Cíclope 3.0 - 15-09-20

Nueva edición de Cíclope 3.0, la del martes 15 de septiembre.  Tomamos un globo sonda, como ilustra la imagen de cabecera, y lo lanzamos al espacio estereofónico, para que capte vibraciones que pasarán a través del prisma del tiempo, que es como escuchamos música con el Cíclope.  Hoy, para comenzar, ecos de finales de los años 70 con Peter Gabriel.

Gabriel, la Voz de la banda Genesis desde 1969, abandonó el proyecto tras la grabación y gira internacional del álbum conceptual The Lamb Lies Down on Broadway, aparecido en 1974.  En el 75 se acabó la promoción del disco y el músico escogió el vuelo solitario para seguir trabajando las formas de la música.
La primera entrega de su ingenio
sin la participación de ninguno sus antiguos compañeros fue en 1977 cuando se editó Peter Gabriel I.  Los cuatro primeros álbumes que firmó fueron bautizados con los guarismos correspondientes del 1 al 4.  El saber popular los denominó por la imagen de la carpeta que ilustra cada una de esas entregas y así el primero se le conoce como el del coche.

Peter Gabriel 1 - 1977

Durante el año 1976 se fue gestando esta primera entrega del vocalista de Genesis en solitario.  Ni sombra de lo que había estado haciendo hasta el momento porque este disco se distanciaba de su trabajo anterior presentando una amplia gama de registros: Rock, influencias de la música de Cabaret, Aires jazzísticos, Vértigo orquestal...  Sus antiguos compañeros en Genesis no aparecen en la lista de colaboradores, que es amplia:
Steve Hunter, guitarra eléctrica y acústica, músico colaborador de Aerosmith, Lou Reed o Alice Cooper, entre otros.
Tony Levin, guitarra bajo, miembro de la corte actualizada de King Crimson durante años y elemento básico en proyectos de perfil progresivo.  Allan Schwartzberg, veterano batería y percusionista que ha militado entre otras bandas en la legendaria Mountain, también con James Brown.  Robert Fripp, guitarra eléctrica.  Hasta la Orquesta Sinfónica de Londres envuelve una de las composiciones de perfil wagneriano.  Gabriel queda al frente vocal, letra de las canciones, teclados y flauta.  La producción corrió a cargo de Bob Ezrin, responsable de algunas grabaciones de bandas como Pink Floyd, Kiss, y solistas como Alice Cooper o Lou Reed.
El primer disco de Gabriel en solitario cubrió expectativas y descubrió que había mucho que esperar de él.  De ese disco nos llega Solsbury Hill, una canción que habla de por qué dejó el seno de la banda Genesis.  ¡Ojo!  No esperes alusiones, asociaciones de ideas, razones de ese por qué.  La letra de la canción, como todas las letras de Gabriel, con o sin Genesis, son herméticas además de introvertidas.  Las palabras le sirven para llegar a una musicalidad que desarrollada lleva a un lenguaje formado por palabras y otros sonidos emitidos con la voz.
Gabriel lleva años sin entrar en los estudios de grabación.  Habitualmente sus trabajos han estado separados por uno o, a lo máximo, tres años, excepto a lo largo de la década final del siglo pasado cuando llegan a pasar diez años entre un disco y otro.  Us vería la luz en 1992 y el siguiente álbum de estudio data de diez años después, Up, 2002.  Cierto es que por en medio de ambos discos está OVO, un encargo para ilustrar la inauguración de la Cúpula del Milenio de Londres, en el municipio de Greenwich, un edificio construido para albergar una exposición conmemorativa del comienzo del tercer milenio, pero disco original sin otra referencia que el hecho de hacerlo, para eso este Up.

