Lágrimas de Valium

miércoles, 31 de diciembre de 2025

Libros Oscuros

Fotograma de la película Fausto, de 1926,
dirigida por F.W. Murnau

La última entrada en el blog Lágrimas de Valium de este año 2025 lleva la etiqueta de Literatura, Libros, aunque no se trate de libros de lectura sugerida como es habitual cuando se utiliza la clasificación de Literatura, Libros recomendados... No te tomo del brazo como a un amigo y te digo: Oye, lee esto que es magnífico. Sí te aconsejo: ¡Cuidado! Lectura tóxica. Todo comienza en estos días festivos de Navidad, ordenando libros en las baldas de la biblioteca de casa, haciendo sitio para los próximos inquilinos que se supone vendrán la mañana del Día de Reyes, si sus majestades de Oriente tienen a bien cumplir con los deseos de la carta escrita como todos los años. Y empujando unos ejemplares, subiendo y bajando otros, me he encontrado con dos obras que me parecen curiosas por su rareza y, especialmente, por su alta toxicidad.

Para quienes vivimos la España franquista sabemos cómo funcionaba la educación en los colegios y el ambiente doméstico y casero, caracterizado por un catolicismo rancio y profundo. Por supuesto en casas donde imperaba el nacionalcatolicismo. Pero, ya fuese por convicción, o porque había que disimular, las buenas formas estuvieron más que presentes porque, ser ateo en aquel entonces, era sinónimo de revolucionario comunista y eso ya sabemos qué consecuencias tenía. Todo estaba impregnado de Dios y la sociedad era como si estuviera formada por sacerdotes y monjas pero sin vestir hábito alguno. Las recomendaciones para disfrutar del ocio de la infancia y la juventud eran claras y precisas. En el campo de las lecturas había una literatura de formación muy común en las bibliotecas familiares de España que llegaban también a Hispanoamérica. Y en estos días, limpiando el polvo de los estantes superiores de la biblioteca de casa, reubicando libros, me he encontrado con dos perlas oscuras de aquellos tiempos, cuando era un adolescente de 14 años recién cumplidos y ante tantas preguntas, dudas y otros procesos lógicos relacionados con la existencia, los adultos de casa me aconsejaron que leyese El libro del joven, original del médico francés, Dr. Carnot.

También estaba El libro de la joven, pero este estaba dirigido al mundo femenino así como El libro del joven estaba indicado para el mundo masculino. Ya se sabe: los niños con los niños, las niñas con las niñas.

Te preguntarás quién era este tal Doctor Carnot. Su nombre real era Paul-Anselme Chanson (1885-1967). Fue un escritor, conferenciante y ensayista francés especializado en temas de pedagogía, moral y orientación para la juventud. No hay ninguna foto suya, tan solo una reseña de Edith Carnot, hija del médico y albacea de una obra literaria que comenzó allá por los años 40 y 50 del siglo pasado. Ella habla poco de su padre y lo hace citándolo en tercera persona: él fue un afamado médico francés especializado en Ginecología y Urología que dejó escritos una serie de libros de carácter divulgativo-científico sobre el sexo y el amor. El primero de los dos volúmenes fue el dedicado al mundo masculino, El libro del joven, publicado por primera vez en Francia en 1959 con el título Au service de l'amour. Edition masculine. En 1972 iba por la decimotercera edición y sería la decimocuarta, de 1974, la que se tradujera en España por Abel Ausus y se editara en Studium Ediciones. ¿Y de qué trata? El autor presenta una recomendación preliminar de la siguiente manera:

Redactado este libro para jóvenes en edad de ir al Servicio Militar, contiene explicaciones lo más precisas posible, sobre todo lo que concierne al amor en el orden fisiológico e incluso en el orden afectivo. Era preferible ser completo, ya que, entre muchachos, se aborda cualquier tema. Además, he pensado que el libro compuesto así podría prestar también auténticos servicios durante los primeros años de la vida conyugal. A los muchachos más jóvenes que quisieran leer estas páginas, les aconsejo no hacerlo sin haber pedido consejo a sus padres. El padre leerá el libro y juzgará si, por razón de las circunstancias, puede leerse con provecho. O bien, encontrará, sin duda, preferible servirse de él como de guía para charlar con su hijo.

Para acabar la introducción,

El autor recomienda no dejar este libro al alcance de los adolescentes que no tengan edad para leerlo con provecho.

