Cíclope 3.0 - 13-01-26

 

Ramiro Soto López, haciendo realidad el dicho Quien espera, desespera.  Escuchaba Cíclope 3.0 el pasado 16 de diciembre de 2025 y afirma haber entendido que el programa volvía a la semana siguiente, cuando la despedida fue hasta el 13 de enero de 2026.  Se quedó esperando sin remedio hasta desfallecer.  Los servicios de limpieza de LIPASAM lo encontraron, a principios de este nuevo año, en un rincón apartado del Parque de María Luisa, en Sevilla, tal como muestra la foto.  Actualmente se restablece con absoluta normalidad y sigue siendo un oyente fiel.
 

Tal y como dijimos el 16 de diciembre del año pasado, Cíclope 3.0 vuelve a la sintonía de Radio Tomares hoy martes 13 de enero de este nuevo año 2026 y lo hace recuperando, al principio del programa, las buenas vibraciones de los Rolling Stones de 1966, los que publicaron en ese año un LP tan seminal como fue, y es, Aftermath.

El cuarto larga duración de los Rolling tuvo dos carpetas diferentes y dos contenidos distintos, dependiendo de la edición en el mercado inglés o el marcado americano.  Algunas canciones formaron contenido idéntico, otras no.  ¿Habrían grabado canciones hoy como la misógina Stupid Girl?  No sé, no sé.  El disco presentaba un abanico estético amplio: desde la composición con aires isabelinos de Lady Jane a los riesgos experimentaloides de 11 minutos y pico de Goin' Home.  El tema que escoge el Cíclope para arrancar el programa es Out of Time, una composición que no tocaron en vivo hasta 56 años después, en 2022, en la gira internacional que los trajo a España, en concreto a Madrid.  Unos años antes, en 2011, aparecía una versión, en vivo también, pero interpretada por Elvis Costello & The Imposters

 

The Imposters es la banda que evolucionó a partir de su grupo de acompañamiento anterior, The Attractions, y que se convirtió en el combo que rodeó a Costello desde la entrada del siglo XXI.

The Return Of The Spectacular Spinning Songbook!!!, ¡¡¡El regreso del espectacular cancionero giratorio!!!, se publicaba el 6 de Diciembre de 2011.  Es una caja recopilatoria de 3 discos (1 CD, 1 DVD, 1 EP de vinilo de 10 pulgadas), grabado en directo durante dos noches en la sala The Wiltern, en Los Ángeles, los días 11 y 12 de mayo de 2011.  La edición estuvo limitada a 1500 copias en todo el mundo, cada caja está numerada individualmente y cuenta con una tarjeta conmemorativa especial autografiada por Elvis Costello.  Este paquete de lujo incluye un libro de tapa dura de 40 páginas repleto de fotos espontáneas, un diario de la gira con las reflexiones de Costello en cada actuación, un póster de 50 x 76 cm y una postal de edición limitada.  El CD se grabó con las actuaciones de ambas noches en The Wiltern, de su gira Revolver Tour; el DVD es del concierto del 12 de mayo de 2011 e incluye una aparición especial de The Bangles, además de material adicional que incluye momentos entre bastidores capturados con The Imposters.  Además de actuaciones adicionales no incluidas en el set principal del espectáculo.  El disco de vinilo de 10 pulgadas incluye cuatro canciones exclusivas de este set.  Después de la edición super lujo se haría una que consistiría tan solo en un CD con la música grabada en vivo, que es donde suena la versión de Out of Time de los Rolling Stones.

No dejamos a Elvis Costello, lo que pasa es que retrocedemos en el Tiempo y nos trasladamos de 2011 a 1983, cuando se publica Punch The Clock, firmado por Elvis Costello & The Attractions.

Punch The Clock incluye algunas de las canciones más reconocidas de Costello como es Everyday I Write The Book, y también una perla como Shipbuilding.

Shipbuilding está compuesta a medias entre Elvis Costello, letra, y música de Clive Langer (en la foto aquí al lado), músico y productor de Liverpool activo desde comienzos de la década de los 70.

La canción se escribe en 1982, durante la Guerra de las Malvinas.  Resalta la dolorosa ironía de que la guerra trajera trabajo a los astilleros pero también enviara a hombres a morir en esos barcos.  Todo visto a través de la perspectiva de un trabajador del astillero.  Es una composición que se escribió pensando en una voz muy concreta, la de Robert Wyatt.

Robert Wyatt fotografiado por Simon Fernandez

La versión de Wyatt, año 1982, tuvo dos ediciones: Single y Maxi-Single.  El 7 pulgadas ocupado por los temas Shipbuilding como cara A y Memories of You en el lado B; el 12 pulgadas las dos canciones citadas y una versión de Round Midnight del gran Thelonious Monk.  En los créditos no se reseña otra presencia que la de Wyatt pero en realidad hay una serie de colaboradores que intervienen como el bajista Mark Bedford, integrante de la banda Madness, el teclista Steve Nieve, miembro también de Madness y uno de los músicos de los grupos de acompañamiento de Costello, The Attractions y The Imposters.  El mismo Costello participó en las voces de coro acompañando a Wyatt.

En el verano de 1983 aparecía el LP, Punch The Clock, firmado por Elvis Costello & The Attractions, donde se incluye también Shipbuilding.

No tiene la voz de armonías plateadas de Robert Wyatt, pero sí la voz de perfil emotivo de Costello, que se buscó la colaboración de un trompetista excepcional como Chet Baker (1929-1988)

De este ambiente un tanto jazzificado pasamos a otro donde no solo hay aires de Jazz, también de otras estéticas de la música.  Saltamos a Panamá para escuchar la música panlatina de un batería llamado Daniel Villareal.