Up - 2002

Up fue un disco largamente esperado porque el autor habló de la obra durante casi cuatro años antes de que apareciera.  No es un disco accesible, ni es fácil de escuchar y captar en una primera audición, por lo que para muchos seguidores el resultado final se les atragantó.  Una pena porque Up es de los mejores discos que el músico ha grabado en lo que llevamos de siglo XXI.  Él mismo se encarga de la producción contando con una lista de colaboradores extraordinaria: Manu Katché en la batería, Tony Levin, habitual de las grabaciones de Gabriel,  repite con su guitarra bajo, The Blind Boys of Alabama participan como voces de coro (¿te acuerdas de la canción que ilustraba la careta de presentación de la serie de televisión The Wire?  En la primera temporada, la canción, Way Down The Hole, compuesta por Tom Waits, estaba interpretada por este grupo de hombres negros y ciegos).  Up tiene ese colorido tan personal que Gabriel proyecta sobre sus obras: desde la serenidad a la sátira como ocurre con la canción que el Cíclope rescata de éste álbum, la ironía sobre la torpeza de la televisión basura en el tema El show de Barry Williams.  Éste álbum se fortalece y revela más con cada escucha.
Y tras Gabriel, cuyo registro vocal es particular, una de semejanzas.  Hay músicos (grupos, solistas) que se parecen, cuyos estilos te pueden confundir porque suenan con un paralelismo cercano.  El caso que nos ocupa a continuación es de un parecido apabullante.  La primera vez que escuché la canción The Fear pensé: Pero...¡si este es Peter Gabriel!  Pues no, es la voz de James Reid, cantante y guitarrista de la banda neozelandesa The Feelers.

James Reid

The Feelers

Originales de Christchurch, localidad de Nueva Zelanda, comenzaron inicialmente como trío en 1993 para posteriormente cambiar a cuarteto.  Aunque su esencia es folk-rock, los adornos electrónicos les han hecho sonar con potencia y fuerza.  El nombre de la banda se podría traducir como Las Antenas o Los Sensores entendiendo el concepto como un órgano animal, como una antena o un sensor que se utiliza para probar cosas al tacto o para buscar comida.  El alma del grupo es el cantante y guitarrista James Reid, que junto al bajista Matt Thomas y el batería Hamish Gee fundaron la banda.  El álbum de presentación, Supersystem, publicado el 31 de agosto de 1998 les sirvió para ser declarados la Mejor Banda de Nueva Zelanda de 1999.  La intervención posterior del productor Gil Norton, responsable del sonido de Foo Fighters entre otros, trajo nuevas texturas al espectro sonoro del grupo.  Él fue el que reconoció la semejanza de los atributos vocales entre Reid y Peter Gabriel en temas como The Fear del disco Playground Battle editado el 7 de marzo de 2005.  Un tema de este álbum y otro del primero nos sirven para situar el sonido del colectivo que, por cierto, por error sitúo en Norteamérica, como digo en la palabra del programa al dar paso a los siguientes invitados.

De Nueva Zelanda a Norteamérica, en concreto a West Somerville, Massachusetts, a la Universidad de Tufts donde tres amigos unieron ideales e intereses para formar un grupo de música que en principio se llamó Gust y terminaron bautizándose como Guster.

Guster

Guster se formó en 1991, cuando Ryan Miller, Adam Gardner y Brian Rosenworcel se cruzaron por primera vez en la Universidad de Tufts.  Fue en 1996, cuando adoptan el nombre por el que se les conocería internacionalmente.  La banda, que había grabado dos álbumes entre 1994 y 1997, adquirió cierta popularidad en 1999 con el lanzamiento de su tercer trabajo de estudio, Lost and Gone Forever, que contó con la producción prestigiosa de Steve Lillywhite.  Antes, Guster habían publicado discos de forma independiente con un espectro instrumental que presentaba percusión manual en el lugar de una batería.  Sería ya entrado el siglo XXI, en el año 2003, cuando el grupo amplió sensiblemente el católogo de su música al incluir a un batería-percusionista, Brian Rosenworcel, y a un multinstrumentista, Joe Pisapia, colaborador de K.D. Lang.  De un sonido eminentemente acústico pasaron a un registro donde lo eléctrico tenía mucho que decir.  La conjunción de sus voces y la gama de instrumentos consiguieron que Guster brillaran en canciones específicas como por ejemplo la que nos trae el Cíclope, Satellite, incluida en el álbum del año 2006 Ganging Up on the Sun.

