Cíclope 3.0 - 22-09-26

 

(De la serie “Durmientes del Parque de María Luisa de Sevilla”). Tecla Rodríguez León, lleva todo el mes de septiembre plantando bulbos de anémonas durante las madrugadas de lunes a domingo, tanto en su casa como en casa de amigas y conocidas. Es una destacada especialista en jardinería que defiende el poderoso influjo de la luz de la luna en el correcto crecimiento de las plantas. Está superada por la falta de descanso. En la foto aparece dormida como un leño esperando a una amiga a quien le ha prometido una selección de cebollas de narcisos y de jacintos (nótese el bolso que muestra estar abarrotado de dicho contenido), para plantar antes de que comience octubre.

Cíclope 3.0 del martes 22 de septiembre de 2026.  Hoy comenzamos el programa con la mirada de asombro y el fulgor que da los primeros años de la adolescencia, cuando siendo eso, unos adolescentes, escuchamos por primera vez la música de un guitarrista llamado Jimi Hendrix.

Cuando supimos de su existencia había muerto.  Este protagonista de una obra tan breve como profunda (nacía en 1942 y fallecía en 1970), concentró toda su actividad y producción entre 1966 y 1970, cinco años en los que brilló como una bola de fuego incandescente, un cometa imposible cuya trayectoria y cola perduran a pesar del paso del Tiempo.

El debut discográfico de Hendrix en formato LP sería en en el mes de agosto de 1967, cuando se publicó Are You Experienced?, el álbum firmado por el proyecto The Jimi Hendrix Experience,

con Noel Redding, guitarra bajo y voz de coros a la izquierda en la foto, y Mitch Mitchell, batería, a la derecha.

El mismo año, 1967, pero en el mes de diciembre, segundo LP de la Jimi Hendrix Experience, Axis: Bold As Love.

Este segundo trabajo se sitúa entre su salto a la fama a mediados de 1967 con Are You Experienced? y la obra maestra artística, el doble LP Electric Ladyland de 1968, que se materializó apenas unos meses después.  Las  canciones de Axis: Bold As Love no son del todo psicodélicas como ocurría en el álbum de presentación, tampoco presentan la evolución del Blues-Rock de Electric Ladyland, pero constituyen un punto de inflexión donde Hendrix exploró las diversas facetas de su identidad, centrándose en su fortaleza como compositor.  Expresa sus emociones en un arcoiris de sentimientos que se corresponden con un estado emocional y mental transido de una cierta melancolía.  Si le preguntas a un fan acérrimo o a un crítico musical puntilloso, te dirán que este disco pues...bueno...está bien, pero vamos como Electric Ladyland...nada.  Personalmente no pongo las cosas de una forma tan extrema.  El segundo disco de Hendrix y Redding y Mitchell merece la pena por sí mismo.  