Su nombre completo es Daniel Villareal-Carrillo, nacido en Panamá, en 1977 y se asentó en Norteamérica, entre Chicago y Los Ángeles.  Fue cofundador de la banda Dos Santos Anti-Beat Orchestra, fue miembro del combo Los Sundowns y del grupo de son jarocho tradicional Ida y Vuelta.  Comenzó a tocar la percusión y la batería siendo un niño.  Durante su adolescencia, cayó bajo la influencia del punk y comenzó a tocar la batería en las escenas punk y hardcore de Centroamérica, y en dos bandas destacadas de la Ciudad de Panamá durante los años 90: NOHAYDIA y 2 Huevos 1 Camino.  El batería Freddy Sobers, de las bandas panameñas de reggaetón El General y Nando Boom, vio su inmenso potencial y tomó a Villarreal-Carrillo bajo su protección.  El músico, de mayor edad, lo expuso a una gran variedad de estilos, sonidos y texturas, desde el sonido de grupos como Rush hasta el reggaetón, pasando por Chick Corea y la salsa.  Le dijo al joven que, si quería ser un buen batería, dejara de poner cara de asco ante algunas propuestas porque tenía que aprender a manejar todos los estilos.  Y vaya si lo hizo.  Acompañó durante años a músicos diferentes de estilos distintos y esto conformó una pluralidad en el tejido de sus propias composiciones como lo mostró cuando grabó en solitario por primera vez en 2022.  Al comenzar a hablar de Daniel Villareal he utilizado el término de música panlatina, con eso quiero decir que su fluido estilo fusiona sonidos tradicionales panameños con los del Caribe, Colombia, México, con el son y la salsa afrocubanos, con el rock psicodélico, el free jazz, el post-punk, el hip-hop, el Rhythm and Blues y el funk.  Vamos a escuchar dos ejemplos de su música utilizando los dos álbumes que lleva grabados hasta el momento, empezando por el segundo,

el álbum titulado Lados B, publicado en 2023, y el corte Salute.

Su debut discográfico en solitario se llevó a cabo un año antes, en 2022, con la publicación del disco Panamá 77, lugar y año de su nacimiento.  Tanto en este disco como en el otro contó con una serie de colaboradores entre los que se encontraban el guitarrista Jeff Parker y la bajista Anna Butterss.  Ahora algo que le gusta particularmente al Cíclope: el juego de la cesta de cerezas, tiras del rabito de una y salen ensartadas unas cuantas más.  Escuchamos a Daniel Villarreal y, de sus discos, extraemos parte de la obra de dos colaboradores, empezando por Anna Butterss.

  

Anna Butterss nació en Adelaida, Australia.  Sus padres, relacionados con la música, se conocieron en el país de los canguros, tocando en bandas de folk irlandesas.  A la hija la educaron en la música clásica y el folk y con 7 años comenzó a estudiar flauta, instrumento que manejó hasta los 13, cuando los padres decidieron ampliar el catálogo de instrumentos que podía manejar la criatura y resolvieron que aprendiera a tocar el contrabajo, instrumento que se convirtió por antonomasia en el centro de interés de la jovencísima Anna.

Con el tiempo se trasladaron a Norteamérica y a la hora de escoger en qué ciudad musical vivir, New York, Chicago o Los Ángeles, se quedó con esta última.  Ese mismo año, el guitarrista Jeff Parker se trasladaba a Chicago.  Y entre unas cosas y otras, Butterss contacta con la escena del mundo del Jazz y con la escena del mundo Independiente, con gente de Los Ángeles y de Chicago.  Coincidirá con Parker en alguna ocasión y será un encuentro que surtirá de posibilidades futuras para proyectos donde van a intervenir ambos.  El bajo eléctrico va a entrar en la vida de Butterss que en 2022 hace su debut en solitario grabando un disco, Activities.

Hoy la traemos por primera vez al programa con su álbum Mighty Vertebrate, de 2024, un trabajo que tiene la base en el Jazz, sí, pero que avanza más allá.  Un disco que cuenta con la colaboración de su amigo Jeff Parker.

Siguiendo el rastro de las cerezas ensartadas, seguimos, como no podía ser de otra manera, con el amigo de Anna que interviene en su disco y con quien participa en diferentes proyectos.  Él es el guitarrista Jeff Parker.

Tiene discografía propia y colabora con un montón de proyectos musicales pero hoy traemos a Parker en relación con la banda donde ha crecido y donde su producción es el corazón de su actividad creativa, me refiero al quinteto de música instrumental Tortoise, original de la ciudad de Chicago.

  

Desde sus inicios en la escena musical underground de Chicago en los años 90, Tortoise ha revolucionado las convenciones del rock.  En lugar de las influencias clásicas del punk y el rock & roll, se inclinaron por el krautrock, el dub, el jazz de vanguardia, el minimalismo clásico, la música ambiental y la electrónica británica.  A diferencia de la estructura descuidada de la mayoría de proyectos del rock independiente norteamericano, la estética nítida de Tortoise se centró (y sigue en esa línea aún hoy en día) en la destreza instrumental y la interacción grupal: todos los miembros contribuyen a la creación de las composiciones y todos tienen profundos vínculos con las comunidades de jazz y rock experimental de Chicago.  A su vez, cada uno participa de otros proyectos donde pueden coincidir más de un miembro de Tortoise.  Nació como grupo en 1990, entraron en los estudios de grabación en 1993 y en 1994 debutaban, discográficamente hablando.  En los tres primeros álbumes (1994, 1995 y 1996) hay una separación de un año entre uno y otro disco; entre 1998 y 2009 el plazo oscila entre dos y tres años.  Entre 2009 y 2016 pasan siete años y la edición de su último trabajo, Touch, tardará nueve años en ver la luz.  Esto no quiere decir que durante ese tiempo, los miembros del quinteto hayan estado inactivos, todo lo contrario, vivos y creando.

