Cíclope 3.0 - 02-12-25 - Especial Julian Cope # 4

 

Julian Cope, espalda con espalda, con el
guitarrista Donald Ross Skinner

Diciembre, último mes de 2025, y Cíclope 3.0 encara el fin de año comenzando con un programa con estructura de Especial Discografía como es habitual los primeros martes de cada mes.  Desde septiembre estamos escuchando la producción de Julian Cope y en el espacio de hoy entramos en la cuarta entrega del Especial que lleva su nombre y apellido.

En el capítulo anterior de este Especial Julian Cope casi terminamos de escuchar el tercer LP de su discografía, Saint Julian.  El disco se publicaba el 7 de marzo de 1987 en un sello discográfico diferente, Island Records, con nuevo manager, Cally Callomon, con la colaboración incondicional de Donald Ross Skinner en las guitarras, y con la batería y el bajo que venían de haber trabajado en Fried, el LP anterior,  Chris Whitten y James Eller, respectivamente.  También intervino en el staff de colaboradores Kate St. John, tocando  el corno inglés, como hizo desde el primer álbum en solitario de Cope.  El disco tuvo dos productores que se encargaron de dos bloques de sesiones, por un lado Ed Stasium, productor de Ramones, y Warne Livesey.  El tercer trabajo de Cope presentaba una serie de cambios de base: se apartaba de las formas psicodélicas de sus dos álbumes anteriores incurriendo en un sonido nítido, contundente y estructurado, inspirado en parte en la pasión que profesaba por el Rock elaborado en Detroit desde finales de los 60 y principios de los 70, aquel rock que fusionó el rock duro, el blues y el soul con un sonido crudo y enérgico.  Se centró en los riffs de guitarra pesados, ritmos intensos y una fuerte presencia vocal.  El disco rezuma recuerdos de Alice Cooper, MC5, The Stooges... aquellos que fueron pioneros del proto-punk y del hard rock.  Saint Julian está formado por 10 composiciones.  En el programa manejamos la edición original europea pero no la de 1987, o no sólo esta, sino que intercalamos cortes pertenecientes a la reedición del año 2013, edición en CD doble.  El segundo disco está estructurado con temas aparecidos como parte de Maxi-Singles.  La edición de este Especial Julian Cope # 4 arranca de forma luminosa con la composición Pulsar, pura electricidad organizada.  Después vamos pasando por versiones de músicos admirados por Cope como Roky Erickson.  De él, de su estancia en 13th Floor Elevator, nuestro protagonista escoge el tema I've Got Levitation, una versión que aparecía como parte del Maxi que lleva como tema estrella World Shut Your Mouth.

Cinco cortes ocupan este Maxi-Single, tres originales y dos versiones: una la de Roky Erickson, la otra de Pere Ubu, el tema Non-Alignment Pact.

    

Pere Ubu (la foto anterior) estuvieron activos hasta el año pasado, 2024.  David Thomas, en la foto tocado con un sombrero, fallecía este año 2025 tras una larga enfermedad.  Había nacido en 1953.  Con su desaparición, el grupo decidió separarse.  Pere Ubu fue una influyente banda de punk artístico cuyo sonido experimental construía y deconstruía melodías autodestructivas, ritmos dispersos y disonancias de fuerza industrial.

Otro Maxi-Single, este con sólo 4 temas, es el que lleva como corte estrella la composición Trampolene.  De este EP, el Cíclope recupera el tema Mock Turtle.

Hay algo que no he reseñado y que es importante y es el micrófono que utiliza, a partir de este momento en sus actuaciones en vivo, nuestro protagonista.

  

Siento no haber encontrado ninguna foto sin la firma de la web de fotografía.  Que no aparezca el nombre de la casa, conlleva bastantes euros y por lo menos puedes ver la forma, que es lo que interesa.  El micrófono con la barra articulada y diseñado a medida, fue conocido informalmente como The Iron Maiden, La Dama de Hierro.  Increíblemente robusto, el micro le permitía  a Cope realizar acrobacias.  Si te fijas bien, en la base de la barra hay dos barras cortas que hacen las veces de escalones.  Cope trepaba y situaba su estómago sobre la parte inclinada de la barra del micro, desde ahí adoptaba la forma de un avión en pleno vuelo mientras el grupo tocaba la parte instrumental correspondiente.  Ahora, desde hace años, ya no utiliza el artilugio porque sus actuaciones en vivo las hace él solo, con su guitarra, pero durante unos años sí fue la dinámica habitual en los conciertos: el micrófono, al que le sacaba un partido extraordinario, y escalar las paredes de la sala donde fuese la actuación como si de un rocódromo se tratara.  Interacciones en sus actuaciones enérgicas y energéticas como la que realizó en Madrid, en la Sala Universal, con motivo de la gira internacional para promocionar el álbum My Nation Underground, de 1988 que es precisamente el disco con el que seguimos ahora.  Pero antes, terminamos la audición del álbum Saint Julian con un tema tremendo, A Crack in The Clouds, Una grieta en las nubes.  La canción no se parece a nada de lo que haya hecho hasta el momento Cope.  La entrada te dispone ante una manera, una forma que no es la habitual en ninguno de sus trabajos anteriores, ni en solitario ni con The Teardrope Explodes.  Saint Julian no puede tener un cierre mejor porque deja abierta las ganas de seguir escuchando la música de Julian Cope.