Comenzábamos esta edición de Cíclope 3.0 lanzando un globo sonda, a ver qué conseguía captar, y ahora, suspendidos en un espacio mullido electro-acústico, desde ese Satélite que ha sonado, llegan señales en lenguaje morse: Mayday...Mayday...This's Echo Hotel...

El mensaje cifrado lo enviaban Manfred Mann's Earth Band en el tema Stranded del album de 1980 Chance.

Manfred Mann con gafas y sombrero

Manfred Mann, teclista nacido en Sudáfrica, y sus diversas permutaciones en el nombre de la banda: Manfred Mann (años 60), Manfred Mann Chapter Three (un poco de los 60 y un poco de los 70), Manfred Mann's Earth Band (años 70 y 80) fue originalmente un aspirante a músico de jazz, y se movió hacia el R&B cuando los sonidos más orientados al blues se pusieron de moda en Inglaterra a principios de los años 60.  Nos quedamos con ese LP que abría la década de los 80, Chance.
Y ya que estamos con interferencias y lenguaje morse, otra forma de comunicación: los colores.

Mixing Colours (Colores mezclados) es el título de la última producción de los hermanos Eno, Roger y Brian Eno.  La colaboración de Roger con su hermano mayor no es de ahora, viene de lejos.  La primera vez que trabajaron juntos fue allá por 1983 cuando apareció Atmospheres & Soundtracks, firmado entre Brian, Roger y Daniel Lanois.  Brian es toda una institución como músico creador, productor y artífice de la música electrónica.  Roger es compositor pero sobre todo es un magnífico intérprete del piano y por derivación de todo instrumento de teclado.  

Roger Eno

Creció en Suffolk, Inglaterra, y asistió al Instituto Colchester para estudiar teoría musical.  Después de graduarse, se dedicó a numerosos trabajos hasta que consiguió un empleo como músico-terapeuta en un hospital local a principios de los años 80.  Sería en 1983 cuando su hermano mayor, Brian, lo invita a Canadá en relación con ese álbum, Apollo etcétera) al que hemos hecho mención.
Roger Eno produce una amplia variedad de música clásica ambiental y moderna, así como partituras de bandas sonoras tanto para Cine como para series y documentales de Televisión.  Si bien inicialmente ganó notoriedad a través de las colaboraciones con su hermano mayor, su obra en solitario (donde es una constante la presencia de Brian) no desmerecen su labor como músico compositor, con una extraordinaria capacidad para lo armónico.  Al principio expresó interés en hacer música que crease atmósfera en el lugar de simplemente ser atmosférico.  Hizo su debut en solitario con las piezas procesadas para piano de Voices de 1985, ampliando su gama con lanzamientos posteriores, incorporando arreglos de cuerdas y explorando la música tradicional británica.
Este año, el 20 de marzo, aparecía Mixing Colours, una colaboración firmada por ambos hermanos y es un extenso conjunto de poemas tonales destinados a evocar diferentes colores y matices.  Grabado durante un período de 15 años, el álbum simplemente comenzó con Roger improvisando melodías usando un teclado MIDI digital y enviándo el resultado a Brian.  Gran parte del álbum consta de notas escasas y suaves que resuenan claramente, con ondas de sonido que reverberan desde el centro como ondas en un estanque.  Muchas de las composiciones parecen lo suficientemente simples como para tocarlas en un piano acústico, pero las manipulaciones sónicas de Brian consiguen que el disco no se parezca directamente a ningún otro.
Volveremos con el dúo de hermanos pero ahora nos quedamos con Brian en solitario.