Touch se editó el 24 de octubre de 2025.  El grupo nunca ha trazado un rumbo predecible.  Es cierto, como ya se ha señalado, que los intervalos entre grabación y publicación de sus trabajos, se han ido alargando con el paso del tiempo, pero eso no ha supuesto una merma en la capacidad creativa del proyecto, sino que, entre otros aspectos, sus bases se han ido extendiendo a ciudades donde la actividad jazzística e independiente florece, y de qué manera, como sucede en Los Ángeles y Portland, además de su antigua ciudad natal, Chicago.  Entre sus últimos dos discos han transcurrido nueve años pero el tiempo y la distancia no han diluido la química musical entre estos viejos amigos.  Touch sigue teniendo ese toque con el que Tortoise impregnan su música: hay que prestarle atención a las composiciones que, a veces, solo se revelan por completo después de varias escuchas.  La música del grupo sigue siendo tan compleja como siempre, porque está muy elaborada, pero esto juega a su favor, no en su contra.  Touch refleja la curiosidad que ha impulsado a Tortoise desde el principio y todavía sigue haciéndolo.  Con el grupo y con este trabajo tenemos que volver pero ahora vamos a situarnos en la recta final del programa y lo vamos a hacer con un descubrimiento que se va asentando a medida que pasan los meses.  Se trata de una banda norteamericana original de Brooklyn, Nueva York, que responde al nombre de Geese.

 

Geese, Gansos en español, es una de las bandas más audaces que han surgido en los últimos años en el panorama de la música rock independiente.  Son, de izquierda a derecha, Emily Green, cuyo alias artístico es Gus Green, guitarra, Dominic DiGesu, guitarra bajo, Foster Hudson, guitarra, Cameron Winter, voz y teclados, y Max Bassin, alias The Nest, batería.

Se conocieron en el instituto, cuando comenzaron la educación secundaria en la década de los 10 de este siglo.  Sobre 2016 concibieron la idea de formar un grupo y el proyecto se hizo realidad: nacía Geese con tanto entusiasmo como conciencia de que era una historia sin mucho futuro porque, cada uno de los miembros, tenían planes para continuar estudios superiores.  Se cumplieron las expectativas porque al finalizar el periodo del instituto, varios miembros habían sido aceptados en universidades de alto perfil en todo el país.  Mientras, habían colgado un puñado de canciones en la Red por pura diversión, composiciones que mostraban un crisol de influencias que iban desde Television a The Strokes, y de estos a Yes...más rara no podía ser la masa que salía de esa mezcla.  Así que dispuestos a recoger los instrumentos para dejar la música a un lado, cual no fue la sorpresa del grupo cuando se encuentran con que esas canciones que han colgado en Internet han producido una respuesta inesperada en sellos de discográficas independientes tanto de Norteamérica como de Inglaterra.  Están en el año 2020, considerando qué canciones, de las maquetas que tienen grabadas, se pueden retomar para limar asperezas, y cuando quieren tomar conciencia de qué es lo que ha pasado, Geese se encuentran grabando en los estudios su primer disco,

Projector, que se publicó el 3 de diciembre de 2021.  Vamos a escuchar una trilogía de canciones del grupo, una de cada álbum que llevan grabados por el momento.  Con producción propia, Projector incluye cortes como Disco.

La música de Geese, sus canciones, hay que escucharlas con atención y más de una vez porque tienen diferentes capas.  A finales del mes de junio del año 2023 se publicó el segundo disco del grupo, 3D Country (portada a la derecha).  Una vuelta de tuerca con respecto al primer trabajo, composiciones más elaboradas con un tejido estructurado que te pide más atención.  La producción pasa por las manos de James Ford, productor habitual de Arctic Monkeys que ha producido también trabajos de Blur, Depeche Mode y Pet Shop Boys, entre otros.  De este álbum el Cíclope extrae un corte, Undoer, una canción con una resolución que llama la atención.  A mí me hizo volver a escucharla, a ver qué te parece a ti.

La tercera canción que suena de Geese es Islands of Men y pertenece al último álbum de la banda, Getting Killed (foto de la portada a la izquierda) aparecido en el mes de septiembre del año pasado.  Se puede afirmar que todo está hecho ya, que no se descubre nada ni en música ni en ninguna manifestación de las artes, pero lo importante es cómo se interpretan todas esas formas, todas esas maneras ya existentes.  Geese vienen del post-punk y van hacia una reinterpretación del mismo.  Por el camino van incluyendo en su crisol creativo todo lo que les parece que pueden mezclar sin perder la dirección del punto al que quieren llegar.  O simplemente dotar de dirección al vector, dejando libre el cierre.

Aunque el núcleo del proyecto se ha mantenido bastante estable desde que eran amigos en el instituto, ha habido un cambio significativo en su formación más reciente, es decir, a partir del tercer trabajo.  Foster Hudson, una de las dos guitarras de la banda, ha dejado el grupo precisamente por aquello que temían al principio: que los estudios les impidieran continuar con la música.  En este caso, la opción de entrar a la universidad le hizo tomar la decisión de optar por una cosa u otra.  Esto ha supuesto que, de quinteto, hayan pasado a cuarteto, con la colaboración de Sam Revaz, teclista que ya había tocado el piano en el segundo disco, 3D Country.  Desde ahora es el quinto elemento sobre todo en las actuaciones en vivo, donde se encarga de los teclados en general.  

Tenía pensado incluir también una canción del álbum Heavy Metal, el disco en solitario del vocalista de la banda, Cameron Winter, pero no ha sido posible, 60 minutos dan para lo que es, una hora de música, pero queda pendiente junto a más canciones del grupo.

Con Geese y su último álbum terminamos por hoy.

Espero que te guste el programa.

Enlace: 

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-13-01-26

Libros Oscuros

Fotograma de la película Fausto, de 1926,
dirigida por F.W. Murnau

La última entrada en el blog Lágrimas de Valium de este año 2025 lleva la etiqueta de Literatura, Libros, aunque no se trate de libros de lectura sugerida como es habitual cuando se utiliza la clasificación de Literatura, Libros recomendados...  No te tomo del brazo como a un amigo y te digo: Oye, lee esto que es magnífico.  Sí te aconsejo: ¡Cuidado!  Lectura tóxica.  Todo comienza en estos días festivos de Navidad, ordenando libros en las baldas de la biblioteca de casa, haciendo sitio para los próximos inquilinos que se supone vendrán la mañana del Día de Reyes, si sus majestades de Oriente tienen a bien cumplir con los deseos de la carta escrita como todos los años.  Y empujando  unos ejemplares, subiendo y bajando otros, me he encontrado con dos obras que me parecen curiosas por su rareza y, especialmente, por su alta toxicidad.  