Pasamos al año 1988.  En el mes de mayo comienza la actividad en los estudios de grabación para darle forma al nuevo trabajo que aparecería en octubre: My Nation Underground.  Se producen cambios en los músicos que acompañan a Cope.  La banda creada para la grabación de Saint Julian y la consiguiente gira de promoción, Two-Car Garage Band, se separa: por motivos laborales, el guitarra bajo James Eller se pasó al proyecto de Matt Johnson, The The.  El batería Chris Whitten se marchó para entrar en la banda Wings de Paul McCartney.  Tan solo la guitarra de Donald Ross Skinner seguirá junto a Cope, y nuestro protagonista continuará con el seudónimo de Double De Harrison, haciendo de multinstrumentista.  Pero eso no soluciona la situación a la hora de tocar en directo por lo que Cope busca la intervención de músicos como el percusionista Rooster Cosby y una serie de músicos de sesión.  Vuelve James Eller a la guitarra bajo porque aunque esté con The The, no tiene contrato de exclusividad.

En la batería se sienta David Palmer, músico y percusionista inglés relacionado con el rock, el pop, el jazz, conocido por su trabajo de sesión internacional. 

En la producción del disco y en los arreglos estuvo Ron Fair, un veterano ejecutivo de A&R, productor discográfico y compositor que se encargó también del piano y del órgano.

My Nation Underground fue la continuación del exitoso Saint Julian firmado un año antes.  Ese trabajo anterior supuso un giro en la música de Cope: pasó del rock psicodélico a un enfoque de rock duro más estilizado y sólido.  Según el contrato con Island Records, se esperaba un nuevo álbum, y Cope comenzó a grabar con los músicos y productor reseñados más arriba.  Que el nuevo trabajo fuese la continuación del anterior quiere decir que es el disco que siguió en el Tiempo porque, otra cosa, fueron los resultados.  My Nation Underground lo tuvo todo a su favor: buen sonido, algunas canciones muy bien resueltas, una portada impecable...excepto la propia visión de Cope.  Island Records estaba contento con él y con los resultados de su disco anterior y el sello puso a disposición del artista lo que hiciera falta.  El disco se editó con dos portadas distintas en el color, una azul y la otra verde.

  

  

 

Pero no funcionaba en la cabeza de su creador.  Cope casi repudia el álbum cuando ya estaba hecho, cuando no quedaba nada por añadir.  La música del álbum es la expresión más comercial de la forma de hacer música de nuestro protagonista.  Pero para él, artísticamente, resultó ser un paso en falso, lo que el LP mostraba era lo contrario de lo que había querido producir, la música que había querido dejar hecha.  No había disfrutado grabando el disco y no creía que lo representara adecuadamente como artista.  Cope se ha referido repetidamente a este disco como su álbum menos favorito, pero nada.  No tuvo además empacho en aseverar que la mayor parte del tiempo, todos los que grabaron el trabajo suenan como si estuvieran cumpliendo con las instrucciones de una discográfica exigente: crear un álbum alternativo comercial y vendible, al estilo de finales de los 80.  Pero jamás le echó la culpa al sello Island Records, al contrario, no dejó de aceptar su responsabilidad directa en el fracaso.  ¿Tan mal fueron las ventas?  No estuvieron a la altura de Saint Julian, se sacaron tres Singles que tuvieron eco en Inglaterra y en Estados Unidos, la gira internacional de promoción del disco lo trajo a España, a Madrid en concreto, y en directo My Nation Underground sonaba extraordinariamente bien.  El perfil de la música del LP no tenía la solidez de San Julian, es cierto, aquel estaba hecho a la sombra de un sonido fuerte, un rock duro que dio momentos brillantes, mientras que en Mi nación subterránea había un giro hacia el Funk, con todo lo que conlleva el que Cope realice un giro en su música: capaz de mezclar estilos en el crisol de su creatividad y sacar un resultado lúcido.  Cope ha escuchado música y músicos de todos los estilos, de todos los géneros.

Desde hacía años le seguía la pista a George Clinton, cantante, compositor, productor y director de banda de funk estadounidense.

Clinton estaba al frente del grupo de Funk norteamericano The Parliaments desde 1955.  En 1969 se rebautizaron como Parliaments y sería la banda hermana de Funkadelic

donde seguiría Clinton como líder.  Funkadelic profundizó en las ideas del Black Rock iniciadas por Jimi Hendrix y Sly Stone, fusionando elementos de la Psicodelia y el Blues de los 60 con el Soul profundo y el Funk.  George Clinton, además de ser un señor de aspecto respetable como muestra la foto de él más arriba, también se lo pasaba bien psicodelizando sus puestas en escena como muestran estas instantáneas

  

Cerramos este Especial Julian Cope # 4 con un aperitivo de su cuarto disco, My Nation Underground, que contiene temas originales y alguna que otra versión.  Tres cortes escuchamos como anticipo del próximo Especial que será ya en el año nuevo, 2026.  El punto y final con el tema que la da título al disco.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-02-12-25

Cíclope 3.0 - 25-11-25 - Especial Marianne Faithfull # 3

 

Marianne Faithfull en una foto de promoción sobre 1979

Cíclope 3.0 del martes 25 de noviembre de 2025.  Cerramos el mes con la tercera entrega del Especial Marianne Faithfull.  Comenzamos, como es habitual, donde dejábamos la acción en el anterior Especial, en este caso en el año 1971 y el LP titulado Rick Kid Blues.

Este álbum lo graba Faithfull en 1971.  Originalmente llevaba por título Masques, y sería rebautizado antes de que viera la luz en 1985, 14 años de espera para un disco que varios sellos discográficos se pasaron de mano en mano hasta que hubo uno que se decidió, como digo 14 años después de haber sido concebido.  Disco de versiones, desde Terry Reid (1949-2025) con el tema que le dió título al trabajo, pasando por Bob Dylan con tres temas de su firma, Cat Stevens, George Harrison, James Taylor, Sandy Denny y otros.  El disco contó con la producción de Mike Leander, quien  buscó un sello discográfico que lo publicase hasta que dio con Castle Records, quien por fin lo puso a la venta años después como ya ha quedado dicho.  Anteriormente a este Rich Kid Blues, cerrando la década de los 60, nuestra protagonista había publicado el LP Faithful Forever… en el mercado norteamericano, un álbum que aparecería en Europa un año después, en 1967, con el título cambiado por el de Love In A Mist que a su vez se transformó en Loveinamist, con algunos cortes diferentes a la versión americana.