A través de una serie de capítulos con títulos como Descripción y funcionamiento del aparato genital masculino (incluyendo esquemas, ilustraciones como se pueden encontrar en cualquier Enciclopedia o libro de Ciencias), El aparato genital femenino, etcétera, la obra tiene una meta y un sentido concreto: la vida matrimonial y la procreación. Se reseñan los peligros de la libertad sexual, las posibles enfermedades venéreas, un insultante capítulo dedicado a la frigidez femenina y a sus posibles causas: rudeza del marido que abandona la ternura de los abrazos y besos cariñosos para actuar directamente según unos instintos egoístas; la infidelidad del marido que puede crear cierto recelo en la esposa predisponiéndola negativamente ante el acto sexual...
El libro de la joven, cuyo título original es Au service de l'amour. Edition féminine, vio la luz en Francia en octubre de 1961. Escrito con el aliento de Edith Carnot, la hija del doctor, supervisando la obra por encima del hombro de su padre, es la otra cara de la moneda de este díptico. El libro del joven surge como sugerencia del hijo del autor: se encontraba haciendo el Servicio Militar y en uno de los permisos en el que vuelve al hogar, durante la comida, le sugiere al padre que escriba un libro hablando de las verdades absolutas sobre la sexualidad tal y como él, el doctor Carnot, había educado a sus hijos. Que la ignorancia y el desconocimiento que ostentaban sus compañeros de milicias hacía necesario una obra de carácter científico pero pedagógico, que explicara los beneficios y maravillas de la vida matrimonial. El padre le hizo caso pero despertó los celos de la hija que, al cabo de pocos años después y tras vivir obsesionada con la idea, consiguió que el progenitor hablase también de las jóvenes. Se editó Au service de l'amour. Edition féminine en París, publicada por Editions Beaulieu en octubre de 1961 como está indicado más arriba. En el mes de abril de 1968, llegó a España, publicándose también en Studium Ediciones y también con traducción de Abel Ausus. Como sucedió que tanto una obra como otra, la edición masculina y la edición femenina, tenían constantes correcciones que ampliaban conceptos, la edición española de El libro de la joven siguió las últimas revisiones realizadas en la última, por aquel entonces, reedición francesa del libro: la número 130.
Si El libro del joven comenzaba con el análisis pormenorizado del aparato genital masculino, tarjeta de presentación un tanto priápica, en el caso del Libro de la joven la introducción es más hollywoodiense: Para mejor comprender el amor. ¡Oh, Roger! L'amour, toujours l'amour... Sí, sí, el Amor, porque la esencia del tratado científico sobre La Joven es contundente: la maternidad. El capítulo titulado El desarrollo de la mujer lo deja claro:

La constitución física de la mujer -lo mismo que los dones morales y espirituales que emanan de su corazón, de su espíritu y de su alma-, la predisponen a la Maternidad. Por tanto, está hecha FISICA y MORALMENTE para ser esposa y madre. La Maternidad es el desarrollo normal de la mujer; al fundar una familia, la mujer realiza su destino, obedece a la llamada de la Naturaleza, se introduce en el camino de la felicidad.

Las mayúsculas no las pongo yo, vienen así tal cual las he transcrito del texto original. El libro de la joven incluye también una guía, un panegírico sobre cómo escoger al novio apropiado que llegará a ser el marido justo y cabal.

Son obras profundamente influenciadas por la moral católica de la época, que buscaban equilibrar la formación del carácter con la educación biológica y espiritual. Trataban temas que en aquel entonces eran tabú o difíciles de abordar en familia: la pubertad, el control de las emociones, la elección de carrera, el noviazgo y el sentido de la responsabilidad. Fíjate que, en su momento, estos libros fueron innovadores porque intentaban hablar de tú a tú al adolescente, aunque hoy en día su lenguaje y sus consejos resultan excesivamente tradicionales y conservadores. En la España de aquellos años sesenta los dos libros se vendieron como auténticos best-sellers aunque no quedara reflejado en ninguna estadística en prensa alguna. Eran obras promocionadas en colegios de dirección religiosa y en algunos círculos tipo Grupos de Catecumenado y asociaciones de perfil católico dirigidas por un adulto que solían (y aún hoy en día siguen) haciendo propuestas de reflexión y meditación como: ¿Qué pide Jesús de mí?

De aquellos tiempos oscuros datan también otras dos obras literarias de recuerdo atroz: Amor. Diario de Daniel y Amar. Diario de Ana María, ambas del autor francés Michel Quoist.

Michel Quoist nació en Le Havre en 1921 y fallecía en 1997. A los 18 años entró en el Seminario para ordenarse sacerdote en 1947. Fue Doctor en Ciencias Sociales y Políticas por el Instituto Católico de París. Creo que fue el único aspecto laico en su vida profesional, el nombre de la carrera universitaria con la que se doctoró, porque por lo demás su relación con el Estado Vaticano fue de entrega absoluta: coadjutor, consiliario de múltiples movimientos de Acción Católica, párroco, secretario general del comité episcopal francés para América Latina, responsable del servicio de vocaciones de la diócesis de Le Havre... Fue también escritor, autor de dos libros de repercusión internacional, esos dos diarios (uno masculino, otro femenino) citados más arriba. Fueron lecturas sugeridas y promocionadas como la lectura de los dos libros del Doctor Carnot, y al igual que aquellas, lecturas recomendadas tanto para ellos como para ellas, es decir, que una chica podía leer el libro dirigido a los jóvenes y un joven podía leer el que estaba dirigido a las chicas. Más que podían: debían hacerlo.
Quoist publicó en 1956 Amor. Diario de Daniel, que sorprendió a la sociedad y cuyas ventas consiguieron que el libro se tradujera a diferentes idiomas. En España recaló unos años después, allá por 1960, y se convirtió en uno de esos libros que, por su contenido, fueron divulgados en círculos familiares, amistades allegadas de la familia y núcleos de Acción Católica, como no podía ser menos, ya que la obra se prestaba al encomio de cualquier persona católica y bien intencionada. El contenido es la historia de un muchacho cualquiera bajo unas circunstancias concretas: la falta de un padre o de un hermano mayor que actúe como referente para que ayude eficazmente en su formación. Así la obra explica o muestra los diferentes problemas de los jóvenes en general y de los jóvenes de hoy en particular (de aquel final de los años 50 y principios de los 60) pero con una proyección en el futuro porque, los temas tratados, son comunes a cualquier época: relaciones con los padres, problemas sexuales, educación sentimental, educación del altruismo, descubrimiento del prójimo, del mundo y de sus problemas, amistades, estudios, porvenir, vida religiosa...