Para quienes vivimos la España franquista sabemos cómo funcionaba la educación en los colegios y el ambiente doméstico y casero, caracterizado por un catolicismo rancio y profundo.  Por supuesto en casas donde imperaba el nacionalcatolicismo.  Pero, ya fuese por convicción, o porque había que disimular, las buenas formas estuvieron más que presentes porque, ser ateo en aquel entonces, era sinónimo de revolucionario comunista y eso ya sabemos qué consecuencias tenía.  Todo estaba impregnado de Dios y la sociedad era como si estuviera formada por sacerdotes y monjas pero sin vestir hábito alguno.  Las recomendaciones para disfrutar del ocio de la infancia y la juventud eran claras y precisas.  En el campo de las lecturas había una literatura de formación muy común en las bibliotecas familiares de España que llegaban también a Hispanoamérica.  Y en estos días, limpiando el polvo de los estantes superiores de la biblioteca de casa, reubicando libros, me he encontrado con dos perlas oscuras de aquellos tiempos, cuando era un adolescente de 14 años recién cumplidos y ante tantas preguntas, dudas y otros procesos lógicos relacionados con la existencia, los adultos de casa me aconsejaron que leyese El libro del joven, original del médico francés, Dr. Carnot.

                     

También estaba El libro de la joven, pero este estaba dirigido al mundo femenino así como El libro del joven estaba indicado para el mundo masculino.  Ya se sabe: los niños con los niños, las niñas con las niñas.

Te preguntarás quién era este tal Doctor Carnot.  Su nombre real era Paul-Anselme Chanson (1885-1967).  Fue un escritor, conferenciante y ensayista francés especializado en temas de pedagogía, moral y orientación para la juventud.  No hay ninguna foto suya, tan solo una reseña de Edith Carnot, hija del médico y albacea de una obra literaria que comenzó allá por los años 40 y 50 del siglo pasado.  Ella habla poco de su padre y lo hace citándolo en tercera persona: él fue un afamado médico francés especializado en Ginecología y Urología que dejó escritos una serie de libros de carácter divulgativo-científico sobre el sexo y el amor.  El primero de los dos volúmenes fue el dedicado al mundo masculino, El libro del joven, publicado por primera vez en Francia en 1959 con el título Au service de l'amour.  Edition masculine.  En 1972 iba por la decimotercera edición y sería la decimocuarta, de 1974, la que se tradujera en España por Abel Ausus y se editara en Studium Ediciones.  ¿Y de qué trata?  El autor presenta una recomendación preliminar de la siguiente manera:

Redactado este libro para jóvenes en edad de ir al Servicio Militar, contiene explicaciones lo más precisas posible, sobre todo lo que concierne al amor en el orden fisiológico e incluso en el orden afectivo.  Era preferible ser completo, ya que, entre muchachos, se aborda cualquier tema.  Además, he pensado que el libro compuesto así podría prestar también auténticos servicios durante los primeros años de la vida conyugal.  A los muchachos más jóvenes que quisieran leer estas páginas, les aconsejo no hacerlo sin haber pedido consejo a sus padres.  El padre leerá el libro y juzgará si, por razón de las circunstancias, puede leerse con provecho.  O bien, encontrará, sin duda, preferible servirse de él como de guía para charlar con su hijo.

Para acabar la introducción, 

El autor recomienda no dejar este libro al alcance de los adolescentes que no tengan edad para leerlo con provecho.

A través de una serie de capítulos con títulos como Descripción y funcionamiento del aparato genital masculino (incluyendo esquemas, ilustraciones como se pueden encontrar en cualquier Enciclopedia o libro de Ciencias), El aparato genital femenino, etcétera, la obra tiene una meta y un sentido concreto: la vida matrimonial y la procreación.  Se reseñan los peligros de la libertad sexual, las posibles enfermedades venéreas, un insultante capítulo dedicado a la frigidez femenina y a sus posibles causas: rudeza del marido que abandona la ternura de los abrazos y besos cariñosos para actuar directamente según unos instintos egoístas; la infidelidad del marido que puede crear cierto recelo en la esposa predisponiéndola negativamente ante el acto sexual...
El libro de la joven, cuyo título original es Au service de l'amour.  Edition féminine, vio la luz en Francia en octubre de 1961.  Escrito con el aliento de Edith Carnot, la hija del doctor, supervisando la obra por encima del hombro de su padre, es la otra cara de la moneda de este díptico.  El libro del joven surge como sugerencia del hijo del autor: se encontraba haciendo el Servicio Militar y en uno de los permisos en el que vuelve al hogar, durante la comida, le sugiere al padre que escriba un libro hablando de las verdades absolutas sobre la sexualidad tal y como él, el doctor Carnot, había educado a sus hijos.  Que la ignorancia y el desconocimiento que ostentaban sus compañeros de milicias hacía necesario una obra de carácter científico pero pedagógico, que explicara los beneficios y maravillas de la vida matrimonial.  El padre le hizo caso pero despertó los celos de la hija que, al cabo de pocos años después y tras vivir obsesionada con la idea, consiguió que el progenitor hablase también de las jóvenes.  Se editó Au service de l'amour. Edition féminine en París, publicada por Editions Beaulieu en octubre de 1961 como está indicado más arriba.  En el mes de abril de 1968,  llegó a España, publicándose también en Studium Ediciones y también con traducción de Abel Ausus.  Como sucedió que tanto una obra como otra, la edición masculina y la edición femenina, tenían constantes correcciones que ampliaban conceptos, la edición española de El libro de la joven siguió las últimas revisiones realizadas en la última, por aquel entonces, reedición francesa del libro: la número 130.
Si El libro del joven comenzaba con el análisis pormenorizado del aparato genital masculino, tarjeta de presentación un tanto priápica, en el caso del Libro de la joven la introducción es más hollywoodiense: Para mejor comprender el amor.  ¡Oh, Roger!  L'amour, toujours l'amour...  Sí, sí, el Amor, porque la esencia del tratado científico sobre La Joven es contundente: la maternidad.  El capítulo titulado El desarrollo de la mujer lo deja claro:

La constitución física de la mujer -lo mismo que los dones morales y espirituales que emanan de su corazón, de su espíritu y de su alma-, la predisponen a la Maternidad.  Por tanto, está hecha FISICA y MORALMENTE para ser esposa y madre.  La Maternidad es el desarrollo normal de la mujer; al fundar una familia, la mujer realiza su destino, obedece a la llamada de la Naturaleza, se introduce en el camino de la felicidad.