En el plano sentimental, Marianne Faithfull había contraído matrimonio en 1965 con John Dunbar, artista, coleccionista y ex galerista británico, conocido por sus conexiones con las escenas artísticas y musicales de la contracultura de los años 60.  De esta unión nació Nicholas, única descendencia de Faithfull en toda su vida.  En 1966 la historia de amor con Dunbar terminó.

Comenzó entonces un noviazgo con  Mick Jagger que duró hasta 1970.

También dijeron que había tonteado con Keith Richards.  No conozco romance con el guitarrista, sí amistad.  ¿Qué tan estrecha fue esa relación?  Dios sabe.  También fue amiga de Brian Jones con quien se le vió en conciertos y paseando, trasegando cerveza y, sobre todo, charlando.

Tras amistades del Londres poliédrico y colorido, tras grabar aquel Rich Kid Blues a finales de 1970, los flirteos con el alcohol y otras sustancias se pasaron de rosca y los excesos llevaron a Marianne Faithfull a pasear, peligrosamente, por el lado salvaje...solo que no hubo cronista para pintar con colores refulgentes el camino estrecho, el desequilibrio mortal de la funambulista que se balanceaba sobre la cuerda floja cruzando de punto a punto el diafragma del agujero negro sobre el que se sostenía.  Es la época oscura de Faithfull habitualmente reflejada en las crónicas como la etapa entre 1967 y 1977, diez años en los que se produciría una transformación que estuvo dirigida por una pulsión de muerte que convirtió a nuestra protagonista en todo lo opuesto que se había conocido de ella hasta el momento: se volvió una adicta a la heroína, con prolongaciones negativas que la llevaron a sufrir una profunda anorexia y una laringitis que empañó para siempre aquella voz de armonías plateadas, aquel timbre de cristal con el que interpretó canciones folk y baladas pop en sus primeros discos.  Vivió en la calle, en las calles de Londres, como cualquier homeless.  Esto la llevó a perder la custodia de su hijo.  Su último disco había sido editado en 1967.  Entró en una pausa de la que nadie podía pensar que iba a prolongarse, casi, 10 años porque no publicó material nuevo hasta 1976, cuando se publica Dreaming My Dreams

un álbum de versiones de perfil country que tuvo una primera edición en 1976, edición que pasó sin pena ni gloria.  Se volvió a publicar dos años después, en 1978, con otra portada y con canciones diferentes y rebautizado como Faithless.

Casi se podría afirmar que no es ella, que han escogido a otra mujer.  Y sin embargo es Marianne Faithfull, cantando con una voz que no parece suya una serie de canciones que dejan una sensación rara, triste: como una estrella que brilló, no hace mucho, y que vuelve a los escenarios deteriorada, queriendo sonreír pero rota de todas formas.  Se trata del retorno de una figura de la música pero el efecto que produce su vuelta parece forzado.  No se celebra o no tiene el efecto que se esperaba.  Habría que esperar hasta la publicación del álbum Broken English en 1979 para poder hablar de reaparición de Marianne Faithfull.

  

El año de publicación es 1979, el mes según unas bases de datos fue febrero, según otras en octubre, o en noviembre.  No parece ser extraordinariamente significativa la fecha sino tan solo el año.  Y lo más importante: este disco es mucho más que un reencuentro con la figura de una intérprete de voz transparente y cristalina porque ya no es así, la historia de sus excesos alteraron permanentemente su voz, dejándola agrietada y grave, y lo que interpreta ya no son baladas de perfil pop, ni canciones folk con acompañamiento orquestal y acústico.  Faithfull se convierte en compositora además de cantar, realiza una catarsis de todo ese tiempo pasado y cristaliza el proceso en una sublimación con formas de canciones.  Ha conseguido volver a la vida después de atravesar el infierno, viene de sobrevivir al siniestro contenido de un agujero negro que casi se la traga.  Reúne cada instante de su exilio existencial: cada aguja que ha picado sus venas, cada vómito que arrojaba cualquier apetito antes de que el alimento llegara a su estómago, el alcohol que ha trasegado durante días, el amor que se le ha escapado como mercurio entre los dedos...hay una carcajada terrible de bruja que sobrevive a pesar del azufre que le llueve sobre el alma, una risa perversa que la devuelve a la creatividad más dolorosa pero sentida, vivida y vívida.  La radiografía de ese mundo va a estar caracterizada por su voz, ahora grave, áspera, que va a ser su principal característica.  Pero el reencuentro no va a ser fácil.  Nuestra protagonista no tenía buena prensa en el mundo de la industria fonográfica.  Su pasado inmediato no había sembrado buenas referencias y las puertas no estaban dispuestas a abrirse ante un posible proyecto que tuviera su nombre y apellido.

Cuando se graba y publica Dreaming My Dreams en 1976, se forma una banda de acompañamiento para realizar la gira irlandesa de ese año.  El grupo estaba formado por 

Barry Reynolds, guitarrista, compositor y productor británico.

Joe Mavety (1950-2013), guitarrista canadiense, reubicado en Inglaterra.

