Cíclope 3.0 - 29-04-25 - Especial Siouxsie and The Banshees # 7

 

Siouxsie Sioux - 1988

Cíclope 3.0 del martes 29 de abril de 2025.  Séptima entrega del Especial Siouxsie and The Banshees que comienza resolviendo los cortes que nos quedaban por escuchar del álbum de versiones de 1987, Through the Looking Glass.  Serán cuatro versiones, dos aparecidas en formato LP y otras dos que se publicaron en Single antes de ser incluidas en trabajos de antologías.  Empezamos por un tema original de John Cale que él incluía en su LP de 1974, Fear, la canción Gun.  El otro corte que estaría formando parte de un larga duración es You're Lost Little Girl, de una de las grandes pasiones de Siouxsie Sioux, The Doors, especialmente Jim Morrison.  De aquel segundo LP de Doors, Strange Days, ese tema en cuestión.

Canciones publicadas en formato de sencillo recuperamos la versión del tema Little Johnny Jewel, original de Tom Verlaine cuando existía la banda Television.  El otro single es The Passenger, una composición de Iggy Pop realizada a medias con el guitarrista escocés Ricky Gardiner (1948-2022).

Y así despedimos Through the Looking Glass y con el disco al guitarra y teclista John Valentine Carruthers.  En la grabación del álbum Tinderbox, cuando entró a formar parte del grupo, algunas tomas suyas a la guitarra la tuvieron que repetir hasta 8 veces, lo cual puso de los nervios a la suprema sacerdotisa del Rock Gótico.  Hubo una posibilidad más con el trabajo realizado en Through the Looking Glass, pero no hubo forma ni manera.  Así que fue bonito mientras duró pero, mejor adiós señor Carruthers.  Y el proyecto entró en pausa porque había que buscar alguien que sustituyera el puesto de guitarra/teclista.  La pausa tampoco podía ser muy prolongada y ya que había que tomar una decisión, ¿sería muy complicado separar las dos actividades?, es decir, ¿sería muy peliagudo buscar a un guitarrista por un lado y a un teclista por otro?  A juzgar por los resultados, no lo fue.  Tras un casting sobre la marcha, Siouxsie and The Banshees pasaban de ser un cuarteto a tener estructura de quinteto con la intervención del doble fichaje Jon Klein y Martin McCarrick.

Martin McCarrick, violonchelista y guitarrista británico, original de Luton, Bedfordshire, Inglaterra, participó en los comienzos de This Mortal Coil, en concreto en su álbum Filigree & Shadow de 1986.  En 1987 se unió a Siouxsie and The Banshees hasta su disolución en 1996.  No participó en su reunión de 2003.

Jon Klein, guitarrista, original de Bristol, Inglaterra, formó parte de una de las primeras bandas de la escena gótica, Specimen, fundadores del club The Batcave, que marcó la escena londinense en el Soho, en julio de 1982.

Para encontrar los elementos necesarios para una reestructuración no tuvieron que buscar mucho.  No fue necesario poner un anuncio en el Melody Maker o en el New Musical Express.  Se conocían entre ellos, habían compartido ambiente, bares, escenarios...los unían los mismos intereses.  En cuestión de un espacio de tiempo no muy largo, el proyecto Siouxsie and The Banshees estaba listo para ofrecer una nueva visión de lo que sabían hacer: música, y por cierto, muy buena.  Esta es la nueva imagen de la banda

Y esta la portada del primer disco como quinteto

El álbum número 10 de la banda, el número 9 de estudio, es el disco testimonio de un grupo revitalizado, capaz de reinventarse para seguir adelante.  Aparecía el 5 de septiembre de 1988 y fue una alegría para seguidores de la suprema sacerdotisa del rock gótico y un faro iluminador para muchos músicos que han mantenido su admiración por las canciones de este trabajo.  Hasta Siouxsie variaba la forma de maquillarse para interpretar sus rituales sonoros

