 |
Ryuichi Sakamoto (1952-2023) |
Cíclope 3.0 del martes 12 de septiembre de 2023.
Pido disculpas por el retraso y el desorden a la hora de publicar las entradas del programa en el blog, la causa ha sido la estancia hospitalaria y el pos-operatorio que me ha dejado fuera de la órbita, de la cadencia habitual de emisión de Cíclope 3.0 y posterior enlace en la entrada correspondiente del blog. Menos mal que las diferente ediciones del programa en Radio Tomares han cumplido con las fechas del almanaque. Sólo queda ponerlas al día y a eso vamos, con el programa del martes 12 de septiembre, Especial dedicado a la figura de Ryuichi Sakamoto. Fallecía el pasado 28 de marzo de este año en curso. El 9 de mayo le dedicábamos el programa y prometí que volveríamos con él en una segunda entrega y esa segunda parte está aquí para volver a escuchar su música, para tal vez descubrir piezas que no conocías o, sencillamente, para volver a escuchar composiciones que envuelven como un consuelo cálido, o refrescante, según se escuche.
Para deslizarnos a lo largo de estos 60 minutos dedicados a su música vamos a seguir el mismo patrón que utilizamos para el primer Especial Ryuichi Sakamoto In Memoriam, es decir, no vamos a trazar un orden cronológico, sino que saltaremos de aquí a allá. De lo último que se conoce de él, la banda sonora de la película Monstruo, a lo que fue el segundo trabajo que firmaba con sus compañeros de la Yellow Magic Orchestra publicado en 1979 con el título de Solid State Survivor.
Este Solid State Survivor fue el segundo álbum de la banda japonesa de música electrónica Yellow Magic Orchestra, lanzado en 1979. Posteriormente fue publicado en 1982 en el Reino Unido en LP y cassette, también en 1992 en los Estados Unidos en CD.
Con Solid State Survivor, un conjunto enérgico de canciones síntesis de música disco y pop, el trío continúa la línea trazada cinco años antes por Kraftwerk, solo que sigue un camino más diversificado y alegre. Donde Kraftwerk había sido serio y estructural, este disco establece la plantilla de YMO para el pop electrónico con menos minimalismo y un uso más variado de líneas de sintetizador. Consiguen momentos verdaderamente llamativos como la versión del tema de los Beatles, Day Tripper, que es el corte que recupera el Cíclope.
El álbum fue un ejemplo temprano de Synth-Pop o Techno-Pop, un género que la banda ayudó a desarrollar junto con su álbum anterior, Yellow Magic Orchestra de 1978. El álbum también es conocido como Behind the Mask, título de la canción del mismo nombre e incluida en el LP y que había sido banda sonora en 1978 para un comercial de reloj de pulsera de cuarzo de la marca Seiko. La canción ha tenido numerosas versiones producidas por otros artistas, sobre todo Michael Jackson que, junto a Quincy Jones, produjo una versión un poco más dance-funk del clásico techno con letras adicionales, originalmente pensada para su álbum más vendido, Thriller, de 1982. A pesar de la aprobación del compositor Sakamoto y el letrista Chris Mosdell, finalmente se eliminó del álbum de Jackson debido a problemas legales con la gerencia de Yellow Magic Orchestra. Sin embargo, Eric Clapton y The Human League, entre otros, realizaron más tarde varias versiones del tema en cuestión, antes de que la versión de Jackson finalmente apareciera en su álbum póstumo en 2010.
El término neo geo, o nuevo mundo, se deriva del propio Sakamoto como una forma de describir la diversidad musical mundial con respecto al género, algo similar a la música mundial y el ritmo mundial. El concepto le sirvió para bautizar uno de sus LPs.
Neo Geo, publicado en 1987, es un álbum firmado por nuestro protagonista en solitario con una nómina de colaboradores tan larga como variada. La combinación estelar que realiza de estilos musicales occidentales y orientales es una seña de identidad del compositor/intérprete, un éxito triunfal para él como creador y una garantía asegurada para la audiencia. En este trabajo toma una canción folclórica tradicional japonesa y la combina con un ritmo funk elaborado por colaboradores como Bootsy Collins y Bill Laswell (ambos guitarra bajo), Sly Dunbar en la batería, David Van Tieghem percusión. En el tema que recupera el Cíclope, Risky, la colaboración vocal es de Iggy Pop, un Iggy Pop moderado que presta la voz y la letra, y no parece en absoluto un intruso.