Steve York, guitarra bajo

Terry Stannard, batería

De los cuatro músicos del grupo de acompañamiento de Marianne Faithfull el que mantuvo una relación laboral más tiempo fue el guitarrista, compositor y productor Barry Reynolds.  Con él graba una primera maqueta de Broken English, una demo con dos temas: el que le da título al álbum, coescrito por el grupo y Faithfull, y Why D'Ya Do It?, original del cuarteto y Faithfull más Heathcote Williams (1941-2017), poeta, actor, activista político y dramaturgo británico.  Reynolds hará las veces de productor de esa primera maqueta, maqueta que no consigue abrir las puertas de ningún sello discográfico porque nadie de la industria discográfica siente el más mínimo respeto por la figura de Marianne Faithfull.  Se imponía no tener un contacto en el mundo de los negocios musicales sino alguien que fuese motor y praxis de proyectos, y ese alguien lo encontró Faithfull en la figura de Mark Miller Mundy.

Miller Mundy era una fuente de ideas, de proyectos donde todo quedaba atado y afianzado.  Quería convertirse en un productor con un arco de gravedad que abarcara más allá de las simples funciones de un arreglista, del responsable de que toda la música quedara bien ensamblada.  Su nombre y apellido no eran desconocidos en la industria musical y para colmo tenía buenos contactos.  Faithfull le pasó la maqueta con los dos temas grabados y Miller Mundy preguntó si no había más material.  Sí, algunas canciones sin terminar, algunos bocetos...  El futuro productor se quedó a la espera y al cabo de unos cuantos meses ya había el esquema de una demo con unos 8 temas en total, las 2 canciones de la primera maqueta, Broken English y Why D'Ya Do It?, más Witches' Song, una composición de los 4 miembros de la banda y Faithfull; dos temas compuestos uno por Barry Reynolds, uno de los guitarras del grupo, el otro por el otro guitarrista, Joe Mavety, Guilt y What's The Hurry, respectivamente.

Otra de las composiciones incluidas en la demo es The Ballad of Lucy Jordan, original de Shel Silverstein (1930-1999), poeta, cantautor, músico, compositor, dibujante, guionista y autor de libros infantiles estadounidense (foto de la derecha).

No se olvidará Faithfull de sus héroes de la música como por ejemplo, John Lennon, de quien realiza una versión de Working Class Hero.  Por último, el tema Brain Drain, original de Ben Brierley, guitarra bajo y guitarra eléctrica que tocó con The Vibrators, entre otros.

Brierley conoció a Marianne en 1976.  En junio de 1978 contrajeron matrimonio y en noviembre de 1985 se separaron.

El contenido de las letras del futuro Broken English es uno de los aspectos más rotundos en lo que respecta a la voluntad de Faithfull.  Había vuelto pero no para decir que había sido mala y había hecho cosas execrables.  Había pasado una muy mala racha, no es que se sintiera orgullosa de lo sucedido, pero ahora que se había regenerado quería contar, decir cosas y hacerlo de una forma clara y transparente.  Podía no encajar, no ser correcta y bien educada, podían censurarla...pero lo que hacía, las canciones que cantaba, que coescribía, eran estas y no otras.  El tema Broken English se inspira en la figura de Ulrike Marie Meinhof (1934-1976).

Ulrike Meinhof fue una militante de izquierda alemana, periodista y miembro fundadora de la Fracción del Ejército Rojo (RAF) en Alemania Occidental, conocida en la prensa como la banda Baader-Meinhof.  Es la  autora de El concepto de guerrilla urbana - 1971.  El manifiesto reconoce las raíces de la RAF en la historia del movimiento estudiantil, condena el  reformismo como un freno a la lucha anticapitalista e invoca a Mao Zedong para definir la lucha armada como la forma más alta del marxismo-leninismo.

Meinhof, quien participó en la Ofensiva de Mayo de la RAF en 1972, fue arrestada ese junio y pasó el resto de su vida bajo custodia, prácticamente aislada del contacto con el exterior.  En noviembre de 1974, fue condenada a ocho años de prisión por complicidad en un tiroteo casi mortal en lo que había sido su primera operación con la RAF: la exitosa fuga de Andreas Baader, líder de la RAFen 1970.

The Ballad of Lucy Jordan que aparece en Broken English y que compuso Shel Silverstein, como ya se ha dicho más arriba, es un tema que en su día interpretó   

Dr. Hook & the Medicine Show, así como otras composiciones de Silverstein.  La versión de Faithfull sobre la historia melancólica sobre la desilusión de una ama de casa de clase media se convirtió en un himno, tanto es así que, años después, formó parte de la banda sonora de dos películas: Montenegro, película sueca de 1981 del director serbio Dusan Makavejev y Thelma y Louise de 1991 de Ridley Scott.

Joe Mavety, uno de los dos guitarras del grupo de Faithfull, compone What's the Hurry?, una canción que refleja la desesperación cotidiana del consumidor habitual de drogas.

El tema Why'd Ya Do It? fue el segundo corte que se graba en la demo original.  La canción es original del cuarteto y Faithfull más Heathcote Williams (1941-2017)

poeta, actor, activista político y dramaturgo británico.  Williams había concebido la letra como una sátira cáustica y gráfica sobre la reacción de una mujer ante la infidelidad de su amante.  La letra comenzaba con el punto de vista del hombre, relatando la amarga burla de su amante engañada.  Y todo esto lo escribió pensando en Tina Turner, para que fuese ella quien cantara la canción.  No le costó mucho a nuestra protagonista convencer al poeta para que desistiera de la idea.  Turner no interpretaría nunca una letra con tal contenido de groserías y, sobre todo, por la referencia explícita al sexo oral, cosa que le valió al álbum una etiqueta de aviso por vocabulario explícito.  Esto causó ciertas controversias en algunos países, por ejemplo en Australia se prohibió que ese corte apareciese en la edición del LP.  Los ejemplares originales, que se habían infiltrado clandestinamente en el país, fueron confiscados por la brigada antivicio local por obscenidad.  Faithfull se negó a que se modificara el álbum, pero las primeras impresiones australianas omitieron la ínclita canción y, en su lugar, incluyeron una versión extendida de Broken English.  Pero no nos adelantemos en el Tiempo.  Estábamos con la maqueta del disco y con las conversaciones con Mark Miller Mundy, un productor que aún no se había estrenado como tal pero que buscaba adentrarse en esos terrenos.  Faithfull le entregará la maqueta y Miller Mundy le da el visto bueno.  Contacta con Chris Blackwell, ex-productor y, lo más importante, fundador del sello discográfico Island Records, considerado uno de los grandes sellos independientes británicos.  Blackwell escucha la cinta que le pasa su amigo Mundy y se muestra muy interesado.  Pero queda un escollo por superar y se plantea precisamente ahora, cuando todo parece ir viento en popa: a Marianne Faithfull hay algo que no le gusta del disco.  No suena moderno, ella quiere un espectro más electrónico, sí, más al día, más actual, es decir, lo dicho: más moderno.  Y para limar esas aristas a ella se le ocurre llamar a un viejo conocido con quien se comunica a la perfección: Steve Winwood.