Noel Redding, guitarra bajo de The Jimi Hendrix Experience, hacía voces de coros y también fue voz solista en alguna ocasión.  Las composiciones eran de Hendrix y un par de veces el compositor fue Redding.  En este álbum con el que hemos comenzado el programa hay un corte compuesto y cantado por el guitarra bajo, She's So Fine, que la rescatamos.  La segunda y última vez que Redding compuso una canción fue en el siguiente LP, Electric Ladyland.  La situación en el trío se encontraba en un estado un tanto alterado: las relaciones entre el batería y el bajo con Hendrix sufrían constantes interferencias.  Hendrix llegaba tarde a las sesiones de grabación porque se había pasado la noche de fiesta; llegaba tarde en un estado un tanto alterado...no podían seguir...  Las cosas se pusieron peor a medida que avanzaban los meses.  Llegó la grabación de Electric Ladyland y Noel Redding presenta una canción compuesta por él, la segunda y última que entregaba al proyecto.  Little Miss Strange, el tema en cuestión, era y es una canción Pop, psicodélica, con un fuerte uso de guitarras acústicas y efectos de estudio.  Hendrix apenas participó en la grabación de la base musical, dejando que Redding grabara también partes de guitarra acústica y bajo.  Cantó él, Redding, con Mitchell en las voces de coros.  La relación entre los tres se tensó por días: tanto Mitchell como Redding estaban sobrepasados con el perfeccionismo obsesivo de Jimi Hendrix en el estudio, sus ganas de improvisar con otros artistas.  Las peleas entre él y el bajista, que eran de las gordas, aumentaron las distancias y las desganas.  Además, Hendrix no grababa una o dos veces la misma pieza, la repetía cuatro, diez, treinta...las veces que hiciera falta hasta que le parecía que no se podía hacer mejor.  Los estudios de grabación se convirtieron en una especie de Sala de Fiestas  donde amigos, conocidos y una infinita nómina de visitas tocaban en jam sessions improvisadas hasta altas horas de la madrugada, con el consiguiente mosqueo del personal de los técnicos de grabación.  Noel Redding comenzó a llegar tarde o sencillamente no se presentaba, por lo que Hendrix tuvo que tocar algunas veces la guitarra bajo en el Electric Ladyland.  Aún y así, un tema compuesto por el bajista, Little Miss Strange, aparecía en el mítico Electric Ladyland, la segunda canción que Redding compuso estando en el trío.  La segunda y la última porque aunque intentó cambiar no podía con el caos creativo que reinaba en aquellas sesiones de grabación.  Redding llegaba tarde, queriendo, o desaparecía, se marchaba, y la llamada telefónica posterior de Hendrix preguntándole dónde carajo se había metido provocaban unas peleas tan sonoras que llegó el día en el que guitarra bajo y batería dijeron que se acabó, adiós.  Y se fueron.

Mitch Mitchell continuó sentado a la batería hasta que nos dejó (1947-2008).  Tocó con Jeff Beck, Jack Bruce, John Mayall & the Bluesbreakers, Terry Reid y Rory Gallagher.  En 1971 publicó un LP firmado con su nombre y apellido donde mostró su sensibilidad como autor de algunas de las letras de las canciones.  En una de ellas afirmaba: He llegado al límite, he tocado el techo de mi aislamiento y mi soledad.  Dios, ayúdame a bajar.

Noel Redding (1945-2003) tuvo vida después de pasar por The Jimi Hendrix Experience aunque para él, después de todo,  fue un handicap ya que se esperaba que cualquier cosa que pudiera hacer sonara precisamente a Jimi Hendrix y en realidad no fue así.  Sobre 1968, aún sin haberse concretado la separación del trío, ya se había formado un nuevo proyecto llamado Fat Mattress, con Noel Redding como vocalista y guitarra.

Redding, el primero por la derecha, lideraba este cuarteto que llegaron a telonear a The Jimi Hendrix Experience.  Redding cantaba, tocaba la guitarra y cuando terminaba, tomaba la guitarra bajo y continuaba sobre el escenario con Hendrix y Mitchell.  Esto duró muy poco.  Cuando Fat Mattress se volvió una realidad independiente se metieron en los estudios de grabación y grabaron un primer LP bautizado con el nombre de la banda.

Fat Mattress, de 1969, fue un disco un poco...tibio.  Ni frío ni caliente: con intenciones psicodélicas, porque los miembros del grupo iban detrás de la música habían escuchado (mucho rock psicodélico y folk-rock californiano), pero orientando todo hacia las armonías vocales. A menudo es como si buscaran hacer una amalgama de  Byrds, Buffalo Springfield, Love, con algunos guiños fugaces a la psicodelia británica de Traffic.  Pero dejan en la audiencia una sensación de buenas intenciones, de reflejar buenas vibraciones en su influencias pero el resultado es opaco, no llegan a brillar plenamente.  