Del año 1987 saltamos hacia atrás, al año 1981, para reencontrarnos de nuevo con la Yellow Magic Orchestra.
En Japón, la portada fue diferente.
Si no recuerdo mal, este LP de YMO fue el primero que se publicó en España y lo hizo en 1982, un año después de su edición original.
Technodelic fue el quinto álbum de estudio de la banda y se destaca por su enfoque experimental y el uso intensivo de samples digitales que no se usaron combinados hasta mediados o finales de la década de 1980, lo que resultó en un sonido más minimalista y vanguardista en comparación con su trabajo anterior. La cantidad de información técnica y específica de instrumentos y aparatos de electrónica utilizados es exhaustiva y la dejo estar, sobre todo por los términos y tecnicismos utilizados. Prefiero entrar en otros detalles como por ejemplo que
al igual que con muchos de los lanzamientos de YMO, los títulos de las canciones están impresos en japonés e inglés, haciendo uso de los kanji, uno de los tres sistemas de escritura japonesa junto con los silabarios hiragana y katakana, para los que existen reglas generales a la hora de combinarlos, pues cada uno tiene una función diferente.
Se considera el primer álbum lanzado que presenta principalmente samples y bucles, lo que influye en el uso intensivo de muestras y bucles en la música popular. El enfoque de Yellow Magic Orchestra para muestrear música fue un precursor del enfoque contemporáneo de construir música cortando fragmentos de sonidos y haciendo bucles usando tecnología informática. Del álbum Technodelic de la YMO, el Cíclope recupera una composición de Ryuichi Sakamoto, Seoul Music.
De los vericuetos de la electrónica a las espirales de instrumentos acústicos, en concreto el piano, el instrumento por antonomasia para trabajar de Ryuichi Sakamoto. Con el violonchelo de Jaques Morelenbaum y su esposa, la vocalista Paula Morelenbaum, Ryuichi se marchó a Brasil para grabar, interpretar en vivo y esponjar armonías brasileñas de músicos como Antonio Carlos Jobim, Caetano Veloso o João Gilberto. El resultado quedó registrado en dos álbumes, uno del año 2003 y que se publicaría con el título A Day in New York, grabado en vivo en el estudio e incluía canciones que habían estado interpretando juntos en la gira por Estados Unidos del año 2002 de su álbum anterior, Casa, un tributo a Antônio Carlos Jobim. El énfasis de las composiciones que forman el disco está en las formas que tienen de interpretar las canciones. La música es exquisita, suavemente discreta y brillante como un espejismo de calor. El matrimonio Morelenbaum aporta, cada uno, su toque de distinción:
Paula, con su voz y sensibilidad extraordinaria, capaz de arrebatar a cualquier oyente realizando sus interpretaciones.
Su compañero sentimental, Jacques, con el violonchelo, mantiene un sentido de descubrimiento en su forma de tocar, y la inclusión del instrumento de arco ofrece una sensación casi de música de cámara a esta música de cuna brasileña, trayendo otra dimensión al sonido.
Hay dos colaboradores importantes:
Luiz Brasil en la guitarra
Pero la verdadera revelación del álbum es Sakamoto, que se llega a integrar de tal forma que cuesta creer que no sea brasileño. Es hábil en el apoyo rítmico y nunca insiste demasiado en sus solos.
De este álbum escuchamos Corazón vagabundo, una canción original de Caetano Veloso.
Ya que nos hemos situado en Brasil vamos a dar un paso de dos años hacia atrás, al año 2001 cuando se publicaba Casa-Tribute to Jobim, la obra en la que se recoge el origen del amor de Sakamoto por la música y los compositores/intérpretes de Brasil.
