Cíclope 3.0 - 23-04-24

Pedro Pablo Rubens - El nacimiento de la Vía Láctea -
Museo del Prado, Madrid

Cíclope 3.0 del martes 23 de abril de 2024.  Como motivo de cabecera, un cuadro del gran Rubens, El nacimiento de la Vía Láctea, bajo la que nos ponemos en marcha para comenzar a enredar buenas vibraciones en esta edición de Cíclope 3.0 como las que aportan esta banda que llegaba, a principios de los 80, desde las lejanas tierras de los canguros: The Church.

Comenzaron al principio de los 80, entre 1981 y 1982 publicaron dos álbumes que sirvieron para cimentar una promesa: que era una banda de sonido electroacústico muy bien conjuntado, que sabían hacer canciones muy buenas y que, como siguieran así, iban a dar mucho que hablar y para bien.  

Y así fue, al menos durante un tiempo: en 1988 publicaban un disco que los mantuvo en la lista de interesantes, de promesas cumplidoras y cumplidas, de grupo enrollado y comprometido.  Eso fue lo que supuso la aparición de Starfish, una colección de 10 canciones con algunas composiciones redondeadas, tanto en musicalidad como en interpretación.  Tenían a un hombre de voz profunda que cantaba y parecía que no le costaba esfuerzo alguno.  Se trataba de Steve Kilbey, el hilo principal desde el que se levantó la arquitectura de esta Iglesia.  Su instrumento, la guitarra bajo, su característica, la voz, su capacidad creativa, alta.  Un par de años antes de la aparición de este disco del grupo, en 1986, Kilbey grababa en solitario, firmando con su nombre y apellido canciones que podían estar firmadas por la banda porque suenan con la misma estética.  Continuó con el proyecto y adquirió, con el paso del tiempo (en los años 90), el mal hábito de consumir heroína.  Adoptar un comportamiento de riesgo así conlleva dos posibilidades: o la muerte por sobredosis o alteración de la composición de la sustancia, o salir de ese agujero negro cayendo en otro tan negro y viscoso como el anterior: grupo de evangelización cristiana.  Tanto monta, monta tanto.  No digo que sean las dos únicas soluciones, digo que son habituales, más de lo deseado.

Kilbey siguió con el proyecto The Church y con otros de ideales evangelizadores con canciones de letras cuajadas de Luz, Él es la Verdad, Oh Jesús de mi Vida y de mi Corazón de mis Entrañas y Entretelas...  Lo curioso es que The Church han seguido en pleno siglo XXI, perdiendo gas e interés, es cierto, pero con algunos momentos, los menos, algo interesantes.  El año pasado, 2023, publicaron un nuevo álbum pero es que en lo que va del nuevo siglo han editado 11 discos originales y 2 recopilaciones.  

Este año, 2024, el 29 de marzo, veía la luz Eros Zeta And The Perfumed Guitars, un trabajo con algunas composiciones que encajan en sus formas habituales donde se mezcla el sonido electroacústico con la búsqueda de una psicodelia pasada, perdida y semirecuperada.  Hay un corte, Strange Past, que aparece con dos versiones: una primera, innecesariamente larga (unos 10 minutos y pico) y otra subtitulada Radio Edit de casi 4 minutos que es la que escogemos para ilustrar el contenido de este último trabajo, por ahora, de The Church.

Continuamos en la tierra de los canguros ahora con una banda que cuando aparecen en la década de los años 10 de este siglo lo hacen sin aportar mucha información.  En principio, el nombre del grupo responde a tres letras: RVG.  No hay nada más.  Al cabo de un par de meses nos llegamos a enterar de que esas tres letras responden a las iniciales del nombre y apellido de la cantante fundadora, R V es el acrónimo de Romy Vager y la G es de Group.

Romy (en la foto, apoyada en la barandilla) se encargó de componer en letra y música el contenido del primer álbum de la banda.  Las letras hablan, con ingenio y pasión, sobre el mito del artista torturado, sobre el aislamiento de ser trans, sobre enamorarse de una computadora, sobre esperar tu destino en el corredor de la muerte.  Sobre sus hombros el peso liviano de las influencias asimiladas de grupos como la banda siguió un camino marcado por antepasados como The Go-Betweens, Soft Boys o Psychedelic Furs.  