Al año siguiente, 1970, el grupo vuelve a intentarlo.  Se meten en los estudios de grabación y sacan Fat Mattress 2.  No se rompen la cabeza al bautizar el nuevo disco.  Un poco más de lo mismo que habían mostrado con el álbum anterior aunque en este caso hay un tema muy significativo que se recuperó años después.  Más arriba aparece una cierta influencia poli-psicodélica, la estadounidense y la británica, en este caso por parte de Traffic.  De hecho, un ex-Traffic, Chris Wood, saxo y flauta, tocaba este último instrumento en el primer LP de estos Fat Mattress, en el tema All Night Drinker.  La banda capitaneada por Noel Redding, en la reedición del segundo disco del grupo en el año 2016, incluyeron (ellos no, está claro, la discográfica) un tema largo que solían interpretar en vivo, una composición titulada The River con una duración de 17 minutos que anticipaba, allá por 1970, las formas que después adoptó un rock más elaborado, con perfiles libres de Jazz y otras maneras.  Un corte del primer disco y este El río largo es lo que recupera el Cíclope de este cuarteto.

Tras estas turbulencias nos adentramos en terrenos más calmados, más serenos, de la mano del compositor, cantante e intérprete nacido como Iain David McGeachy pero conocido por su pseudónimo artístico, John Martyn.

Nacía en Inglaterra, en 1948.  Sería en la década de los 60 cuando se conoció a este hombre que arrancaba del Folk para conseguir un trenzado musical extraordinariamente rico formando un tejido con una trama de hilos que conectaban el folk, el blues, el jazz y el rock, con una tendencia hacia la experimentación electrónica y atmosférica.

En 1973, John Martyn publicaba el LP Solid Air.  De ese álbum rescatamos el tema que le dio título al trabajo, una composición que dedicó a su amigo Nick Drake.

Ambos habían nacido en 1948 y Drake fallecía en 1974.  Martyn lo haría en 2009.  Desde que murió su amigo, Martyn abrió todas sus actuaciones en vivo con una canción que aparece en ese LP que reproduce la foto anterior, el tema titulado May You Never, Que nunca te vayas, en memoria de Drake.

Y al citarlo, no nos queda otra que escuchar algo de él, de Nicholas Rodney Drake.

Cantante, compositor de las letras y de la música de sus canciones, guitarrista de perfil Folk, nacía el 19 de junio de 1948 en Rangún, Birmania.  Fallecía el 25 de noviembre de 1974 en Tanworth-in-Arden, Inglaterra.

Desde su adolescencia la música significó un fin en sí misma para él.  Esta influencia le llegaba, directamente, por su madre, Molly Drake, que tocaba la guitarra, el piano y además cantaba.  Para el hijo, componer música, canciones, era habitual y desde adolescente empezó a gestar ideas para formar un grupo de música con compañeros de clase.  Recién cumplidos los 18 años empezó a tratar de vencer su timidez para tocar la guitarra y cantar ante un público no muy numeroso, los asistentes a cafés donde se interpretaba música folk en directo.  Tendría unos 19, 20 años cuando, en uno de esos locales, lo escuchó tocar y cantar uno de los miembros de una institución folk británica como la banda Faiport Convention.  El joven Drake llamó la atención de ese miembro de la Faiport que no dudó en recomendar al cantante al productor Joe Boyd que, por aquel entonces, era una figura clave de la escena folk-rock británica y, además, productor de Fairport Convention y The Incredible String Band.  Boyd escuchó a Drake en directo y cuando terminó le pidió una cinta.  Había quedado tan impresionado que le ofreció un contrato al muchacho de 20 años.  Y así se comenzó a planificar lo que sería su primer LP publicado el 1 de septiembre de 1969, en el sello Island Records, bajo el título Five Leaves Left.

Para la realización de este álbum de debut, Drake contó con la colaboración de algunos músicos del mundo folk británico: Richard Thompson de Fairport Convention y el bajista Danny Thompson de Pentangle.  El disco tiene una atmósfera misteriosa y evocadora.  Los textos de las canciones se adentran en el espíritu de la melancolía.  No hay desesperación, angustia.  Hay un viso tranquilo ayudado por la voz mesurada de Drake.  Recuperamos el tema River Man.  