Winwood estará en los teclados y hará sugerencias siempre que le dejen hacerlo.  Y como lo que propone es interesante pues Faithfull termina no acatando, sino alegrándose de tener un colaborador que es como si a las máquinas y a los instrumentos y a los músicos los engrasara un mismo halito de vida aglutinante que consigue que el álbum suene a new wave, a punk, blues y reggae.  Tal vez suene a exageración pero para Marianne Faithfull fue una obra maestra, en su opinión.  Entró como un cañón en las listas de éxitos como Bilboard 200 estadounidense.  Entró en las listas del Reino Unido, Alemania, Francia, Nueva Zelanda, y nuestra protagonista recibió su primera nominación al Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Femenina de Rock.  El reino faithfulliano comenzaba a expandir sus maneras.  Con Broken English cerramos esta tercera entrega del Especial Marianne Faithfull en Cíclope 3.0  Escuchamos tres cortes: el que le da título al LP, Guilt, que habla de la educación católica que recibió ella, tema compuesto por el guitarrista Barry Reynolds y el corte que se publicaría en formato single al mismo tiempo que el LP, la canción The Ballad of Lucy Jordan.

Espero que te guste el programa.

Enlace: https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-25-11-25

Cíclope 3.0 - 18-11-25 - Especial El Tubo Elástico # 2

 

Cíclope 3.0 del martes 18 de noviembre de 2025.  La edición del martes 16 del pasado mes de septiembre estuvo dedicada a la música del grupo El Tubo Elástico.  A lo largo de una hora pudimos escuchar lo que la estrategia del Tiempo nos permitió, por lo que quedó flotando la promesa de volver a dedicarle más espacio para seguir disfrutando de la forma de hacer música de este cuarteto gaditano de Jerez de la Frontera.  En este martes de finales de noviembre volvemos a recrearnos en las composiciones del proyecto y le dedicamos el segundo Especial, jugando con los dos álbumes que tienen grabados.

Comenzamos por el primero, el trabajo de debut que bautizaron con el nombre de la banda, El Tubo Elástico.  Veía la luz el 16 de marzo de 2020 y el tema con el que comenzamos, Camaleón, es uno de los dos cortes que sonaron en Cíclope 3.0 cuando los pusimos en el programa por primera vez, el martes 11 de febrero de este año en curso, 2025, el mismo día que el Cíclope cumplía 11 años en antena en Radio Tomares.  Aquel día sonaron Camaleón, del primer disco, y Turritopsis Nutricula, del segundo álbum.  En esta ocasión abrimos con Camaleón porque me parece una composición habitual de El Tubo Elástico, donde muestran la paleta colorida de sus influencias que van desde King Crimson a Pink Floyd o Frank Zappa pero pasando a través del crisol del grupo.  Que la música, como arte, es un devenir constante lo demuestra este cuarteto de Jerez de la Frontera del que ya contamos su historia en el Especial anterior.  Hoy queremos aprovechar al máximo el Tiempo y escuchar su música.

Saltamos del primero de sus dos trabajos al segundo, el titulado Impala, publicado el 1 de julio de 2018 con temas como Antihéroe.

Las dos fotos anteriores son parte de la carpeta de Impala, la parte frontal y parte de del interior.  La edición anterior del Especial El Tubo Elástico terminaba con un corte de este segundo disco, el tema en cuestión fue El acelerador de picotas, dividido en dos partes: Ignición y Colisión.  Volvemos al primer trabajo, el bautizado de forma homónima con canciones como Ispra.

Retomamos información ya facilitada en el Especial anterior pero necesaria para entender algunas cosas concretas.  El grupo grabó 4 maquetas entre 1998 y 2004, con una cadencia de dos años entre una maqueta y otra.  Algunas de esas composiciones se recuperarán para incluirlas en sus álbumes como por ejemplo en el primero, incluyen un tema que aparecía en su última maqueta, la del año 2004, el tema era El enjambre, que ya sonó en el anterior Especial.  De la tercera maqueta, la que no se llegó a editar y firmada en el año 2002, El Tubo Elástico recuperó la composición La avispoteca para que formara parte de Impala.  A la composición original le hicieron una serie de arreglos 

como la inclusión de instrumentos de origen árabe como el dohola, ese tambor que aparece en la foto y del que se encarga Ant Romero (no es que esté mal escrito, así aparece en los créditos del disco y también en la web del músico).

Y por supuesto suena a continuación en el programa.