A Quality Of Mercy, el primer disco de RVG, se publicaba en el mes de febrero de 2017 primero en autoedición, y ese mismo año en un sello discográfico australiano independiente.  El disco tiene como característica principal el hecho de estar grabado en vivo, sin audiencia, en una sala de conciertos de Rock en Melbourne, ciudad donde se formó la banda, en el suburbio de Preston.  Tras ese disco de presentación llegó el silencio determinado por la Pandemia, silencio que recayó sobre la existencia del álbum Feral, firmado en el año de tan mal recuerdo 2020.

La vuelta para RVG en 2023 con un nuevo trabajo, Brain Worms, supuso la revitalización del proyecto que se había quedado en pausa.  Romy Vager queda como cabeza pensante y alma mater del grupo, único miembro femenino del cuarteto.  Para saber cómo fue aquel primer disco y este último trabajo, el Cíclope escoge un corte de cada uno.

Pues no abandonamos aún la tierra de los canguros.  Con lo grande y extenso que es el país vamos a recordar a una banda desaparecida cuya existencia le dio brillo a Australia y a cualquier rincón del planeta donde se desgranen las buenas vibraciones del mejor Pop-Rock.  Referentes de muchos (entre otros los que acaban de sonar, RVG) hablamos de The Go-Betweens.

Grant McLennan, (1958-2006) a la izquierda y Robert Forster fueron el motor de The Go-Betweens desde el comienzo allá por 1977 en Brisbane, Australia hasta que McLennan fallecía en el año 2006.  

De la amplia discografía del grupo que se iniciaba en 1982 recuperamos un par de álbumes.  Uno es este de la derecha, 16 Lovers Lane, con el proyecto concentrado en tres de sus miembros fundacionales: Forster, McLennan y la batería Lindy Morrison.  En este álbum de 1988 contaron con la colaboración de una multinstrumentista y profesora de composición en el Instituto de Música de Australia, Amanda Brown, que toca la guitarra, el oboe y el violín en este trabajo.

Amanda Brown

Inaugurando el siglo XXI, The Go-Betweens publicaban 

The Friends of Rachel Worth, una página más en el haber musical del grupo, de nuevo con el tándem Forster/McLennan al frente creador, con algunas excepciones donde uno pesa más que el otro como sucede en esta canción, Magic in Here, donde el principal responsable fue McLennan.

Ahora sí abandonamos la gran isla de Australia para recalar en el viejo continente y en concreto sobre Inglaterra para escuchar a esta mujer que responde al nombre artístico de gglum

Su nombre auténtico es Ella Smoker y utiliza el seudónimo gglum desde que era una adolescente que grababa demos para colgarlas en plataformas digitales.  Después de haber aprendido canto en el coro de una iglesia y a mezclar ruidos con melodías íntimas, Smoker prepara una serie de discos virtuales entre los años 2020 y 2021.  Sobre todo el Single I Wanna Be Your Girlfriend de 2021 alcanza cifras elevadas de descarga y escucha.  Sería este año 2024, en el mes de marzo, cuando se publicaría su primer disco de larga duración: The Garden Dream.

El sello discográfico independiente Secretly Canadian se encarga de organizar el contenido de un primer larga duración (portada en la foto de la derecha) que combina disposiciones íntimas acústicas y tendencias experimentales, algunos ruidos y búsquedas más avanzadas hacia puntos de fuga que ya anuncian muestras futuras.  El Cíclope escoge de ella dos momentos distintos: uno más acústico y calmado y otro más corpóreo, más agitado.

Ya que el ritmo de las vibraciones se ha acelerado con el corte Splat! que nos ha dejado gglum, vamos a seguir por ese camino ahora con una banda de espectro musical contundente.  Llegan desde Suecia y responden al nombre de Gaupa.

 

Lo primero que se piensa al escucharlos es que este quinteto, capitaneado por la voz de una mujer, no es otra cosa que un proyecto nuevo con Björk al frente vocal.  Y en plan fuerte, duro.  Sin embargo no es así.  La cantante se llama Emma Näslund y sí, no tiene ningún empacho en imitar a su admirada Björk, cosa que no le resta interés al grupo, al contrario.  Cuando se presentaron en directo con un EP de debut en el año 2018 en el festival de rock más grande de Escandinavia, el Swedish Rock, la banda fue elogiada y valorada en la prensa con comentarios como

Se nota que son músicos experimentado y la cantante Emma Näslund es una fuerza de la naturaleza.  Etérea y parecida a un hada, tiene una voz que parece extraer su poder de los espíritus más profundos de la naturaleza

Hasta en Japón hablaron maravillas del quinteto

Con arreglos que se sienten tan naturales y mágicos como los de Björk y The Cranberries junto con la mística y fascinante voz de la cantante Emma Näslund, esta exquisita obra de arte ofrece un excelente equilibrio entre nostalgia retro y elementos modernos

El EP de debut entró a formar parte del primer larga duración del grupo, bautizado de forma homónima.
 