Dentro de la unidad de vida es donde el hombre entero se desarrolla. La doble acción de los compañeros y del sacerdote (figura del pedagogo) por una parte y la dualidad acción y entrega en favor de los demás son factores sobre los que se va a desarrollar la evolución de Daniel. Sobre todo esa entrega a los demás, al prójimo, porque a través de ella el joven se libera de sí mismo y permite que Dios se introduzca en su vida y se le revele.

Dar. Diario de Ana María, lo publicó Quoist en 1962 y en España tardó tan sólo un año en ser editado por Herder. No poseo los ejemplares de uno y otro libro pero sí las anotaciones (editorial, edición...) que hice cuando los leí y según dichas notas la traducción corría a cargo de Ramón María Sans Vila.

El Diario de Ana María cuenta la vida de una adolescente en camino hacia la juventud: de carácter altamente emocional, Ana María entregará a su Diario reflexiones sobre la amistad con otras chicas, los trastornos físicos y psicológicos derivados del proceso de la menstruación, el cansancio y aburrimiento de su propia sensibilidad, la estructuración de un camino que conduce al esfuerzo por alcanzar el verdadero Amor.
Entre aquellas lecturas que hice con 14 años se encontraban estas dos obras más las dos anteriores, las del Doctor Carnot. Quedaba un obstáculo más que saltar y fue el libro La vida sale al encuentro de José Luis Martín Vigil (1919-2011.

José Luis Martín Vigil fue sacerdote y escritor español. Perteneció a la Compañía de Jesús desde 1948 a 1958 y continuó ejerciendo el sacerdocio hasta finales de los años 1960. Martín Vigil fue afín al régimen franquista tanto que, en la Guerra Civil, luchó en las filas del bando sublevado. Su producción literaria fue pródiga en narrativa, y cultivó, aunque menos, el ensayo. Escribió novelas desde 1955 hasta 1994 de las cuales la primera, La vida sale al encuentro, escrita y publicada en 1955, tuvo una repercusión considerable en el cono Sur de América, sobre todo en México.

La novela cuenta la historia de un adolescente, su vida, sus amigos, su lucha desesperada por mantenerse puro y virgen... Recuerdo con horror la descripción de cinco o seis páginas donde, el protagonista, tiene que luchar con sus instintos más bajos porque le ha prestado un libro de Geografía a un compañero y este se lo devuelve envenenado: entre sus páginas encuentra un calendario de bolsillo ilustrado con una foto pornográfica. El protagonista se queda hechizado por lo que muestra la foto, no puede dejar de pensar en lo que ha visto, vuelve una y otra vez a mirar, con lujuria galopante, lo que ha descubierto: en la foto (recuerda, pornográfica), se ve a una modelo vestida tan solo con un bikini mínimo, extraordinariamente sensual, provocativo y erótico. Lo mira una vez, una, y ya no puede dormir, ni pensar, ni nada de nada, porque la tumefacción de su miembro, de su apéndice masculino, amenaza con explotar, tal es la erección que tiene. Irremediablemente, sudoroso y con temblores, abre las páginas del libro donde se esconde la ínclita ocasión de pecar. Y sí, cae en la tentación, y sí, comete el terrible Pecado de Onán: se masturba. ¡Horror de horrores! ¡Lo que ha hecho! No descansa hasta desahogarse a través de la confesión con un sacerdote.

Martín Vigil, después de esta obra de presentación, escribió novelas ambientadas en la Guerra Civil como Muerte a los curas, Los curas comunistas, por citar algunas obras con esa temática.

En 1976 fue denunciado por pederastia pero la denuncia no prosperó. La Compañía de Jesús, en el marco de una investigación interna, reveló en 2023 que tuvo dos denuncias de abuso de menores contra Martín Vigil entre 1957 y 1958 mientras estaba en Salamanca, obligándole a dejar la orden, aunque no fue denunciado a las autoridades. Se trasladó entonces a la diócesis de Oviedo donde siguió ejerciendo el sacerdocio durante una década. Allí fue denunciado por otros dos casos que llevaron a que el entonces obispo, Vicente Enrique y Tarancón, le echara de la diócesis a mediados de la década de 1960.

Volviendo al principio, se podría pensar que, tanto El Libro del Joven como El Libro de la Joven, son perlas oscuras que ya no se encuentran si no es en el mercado de libros de segunda mano. Pues no, son dos obras que se siguen reeditando, que van ya por un número de reedición desorbitado (edición número 300 y pico) y se siguen vendiendo. Si consultas los catálogos de librerías on line de Internet, las secciones de libros de algunas macro tiendas, plataformas de la Red, te encontrarás con ellas. Porque aún hay público para eso y máxime en estos tiempos que nos han tocado vivir donde el pensamiento extremo, las doctrinas ultra-conservadoras y otros espectros siniestros, reciben, promueven y exaltan, contenidos así, iluminados por la intransigencia más absoluta. A veces, cuando leo los periódicos, veo los informativos de televisión o escucho los boletines de la radio, me da la sensación de que el Mundo se ha vuelto una película de Bud Spencer de bajo presupuesto, con malos perversos que únicamente se pueden vencer a sopapo limpio, como pasaba en las películas del titánico héroe. Se podría decir aquello que cantaba el grupo Asfalto: Ven Capitán Trueno, haz que gane el bueno.

Ven Capitán Trueno que el mundo está al revés.