Estamos en la recta final por hoy.  Aún nos queda margen para escuchar unos cuantos temas más de este grupo identificado con el término Rock Progresivo.  La música instrumental de El Tubo Elástico no tiene que ver con esas formas habitualmente identificadas como Rock Progresivo: composiciones sin voz, estructuras que comienzan con ambientes calmados para ir ascendiendo y mantenerse en meseta que alcanza un éxtasis explosivo para, poco a poco, volver al ambiente calmado con el que iniciaron el ascenso.  Ojo, que hay piezas que me parecen magníficas, pero que no es el camino por el que transita la música de este cuarteto gaditano.  El lenguaje de El Tubo Elástico es extraordinariamente variado y rico.  Es un lenguaje musical con múltiples capas, con detalles que se abren al oído de la audiencia.  Sí, como esas películas de Berlanga donde algunas escenas tienen la arquitectura de un caleidoscopio de personajes interactuando, hablando, proponiendo, preguntando, respondiendo.

Nos vamos con tres temas: Rojo, del primer disco; dos del segundo álbum, el que se titula Impala, los cortes Ingrávido e Impala formidable.  Falta por sonar un tema de El Tubo Elástico, del primer disco, el tema Pandora.  Los demás, han sonado todos, ya sea la primera vez que los escuchamos aquí en el programa o en estas dos ediciones especiales que le hemos dedicado al cuarteto.  Esperamos, y con ganas,  escuchar nuevo material realizado por El Tubo Elástico.  Deseamos que sea pronto.

A ver qué te parece el programa:

https://www.radio.tomares.es/index.php/blog/ciclope-30-18-11-25

Cíclope 3.0 - 11-11-25

 

Noviembre

Cíclope 3.0 del martes 11 de noviembre de 2025.  Con la esperanza en el frescor de primeras horas de la mañana, a ver si deciden quedarse más tiempo las horas pre-invernales y nos deja el calor que avanza a medida que el sol calienta.  Incongruencias de una naturaleza mal tratada por la mano humana, por mucho que los negacionistas del cambio climático nieguen cualquier evidencia.  Vamos a comenzar nuestra andadura musical mirando hacia atrás pero sin ira.  Si fuese con ira, sería aquel tema compuesto por David Bowie y Brian Eno del álbum Lodger de 1979 firmado por El Duque Blanco.  O aquella película de 1959 dirigida por Tony Richardson basada en la obra de teatro homónima de Joe Osborne.  Dejando a un lado las opciones que no tienen lugar, empezamos poniendo el punto de fuga en el 6 de agosto de 1965, año de publicación del quinto larga duración de los Beatles, el álbum Help!.

14 canciones, 7 por cada cara, con la Cara A ocupada por las canciones que formaban la banda sonora de la segunda película protagonizada por los 4 de Liverpool, cinta dirigida de nuevo por Richard Lester, con más presupuesto que la película anterior, A Hard Day's Night, de 1964.  Esta de 1965 rodada en color, aquella del 64, en blanco y negro.

Help! contó con un proceso de creación particularmente tortuoso.  

En principio se le encargó el guión al dramaturgo británico Joe Orton (1933-1967), pero la tendencia a escribir comedias negras por parte de Orton hizo que se desistiera de leer y corregir las diferentes versiones que fue entregando porque no había viabilidad para presentar a los Beatles como cuatro chicos gays entregados a una serie de orgías más o menos desenfrenadas.

Al margen de esto pero referido a Orton, en 1987 el director inglés Stephen Frears dirigió la película Prick Up Your Ears, Ábrete de orejas, con Gary Oldman como Joe Orton y Alfred Molina en el papel de Kenneth Halliwell, compañero sentimental de Orton.  Si no has visto la película te la recomiendo encarecidamente porque merece la pena.

Volviendo a la cinta Help! de los Beatles.  Al final optaron por otro guionista ya que Orton, por mucho que cambiara diálogos y de acciones, al final iban a parar a un mismo escenario escandaloso.

Ocupó su lugar el hombre de la foto a la derecha, Marc Behm (1925-2007), novelista, guionista y actor estadounidense que vivió como un expatriado en Francia.  Durante la II Guerra Mundial actuó con el comediante Ernie Kovacs, que era de Trenton, como él. Tras participar en el desembarco de Normandía se enamoró de una enfermera francesa, se casó con ella, abandonó los escenarios y tuvo siete hijos.  Su vida podría haber dado pie al guión de algunas de sus novelas o de alguna de las muchas película de las que participó como por ejemplo Charada, de 1963, dirigida por Stanley Donen.

Para el guión de Help!, Behm estuvo acompañado por otro guionista y actor, Charles Wood (1932-2020) del que no hay foto.

Toda esta entrada para darle paso a la canción que suena hoy como apertura en esta edición de Cíclope 3.0, It's Only Love, de los Beatles, que hasta el momento no ha aparecido en ninguna antología del grupo, en ningún recopilatorio, y podría hacerlo en algún disco titulado Canciones Menores de The Beatles, porque esta composición firmada por el binomio Lennon/McCartney, aunque es de Lennon, está considerada así, como una composición menor.  La traemos porque conecta el ayer con el hoy, que es el lema del Cíclope: Escuchamos la actualidad de la música a través del prisma del Tiempo.  Y ese tema de 1965 se ha revisitado este año, 60 años después, por su hijo, Julian Lennon, cantando a medias con Chrissie Hynde una de las canciones que escoge ella para darle forma a su último trabajo en solitario, el álbum titulado Duets Special, un disco formado por duetos, dúos entre los que se encuentran este del hijo de John Lennon y Cynthia Powell, Julian Lennon.  Pero hay más duetos: con K.D. Lang, Mark Lanegan, Lucinda Williams, Dave Gahan, Cat Power, Rufus Wainwright, Carleen Anderson, Brandon Flowers, Debbie Harry, Alan Sparhawk, Shirley Manson y Dan Auerbach.