Las mayúsculas no las pongo yo, vienen así tal cual las he transcrito del texto original.  El libro de la joven incluye también una guía, un panegírico sobre cómo escoger al novio apropiado que llegará a ser el marido justo y cabal.

Son obras profundamente influenciadas por la moral católica de la época, que buscaban equilibrar la formación del carácter con la educación biológica y espiritual.  Trataban temas que en aquel entonces eran tabú o difíciles de abordar en familia: la pubertad, el control de las emociones, la elección de carrera, el noviazgo y el sentido de la responsabilidad.  Fíjate que, en su momento, estos libros fueron innovadores porque intentaban hablar de tú a tú al adolescente, aunque hoy en día su lenguaje y sus consejos resultan excesivamente tradicionales y conservadores.  En la España de aquellos años sesenta los dos libros se vendieron como auténticos best-sellers aunque no quedara reflejado en ninguna estadística en prensa alguna.  Eran obras promocionadas en colegios de dirección religiosa y en algunos círculos tipo Grupos de Catecumenado y asociaciones de perfil católico dirigidas por un adulto que solían (y aún hoy en día siguen) haciendo propuestas de reflexión y meditación como: ¿Qué pide Jesús de mí?

De aquellos tiempos oscuros datan también otras dos obras literarias de recuerdo atroz: Amor. Diario de Daniel y Amar. Diario de Ana María, ambas del autor francés Michel Quoist.

Michel Quoist nació en Le Havre en 1921 y fallecía en 1997.  A los 18 años entró en el Seminario para ordenarse sacerdote en 1947.  Fue Doctor en Ciencias Sociales y Políticas por el Instituto Católico de París.  Creo que fue el único aspecto laico en su vida profesional, el nombre de la carrera universitaria con la que se doctoró, porque por lo demás su relación con el Estado Vaticano fue de entrega absoluta: coadjutor, consiliario de múltiples movimientos de Acción Católica, párroco, secretario general del comité episcopal francés para América Latina, responsable del servicio de vocaciones de la diócesis de Le Havre...  Fue también escritor, autor de dos libros de repercusión internacional, esos dos diarios (uno masculino, otro femenino) citados más arriba.  Fueron lecturas sugeridas y promocionadas como la lectura de los dos libros del Doctor Carnot, y al igual que aquellas, lecturas recomendadas tanto para ellos como para ellas, es decir, que una chica podía leer el libro dirigido a los jóvenes y un joven podía leer el que estaba dirigido a las chicas.  Más que podían: debían hacerlo.
Quoist publicó en 1956 Amor. Diario de Daniel, que sorprendió a la sociedad y cuyas ventas consiguieron que el libro se tradujera a diferentes idiomas.  En España recaló unos años después, allá por 1960, y se convirtió en uno de esos libros que, por su contenido, fueron divulgados en círculos familiares, amistades allegadas de la familia y núcleos de Acción Católica, como no podía ser menos, ya que la obra se prestaba al encomio de cualquier persona católica y bien intencionada.  El contenido es la historia de un muchacho cualquiera bajo unas circunstancias concretas: la falta de un padre o de un hermano mayor que actúe como referente para que ayude eficazmente en su formación.  Así la obra explica o muestra los diferentes problemas de los jóvenes en general y de los jóvenes de hoy en particular (de aquel final de los años 50 y principios de los 60) pero con una proyección en el futuro porque, los temas tratados, son comunes a cualquier época: relaciones con los padres, problemas sexuales, educación sentimental, educación del altruismo, descubrimiento del prójimo, del mundo y de sus problemas, amistades, estudios, porvenir, vida religiosa... 

Dentro de la unidad de vida es donde el hombre entero se desarrolla.  La doble acción de los compañeros y del sacerdote (figura del pedagogo) por una parte y la dualidad acción y entrega en favor de los demás son factores sobre los que se va a desarrollar la evolución de Daniel.  Sobre todo esa entrega a los demás, al prójimo, porque a través de ella el joven se libera de sí mismo y permite que Dios se introduzca en su vida y se le revele.

Dar. Diario de Ana María, lo publicó Quoist en 1962 y en España tardó tan sólo un año en ser editado por Herder.  No poseo los ejemplares de uno y otro libro pero sí las anotaciones (editorial, edición...) que hice cuando los leí y según dichas notas la traducción corría a cargo de Ramón María Sans Vila.

El Diario de Ana María cuenta la vida de una adolescente en camino hacia la juventud: de carácter altamente emocional, Ana María entregará a su Diario reflexiones sobre la amistad con otras chicas, los trastornos físicos y psicológicos derivados del proceso de la menstruación, el cansancio y aburrimiento de su propia sensibilidad, la estructuración de un camino que conduce al esfuerzo por alcanzar el verdadero Amor. 
Entre aquellas lecturas que hice con 14 años se encontraban estas dos obras más las dos anteriores, las del Doctor Carnot.  Quedaba un obstáculo más que saltar y fue el libro La vida sale al encuentro de José Luis Martín Vigil (1919-2011.

José Luis Martín Vigil fue sacerdote y escritor español.  Perteneció a la Compañía de Jesús desde 1948 a 1958 y continuó ejerciendo el sacerdocio hasta finales de los años 1960.  Martín Vigil fue afín al régimen franquista tanto que, en la Guerra Civil, luchó en las filas del bando sublevado.  Su producción literaria fue pródiga en narrativa, y cultivó, aunque menos, el ensayo.  Escribió novelas desde 1955 hasta 1994 de las cuales la primera, La vida sale al encuentro, escrita y publicada en 1955, tuvo una repercusión considerable en el cono Sur de América, sobre todo en México.

