaglione en 1959 y, desde entonces, interpretada por una nómina de cantantes masculinos e intérpretes femeninas larguísima.  La versión que recuperamos es la de Pájaro como no puede ser de otra forma.

Llegamos al año 2018, al mes de abril, cuando se edita el álbum Gran Poder.

Hasta el momento, Pájaro ha escrito, hablado de diferentes aspectos de los sentimientos, de las pasiones...en este disco Andrés Herrera se contempla a sí mismo en medio del mundo y entabla un bucle con lo que le rodea.  Es una especie de adelanto de una evolución personal en la que no se queda indiferente ante nada de lo que ocurre en el mundo.  La portada del disco reproduce a una mujer joven que levanta el puño en alto en un claro gesto de declaración de principios.  El disco incluye una versión de una canción original de Paco Ibáñez con letra de un poema de Rafael Alberti, A galopar.  Pájaro define su postura ante la vida con su música, su guitarra y sus canciones.  Habla claro, sin recurrir al insulto o la descalificación porque él vive y deja vivir.  Pero lleva fatal los totalitarismos, lógicamente, como persona sensata que es.  Casi terminamos con ese A galopar, pero no, nos queda tiempo para un tema más.

Aparecía a finales del año 2024 este Single titulado Colegios abandonados, firmado por Andrés Herrera Pájaro.  Se entiende que es un adelanto de un próximo álbum que esperamos con interés.  Por ahora nos quedamos con este sencillo a la espera de un nuevo larga duración.  Y así cerramos el programa por hoy.

Espero que te guste. 

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-17-02-26