Hay algo que llama poderosamente la atención y es la versión del tema Can't Help Falling In Love original de Elvis Presley.  Hynde la interpreta cantando a medias con Mark Lanegan y aquí está la cuestión: Lanegan fallecía el 22 de febrero de 2022 en Killarney, Irlanda.  El álbum Duets Special se publica el 17 de octubre de 2025 y se  concibió alrededor de 2023.  Lanegan desgraciadamente no estaba ya sobre el planeta Tierra.  Algunas publicaciones han sugerido que la canción con Lanegan ya existía antes de que Chrissie Hynde formulara la idea de hacer el álbum de duetos en 2023, o bien que ella agregó su parte a una grabación ya existente de él.  No hay nada concreto al respecto, o al menos no está claro.  Sea como sea, ahí queda el testimonio, se hayan utilizado los medios que sea, que proporcionan los adelantos en materia informática.

    

Las cuatro columnas sobre las que se apoyó, durante bastante tiempo, el sonido de The Pretenders.  De izquierda a derecha, el motor de la banda, Chrissie Hynde, voz, guitarra rítmica, compositora, el batería Martin Chambers, el guitarrista James Honeyman-Scott y el guitarra bajo Pete Farndon.  Y ya que estamos con Chrissie Hynde vamos a recuperar el sonido de aquella banda que cuando comenzaron lo hicieron publicando dos LPs de contenido y fuerza paralelos, diferenciados en el título por los números 1 y 2 (Pretenders I, 1980, y Pretenders II, 1981).

Del segundo, el LP de 1981, el Cíclope escoge una canción tremenda, La adúltera.

Jugando con el origen doble de Chrissie Hynde (nació en Akron, Ohio, y posteriormente se trasladaría a Inglaterra), vamos a movernos por el mapa de Europa, en concreto desde el Reino Unido nos vamos hacia la izquierda, hacia Irlanda, para escuchar a una de esas bandas que seguimos desde la primera vez que la escuchamos, cuando lanzaron su primer álbum allá por 2019.  Es la banda Fontaines D.C..

Siguen los mismos músicos que comenzaron en 2019, pero su estilo ha cambiado.  Esos cambios suelen ocurrir cuando en un proyecto cambian los miembros que lo forman, pero en este caso no ha ocurrido así.  El cambio se ha producido en el sonido, en el esquema de sus composiciones pero sin dejar de resultar interesantes.

Romance es el título de su nuevo disco, publicado el 23 de agosto de 2024, eje de su gira internacional que los ha llevado hasta España, donde interpretaron casi al completo el disco.

Fontaines D.C., Fontaines Dublin City, nos sirven para demorarnos un rato en la hermosa Eire.  También de Dublín es este cuarteto que responden al nombre de Sprints.

La voz sprint hace alusión a la aceleración final que un atleta realiza en una carrera del tipo que sea. Este cuarteto irlandés escoge el plural de la palabra para acotar sus emociones, debidamente estructurada por Karla Chubb, vocalista, guitarra rítmica, compositora y letrista de este grupo irlandés que comenzaron a ultimar la forma de su música el mismo año que Fontaines D.C. publicaban su primer larga duración, es decir, 2019.  Sprints comenzaron a grabar una serie de singles en 2020, cuatro en total.  En 2021, además del formato single, realizaron unos dos EPs.  En 2022, 2023 y 2024 grabaron un single cada año y fue el año pasado, 2024, cuando vería la luz su primer larga duración, Letter To Self, en el que aparecen algunas de las canciones editadas como sencillos.

Hoy suenan por primera vez en Cíclope 3.0 con su nuevo trabajo, All That Is Over, publicado  el  26 de septiembre de este 2025.  Vamos a escuchar un par de cortes.  El primero que suena, Something's Gonna Happen, tiene una estructura ascendente que se va a convertir en marca de la casa porque van a trabajar en otras ocasiones esa manera de entrar, misteriosa, con cierta quietud que no es otra cosa que el comienzo de un tejido que se va a ir tensando sobre todo a través de la voz de Karla Chubb, acentuando algunas palabras que van a iniciar un remolino tormentoso, sí, pero no ruidoso.  Sprints no dejan a un lado el aspecto técnico: si una guitarra eléctrica suena tormentosa suena a eso, a guitarra eléctrica que traduce elocuentemente la metáfora de la letra que la vocalista está cantando.  La vocalista no está gritando, chillando y por debajo de la voz ruido.  Aquí hay intención y praxis clara y transparente de esa voluntad, porque las letras de la cantante tocan muchos y variados temas: político, social, religioso... y siempre con toda la carga de frustración, insatisfacción, desacuerdo... Tras el segundo tema de este último trabajo de Sprints, el corte titulado Coming Alive, pasamos a otras formas de la música.

También le da mucha importancia a las guitarras el próximo músico al que vamos a escuchar, pero no será solamente a las cuerdas acústicas y eléctricas.  Comenzamos con él y con amplitud de miras con un tema de su primer álbum en solitario.  Estuvo al frente del proyecto The Verve por lo cual ya sabrás que nos referimos a 

Richard Ashcroft.

   

Ashcroft estuvo al frente de The Verve desde el comienzo cuando se forma en 1990 en la ciudad inglesa de  Wigan.  Se bautizaron simplemente como Verve en 1991, pero el nombre estaba registrado: el sello de Jazz del mismo nombre fue el que pegó el tirón de orejas y exigió que se denominaran de otra forma.  No se rompieron la cabeza y sencillamente añadieron el artículo determinado The antes de Verve y así quedó zanjado el problema.  A finales del siglo XX, The Verve representaron a la típica banda (que no tópica) caracterizada por el sonido de su doble guitarra acústico-eléctrica y sus melodías de las que era responsable nuestro hombre, Richard Ashcroft.  En 1997 publicaron su cuarto y más aclamado trabajo, Urban Hymns.  Dos años después, 1999, The Verve, de mutuo acuerdo entre sus miembros, se despidieron de la escena musical como proyecto.  Volverían a reunirse en pleno siglo XXI para grabar de nuevo y salir de gira, pero ya, fundamentalmente, sería Ashcroft quien estaría en activo desarrollando su labor de músico en solitario.