Termina esta entrada sobre libros oscuros con una obra de Antonio Garmendia de Otaola titulada Lecturas buenas y malas a la luz del dogma y de la moral

Antonio Garmendia de Otaola, sacerdote jesuíta, nacía en Beasain, Guipúzcoa, en 1905, y fallecía en Bilbao en 1971. Este colérico autor la emprendió con dos manifestaciones del Arte: la literatura y el cine. Fue una especie de brazo alargado de aquel siniestro Índice de Libros Prohibidos creado por el Estado Vaticano en 1559 con el Papa Paulo IV sentado en el trono papal. Esa fue la fecha oficial del nacimiento del Índice aunque había tenido un precedente entre 1551 y 1554, cuando la Inquisición española, bajo el mando de Fernando de Valdés y Salas y la Universidad de Lovaina, redactaron sus propios catálogos de libros prohibidos antes de que el Vaticano publicara la lista universal. Sin embargo, debido a que el criterio de Paulo IV fue considerado demasiado severo, tras la fecha de clausura del Concilio de Trento en diciembre de 1563, el Papa Pío IV publicó una versión revisada en la que aparecen las 10 Reglas que regirían la censura de libros durante los siglos siguientes.

El Índice de Libros Prohibidos fue oficialmente suprimido por el Papa Pablo VI el 14 de junio de 1966, tras la clausura del Concilio Vaticano II. Con esta decisión, se eliminaron las censuras y sanciones (como la excomunión) que recaían sobre quienes leyeran los libros incluidos en la lista. Pero eso fue en 1966 y la obra Lecturas buenas y malas a la luz del dogma y de la moral, de Antonio Garmendia de Otaola, data de 1955. Aún quedaba tiempo si no para quemar a alguien, sí para inducir a las tinieblas del alma con argumentos elocuentes a quien se atreviera a adentrarse en las páginas de los libros escritos, por ejemplo, de André Gide, del que recordaba que toda su obra aparece condenada en el Índice. Garmendia de Otaola, sobre todo, confirma el Índice de Libros Prohibidos y mete los dedos en la literatura de carácter popular (persigue las novelas policíacas por su mal ambiente, capaz de mal criar a los lectores más jóvenes). Su legado quedó recogido, sobre todo, en el tono de censor que mantuvo con respecto al Cine, guiones y filosofía de realizadores habitualmente extranjeros. Es fácil de encontrar en el mercado de segunda mano copias, y a buen precio, de este Lecturas buenas y malas a la luz del dogma y de la moral, un libro para ojear buscando algún autor conocido, para saber cómo fue catalogado por este artífice de la censura.

En otra ocasión hablaremos del ínclito Índice de Libros Prohibidos, desmenuzaremos con más detalle todo el proceso de su creación y desarrollo. Por hoy lo dejamos aquí.

Feliz Salida del año 2025 y más Feliz Entrada del nuevo 2026. Para el nuevo año deseo a todos los que estáis ahí a ese otro lado, Salud y poder seguir ejerciendo la Libertad.

Hasta el año que viene.

miércoles, 17 de diciembre de 2025

Cíclope 3.0 - 16-12-25

La Orquesta Femenina de Phil Spitalny (Fotografía de Everett)

Esta edición de Cíclope 3.0 del martes 16 de diciembre de 2025, es la última del año. Para ajustar las vacaciones de Navidad, el Cíclope es el primero en disfrutar de estos días y por lo tanto, hoy, los sesenta minutos del espacio están dedicados a algunas novedades musicales del año que entra en su recta final. Cíclope 3.0 no es un programa de novedades rabiosas: conoces bien el lema del Cíclope: Escuchamos la actualidad musical a través del Prisma del Tiempo. Música de hoy y de otros años. Las novedades que han sonado a lo largo de este año no son todas las que han aparecido publicadas, algunas han sonado por aquí y de esas cuantas hoy recuperamos las que podemos incluir en 60 minutos. Empezamos con una banda irlandesa que responde al nombre de Sprints.

Tienen al frente a la compositora, cantante y guitarrista Karla Chubb (en la foto de la izquierda, de pie). Saltaron al mundo de la música en 2019, un año después de tomar la decisión de formar el proyecto; en 2020, publicaron su primer single, formato que mantuvieron junto a EPs a lo largo de 11 discos editados entre 2020 y 2024, año de edición de su primer álbum.

El pasado mes de septiembre publicaron su disco número 12, un álbum titulado All That Is Over, un álbum con canciones como Something's Gonna Happen.

Hemos empezado por una de las novedades que hemos descubierto a finales de este 2025, sobre noviembre escuchábamos a Sprints. En los primeros meses, en febrero, ocupamos un programa completo con un disco firmado por Juano Azagra.

Tras liderar proyectos como Bombones, All La Glory, Juano Azagra entregó a primeros de año un trabajo en solitario firmado con su nombre y apellido titulado Discovery.

Discovery es un álbum de versiones de canciones que, a Juano, le resultan cercanas, queridas, que le gustan. Es un paseo por la música por dentro, hecha con ganas, sin alharacas, versiones resueltas con ingenio y creatividad. En el programa del mes de febrero que le dedicamos a Juano y su disco escuchamos los temas originales y después la versión. Hoy recuperamos sólo la versión, en concreto, la que realiza sobre el original de Nirvana, Smells like teen spirit.

En este 2025 han pasado algunos ilustres desconocidos por el programa como un cuarteto británico que responde al nombre de Snapped Ankles.

Su puesta en escena así como las fotos de promoción, la ruedas de prensa que realizan...ante cualquier contacto con el exterior aparecen de la misma forma, vestidos con ropas de camuflaje.

Manejan estructuras y estética de música electrónica pero trenzadas con formas crudas del Post-Punk.

En 2025, estos Tobillos rotos, traducción del nombre del grupo, Snapped Ankles, publicaban el álbum Hard Times Furious Dancing que hoy recuperamos con el corte Smart World.

Ya que estamos con un sesgo de electrónica nos quedamos ahora con Morcheeba.