 

Se estrenaron discográficamente en 2018/2019.  En 2020 nuevo trabajo, que pasaría por la típica pausa provocada por la ínclita Pandemia.

En 2022 vería la luz el tercer álbum, Myriad, de este grupo cuyo nombre, en sueco, significa Lince.  Un tema del primero y otro del tercero para conocer cómo suena este proyecto de espectro poderoso.

El tiempo que resta en esta edición de Cíclope 3.0 lo vamos a ocupar con la música de una banda contundente: Queens Of The Stone Age.

Llevan desde finales del siglo XX montando un cirio de alto tonelaje.  El principal responsable es el hombre que ocupa la posición central en la foto: el guitarra Josh Homme.  Desde 1996, cuando la banda se reúne alrededor de Homme en Palm Desert, California, hasta hoy, lo que han hecho ha sido elaborar un rock poderoso y fuerte en el que se ha ido añadiendo pegatinas con significantes como Heavy, Heavy Alternativo, Stoner Metal...particularmente lo llamo Rock, Rock Fuerte, pero Rock, de toda la vida.

El 16 de junio del año pasado, 2023, publicaban un nuevo trabajo, In Times New Roman, que no contó con ningún invitado especial, cosa rara porque una de las buenas características de estos QOTSA es la participación de músicos de renombre en los créditos de sus álbumes.

En el año 2002 aparecía Songs for the Deaf, un disco que contó con dos músicos invitados de renombre

Dave Grohl, multinstrumentista centrado en la guitarra en proyectos como Foo Fighter que, para esta ocasión con QUOTSA, cambia la guitarra por la batería

 

 Y Mark Lanegan (1964-2022) voz y coautor de canciones como No One Knows del álbum Songs for the Deaf 

Queens of the Stone Age en 2002, el staff que grabó Songs for the Deaf  con Mark Lanegan primero por la izquierda en la línea superior, junto a Josh Homme.  Abajo, en el centro, Dave Grohl

Lanegan estaría en un álbum más, en uno anterior, Rated R, del año 2000, la primera vez que intervendría con la banda, cantando temas como In the Fade, la canción que sirve para cerrar esta edición de Cíclope 3.0

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 16-04-24

 

La banda británica Colosseum por segunda vez ocupando el corazón de Cíclope 3.0

La edición de hoy de Cíclope 3.0 vuelve a tener como eje de coordenadas al grupo inglés de finales de los años 60, Colosseum.  Vamos a tirar del hilo, a seguir el rastro de algunos miembros que estuvieron formando parte de la banda, vamos a descolgarnos por las ramas del árbol genealógico de uno de los proyectos más seminales y sólidos que ha dado la Historia del Rock.

Colosseum debutaban, discográficamente hablando, allá por 1969 con un LP titulado Those Who Are About to Die Salute You.  Ese mismo 1969 publicaban el segundo álbum, Valentyne Suite.  Este disco y el siguiente nos van a servir de punto de fuga.  Valentyne Suite presenta la formación original que definió ese cruce entre el Rock y el Jazz: el organista Dave Greenslade, el guitarra bajo Tony Reeves, el saxofonista Dick Heckstall-Smith, la guitarra y la voz de James Litherland y la batería de Jon Hiseman.  Comenzamos con The Kettle, un tema donde la guitarra de Litherland deja claro cómo puede hacer sonar al instrumento.

Un año después del segundo LP aparecía la tercera entrega de lo que hacían por aquellos años Colosseum, discos como Daughter of Time.  Siguen los cinco músicos citados que se amplían a un sexto miembro, el cantante Chris Farlowe.

Farlowe es uno de los grandes cantantes británicos que más ha subestimado el Tiempo...o los que hacen el Tiempo.  Con una amplia influencia del Soul y del Blues, Farlowe formó parte de la alineación de la banda y cantó cortes como el que recuperamos de este disco: Cuesta abajo y en sombras.