La novela cuenta la historia de un adolescente, su vida, sus amigos, su lucha desesperada por mantenerse puro y virgen... Recuerdo con horror la descripción de cinco o seis páginas donde, el protagonista, tiene que luchar con sus instintos más bajos porque le ha prestado un libro de Geografía a un compañero y este se lo devuelve envenenado: entre sus páginas encuentra un calendario de bolsillo ilustrado con una foto pornográfica.  El protagonista se queda hechizado por lo que muestra la foto, no puede dejar de pensar en lo que ha visto, vuelve una y otra vez a mirar, con lujuria galopante, lo que ha descubierto: en la foto (recuerda, pornográfica), se ve a una modelo vestida tan solo con un bikini mínimo, extraordinariamente sensual, provocativo y erótico.  Lo mira una vez, una, y ya no puede dormir, ni pensar, ni nada de nada, porque la tumefacción de su miembro, de su apéndice masculino, amenaza con explotar, tal es la erección que tiene.  Irremediablemente, sudoroso y con temblores, abre las páginas del libro donde se esconde la ínclita ocasión de pecar.  Y sí, cae en la tentación, y sí, comete el terrible Pecado de Onán: se masturba.  ¡Horror de horrores!  ¡Lo que ha hecho!  No descansa hasta desahogarse a través de la confesión con un sacerdote.

Martín Vigil, después de esta obra de presentación, escribió novelas ambientadas en la Guerra Civil como Muerte a los curas, Los curas comunistas, por citar algunas obras con esa temática.

En 1976 fue denunciado por pederastia pero la denuncia no prosperó.  La Compañía de Jesús, en el marco de una investigación interna, reveló en 2023 que tuvo dos denuncias de abuso de menores contra Martín Vigil entre 1957 y 1958 mientras estaba en Salamanca, obligándole a dejar la orden, aunque no fue denunciado a las autoridades.  Se trasladó entonces a la diócesis de Oviedo donde siguió ejerciendo el sacerdocio durante una década.  Allí fue denunciado por otros dos casos que llevaron a que el entonces obispo, Vicente Enrique y Tarancón, le echara de la diócesis a mediados de la década de 1960.  

Volviendo al principio, se podría pensar que, tanto El Libro del Joven como El Libro de la Joven, son perlas oscuras que ya no se encuentran si no es en el mercado de libros de segunda mano.  Pues no, son dos obras que se siguen reeditando, que van ya por un número de reedición desorbitado (edición número 300 y pico) y se siguen vendiendo.  Si consultas los catálogos de librerías on line de Internet, las secciones de libros de algunas macro tiendas, plataformas de la Red, te encontrarás con ellas.  Porque aún hay público para eso y máxime en estos tiempos que nos han tocado vivir donde el pensamiento extremo, las doctrinas ultra-conservadoras y otros espectros siniestros, reciben, promueven y exaltan, contenidos así, iluminados por la intransigencia más absoluta.  A veces, cuando leo los periódicos, veo los informativos de televisión o escucho los boletines de la radio, me da la sensación de que el Mundo se ha vuelto una película de Bud Spencer de bajo presupuesto, con malos perversos que únicamente se pueden vencer a sopapo limpio, como pasaba en las películas del titánico héroe.  Se podría decir aquello que cantaba el grupo Asfalto: Ven Capitán Trueno, haz que gane el bueno.

Ven Capitán Trueno que el mundo está al revés.  

Termina esta entrada sobre libros oscuros con una obra de Antonio Garmendia de Otaola titulada Lecturas buenas y malas a la luz del dogma y de la moral

     

Antonio Garmendia de Otaola, sacerdote jesuíta, nacía en Beasain, Guipúzcoa, en 1905, y fallecía en Bilbao en 1971.  Este colérico autor la emprendió con dos manifestaciones del Arte: la literatura y el cine.  Fue una especie de brazo alargado de aquel siniestro Índice de Libros Prohibidos creado por el Estado Vaticano en 1559 con el Papa Paulo IV sentado en el trono papal.  Esa fue la fecha oficial del nacimiento del Índice aunque había tenido un precedente entre 1551 y 1554, cuando la Inquisición española, bajo el mando de Fernando de Valdés y Salas y la Universidad de Lovaina, redactaron sus propios catálogos de libros prohibidos antes de que el Vaticano publicara la lista universal.  Sin embargo, debido a que el criterio de Paulo IV fue considerado demasiado severo, tras la fecha de clausura del Concilio de Trento en diciembre de 1563, el Papa Pío IV publicó una versión revisada en la que aparecen las 10 Reglas que regirían la censura de libros durante los siglos siguientes.  

El Índice de Libros Prohibidos fue oficialmente suprimido por el Papa Pablo VI el 14 de junio de 1966, tras la clausura del Concilio Vaticano II.  Con esta decisión, se eliminaron las censuras y sanciones (como la excomunión) que recaían sobre quienes leyeran los libros incluidos en la lista.  Pero eso fue en 1966 y la obra Lecturas buenas y malas a la luz del dogma y de la moral, de Antonio Garmendia de Otaola, data de 1955.  Aún quedaba tiempo si no para quemar a alguien, sí para inducir a las tinieblas del alma con argumentos elocuentes a quien se atreviera a adentrarse en las páginas de los libros escritos, por ejemplo, de André Gide, del que recordaba que toda su obra aparece condenada en el Índice.  Garmendia de Otaola, sobre todo, confirma el Índice de Libros Prohibidos y mete los dedos en la literatura de carácter popular (persigue las novelas policíacas por su mal ambiente, capaz de mal criar a los lectores más jóvenes).  Su legado quedó recogido, sobre todo, en el tono de censor que mantuvo con respecto al Cine, guiones y filosofía de realizadores habitualmente extranjeros.  Es fácil de encontrar en el mercado de segunda mano copias, y a buen precio, de este Lecturas buenas y malas a la luz del dogma y de la moral, un libro para ojear buscando algún autor conocido, para saber cómo fue catalogado por este artífice de la censura.

En otra ocasión hablaremos del ínclito Índice de Libros Prohibidos, desmenuzaremos con más detalle todo el proceso de su creación y desarrollo.  Por hoy lo dejamos aquí.