En el programa de hoy casi suenan todas las canciones que teníamos previstas, falta alguna que recuperaremos en la próxima edición de este Especial Siouxsie and The Banshees.  Me he dado cuenta que tal vez te resulte confuso el final de esta edición de Cíclope 3.0 y me explico: en la locución, los dos últimos cortes que suenan, sobre todo el último, creo que no ha quedado claro cuál es cuál.  Suena The Last Beat of My Heart y, en la resolución final, cito pero parece que no queda claro, el último tema que suena, The Killing Jar.  Queda hecha la aclaración y así cerramos la audición de 7 canciones de Peepshow.  Terminaremos de escucharlo como es debido en la próxima edición de este Especial que será en junio.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

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Cíclope 3.0 - 22-04-25

Herminia G. Castañé, recibiendo una sesión de peluquería en casa, angustiada porque le comunican que va a comenzar Cíclope 3.0 y Rocío, su peluquera y esteticista, no ha terminado de enjuagarle su larga y abundante melena rubia natural.

 

Cíclope 3.0 del martes 22 de abril de 2025.  La semana pasada, por ser Semana Santa, el Cíclope se fue de vacaciones y sonó un programa ya emitido.  Este martes recuperamos la actividad habitual y empezamos recuperando música del pasado, en concreto de principios de los años 80 con una banda norteamericana que respondían al nombre de Green On Red.

Green on Red fue una banda de rock norteamericana, formada en la escena punk de Tucson, Arizona, pero radicada durante la mayor parte de su carrera en Los Ángeles, California.  La estructura del proyecto se apoyaba en la doble columna vertebral formada por el guitarrista y cantante Dan Stuart (en la foto anterior, en el centro) y el organista Chris Cacavas (en la foto, detrás de Stuart, con barba).

El grupo tuvo un origen con un nombre que no mantuvieron, The Serfers.  Era 1979.  En 1981 grababan un primer disco de 5 canciones con formato de EP bautizado con el nombre de la banda.  Poco después, el mismo vinilo cambiaría de nombre y pasaría a llamarse Two Bibles, para diferenciarlo del primer larga duración bautizado de forma homónima y publicado en 1982.

El primer EP aparecía de manera independiente, libre, el LP del año 82 lo hacía en el sello discográfico Down There Records, propiedad de Steve Wynn, guitarra, voz y motor de la banda Dream Syndicate.  Green On Red iniciaron su camino con sonidos eminentemente psicodélicos, originando una fuente, un estilo que derivaría hacia el Country Rock y que abriría un camino por el que transitarían bandas posteriores como Son Volt o Wilco.  De aquel primer larga duración nos quedamos con dos cortes que nos sirven para seguir por los senderos de Tucson, Arizona, con un músico que saldría de la primera formación de Green On Red, el batería Van Christian, que reuniría a un cuarteto bajo el nombre de Naked Prey.

Van Christian, primero por la derecha en la foto anterior, cambió de instrumento cuando formó el cuarteto Naked Prey, y pasó de tocar la batería a tocar la guitarra y cantar.  El grupo estuvo vigente entre 1984, año de su primera grabación, hasta 1995.  En once años dejaron 6 álbumes y 1 Mini-LP.  Sonido de guitarras desérticas, rock de carretera.

Su primer disco vio la luz en España un par de años después de haber visto la luz en 1984.  La edición española incluía alguna canción no incluida en su discografía y es uno de los dos temas que recuperamos de la banda.

Ahora lanzamos un bumerang que nos sirve para unir el pasado y el presente de una banda, norteamericana también, productiva y de una actividad diversa.  El grupo en cuestión se llama Throwing Muses.

Al principio fue un cuarteto femenino pero con esa formación lo que hicieron fue asentar la base de la estructura del proyecto: cuatro elementos que unen el Post-Punk, el Folk y el Country de forma catártica e intuitiva.  Todo comenzó cuando Tanya Donelly (izquierda de la foto anterior) y Kristin Hersh (derecha) se conocen en la escuela primaria.  Se hacen amigas y, cosas del Destino, se convierten en hermanastras cuando el padre de Donelly se casa con la madre de Hersh.  Donelly y Hersh aprendieron a tocar la guitarra en su adolescencia temprana y rápidamente pasaron de tocar canciones de los Beatles y piezas escritas por el padre de Hersh a escribir e interpretar material propio.  Hersh comenzó a componer sus propias canciones tras sufrir alucinaciones auditivas como consecuencia de un accidente de coche.  