En el año 2018, el realizador norteamericano Gary Hustwit dirigía el documental Rams, retrato sobre la figura del diseñador alemán Dieter Rams, un arquitecto de formación que dio un giro crucial a su carrera cuando se incorporó en 1955 a la marca Braun, una firma tecnológica que por aquel entonces, y de la mano de la segunda generación de la familia fundadora, comenzó a dar un giro a la electrónica de consumo captando los intereses y gustos del consumidor de la posguerra.  Si la generación anterior demandaba gramófonos y televisores engarzados en cubiertas de madera que diesen a los aparatos la apariencia de muebles, el mercado de mediados del siglo pedía todo lo contrario: un estilo más sofisticado y productos de electrónica sin complejos.

Dieter Rams cuando entró en la empresa Braun allá por 1955

La curiosidad y capacidad innovadora de Rams le llevaron a saltar rápidamente de las labores de interiorismo para las que en principio se había incorporado a Braun al diseño de productos.  En 1961, Braun nombró a Dieter Rams director de diseño, un cargo que ejercería hasta su retirada en 1995.

Mucho antes de que comenzara a hablarse de sostenibilidad, de economía circular y de rechazo al despilfarro, Dieter Rams ya expresaba con su filosofía de diseño y con sus opiniones una forma de crear objetos duraderos, en los que lo innecesario no tenía cabida.  Décadas después de haber sido fabricados, muchos de estos objetos todavía siguen en funcionamiento y son el mejor manifiesto del auténtico credo sostenible de Rams.

Incluso el más lego en estos temas es muy probable que posea en casa sin saberlo un objeto con nombre y apellidos de la historia reciente del diseño industrial.  Detrás de los exprimidores eléctricos, afeitadoras, radios y equipos de música de Braun que nos facilitan y alegran la vida diaria está un hombre que forjó su estilo desde la sobriedad aprendida en movimientos como la Bauhaus o la estética actual Gute Form, que predica un diseño sin florituras.

Algunos diseños de Rams para Braun

Arriba, cuatro instantáneas de la cubierta del disco de la banda sonora de Rams, aparecida hace unos meses en este 2020.  Brian Eno  escribe, interpreta en los teclados, mezcla y produce el score original de la cinta.
Ahora volvemos al tándem de los hermanos Eno.

Hace unas semanas, en este mes de septiembre, se publicaba Luminous, continuación de la paleta musical de colores que es Mixing Colours.  Material colorido y luminoso, sin nada más especial que añadir solo que merece la pena.

Para cerrar esta edición de Cíclope 3.0 un grupo en el que militó Roger Eno: Channel Light Vessel.

Channel Light Vessel

Channel Light Vessel es la consecuencia de la amistad entre tres músicos: Bill Nelson, alma de Be Bop Deluxe, Roger Eno y la ex miembro de la banda Dream Academy, Kate St. John. 
Eno y St. John habían trabajado juntos en el álbum The Familiar del año 1992 y Nelson había producido el disco.  Dos años después, en 1994, se unieron los tres, cada uno con sus instrumentos, y le dieron forma al proyecto conocido como Channel Light Vessel al que se sumaron el percusionista Laraaji y la violonchelista Mayumi Tachibana.

Bill Nelson, guitarra eléctrica, guitarra acústica, guitarra bajo, teclados, percusión y voz.

Kate St. John - Oboe, saxofón, corno inglés, voz.

Roger Eno piano, teclados, acordeón, banjo, guitarra eléctrica.

Laraaji instrumentos de percusión.

Mayumi Tachibana violonchelo.

Channel Light Vessel publicaron dos álbumes, uno en 1994 y otro en 1996.  Del primero de los dos, el titulado Automatic, con la producción de la banda al completo, nos quedamos con Little Lumineries.
Y con estas Pequeñas luminarias despedimos al Cíclope hasta la semana que viene.


Espero que te guste el programa.


Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-15-09-20