Este es un álbum de estudio del año 2001 del trío formado por el matrimonio Morelenbaum, Jacques y Paula, y el pianista Ryuichi Sakamoto. Es un homenaje al músico y compositor brasileño Antônio Carlos Jobim, con la mayoría de las canciones grabadas en su casa de Río de Janeiro, utilizando su piano de cola. El matrimonio Morelenbaum fueron una parte de la vida de Antonio Carlos Jobim en su última década, actuando en vivo y grabando con él y dando forma a la música de sus últimas grabaciones, por lo tanto, es completamente apropiado que los Morelenbaum, junto con nuestro protagonista, viajasen a la idílica sala de música de Jobim en su casa, sobre Río de Janeiro, para hacer algunas grabaciones íntimas en el lugar donde él compuso música, con Sakamoto tocando su piano de cola. Se realizaron más grabaciones en otros dos estudios de Río, y se grabaron dos pistas adicionales en vivo en Tokio, pero el ambiente de intimidad permanece intacto a lo largo del disco. Todas las canciones presentes en este disco se han publicado antes, muchas datan de 1958, pero hay algunos temas del material de Jobim no grabados anteriormente, que son estrenos, aunque en los créditos no se los menciona. Hay al menos una primera grabación que se puede verificar, Tema Para Ana, un dúo breve y atractivo para violonchelo y piano escrito por Jobim para su esposa, Ana, y que no se publicó hasta un año después de la muerte del compositor en 1994. La voz oscura de Paula es suave, ya sea cantando en inglés o portugués, es la personificación de la playa brasileña misma. Y el violonchelo de Jacques amplifica el elemento de melancolía que atraviesa gran parte de Jobim.
El trío recibe ayuda de músicos como Paulo Jobim, en la foto de la derecha, guitarrista, hijo de Antonio Carlos Jobim.
Luiz Brasil, guitarrista brasileño, citado más arriba.
El percusionista Marcos Suzano, otro paisano también habitual en el tejido musical de Brasil.
El bajista Zeca Assumpçao
La voz de Ed Motta, un profundo especialista de la música popular brasileña.
Todos estos músicos aportan su saber hacer e imponen ritmos abiertos en todo lo que es el contenido del disco. La portada en sí es un viaje de nostalgia con clase, una fotografía del Pan de Azúcar, la playa de Ipanema y el paisaje circundante de Río. De este álbum homenaje a Jobim recuperamos el tema O grande amor.
Sí, la cinta es de 1991, pero el disco con la banda sonora se publicaba un año después, en 1992. Los efectos combinados de voz, música y letras es una de las características más destacadas de Almodóvar como cineasta. Encuentra su economía musical más significativa en los boleros altamente expresivos que están al frente de esta película. Almodóvar explicó que escuchó una enorme cantidad de canciones para encontrar las que usó en la película. Finalmente eligió Piensa en mí de Agustín Lara y Un año de amor de Nino Ferrer/Mogol/Alberto Testa. Luz Casal, famosa como cantante de rock, interpretó las dos canciones que serían incluidas en su disco A contraluz, lanzado en 1991.
En la banda sonora aparecen un par de piezas compuestas por Miles Davis en la década de 1960, que estaban inspiradas en el flamenco: Soleá y Saeta, originales de Gil Evans, ambas incluidas en su disco Sketches of Spain. El tejido de la banda sonora se amplía con canciones como Pecadora, un merengue de Los Hermanos Rosario. También suenan dos temas compuestos por George Fenton originalmente para la película Las amistades peligrosas de 1988. Pero el grueso principal de la banda sonora de Tacones lejanos, el score original, se debe a Ryuichi Sakamoto, que demuestra, una vez más, su extraordinaria capacidad para levantar una arquitectura sonora debidamente ensamblada con el espíritu de la historia. Sin embargo la partitura no gustó a Almodóvar que, al final, accedió a dejarla tal y como el compositor había ideado. Escuchamos el tema principal del score de la película.
Tres músicos compositores/intérpretes confluyen tras la partitura:
Bryce Dessner, compositor academicista norteamericano, guitarra de la banda asentada en Brooklyn The National
Alva Noto, cuyo nombre real es Carsten Nicolai es un artista y músico alemán afincado en Berlín. Para sus producciones musicales utiliza el seudónimo de Alva Noto. Forma parte de una generación de artistas que trabaja intensamente en el ámbito de transición entre la música, el arte y la ciencia. Con una fuerte adhesión al reduccionismo, lleva sus experimentos sonoros al campo de la música electrónica creando su propio código de signos, símbolos acústicos y visuales.