Eran los principios de los años 80 y las dos hermanastras, Tanya y Kristin, estudiaban en la escuela secundaria.  Conciben la idea de formar un grupo y nace Kristin Hersh and the Muses, un proyecto formado por cuatro mujeres: Tanya Donelly, guitarras, Elaine Adamedes, guitarra bajo, Becca Blumen, batería y Kristin Hersh, guitarras, voz y compositora principal.  No dejaron ninguna grabación con el nombre Kristin Hersh and the Muses, cuarteto que, al poco de nacer, cambiaría el nombre por el definitivo Throwing Muses.  No fue el único cambio: la primera baja en el seno de la banda fue la del puesto de batería.  Se marchó Blumen y en su lugar entró un hombre, David Narcizo.  La batería que tenía en casa para poder ensayar era prestada y carecía de platillos, lo que pronto se convirtió en un sello distintivo de su estilo.  La guitarra bajo, Elaine Adamedes, también dejó vacante su puesto y fue sustituida por su paisana Leslie Langston.  Formada la banda dieron un paso más allá: crearon su propio sello discográfico, Blowing Fuses.  Año 1985, el grupo publica su primera grabación en su recién inaugurado sello, un cassette bautizado con el nombre de la banda.  Fue a lo largo de ese año de debut en la industria fonográfica  cuando el nombre de Throwing Muses adquirió eco, tan potente, que llegó desde América a Europa.  Y sería el prestigioso sello independiente escocés 4AD el que se fijó en el cuarteto para, desde 1986, convertirse en el difusor de su música en el viejo continente.  Lo que hizo la 4AD fue reeditar, en vinilo, el primer trabajo de Hersh y compañía, y desde 1986 hasta 1996, exceptuando una ocasión, siguió editando sus discos.  Después volvería en pleno siglo XXI a publicar los trabajos del cuarteto, un par al menos.  El resto de grabaciones verían la luz con otros sellos independientes.  Vamos a estar unos minutos con Kristin Hersh y su mundo comenzando con la recuperación del álbum Hunkpapa y un corte de este: I'm Alive.

Como dije más arriba, lanzamos un bumerang para que nos sirva de unión entre el pasado y el presente y así desde el 23 de enero de 1989, fecha de publicación del álbum Hunkpapa nos venimos hasta nuestros días, 14 de marzo de 2025, fecha de la edición de Moonlight Concessions

Lo último de Throwing Muses con una formación diferente: ya no tiene estructura de cuarteto, sino de trío.  Ahora el grupo está formado por guitarra bajo, batería y guitarras eléctricas y acústicas.  Además, en esta ocasión, el sonido está capitaneado por un violonchelo, el de Pete Harvey

Músico, arreglista de cuerdas, compositor e intérprete de violonchelo, piano y contrabajo.

Toca con Kristin Hersh en sus actuaciones en solitario, donde tan sólo intervienen la guitarra acústica de ella, su voz y el acompañamiento del violonchelo.

 

Del último trabajo de Throwing Muses hemos escuchado un corte, en unos minutos volvemos de nuevo a este disco nuevo, ahora vamos a recuperar a Kristin Hersh en solitario.  Es una mujer caleidoscópica...  Esto suena a Psicodelia, que no es ningún problema, pero ella no compone habitualmente canciones así.  Prefiero denominarla mujer poliédrica, poliedro de muchas caras, muchas facetas, como es ella

 

Divertida, porque además de pasárselo bien haciendo música se diversifica

Fuerte, poderosa,

con guitarra acústica

Y suave cuando es necesario con la guitarra eléctrica
  

No es porque Throwing Muses se hayan separado como grupo la razón por la que graba en solitario.  Es que el abanico de su creatividad necesita abrirse y mover el aire que la envuelve.  Lleva haciéndolo desde 1994, con la banda vigente, como es habitual.  Lo último que ha grabado en solitario es del año 2023.  El disco que traemos hoy al programa es Sunny Border Blue, publicado el 6 de marzo de 2001 por la 4AD, que también le editó los álbumes entre 1998 y 2003.