Del trío formado por los hermanos Godfrey y Skye Edwards tan solo quedan ella, Edwards, y de los hermanos Godfrey, únicamente el de la izquierda, Ross.

Morcheeba en 2025

En el mes de mayo vio la luz Escape The Chaos, el disco que ocupa el número 11 en la discografía de Morcheeba. De este trabajo escuchamos Cooler Heads.

En el plano de las versiones de temas originales hay un músico cuyo trabajo deconstructivo me parece brillante. Me refiero al multinstrumentista Ignacio Sierra que está detrás del poliédrico pseudónimo Dr. Soy que, a su vez, se abre en otra serie de alias. Uno de esos nombres es el de The Great Supplanters que este año, sobre el mes de septiembre, realizaban una versión luminosa de la canción de Bob Dylan, Subterranean Homesick Blues, interpretada en clave de Hip-Hop. Dr. Soy, a través de The Great Supplanters, como en tantas ocasiones, arriesgando y saliendo victorioso por su originalidad a la hora de reinterpretar, de re-crear canciones.

Nos vamos en vuelo libre con un ala delta desde Sevilla a Escocia, a la ciudad de Glasgow.

En enero de este año, el grupo Mogwai (foto inmediatamente superior) publicaban su último trabajo titulado The Bad Fire.

Toma su título de la jerga de la clase trabajadora de Glasgow para referirse al infierno. Tienen un puñado de canciones interesantes como esta que recuperamos: Si encuentras este mundo malo, deberías ver algunos de los otros.

Y aprovechando las corrientes positivas del viento para movernos de aquí para allá, saltamos al continente americano, al norte y en concreto a Washington D. C. Allí, en 1961 nacía Thalia Zedek.

La primera relación con la música la tuvo en la Escuela Superior Springbrook, en el estado de Maryland, donde tocaba el clarinete en la banda de la Escuela. Comenzó a interesarse por la guitarra, primero acústica y después la eléctrica. El punto de fuga para volcarse sobre la guitarra fue Patti Smith. Escuchó sus canciones y en los últimos tiempos de su adolescencia, Thalia viajó con su hermano mayor a Nueva York, para ver y escuchar en vivo a su admirada Patti Smith. Tras el concierto, nada fue igual. Thalía comenzó un camino personal que la llevó por diferentes proyectos (Come, Uzi, White Women...) hasta formar el grupo que lleva su nombre y apellido: Thalia Zedek Band.

Como tal, como la Banda de Thalia Zedeck, comienza a grabar en 2008. El pasado mes de mayo se publicaba el nuevo trabajo del proyecto, The Boat Outside Your Window, con temas como Aliyah.

A Thalia Zedek Band la escuchábamos por primera vez en el mes de julio, en la misma fecha que estrenábamos el trabajo Una parte de ti, firmado por Cobalto.

Cobalto es Xan Medina (foto a la izquierda), una figura multidisciplinar cuya creatividad abarca principalmente dos áreas: la música y la pintura. Está entroncado con una amplia tradición del Rock europeo y americano como demuestra en los seis cortes que forman Una parte de ti, publicado en junio.

Cobalto está formado por la batería de Marc Thio, un músico que ha trabajado con Mala Rodríguez, entre otros nombres. Enrique Moreno, guitarra eléctrica, conectado con la existencia del grupo Los Satélites y Xan Medina, voz, guitarra acústica, alma del proyecto y diseñador de la portada del disco. De la producción se encarga José Carretero. En el capítulo de colaboradores están el multinstrumentista y compositor Ignacio Sierra, que toca la guitarra bajo, Clara Sunyer en los coros y el productor José Carretero, que además se responsabiliza de la percusión, piano y guitarra. De Cobalto recuperamos el corte Vuelve.

Por más que intente sintetizar la palabra en la locución para que suene el máximo de música posible en una hora, al final, el Tiempo nos vence y no pueden sonar todas las canciones que estaban seleccionadas. Nos queda aún espacio para recuperar algunas novedades de este 2025 que, en un par de semanas, terminará. En febrero, el Cíclope cumplió 11 años en la programación de Radio Tomares. Ese mismo día sonó en el programa el último trabajo del músico Martín León Soto, MALESO, titulado La vida de mi historia.

MALESO ha utilizado diferentes combinaciones instrumentales para contar sus historias: guitarra eléctrica, acústica, piano, batería percusión, piano, sintetizadores... Los ha ido conjuntando y, con la voz, ha ido desliando la serpentina de sus historias siempre dotadas del brillo que proporciona la elocuencia. En esta ocasión MALESO daba una vuelta de tuerca a su quehacer musical y presentaba una suite para voz y cuarteto de cuerda. La Vida de mi Historia está estructurada en 12 movimientos, 11 cantados más un instrumental, escrita y cantada por él, Martín León Soto, e interpretada con el cuarteto de cuerdas formado por los violines de Rafael Muñoz-Torrero y José Manuel G. Belmonte, la viola de Blanca Arbea y el violonchello de Alejandro Martínez, dirigido el cuarteto por José Manuel González. El día que sonó en Cíclope 3.0, en febrero, escuchamos la suite completa, sin interrupciones entre un movimiento y otro. Hoy recuperamos, para recordarlo, un fragmento, el titulado Geometría del amor.

MALESO, tercero por la izquierda, y el cuarteto de cuerda con el director, José Manuel González, primero por la derecha

Con la intimidad que deja el sonido de un cuarteto, nos adentramos en territorio sereno y calmado con un dúo que responde al nombre de Billow Observatory.