El tercero es nuestro hombre, Ryuichi Sakamoto.
La banda sonora de la película The revenant
está compuesta por Sakamoto y Alva Noto con música adicional de Bryce Dessner.
Sakamoto y González Iñárritu se pusieron en contacto originalmente después de que el director usara composiciones de Sakamoto en su película Babel de 2006. Tras una pausa profesional de un año en 2014, después de que le diagnosticaran un tipo de cáncer de garganta, el trabajo de Sakamoto en The revenant marcó su regreso a la industria a pesar de que todavía estaba en medio de la recuperación. En octubre de 2015, se supo que tanto Noto como Dessner se unirían a nuestro protagonista en la banda sonora de la película. La intervención de Alva Noto, un colaborador frecuente de Sakamoto, fue solicitada personalmente por él mismo debido a su preocupación por el estado de su salud, para poder asegurar que se cumpliría con la finalización de la partitura.
El álbum de la banda sonora se publicó digitalmente el 25 de diciembre de 2015 y en CD el 8 de enero de 2016.
La partitura fue nominada a Mejor partitura original en los Premios Globo de Oro de 2016 y Mejor Música de Cine en los Premios de Cine de la Academia Británica, BAFTA, de 2016.
La partitura fue declarada no elegible para el Premio de la Academia a la Mejor Partitura Original en los Oscar de 2016 porque fue compuesta a partir de la música de más de un compositor. De ese score escuchamos el tema principal.
La colaboración entre el autor intelectual del microsonido, Carsten Nicolai, conocido por el nombre artístico de Alva Noto y Ryuichi Sakamoto viene de lejos y continúa donde terminó su primera serie de sesiones, el álbum Vrioon del año 2002. Después llegarían otras: Insen, 20 de Marzo 2005; Revep, 6 de Junio 2006; Utp_, 14 de Julio 2008; Summvs, 2011; The revenant – OST, 25 de Diciembre 2015 y Glass, 16 de Febrero 2018. Exceptuando el caso del score de The revenant, la instrumentación sigue siendo la misma: Sakamoto en el piano tocando acordes densos y melancólicos que suenan y se desvanecen gradualmente entre la programación de batería digitalmente nítida y limpia de Noto y sus ondas sinusoidales.
 |
Insen - 2005 Ryuichi Sakamoto & Alva Noto |
Pero esta vez, Noto simplemente no establece un lecho de ritmos acentuando la interpretación de Sakamoto, sino que juega con los sonidos y los manipula. El resultado es un conjunto más unificado de composiciones que se pliegan y entrelazan entre sí, lo que elimina la sensación de improvisación que glosaba su primer disco. Estoy hablando del álbum Insen del año 2005, del que escuchamos un fragmento. Es un trabajo donde la compensación da como resultado un disco más cohesivo con una dirección nítida y enfocada que es fácilmente uno de los mejores lanzamientos de Alva Noto y otra joya en una corona musical llena de ellas para Sakamoto.
En el año 2000, el 17 de mayo, veía la luz un EP firmado por Sakamoto con el título Lost Child. Es una misma composición con el mismo nombre separada en tres versiones diferentes con instrumentación distinta. La completa es la que reúne a Mari Fujiwara en el violonchelo, Fuminori Shinozaki primer violín, Yuuko Iwasaki segundo violín, Hirohito Furigawara viola y Ryuichi Sakamoto piano, además de componer, arreglar, mezclar y producir el disco. De las tres versiones nos quedamos con la que reúne todos los instrumentos.
Así hemos llegado a los últimos minutos de esta segunda entrega del Especial In Memoriam por Ryuichi Sakamoto. Vamos a terminar con dos cortes del álbum Async del año 2017.
Async, es cierto, no es uno de los álbumes más accesibles de Sakamoto, pero si el oyente está dispuesto a dedicar varias escuchas hasta que todo tenga sentido, termina siendo bastante poderoso. Como muestra, dos cortes: Andata y el tema que le da título al álbum, Async.
Así cerramos esta edición de Cíclope 3.0
Espero que te guste el programa.
Enlace:
No hay comentarios:
Publicar un comentario