Una cara más del poliedro Kristin Hersh es el grupo 50 Foot Wave

  

50 Foot Wave (Ola de 50 pies, o lo que es lo mismo, en metros, Ola de 15 metros) es un trío de rock de guitarras pesadas, densas, todo lo contrario del sonido de guitarra de Throwing Muses, sobre todo cuando estaba Tanya Donelly.  En este caso el sonido del trío es, de base, de cierta intensidad.  Un miembro de los actuales Trowing M., el guitarra bajo Bernard Georges (primero por la izquierda), más Hersh y el multiinstrumentista Rob Ahlers (el rubio de la derecha) que se sienta en la batería, le dan forma a esta banda cuya existencia comienza en pleno siglo XXI, en concreto en el año 2003.  Graban por primera vez en 2004 y lo último que han publicado fue un álbum en 2022 titulado Black Pearl

  

Un tema de este trabajo de 50 Foot Wave y volvemos a Throwing Muses, a su nuevo disco de este 2025, Moonlight Concessions, escuchamos Albatross y despedimos a las Musas Abandonadas.

Como estamos con sonido de violonchelo vamos a recuperar a un cuarteto que sonaron de forma y manera muy atractiva cuando, mediada la década de los años 90, 1996 concretamente, sorprendieron gratamente  con el sonido de sus cuatro violonchelos.  Me refiero al cuarteto finlandés Apocalyptica.

 

Los miembros originales de Apocalyptica se conocieron mientras asistían a la Academia Sibelius de Helsinki en 1993.  La formación actual difiere algo de los músicos que fundaron el proyecto que fueron:

 

               Max Lilja

Paavo Lötjönen

Antero Manninen

Eicca Toppinen

Comenzaron a ensayar, aprendieron a hacer arreglos y empezaron a dar conciertos en directo ante un público entregado.  Y así se hicieron un nombre internacional que debutó en disco en 1996 con el álbum de versiones Plays Metallica by Four Cellos, una interesante propuesta que combina su formación académica con su pasión por el Heavy Metal.  Y en este caso en concreto, su profunda admiración por la banda Metallica.

El disco se publicaba el 13 de junio de 1996.  La premisa de un cuarteto de violonchelo interpretando la música de Metallica puede parecer escandalosa al principio, sobre todo para los seguidores de la banda norteamericana, pero el repertorio de los representantes del Thrash Metal se adapta sorprendentemente bien a esta interpretación academicista.  Apocalyptica opta por centrarse en éxitos recientes de la banda de Los Ángeles más reconocibles.  Aunque cabe plantearse si son los 4 miembros del grupo o la industria fonográfica la que les exige que sigan un sendero más...comercial.  Porque son las composiciones anteriores y más complejas de Metallica como por ejemplo Creeping Death las que mejor encajan en ese escenario académico.  Este es el corte que recuperamos de este primer álbum de Apocalyptica.

No sería sino hasta dos años después cuando el cuarteto de violonchelos finlandés haría otra versión de un tema de Metallica, sería en 1998, en el álbum Inquisition Symphony, que incluye Nothing Else Matters.  Este nuevo trabajo, Sinfonía de la inquisición, secuela del aclamado primer álbum del cuarteto finlandés de violonchelos, recoge cuatro versiones en total de Metallica e introduce versiones de otras bandas de Heavy Metal, incluso aportan algunas composiciones originales.  Con respecto a las otras bandas de las que realizan versiones en este disco están Pantera, Sepultura (la canción que da título al álbum es de esta banda), Faith No More.  Hace unos días, hablando de Apocalyptica, comentaba con mi amigo el músico multidisplinar Roberto Sánchez Fransesch, que resultó una pena que el cuarteto de violonchelos metiera batería y otra serie de instrumentos para ampliar la nómina de bandas dedicadas a las formas más fuertes del Rock, que lo que hacían al comienzo estuvo mucho mejor que los caminos por los que tiraron después porque aquello resultaba más interesante, diferente.  Pero es cierto que nunca llueve a gusto de todos.