Billow Observatory es una colaboración ambiental transatlántica entre el músico danés Jonas Munk (a la izquierda, en la foto anterior) y Jason Kolb, a la derecha. Ambos crean paisajes panorámicos de movimiento lento. Munk y Kolb llevan trabajando juntos desde 2006 y sería en el año 2012 cuando publicaron su álbum debut homónimo.

Desde entonces han seguido explorando su sonido hipnótico e invernal en álbumes como el último, The Glass Curtain, (portada en la foto de la derecha) editado este año 2025, un trabajo repleto de un sonido puramente ambiental.

Este dúo, Billow Observatory, no deja de reconocer su influencia por antonomasia, la de Brian Eno,

que también ha sido novedad entre los discos publicados este año y no con uno, sino con tres álbumes.

En junio aparecían Lateral y Luminal, dos discos firmados a medias entre Eno y la cantante, compositora, artista, activista y diseñadora de folk-rock radicada en Londres, Beatie Wolfe, también conocida por sus conceptos de marketing progresistas. Lateral es un disco con un perfil eminentemente enosificado, es decir, música ambiental electrónica; Luminal sin embargo es un disco de canciones, pero canciones con estructuras de baladas, lentas y etéreas. Quedaba una vuelta de tuerca más, la publicación de un tercer álbum, Liminal, en octubre de este año. Liminal es un punto intermedio entre los dos álbumes anteriores: canciones oníricas con un toque de ambiente, y también de experimentación con texturas de voces, instrumentación más oscura...

Para recordar esta trilogía recuperamos un fragmento de Lateral, una pieza de 1 hora y casi 5 minutos titulada Big Empty Country, que Eno divide en 8 partes o variaciones por sugerencia de Wolfe. Originalmente está concebida como una pieza única pero fue en una audición que realizó ella, Wolfe, que le sugirió a Eno que intercalara como una especie de intermedio muy breve entre bloques de tiempo. El Cíclope recupera la parte número 1.

Para cerrar el programa de hoy un descubrimiento que realizó el Cíclope en este año, el trío británico GoGo Penguin.

Este trío se formó en Manchester en 2012, año de publicación de su primer larga duración. La distribución de instrumentos es piano, guitarra bajo y batería. Esa es una estructura básica de Jazz, y Jazz es precisamente lo que hace el proyecto, solo que no se quedan ahí: la banda fusiona a la perfección lo jazzístico con Rock, Post-Bop y la música académica minimalista. El resultado, lógicamente, es atractivo y satisfactorio porque saben lo que hacen.

Llevan unos siete álbumes publicados incluido el último, titulado Necessary Fictions, publicado este año, un disco del que recuperamos un corte, The Turn Within, que no va a poder sonar al completo porque no tenemos tiempo para más.

Llegamos al final de esta edición de Cíclope 3.0, donde hemos repasado algunas novedades musicales que han pasado por el programa a lo largo de este 2025. Nos marchamos de vacaciones navideñas y volvemos el año que viene, en enero. Por cierto, el primer martes de enero coincide con el día 6, Día de Reyes Magos, por lo cual regresaremos el martes siguiente, martes 13. Cuídate mucho que, como bien sabes, eres fundamental para la existencia de Cíclope 3.0 Feliz Navidad, Feliz salida de año viejo y Feliz entrada en el nuevo. Salud y Libertad para 2026 y que no falte la buena música.

Espero que te guste el programa.

Enlace: https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-16-12-25

miércoles, 10 de diciembre de 2025

Cíclope 3.0 - 09-12-25

Los adoradores de la luna no siempre resultan licántropos agresivos. Hay quienes aman a Selene y adoptan una estética lunática, como es el caso de Haroldo Cuevas. Tanto los pelos de la cabeza como los de la barba, acondicionados para lucir como un hermoso cuarto menguante.

Cíclope 3.0 del martes 9 de diciembre de 2025. Hoy, al comienzo del programa, el Cíclope nos ubica, musicalmente, en plena guerra de Secesión estadounidense, entre los años 1861 y 1865, en concreto en 1863, año de publicación de una canción que se cantó en ambos bandos de la contienda, una composición titulada When Johnny Comes Marching Home.

El responsable de la ínclita composición fue este hombre de la izquierda, Patrick Sarsfield Gilmore (1829-1892), de origen irlandés, director de la banda del Ejército de la Unión en 1863. La fecha de registro de la primera publicación es la de 26 de septiembre de 1863, en la Biblioteca del Congreso, con letra y música atribuidas a Louis Lambert. No está claro por qué Gilmore publicó bajo seudónimo, pero los compositores populares de la época solían emplear un alias artístico para añadir un toque de misterio romántico a sus canciones. El contenido de la letra fue de Gilmore pero la melodía tenía un origen, la canción tradicional irlandesa Johnny I Hardly Knew Ye. La escuchó tararear a alguien en los primeros días de la rebelión. Supo que era una música abandonada, que lo mismo utilizaba una letra que otra, dependía de la imaginación de quien la interpretara. A Gilmore le gustó la melodía, la adornó con un texto, le dio un nombre y la rimó para que fuera útil para un propósito especial adecuado a la época: fue escrita para expresar el anhelo de los soldados por regresar sanos y salvos a casa tras la guerra. Al final poco importó quién había escrito la canción, si se trató de una remodelación de una pieza ya existente o fue algo novedoso. Los derechos de autor quedaron en manos de la editorial Henry Tolman & Co., de Boston, que fue quien se encargó de la publicación. Una cosa si es completamente cierta y segura y es que la canción se hizo inmensamente popular durante la Guerra Civil norteamericana y la cantaron tanto en un bando como en el otro.