Volveremos con él en solitario a lo largo del programa de hoy pero ahora nos quedamos con uno de los miembros del grupo, el saxofonista Dick Heckstall-Smith.

Nacía el 26 de septiembre de 1934 en Ludlow, Shropshire, Inglaterra y fallecía también en el imperio británico el 17 de diciembre de 2004 en Hampstead, Londres.  Formó parte de una de las bandas musicales más importantes de la década de 1960, The Graham Bond Organization, que contó con la intervención de Jack Bruce y Ginger Baker.  Nuestro protagonista tuvo una larga carrera en otras bandas legendarias como John Mayall & The Bluesbreakers, Alexis Korner.  En todo su trabajo, y particularmente en la banda Colosseum, se aventuró en el territorio poco explorado donde se encuentran el Blues, el Jazz y el Rock.  Tenía respiración circular, lo que le permitía tocar más de un instrumento de viento a la vez.

Una de las características de Heckstall-Smith fue su capacidad para estar constantemente activo.  En 1971, Colosseum se separan para transformarse en otra banda capitaneada por el batería Jon Hiseman.  Seguirían en la misma línea, o tal vez sería más justo decir que cambiaron: de hacer Rock-Jazz pasaron a realizar una fusión de Jazz-Rock.  Un año después, en 1972, nuestro saxofonista grababa A Story Ended, un disco en el que contó con las intervenciones de antiguos compañeros como el batería Jon Hiseman, el órgano de Graham Bond, la guitarra eléctrica de Chris Spedding y la voz de Chris Farlowe en canciones como El sueño del pirata.

Ahora recuperamos a ese hombre de voz tan personal que responde al nombre y apellido de Chris Farlowe.  Su verdadero nombre es John Henry Deighton, nacido en Islington, al norte de Londres, en 1940.  Llegó a la adolescencia justo cuando el boom del skiffle estaba estallando en Inglaterra, y Lonnie Donegan, cantante escocés, guitarrista, banjo, compositor, lo inspiró para entrar en el mundo de la música.  Su primera banda fue su propio John Henry Skiffle Group, donde tocaba la guitarra y cantaba, pero dejó el instrumento para concentrarse en su voz y se pasó al Rock & Roll.  Se cambió el nombre y adoptó el artístico de Chris Farlowe

en homenaje al guitarrista de jazz estadounidense Tal Farlow en la foto de la izquierda.

Se puso al frente de un grupo llamado Thunderbirds y para que todo cuadrase mejor rebautizó el proyecto como Chris Farlowe & the Thunderbirds.  En 1970 grababan un LP titulado From Here To Mama Rosa cuya carpeta aparece unas líneas más arriba.  En ese disco Farlowe trabaja la voz en diferentes registros, uno de ellos, de perfil eminentemente soulero es este que recupera el Cíclope, el tema Winter Of My Love.

Principios de la década de los años 70 va a ser una época fructífera para Farlowe.  Trabajaría con un número de músicos y grupos amplísimo, uno de esos grupos fue el trío conocido por el nombre de Atomic Rooster.

Es curioso cómo la Industria Fonográfica y sus tejedores organizan la nominación de algunos géneros musicales.  Cuando Atomic Rooster estaban activos, el Rock que desarrollaban se llamaba simple y llanamente Rock.  Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath...hacían Rock Duro.  Pero desde hace unos años, el Rock Progresivo es una canasta donde se mezclan Yes (antiguo Rock Sifónico), King Crimson, Camel...Atomic Rooster...  Bueno.  Este trío, capitaneado por el hombre con cara de santo gótico a la izquierda de la foto, Vincent Craine, comienzan su andadura musical con el inicio de los años 70, en 1970.  Al principio fueron el organista Vincent Craine, Nick Graham guitarra bajo (en el centro) y un jovencísimo Carl Palmer a la batería, poco antes de pasar a formar parte de Emerson, Lake & Palmer.  Esa formación estuvo tan sólo en el primer LP del trío, del que únicamente se mantuvo, como es lógico, su fundador, Vincent Craine.

En 1972, Atomic Rooster contó con la colaboración de Chris Farlowe en la parte vocal en canciones como All In Satan's Name del LP Made in England que tuvo dos portadas diferentes: una para el mercado europeo, otra para el americano.