Quería incluir a otro cuarteto de cuerda en la edición de Cíclope 3.0 de hoy pero estamos en la recta final del programa y hay un tema que, sí o sí, tiene que sonar en esta ocasión.  Tenía la intención de derivar de las cuerdas de un cuarteto a las 6 cuerdas de una guitarra española, no guitarra acústica, guitarra española.  El cuarteto no puede entrar hoy así que ya lo recuperaremos en otra ocasión, pero la guitarra, sí.  Se trata de una versión muy interesante de un tema original de Nirvana, el tema Smells like teen spirit de aquel álbum ya mítico Nevermind de 1991.  La versión es original de Ignacio Sierra, revestido de uno de sus pseudónimos más prolíficos, el Dr. Soy, a través su alter-ego The Great Supplanters.  La visión del tema de Kurt Cobain interpretada en la guitarra española es totalmente académica, clásica.  Quedaba registrada el 11 de mayo del año 2009 y sigue y seguirá sonando tan bien como aquella madrugada.

El punto y final lo pone este hombre de la foto a la derecha, Simon Fisher-Turner.  Compositor, diseñador de sonido y actor británico, Simon Fisher-Turner ha explorado diversos caminos a lo largo de su dilatada y polifacética carrera.  Al igual que otros músicos, alcanzó el éxito como estrella del Pop en su adolescencia antes de adoptar un enfoque cada vez más vanguardista.  Tras su debut en 1973, lanzado en la cúspide de su fama televisiva, se unió brevemente a The The, el proyecto de Matt Johnson a principios de los 80.  Después se entretuvo entre formas de Pop vanguardista y esquemas de bandas sonoras de películas.  En este último campo trabajó con el director de Cine británico Derek Jarman en varios scores originales para películas aclamadas como por ejemplo Caravaggio, de 1986.

Una banda sonora de película cierra hoy Cíclope 3.0, un score original de él, Simon Fisher-Turner, titulado como la cinta, Nadja, película norteamericana dirigida en 1995 por Michael Almereyda con guión suyo.  Una película de vampiros que cuenta una historia que se desarrolla en el Manhattan actual.  La ciudad está plagada de todo tipo de vampiros y zombies.  Nadja es la sexy hija del venerado vampiro Drácula, mientras el doctor Van Helsing es un hippie colgado de ácido durante los años 60 que se dedica a la caza de vampiros, ayudado de un hombre cuya mujer se ha enamorado de Nadja.

Lo sé, es un argumento marciano, pero siento debilidad por las películas así.  Pero suena porque un fragmento del score, muy breve, sirve para cerrar el programa de hoy.  Recuperamos el violonchelo y este corte titulado Alergia a la luz solar con el que nos despedimos.

Espero que te guste el programa.

Enlace: 

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-22-04-25

Cíclope 3.0 - 08-04-25

Cualquier método es válido
si se trata de escuchar Cíclope 3.0
 

Cíclope 3.0 del martes 8 de abril de 2025.

Los preparativos del contenido del programa los realiza el Cíclope, habitualmente, escuchando música que suena de fondo mientras pasa rápido carpetas de discos, cajas de CDs, o lee con una velocidad de vértigo listados de intérpretes en mp3.  En los preliminares de esta edición sonaba de fondo la música de Ten Years After.

Ten Years After fue una banda británica de música inspirada en el Blues.  El proyecto comenzó a gestarse sobre 1960, cuando algunos de sus miembros futuros estaban ubicados en otros grupos como le sucedía al alma-máter de la banda, el guitarrista y cantante Alvin Lee (primero por la izquierda en la foto anterior).

Lee le daría forma a Ten Years After mediada la década de los 60 y en 1967 publicaban su primer larga duración.  El sonido del grupo estaba cimentado en un Blues arrasador y crudo.  Su campo de acción llegó desde los años 60 hasta mediados los años 70.  Desaparecieron en los albores de los 80 para reunirse de nuevo durante esos años.  Siguieron durante los 90 y parte del nuevo siglo, siempre con una tendencia a la reinvención sin abandonar sus orígenes.  El final de la existencia del proyecto Ten Years After ocurrió cuando fallecía su fundador, Alvin Lee.  Nacía en 1944, en Nottingham, Inglaterra; moría en Estepona, España, en 2013.