Feliz Salida del año 2025 y más Feliz Entrada del nuevo 2026.  Para el nuevo año deseo a todos los que estáis ahí a ese otro lado, Salud y poder seguir ejerciendo la Libertad.

Hasta el año que viene.

Cíclope 3.0 - 16-12-25

 

La Orquesta Femenina de Phil Spitalny (Fotografía de Everett)

Esta edición de Cíclope 3.0 del martes 16 de diciembre de 2025, es la última del año.  Para ajustar las vacaciones de Navidad, el Cíclope es el primero en disfrutar de estos días y por lo tanto, hoy, los sesenta minutos del espacio están dedicados a algunas novedades musicales del año que entra en su recta final.  Cíclope 3.0 no es un programa de novedades rabiosas: conoces bien el lema del Cíclope: Escuchamos la actualidad musical a través del Prisma del Tiempo.  Música de hoy y de otros años.  Las novedades que han sonado a lo largo de este año no son todas las que han aparecido publicadas, algunas han sonado por aquí y de esas cuantas hoy recuperamos las que podemos incluir en 60 minutos.  Empezamos con una banda irlandesa que responde al nombre de Sprints.

Tienen al frente a la compositora, cantante y guitarrista Karla Chubb (en la foto de la izquierda, de pie).  Saltaron al mundo de la música en 2019, un año después de tomar la decisión de formar el proyecto; en 2020, publicaron su primer single, formato que mantuvieron junto a EPs a lo largo de 11 discos editados entre 2020 y 2024, año de edición de su primer álbum.

El pasado mes de septiembre publicaron su disco número 12, un álbum titulado All That Is Over, un álbum con canciones como Something's Gonna Happen.

Hemos empezado por una de las novedades que hemos descubierto a finales de este 2025, sobre noviembre escuchábamos a Sprints.  En los primeros meses, en febrero, ocupamos un programa completo con un disco firmado por Juano Azagra.

Tras liderar proyectos como Bombones, All La Glory, Juano Azagra entregó a primeros de año un trabajo en solitario firmado con su nombre y apellido titulado Discovery.  

Discovery es un álbum de versiones de canciones que, a Juano, le resultan cercanas, queridas, que le gustan.  Es un paseo por la música por dentro, hecha con ganas, sin alharacas, versiones resueltas con ingenio y creatividad.  En el programa del mes de febrero que le dedicamos a Juano y su disco escuchamos los temas originales y después la versión.  Hoy recuperamos sólo la versión, en concreto, la que realiza sobre el original de Nirvana, Smells like teen spirit.

En este 2025 han pasado algunos ilustres desconocidos por el programa como un cuarteto británico que responde al nombre de Snapped Ankles.

Su puesta en escena así como las fotos de promoción, la ruedas de prensa que realizan...ante cualquier contacto con el exterior aparecen de la misma forma, vestidos con ropas de camuflaje.

Manejan estructuras y estética de música electrónica pero trenzadas con formas crudas del Post-Punk.

En 2025, estos Tobillos rotos, traducción del nombre del grupo, Snapped Ankles, publicaban el álbum Hard Times Furious Dancing que hoy recuperamos con el corte Smart World.

Ya que estamos con un sesgo de electrónica nos quedamos ahora con Morcheeba.

Del trío formado por los hermanos Godfrey y Skye Edwards tan solo quedan ella, Edwards, y de los hermanos Godfrey, únicamente el de la izquierda, Ross.

 

Morcheeba en 2025

 

En el mes de mayo vio la luz Escape The Chaos, el disco que ocupa el número 11 en la discografía de Morcheeba.  De este trabajo escuchamos Cooler Heads.

En el plano de las versiones de temas originales hay un músico cuyo trabajo deconstructivo me parece brillante.  Me refiero al multinstrumentista Ignacio Sierra que está detrás del poliédrico pseudónimo Dr. Soy que, a su vez, se abre en otra serie de alias.  Uno de esos nombres es el de The Great Supplanters que este año, sobre el mes de septiembre, realizaban una versión luminosa de la canción de Bob Dylan,  Subterranean Homesick Blues, interpretada  en clave de Hip-Hop.  Dr. Soy, a través de The Great Supplanters, como en tantas ocasiones, arriesgando y saliendo victorioso por su originalidad a la hora de reinterpretar, de  re-crear canciones.

Nos vamos en vuelo libre con un ala delta desde Sevilla a Escocia, a la ciudad de Glasgow.

En enero de este año, el grupo Mogwai (foto inmediatamente superior) publicaban su último trabajo titulado The Bad Fire.

Toma su título de la jerga de la clase trabajadora de Glasgow para referirse al infierno.  Tienen un puñado de canciones interesantes como esta que recuperamos: Si encuentras este mundo malo, deberías ver algunos de los otros.

Y aprovechando las corrientes positivas del viento para movernos de aquí para allá, saltamos al continente americano, al norte y en concreto a Washington D. C.  Allí, en 1961 nacía Thalia Zedek.

La primera relación con la música la tuvo en la Escuela Superior Springbrook, en el estado de Maryland, donde tocaba el clarinete en la banda de la Escuela.  Comenzó a interesarse por la guitarra, primero acústica y después la eléctrica.  El punto de fuga para volcarse sobre la guitarra fue Patti Smith.  Escuchó sus canciones y en los últimos tiempos de su adolescencia, Thalia viajó con su hermano mayor a Nueva York, para ver y escuchar en vivo a su admirada Patti Smith.  Tras el concierto, nada fue igual.  Thalía comenzó un camino personal que la llevó por diferentes proyectos (Come, Uzi, White Women...) hasta formar el grupo que lleva su nombre y apellido: Thalia Zedek Band.

Como tal, como la Banda de Thalia Zedeck, comienza a grabar en 2008.  El pasado mes de mayo se publicaba el nuevo trabajo del proyecto, The Boat Outside Your Window, con temas como Aliyah.

A Thalia Zedek Band la escuchábamos por primera vez en el mes de julio, en la misma fecha que estrenábamos el trabajo Una parte de ti, firmado por Cobalto.