Su discografía, en activo, comenzó el mismo año que lo hacía el siglo XXI.  Alone With Everybody vio la luz el 27 de junio del año 2000 y tiene canciones como la que recupera el Cíclope, Brave New World.

El primer álbum de Richard Ashcroft en solitario como aperitivo para entrar en Lovin' You, publicado el día 10 del pasado mes de octubre, por lo tanto su último trabajo de los ocho que se han editado hasta el momento.  Como es habitual, nuestro hombre sigue firmando canciones buenas y algunas bastante buenas como es la que suena en el programa.  Heavy News tiene la factura de esas composiciones ashcroftianas particularmente atractivas.  En este caso para colmo está basada en el sonido de las poderosas guitarras eléctricas.

Estamos en la recta final de esta edición de Cíclope 3.0 y cuando nos queramos dar cuenta el Tiempo nos ha vencido con su propia estrategia, así que nos vamos a ir situando y buscamos algo diferente, distinto a lo que ha sonado hasta el momento y para ello recurrimos a un proyecto tan interesante como excéntrico como es The Wolfgang Press.

The Wolfgang Press se formó a principios de la década de los 80 y consistía en (de izquierda a derecha) Mark Cox, Andrew Gray y Michael Allen.  Los tres, multinstrumentistas, aunque algún elemento era más constante que otros, por ejemplo Allen manejaba la guitarra bajo y era la voz principal del proyecto, Gray era el guitarra eléctrica y Cox el teclista.  Después, en realidad, los tres eran pulpos a la hora de tocar varios instrumentos.  Los tres escribían el material que grababan y hacían las veces de productores.  Michael Allen y Mark Cox se conocían antes de formar el trío.  Habían tocado juntos en la banda Rema-Rema, un grupo musical inglés de corta duración que se separaron tras la publicación de un único EP, Wheel In The Roses, editado por 4AD en abril de 1980.  Sus canciones Fond Affections y Rema-Rema fueron versionadas posteriormente por el laboratorio musical This Mortal Coil, invento del dueño del sello independiente escocés 4AD, Ivo Watts-Russell.  Watts-Russell los fichó desde que los escuchó por primera vez: aquellas composiciones deudoras del post-punk, enigmáticas, melancólicas, desafiando las etiquetas al

transitar incansablemente del noise gótico a las baladas oscuras y al funk excéntrico.  El proyecto fue cambiando sin dejar de ser quienes eran.  No recibieron la más mínima crítica de la 4AD, la más mínima limitación a lo que hacían y fueron una de las bandas más longevas del catálogo discográfico.  The Wolfgang Press empezaron a publicar discos en 1983, lanzando The Burden Of Mules, y terminaron la labor constante de grabar, actuar en vivo, colaborar con otros músicos, en 1995, con la edición de Funky Little Demons.  Apareció una recopilación retrospectiva en 2001 con el título Everything Is Beautiful (A Retrospective 1983-1995).  Realizada la ubicación del proyecto en el Tiempo vamos a escuchar algo de su música.

Bird Wood Cage fue un álbum de 1988 donde el trío comenzaba a experimentar con ritmos funk y dance como tiene el tema Kansas.  

El formato Single y, sobre todo, el EP, fue muy utilizado por la 4AD a la hora de promocionar a sus protegidos.  Eso y las carpetas de sus discos, Singles, EPs o larga duración.  De envolverlos con carpetas atractivas se encargó el equipo de diseño 23 Envelope.  Una muestra, la carpeta del EP de cuatro canciones Big Sex de 1987.

También el escultor y pintor italiano, Alberto Ricci, ilustró carpetas como por ejemplo la del EP Scarecrow, de 1984, con la producción y la guitarra de Robin Guthrie de Cocteau Twins.

Este EP, o Maxi-Single que le llamaba una parte de la audiencia, apareció como parte de un larga duración que reunía esas composiciones aparecidas en formato más corto que el de un álbum, ese larga duración se tituló The Legendary Wolfgang Press And Other Tall Stories.

 

La portada era así, no es que nos hayamos equivocado y haya salido torcida.  En este disco se recopilaba, integro, el EP anterior en las fotos, Scarecrow, con el tema estrella Ectasy, que es el que recupera el Cíclope.

Tras un largo periodo de silencio que comenzó en 1995, The Wolfgang Press se reactivó en pleno siglo XXI.  En el año 2020 apareció Unremembered Remembered, un larga duración de demos grabadas entre 1995 y 1996 para un sexto álbum que nunca llegó a publicarse.  Por supuesto fue la 4AD la que se encargó del lanzamiento que se quedó en eso.  No hubo más.  Sin embargo en el verano del año pasado, 2024, Michael Allen y Andrew Gray anunciaron la reactivación del grupo con algunos cambios: no seguían bajo el paraguas protector de la 4AD sino que habían firmado un contrato con el sello discográfico británico de música electrónica, Downwards.  Y en la banda ya no estaba Mark Cox sino Stephen Gray, hermano de Andrew.  Dieron una serie de conciertos y lanzaron su álbum de regreso, A 2nd Shape, en septiembre del año pasado.  Ya no es el trío de la foto que recogemos más arriba cuando empezamos a hablar de ellos.  El Tiempo pasa por todos.

Aquí en la actualidad, de izquierda a derecha, Michael Allen, Andrew Gray y su hermano Stephen.

Esta es la portada del álbum de reencuentro de la Wolfgang Press, A 2nd Shape.  Con el trío terminamos hoy y con su tema Take It Backwards.  Quien tuvo, retuvo.

Espero que te guste el programa.

Enlace: https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-11-11-25