Carpeta de Made in England en Europa

 

Made in England edición americana

 

En dos ocasiones el trío bautizó con el nombre de la banda dos discos: uno en 1980 y el otro cuando hicieron su debut en 1970 (foto a la derecha).  Fue la única ocasión en la que tocaron juntos Palmer, Graham y Craine, que tocaron juntos en los estudios de grabación, en directo, en vivo, lo hicieron en varias ocasiones.  De este primer disco recuperamos la composición Decadencia y Caída.  

Vincent Craine no dejó la música mientras estuvo entre nosotros.  Nacía 21 de mayo de 1943 en Reading, Berkshire, Inglaterra; se quitaba la vida el 14 de febrero de 1989 en Maida Vale, Londres.  En los años 80 llegó a formar parte temporalmente de la banda de Kevin Rowland, Dexys Midnight Runners.  Atomic Rooster, tras su desaparición, siguió existiendo como proyecto, bajo la supervisión y el permiso para utilizar el nombre del grupo de la viuda de Craine.

En 1986, tres años antes de la muerte del organista, una banda británica que no tenía nada que ver con el estilo de Atomic Rooster, se acordó del músico que vibraba tocando el órgano y el piano, sobre todo el órgano, y le dedicaron un tema que bautizaban con su nombre y apellido, Vincent Craine.  Está incluido en el segundo álbum de un grupo que responde al nombre de And Also The Trees.

Los hermanos Jones, Simon (en el centro de la foto), voz, y Justin (primero por la derecha), guitarras, capitaneaban el sonido y la forma de esta banda que, en 1986, publicaban su segundo LP, Virus Meadow, un álbum que contiene esa canción homenaje al que fue alma mater y fundador del trío Atomic Rooster, Vincent Craine.

Literarios, oscuros y atmosféricos, And Also The Trees, lograron con este larga duración consolidarse en el panorama musical con temas como Slow Pulse Boy.

Los últimos minutos del programa de hoy los vamos a ocupar con una canción firmada por una banda española que surgió entre las líneas y maneras estéticas de mediados la década de los 80.  Poseían una fuerte carga literaria en los textos de sus canciones y también una profunda dimensión de las guitarras.  Llegaron desde las calles de Toledo, revitalizando esa piedra oscura de los edificios de la ciudad y responden al nombre de El Pecho de Andy.

Tomaron su nombre como un homenaje a la canción original de Lou Reed,  Andy’s Chest, incluida en el LP Transformer que Reed firmaba en 1972.  

El Pecho de Andy se estrenó en 1986 con el LP homónimo que incluye canciones como la que cierra esta edición de Cíclope 3.0, Última combinación.

Se formó el proyecto en 1985 como cuarteto con Miguel Ángel García Ayuso (en la línea inferior de la foto) al frente vocal y guitarra.  Actualmente siguen en activo aunque reformados en quinteto.

Con ellos nos despedimos hasta la semana que viene.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 09-04-24

Cíclope 3.0 del martes 9 de abril de 2024.  En esta edición el Cíclope, de sentidos particularmente paradójicos (tiene, como buen cíclope, un solo ojo, y está dotado de vista auditiva) ha centrado su interés en la guitarra eléctrica, no como instrumento independiente con sus correspondientes intérpretes, sino como elemento integrado dentro de una banda o grupo pero con protagonismo relevante.  En definitiva, se ha puesto a escuchar y a buscar algún que otro disco donde las 6 cuerdas eléctricas hayan marcado líneas que delimitan un camino por el que han seguido muchos grupos y solistas.  Se ha situado en un margen de fechas concretas, en los años centrales de la década de los 80, y se ha encontrado con dos referencias.  La primera lleva indicada la fecha de creación y un lugar: enero de 1979, Mineápolis, Minnesota.  Especifica un formato y un estilo musical: trío de Punk/Hardcore.  Un nombre: Hüsker Dü

De izquierda a derecha, Greg Norton, guitarra bajo, Grant Hart (1961-2017), batería/voz,
y Bob Mould, guitarra/voz

Tomaron su nombre de un juego de mesa danés de los años 50 que significa ¿Te acuerdas?  Sus álbumes entre 1981 y 1987 resultaron notablemente influyentes.  Proporcionaron el modelo sonoro para el híbrido rugiente Punk-Pop que pasó a la corriente principal del Rock a principios de los años 90.  No sólo dieron forma al sonido de la música, sino que también dieron forma a la forma en que las bandas independientes hicieron la transición a los grandes sellos discográficos.  Demostraron a otros grupos que era posible grabar música sin concesiones en un sello importante sin perder integridad ni control creativo.  Casi todos los proyectos mayores y menores que aparecieron en el underground alternativo a finales de los años 80 y 90 tenían una gran deuda con Hüsker Dü, lo supieran o no, fueran conscientes de ello o durmiera esa semilla en el inconsciente de cada músico.