Cobalto es Xan Medina (foto a la izquierda), una figura multidisciplinar cuya creatividad abarca principalmente dos áreas: la música y la pintura.  Está entroncado con una amplia tradición del Rock europeo y americano como demuestra en los seis cortes que forman Una parte de ti, publicado en junio.

Cobalto está formado por la batería de Marc Thio, un músico que ha trabajado con Mala Rodríguez, entre otros nombres.  Enrique Moreno, guitarra eléctrica, conectado con la existencia del grupo Los Satélites y Xan Medina, voz, guitarra acústica, alma del proyecto y diseñador de la portada del disco. De la producción se encarga José Carretero.  En el capítulo de colaboradores están el multinstrumentista y compositor Ignacio Sierra, que toca la guitarra bajo, Clara Sunyer en los coros y el productor José Carretero, que además se responsabiliza de la percusión, piano y guitarra.  De Cobalto recuperamos el corte Vuelve.

Por más que intente sintetizar la palabra en la locución para que suene el máximo de música posible en una hora, al final, el Tiempo nos vence y no pueden sonar todas las canciones que estaban seleccionadas.  Nos queda aún espacio para recuperar algunas novedades de este 2025 que, en un par de semanas, terminará.  En febrero, el Cíclope cumplió 11 años en la programación de Radio Tomares.  Ese mismo día sonó en el programa el último trabajo del músico Martín León Soto, MALESO, titulado La vida de mi historia.

MALESO ha utilizado diferentes combinaciones instrumentales para contar sus historias: guitarra eléctrica, acústica, piano, batería percusión, piano, sintetizadores...  Los ha ido conjuntando y, con la voz, ha ido desliando la serpentina de sus historias siempre dotadas del brillo que proporciona la elocuencia.  En esta ocasión MALESO daba una vuelta de tuerca a su quehacer musical y presentaba una suite para voz y cuarteto de cuerda.  La Vida de mi Historia está estructurada en 12 movimientos, 11 cantados más un instrumental, escrita y cantada por él, Martín León Soto, e interpretada con el cuarteto de cuerdas formado por los violines de Rafael Muñoz-Torrero y José Manuel G. Belmonte, la viola de Blanca Arbea y el violonchello de Alejandro Martínez, dirigido el cuarteto por José Manuel González.  El día que sonó en Cíclope 3.0, en febrero, escuchamos la suite completa, sin interrupciones entre un movimiento y otro.  Hoy recuperamos, para recordarlo, un fragmento, el titulado Geometría del amor.

MALESO, tercero por la izquierda, y el cuarteto de cuerda con el director, José Manuel González, primero por la derecha

Con la intimidad que deja el sonido de un cuarteto, nos adentramos en territorio sereno y calmado con un dúo que responde al nombre de Billow Observatory.

Billow Observatory es una colaboración ambiental transatlántica entre el músico danés Jonas Munk (a la izquierda, en la foto anterior) y Jason Kolb, a la derecha.  Ambos crean paisajes panorámicos de movimiento lento.  Munk y Kolb llevan trabajando juntos desde 2006 y sería en el año 2012 cuando publicaron su álbum debut homónimo.

Desde entonces han seguido explorando su sonido hipnótico e invernal en álbumes como el último, The Glass Curtain, (portada en la foto de la derecha) editado este año 2025, un trabajo repleto de un sonido puramente ambiental.

Este dúo, Billow Observatory, no deja de reconocer su influencia por antonomasia, la de Brian Eno,

que también ha sido novedad entre los discos publicados este año y no con uno, sino con tres álbumes.

En junio aparecían Lateral y Luminal, dos discos firmados a medias entre Eno y la cantante, compositora, artista, activista y diseñadora de folk-rock radicada en Londres, Beatie Wolfe, también conocida por sus conceptos de marketing progresistas.  Lateral es un disco con un perfil eminentemente enosificado, es decir, música ambiental electrónica; Luminal sin embargo es un disco de canciones, pero canciones con estructuras de baladas, lentas y etéreas.  Quedaba una vuelta de tuerca más, la publicación de un tercer álbum, Liminal, en octubre de este año.  Liminal es un punto intermedio entre los dos álbumes anteriores: canciones oníricas con un toque de ambiente, y también de experimentación con texturas de voces, instrumentación más oscura...

Para recordar esta trilogía recuperamos un fragmento de Lateral, una pieza de 1 hora y casi 5 minutos titulada Big Empty Country, que Eno divide en 8 partes o variaciones por sugerencia de Wolfe.  Originalmente está concebida como una pieza única pero fue en una audición que realizó ella, Wolfe, que le sugirió a Eno que intercalara como una especie de intermedio muy breve entre bloques de tiempo.  El Cíclope recupera la parte número 1.

Para cerrar el programa de hoy un descubrimiento que realizó el Cíclope en este año, el trío británico GoGo Penguin.

Este trío se formó en Manchester en 2012, año de publicación de su primer larga duración.  La distribución de instrumentos es piano, guitarra bajo y batería.  Esa es una estructura básica de Jazz, y Jazz es precisamente lo que hace el proyecto, solo que no se quedan ahí: la banda fusiona a la perfección lo jazzístico con Rock, Post-Bop y la música académica minimalista.  El resultado, lógicamente, es atractivo y satisfactorio porque saben lo que hacen.

Llevan unos siete álbumes publicados incluido el último, titulado Necessary Fictions, publicado este año, un disco del que recuperamos un corte, The Turn Within, que no va a poder sonar al completo porque no tenemos tiempo para más.

Llegamos al final de esta edición de Cíclope 3.0, donde hemos repasado algunas novedades musicales que han pasado por el programa a lo largo de este 2025.  Nos marchamos de vacaciones navideñas y volvemos el año que viene, en enero.  Por cierto, el primer martes de enero coincide con el día 6, Día de Reyes Magos, por lo cual regresaremos el martes siguiente, martes 13.  Cuídate mucho que, como bien sabes, eres fundamental para la existencia de Cíclope 3.0  Feliz Navidad, Feliz salida de año viejo y Feliz entrada en el nuevo.  Salud y Libertad para 2026 y que no falte la buena música.

Espero que te guste el programa.

Enlace: https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-16-12-25