Detrás del proyecto queda una larga y extensa discografía bluesera, con LPs como el que abre esta edición de Cíclope 3.0, A Space In Time, de 1971, probablemente el disco más asequible y el que les reportó mayor fama en tierras americanas, sobre todo por un Single como I'd Love To Change The World, el corte que abre hoy el programa, sonido de guitarra eléctrica limpia, con un perfil calmado y lírico que ayudó a que fuera una de las canciones más programadas en las emisoras de FM de aquel verano de 1971.

De una guitarra poderosa y lírica, a otra que bebe de las bandas de Rock fuerte de los 70.  Publicaron su primer disco en 1974 y desde entonces no han dejado de estar presentes en la actividad musical.  Son de Sevilla y responden al nombre de Storm.  Su primer LP lo bautizaron con el nombre de la banda pero con el artículo The por delante.

 

Unas veces al grupo se le llama The Storm y otras Storm, como es su nombre auténtico.

El origen del proyecto está en un grupo de mediados casi finales de los años 60 que se llamaba Los Tormentos.  Con ese nombre, los hermanos Ruiz Geniz, Ángel, guitarra, y Diego, batería, se plantean afianzar la idea de formar un grupo de Rock Duro.  Sería su manager de aquellos años, José Luis Fernández de Córdoba, el que les sugirió cambiarse el nombre y bautizarse como Storm.  Esa banda sería la que aparecería en vivo tal y como recoge la instantánea anterior, la banda que se movería por circuitos de Madrid, Barcelona, Sevilla...el grupo que conseguiría un contrato con el sello discográfico BASF y que mostraba en estudio lo mismo que hacían en vivo: Rock Fuerte, Rock Duro con influencias claras y transparentes de los discos y grupos que escuchaban y admiraban.  Interpretaban canciones cantadas tanto en español como en inglés y composiciones instrumentales.  Traemos hoy a Storm al programa para recuperar un par de temas de aquel The Storm de 1974 y para escuchar un corte de su nuevo disco presentado en diciembre del año pasado y con amplia actividad en directo en este 2025.  El disco se titula Eternal Youth, Juventud Eterna, y para conocerlo en una primera toma de contacto nos quedamos con el corte que le da título al disco.

    

Tras algunos cambios, Storm en la actualidad queda así:

Ángel Ruiz Geniz, que sigue siendo la guitarra poderosa que le da nervio al proyecto.

Su hermano Diego a la batería

José Ramón Torres, 

guitarra bajo

Manuel Muriel Rivas, teclados

Los cuatro además cantan.  Hay dos colaboraciones en este nuevo trabajo de Storm, una la del guitarra bajo Daniel Escortell, del grupo Derby Motoreta's Burrito Cachimba, la otra colaboración es la del cantante de Medina Azahara, Manuel Martínez.

Nos quedamos a partir de este momento con la guitarra eléctrica como instrumento de base.  De una guitarra eléctrica sevillana a una guitarra norteamericana nacida en el estado de Maryland y trasladada años después a Brooklyn, en Nueva York.  Tiene apellido japonés pero no se le conoce ascendencia japonesa.  Se llama Elise Okusami pero artísticamente se la conoce por su nombre artístico: Oceanator.

Oceanator se aficionó a la música desde muy joven, formando su primera banda en cuarto de primaria y tocando a nivel regional.  Grababa y publicaba su música con su hermano y un amigo en común.  Después del instituto, asistió al Vassar College de Nueva York, donde estudió historia y música.  Tras graduarse, se mudó a Nueva York y se sumergió en la escena punk y underground, tocando con varias bandas, seis en total, mientras mantenía un trabajo a tiempo completo.  Sería en el año 2016 cuando  comenzó a operar bajo el nombre Oceanator.

Su instrumento, la guitarra eléctrica, que es capaz de apoyar la música que escribe e interpreta: una trenza que combina Rock independiente intenso y distorsionado, con ganchos cimbreantes de música Pop incisiva.  Lleva 5 discos publicados hasta el momento, aquí en Cíclope 3.0 vamos a escuchar una selección de dos: el último, publicado el 30 de agosto de 2024 titulado Everything Is Love and Death

y Nothing's Ever Fine, editado el 8 de abril de 2022

Cuando Oceanator comenzó en el mundo de la música buscaba una vía de expresión personal.  Lo que la ayudó a encontrar su propio estilo fie la colaboración de algunos músicos como un casi paisano suyo, el compositor, intérprete y productor Bartees Strange.