Con el paso del Tiempo volvió a otros escenarios bélicos como sucedió durante la Segunda Guerra Mundial cuando la Orquesta de Glenn Miller o el trío vocal femenino The Andrew Sisters, entre otros, interpretaron sus versiones.

En 1959, el hombre de la foto a la derecha, Mitch Miller (1911-2010), cantante, músico, director y productor musical estadounidense de los años cincuenta y comienzos de los sesenta, interpretó When Johnny Comes Marching Home dirigiendo a su coro masculino.

El coro de voces masculinas llevaba por nombre The Gang. La versión que escuchamos en el programa es la del año 2004, versión debidamente remasterizada del original de 1959 cuya carpeta del disco reproduce la instantánea anterior.

Pero de las versiones posibles que se han realizado de la canción que nos ocupa, creo que esta que incluían en su segundo LP The Clash en 1978, es la más emotiva. Give 'Em Enough Rope, es el título de aquel segundo disco de Joe Strummer y compañía que tanto recelo creó en la comunidad Punk porque se consideró que el disco no irradiaba la misma energía intensa y amateur de The Clash, el primer disco, pero mirando en retrospectiva, sí posee un sonido contundente, casi igual de potente que el álbum de debut y se posiciona como uno de los álbumes más enérgicos de la era punk.

Por seguir unos minutos más con The Clash, el Cíclope recupera aquel glorioso triple LP titulado Sandinista! y la canción Hitsville U.K.

interpretada en la parte vocal por Mick Jones, guitarra del grupo,

y su novia, Ellen Foley, actriz, cantante norteamericana, que protagonizó muchos duetos con Meat Loaf (1947-2022)

Utilizamos la fecha de publicación del LP Sandinista!, 1980, como charnela para adentrarnos en los años de esa década, unos años en los que se enfrentaron dos bloques como grandes antagonistas: por un lado las guitarras eléctricas y por el otro, los sintetizadores, los teclados con el acompañamiento de las cajas de ritmo. Recuerdo una vez en una tienda de discos en la que buscaba algo que ya no recuerdo, sólo que era una banda de sonido guitarrero, y la respuesta del hombre que me atendió: mala época para las guitarras. Eran los años finales de los 80 y se mantenían marcadas las diferencias. Nos vamos ahora a los años medios de esa década, 1983, cuando en los Países Bajos, en una ciudad pequeña, Nimega, se reúne una pareja con idea de formar un proyecto musical que bautizan con el nombre de Xymox.

A la izquierda, Ronny Moorings, voz y guitarra, y a la derecha, Anka Wolbert, guitarra bajo y voz. Se mudaron a Ámsterdam y bajo el nombre Xymox lanzaron un Mini-LP, Subsecuente Pleasures, en 1984.

La edición estuvo limitada a 500 copias.

Comienzan a realizar actuaciones en vivo y se convirtieron entonces en teloneros de Dead Can Dance en su gira por Inglaterra. Ivo Watts-Russell, alma del sello independiente escocés 4AD Records, se fijó en el dúo y lo fichó para la discográfica.

Se cambiaron el nombre por el de Clan of Xymox y lanzaron, en 1985, un primer LP bautizado con el nombre del grupo. Fue su debut oficial. A partir de aquí suponen una gran influencia en la escena darkwave y los holandeses Clan of Xymox amplían los miembros del proyecto y pasan de dúo a cuarteto y hasta quinteto. El grupo es conocido por su rock gótico introspectivo, dinámico y a menudo bailable.

El sonido, la música de Clan of Xymox se convirtió en un referente del sello 4AD a partir de su álbum de 1985, Medusa. De las carpetas de los discos se encargará el equipo de diseño 23 Envelope. Irán cambiando el nombre de la banda así como menguará el número de miembros, o se ampliará, dependiendo de la música que desarrollen. Recuperaron el nombre original, Xymox, y desarrollaron un sonido más basado en sintetizadores, incursionando incluso en el techno y el house. Con la popularidad del rock industrial, la banda se mudó a Berlín, cambió su nombre de nuevo a Clan of Xymox e incorporó voces más profundas y guitarras más pesadas a su música.

Hay momentos en el devenir de la música que aparecen músicos o grupos que se parecen unos a otros y de manera cercana, con una forma de hacer particularmente cercana. No es que se trate de una imitación, sencillamente se parecen. Es lo que ocurre con este grupo que viene a continuación. La primera vez que los escuché, pensé: ¿disco nuevo de Clan of Xymox?... No, sencillamente coincidencia de algo semejante. Estos, que son de este siglo, no tienen nada que ver con aquellos Xymox, con Clan o no. Estos se llaman Odonis Odonis, son un trío y llegan desde Toronto, Ontario, Canadá.

El alma de Odonis Odonis es Dean Tzenos, en el centro de la foto y su mano derecha está situado a la izquierda, Denholm Whale. Este es el motor de Odonis Odonis que en 2022 publicaban Spectrums, un disco que tiene canciones casi suaves porque tienen fundamentalmente una filosofía musical fundamentada en el cambio. Del trío, oficialmente creado como dúo (Tzenos y Whale) escuchamos dos cortes de ese álbum de 2022,

el que se asemeja a los holandeses Clan of Xymox, el corte titulado More, y Slow Drip.

Volveremos con Odonis Odonis en próximas ediciones de Cíclope 3.0 para perdernos en su música construida en la oscuridad y el ruido. Fusionan shoegaze, surf rock, garage rock, rock industrial y punk, envolviéndolo todo con una oleada de ruido. Este Spectrums está escrito, grabado y mezclado por el grupo. Hasta el diseño de la carpeta está hecho por ellos mismos. Únicamente hay dos aspectos que no controlan: la foto de la portada, original de la fotógrafa Juliana Carlevaris, y las mezclas finales del disco, realizadas por Rafael Anton Irisarri.