El disco no tuvo repercusión apenas.  Un año después, el 1 de noviembre de 1970, publicó el LP Bryter Layter.  En esta ocasión optó por arreglos de carácter jazzístico, incluso las canciones, algunas, se quedan sin letra, tan solo instrumentales.  Al igual que el álbum anterior, este no resulta nada comercial, no hay cotas de ventas reseñables.  Si Drake tenía un problema de timidez extrema que le impedía, a veces, tocar en directo, este doble fracaso en la industria fonográfica lo volvió aún más solitario y taciturno.  Cayó en una profunda depresión que a menudo le impedía componer, trabajar o incluso caminar y hablar.

El 25 de febrero de 1972 veía la luz Pink Moon, un LP extraordinariamente breve: 26 minutos y 30 segundos.  Por qué canciones tan cortas que da como tiempo total ni siquiera media hora, según Drake, porque estaba muy claro: simplemente no tenía nada más que decir, ni que grabar.  Pink Moon es la obra que lo convirtió en la figura de culto que sigue siendo actualmente.  En este disco no hay músicos de acompañamiento, simplemente Drake con su voz, la guitarra acústica y un poco de piano, grabado por su productor habitual, Joe Boyd, pero sin la intervención de nadie más.

Los últimos años de Drake estuvieron marcados por crecientes problemas psiquiátricos, que lo llevaron a ser hospitalizado durante varias semanas.  El 25 de noviembre de 1974, falleció en casa de sus padres por una sobredosis de antidepresivos.  Mucho se ha especulado con un suicidio, aunque algunos familiares y amigos lo negaron.  Drake es venerado por muchos músicos y oyentes de hoy en día, con seguidores que abarcan varias generaciones. Quienes no lo conocieron en su momento encontraron mucho que redescubrir al volver a escucharlo, y su soledad reflexiva conecta directamente con las sucesivas generaciones de artistas que comparten su sentimiento de melancolía y alienación.  Pink Moon, el tema que da título a su último álbum, se usó casi 30 años después en un anuncio de la casa Volkswagen para televisión, lo que le valió un renovado reconocimiento.

Por nuestra parte, de ese último disco de Nick Drake, recuperamos el tema Things Behind The Sun, Cosas detrás del sol.

No nos podemos olvidar del libro Nick Drake: Remembered For A While, publicado en Inglaterra en noviembre de 2014.  En España se editó, en primera edición, en octubre de 2017, en la editorial Malpaso Ediciones con traducción de Luis Murillo Fort, con el título Nick Drake: Recuerdos de un instante.

Es un magnífico volumen en tapa dura que no se corresponde con la idea de una biografía al uso.  La idea de este libro partió de Gabrielle Drake, hermana de Nick, y fue escrito por ella y Cally Callomon, gestor y custodio de la obra de Nick Drake.  El libro reúne fotos realizadas por los padres del protagonista, Rodney y Molly Drake, testimonios de quienes convivieron con el músico, por lo que se suceden artículos de prensa, noticias de periódicos, comentarios de los discos, recuerdos, cartas de amigos, de familiares, de músicos, productores, entrevistas, la edición bilingüe de las letras de sus canciones, fragmentos de sus diarios...

Vamos a cerrar esta edición de Cíclope 3.0 con una de las figuras de la música actual que confiesan tener influencia de Nick Drake.  Se trata de Robert Smith, que comentó que el nombre de The Cure proviene directamente de una línea de la canción Time Has Told Me del primer LP de Nick Drake.  Esa línea dice 

a troubled cure for a troubled mind (una cura problemática para una mente perturbada)

En la foto anterior, The Cure en 1992, el año en el que el grupo publicó su álbum Wish.

Para Robert Smith, Drake no es sólo una influencia literaria.  Precisamente en ese álbum de 1992, la canción To Wish Impossible Things, Desear cosas imposibles, captura la atmósfera etérea y melancólica de aquel primer disco de Drake, Five Leaves Left.

Pues con The Cure bajo el cielo protector de Nick Drake cerramos la edición de hoy.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-22-09-26