Su nombre completo es Bartees Leon Cox Jr.  Este hombre combina la música electrónica, el rock alternativo, el folk y más en sus impredecibles canciones.  Bartees Strange surgió de Washington, D.C., en 2020. El perfil ecléctico de su música llamó la atención del sello discográfico independiente escocés 4AD y le publicó su segundo trabajo firmado en 2022 con el título Farm to Table.  Entonces es cuando nuestro hombre cambia de continente y de América, de Washington, se traslada a Europa, Inglaterra, asentándose en un bucle entre las dos capitales.  Colaboró con Oceanator en la producción de su trabajo anterior al del año 2024 y por su parte, Strange también busca el sonido de la guitarra eléctrica aunque desde una perspectiva diferente al de la estética que utiliza Oceanator y otros elementos del Pop y del Rock.  Él busca más el sonido de la guitarra eléctrica relacionada con el Jazz y pide la colaboración de un guitarrista avezado en esas lides: Chris Connors.

Su guitarra es fundamental en el corte que recuperamos de Bartees Strange, Hold The Line, de su álbum para la 4AD, Farm To Table.

Farm To Table - 2022

Estamos en la recta final del programa y el tiempo que nos queda lo vamos a ocupar con el sonido de una guitarra eléctrica en manos de una mujer.  Hace un rato sonó la guitarra urgente de Oceanator, ahora y cerrando esta edición de Ciclope 3.0 una compositora y guitarrista llamada Mary Halvorson.

Original de Brookline, Massachusetts, en 1980, Halvorson comenzó su formación musical con el violín antes de decantarse por la guitarra tras escuchar a Jimi Hendrix.  Al principio quería ser músico de rock.  Su primer profesor fue un músico de jazz, por lo que cambió de rumbo.  Mantiene su identificación con el Jazz con cierta ambivalencia, y con razón, ya que su interpretación se desarrolla fuera de los géneros.  Ella es guitarrista, líder de conjunto y compositora, quien continuamente rompe con las convenciones musicales establecidas con un sonido instrumental característico y una estética que evoluciona con cada disco que publica.  Combina raíces profundas del Jazz con el Rock Independiente, Folk y otras tradiciones musicales.  Discográficamente comenzó su labor en el año 2002.  Desde entonces ha ido manteniendo una actividad que uno se pregunta si descansa alguna vez, si hay alguna ocasión en la que se tome la tarde libre y se vaya con la familia a disfrutar del sol, porque con los amigos queda, pero queda para tocar, porque la música es su vida.  Conoce todos los formatos posibles: ha tocado y grabado sola, como dúo, trío, cuarteto, quinteto, sexteto, septeto, octeto...  Si por circunstancias se ve imposibilitada de liderar algún formato, como sucedió con el confinamiento durante la pandemia del COVID 19, el resultado, cuando se levanta la prohibición es que, producto del trabajo en casa, obtuvo material para grabar dos álbumes.  Dirige talleres de creatividad e improvisación.  Y lo mejor de todo: opina que aún está aprendiendo.  Hoy la traemos al programa en formato de Quinteto

 

Situándonos arriba de la foto y descendiendo, vemos a Ches Smith, batería.  En la fila siguiente, situado a la derecha, Jon Irabagon, saxo alto.  A su lado, con bufanda color naranja, John Hebert, contrabajo.  A la derecha, con bufanda negra, Jonathan Finlayson, trompeta.  Y finalmente, Mary Halvorson, que además de tocar la guitarra, compone y produce el álbum Bending Bridges que se publicaba el 8 de mayo de 2012.  Pueden parecer músicos muy jóvenes, sin embargo a pesar de la edad, tienen unos curriculum profesionales que no veas.

Ahora, lo que hace el Quinteto.

Escuchamos dos cortes de este álbum, Bending Bridges: Forgotten Men In Silver y That Old Sound, dos formas de hacer música, sobre todo el primero de los dos temas, donde puedes apreciar la forma de hacer que tiene esta guitarrista.

Hasta aquí la edición de hoy.

Espero que te guste el programa.

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