Ahora cambiamos el estilo, las formas de la música, dejamos las disonancias (dentro de unos límites, porque tampoco ha sido muy ruidoso lo que hemos escuchado de Odonis Odonis) y pasamos al campo de lo armónico con un hombre inglés que responde al nombre y apellido de Keaton Henson.

Cantante, compositor e ilustrador, la ecléctica carrera musical de Keaton Henson ha abarcado composiciones de cantautor, música electrónica experimental, rock independiente y obras orquestales. Su debut en la música se produce en el año 2010 y fue comparado con Elliott Smith, Jeff Buckley y Bon Iver. Ha creado música con banda completa con él en la parte vocal, guitarra y piano. Adoptó el alias Behaving para incursionar en la música electrónica.

Ha compuesto bandas sonoras para el Cine como por ejemplo el score original de la película Supernova, escrita y dirigida por Harry Macqueen.

El trabajo con obras instrumentales para orquesta de cuerdas ha dado como resultado álbumes que enriquecen su producción. El de Keaton Henson es un caso curioso: aunque trabajó en su propia música, no la concibió para el consumo público. En el año 2010, empujado por amigos, subió a Internet un álbum grabado de forma casera. El disco encontró una audiencia considerable gracias al boca a boca y a los blogs. Su carrera musical tuvo un comienzo oblicuo porque no empieza grabando demos, maquetas...inicia su actividad como ilustrador, como diseñador de carpetas de otros músicos. Lo de componer e interpretar su música será posterior. Además: ¿Tocar en directo, con público? ¡Ni loco! Henson padece ansiedad crónica y día a día se convirtió en un profundo miedo escénico. Pero no tiene sentido guardarse lo que hace uno, así que se esforzó por encontrar maneras de promocionar su música, además de las giras convencionales. Por ejemplo, organizó una exposición en el este de Londres titulada Gloaming, que servía tanto para promocionar una novela gráfica que había escrito con el mismo nombre como para dar a conocer nuevas composiciones de música. La instalación, de tres días de duración, permitió a los visitantes entrar, uno a uno, y asomar la cabeza por una ventana, donde él interpretaba una canción de forma individual. Posteriormente, realizó giras limitadas que lo llevaron a tocar para públicos más numerosos, pero siempre en espacios pequeños y atípicos como museos, galerías de arte e iglesias.

El 21 de noviembre pasado, Keaton Henson ha publicado su último trabajo, por ahora, un álbum titulado Parader con temas de música Pop abigarrada, donde reúne sus maneras habituales de hacer música. El diseño de la carpeta del disco es suyo, como no podría ser de otra forma, por ser un artista gráfico desde el comienzo.

De su pasado más inmediato recuperamos el disco publicado el año pasado 2024, el álbum titulado

Somnambulant Cycles, una obra serena y hermosa que contó con la colaboración del músico noruego Daniel Herskedal. Un corte de este disco, el titulado Try, compuesto a medias entre Henson y Herskedal, nos sirve de bisagra para conectar con lo siguiente que es la música precisamente del colaborador en el trabajo de Henson, el músico noruego Daniel Herskedal.

Daniel Herskedal nacía en 1982 en Molde, ciudad de Noruega. Siendo pequeño comenzó a estudiar la trompa para pasarse a la tuba en la adolescencia. Se le conoce por ser un virtuoso de la tuba y de la trompeta bajo.

La trompeta baja es un instrumento de metal más grande que la trompeta estándar y que suena una octava más grave. Aunque similar en longitud al trombón, su sonido es más metálico y duro.

El estilo de Daniel Herskedal es muy personal: combina técnicas formales de la composición académica con la perspicacia de la improvisación del jazz, la familiaridad cautivadora de las músicas folclóricas árabe y noruega, y paisajes de textura quebradiza, algo cinematográficas. Es un músico que ha realizado colaboraciones variadas y que tiene una producción en solitario variada y rica. Abría su discografía en solitario en el año 2010.

Vamos a recuperar un álbum de 2021, un trabajo titulado Harbour cuya portada es la foto de la izquierda. En este disco Herskedal compone, se encarga de la tuba y de la trompeta bajo, y se acompaña de un percusionista que se encarga de los tambores y la marimba, más otro músico al piano y celesta. De este álbum entresacamos el corte titulado Las playas de Lesbos.

Llegamos al final del programa por hoy y como nos hemos situado en una zona tranquila no es cosa de acabar con sobresaltos. Cerramos en la línea a la que nos han conducido los últimos temas que hemos escuchado y nos despedimos con un dúo holandés, de la ciudad de Delft, que responden al nombre de Trigg & Gusset.

Trigg es Bart Knol, a la izquierda, se encarga de la composición, arreglo, producción y mezcla, además de tocar teclados, bajo y sintetizadores. Gusset es Erik Van Geer, el de la melena, toca el saxofón tenor y el clarinete bajo. Comenzaron con la década de los 10 de este siglo, publicaron por primera vez un disco en 2013, un año antes de que comenzara este proyecto de Ciclope 3.0 en Radio Tomares. Y desde que se emite esta hora de arrebato por la música, cada vez que este dúo de Delft publica un disco nuevo, estamos atentos para contártelo. Nos apasiona poder compartir contigo el jazz lento, la electrónica atmosférica y los ritmos cautivadores que desarrolla este dúo.