Los dos compositores de la banda, el guitarrista Bob Mould y el batería Grant Hart, tenían una habilidad especial para escribir canciones que esencialmente seguían estructuras Pop convencionales, con melodías memorables, pero que no dejaban de ser canciones Punk.  Hüsker Dü tomó el Punk-Pop pionero de los Buzzcocks y lo hizo más difícil, tanto musical como líricamente.  A lo largo de su carrera, Hüsker Dü nunca perdió su ventaja, nunca bajó el volumen de sus amplificadores, nunca comprometió su música.  Si bien Hart y el bajista Greg Norton eran una sección rítmica infaliblemente fuerte, Mould resultaría ser uno de los guitarristas más influyentes de la década.  Con sus ritmos cortantes, rasgueos distorsionados y momentos solistas ardientes, preparó el escenario para los héroes de la guitarra alternativa de finales de los 80 y los 90.

El Cíclope podía haber escogido cualquier disco del haber de Hüsker Dü, pero se fija en el de la foto, Candy Apple Grey, un LP de 1986 del que recuperamos dos cortes: uno, Don't Want To Know If You Are Lonely, compuesto y cantado por el batería, Gran Hart, y el otro, Hardly Getting Over It, compuesto y cantado por el guitarrista Bob Mould.  Dos formas de interpretar la música por este trío: fuerte y acelerada la primera, acústica la segunda.

Tirando del hilo vamos a entresacar algo de las labores en solitario de dos miembros de este grupo.  El batería estuvo en tres proyectos paralelos a la existencia de Hüsker Dü.  Bob Mould, en la foto de la derecha, capitaneó otros grupos como Sugar y Blowoff.  Nos vamos a quedar con él, con una tercera opción de su labor fuera de formaciones o proyectos, su labor en solitario.

Firmando con su nombre y apellido, Blue Hearts veía la luz el 25 de septiembre de 2020.  Es el álbum número 14 de su discografía en solitario o bajo el paraguas del nombre de algún proyecto.  En este trabajo, Mould vuelca sus inquietudes y críticas contra conservadores, evangélicos y homófobos.  Declaró que, el sentido final de su disco, no era otra cosa que hablar en contra de Donald Trump, contra la gestión ante la pandemia del COVID 19, contra todo lo negativo.  Tiene espacio en el disco para hacer también autocrítica, no sólo habla contra la Casa Blanca.  Hay inclusive canciones que hablan de amores rotos como la que recupera el Cíclope, un tema titulado Sueños de cuero.

Seguimos el sentido del vector guitarrero que ha escogido el Cíclope para esta edición y nos quedamos con otra formación de trío, en este caso la banda conocida como Dinosaur Jr.

Dinosaur Jr. De izquierda a derecha
J Mascis, guitarra/voz, Murph, batería y
Lou Barlow, guitarra bajo/voz

El trío Dinosaur Jr. fue en gran medida responsable del regreso de la guitarra solista al Rock independiente de finales de los años 80.  J Mascis, nacido como Joseph D. Mascis, formó el grupo en Amherst, Massachusetts, en 1984, junto a su compañero de escuela secundaria, Lou Barlow.  Mascis comenzó tocando la batería pero cambiaría inmediatamente los tambores por la guitarra eléctrica.  No fue lo único que cambió, el nombre de la banda se llamó originalmente Dinosaurs, pero un grupo norteamericano de San Francisco formado en 1982 y bautizado con el mismo nombre los demandó, lo que provocó que Mascis y compañía añadieran el Jr. al nombre del grupo, dejándolo además en singular.

Barlow estaba al bajo, Mascis se pasó a la guitarra, y en la batería se sentó Emmet Murphy, conocido por su alias artístico, Murph.  Comenzaron a grabar en 1985 y han ido sembrando los caminos del Rock de canciones con guitarras eléctricas poderosas.

Sus principios fueron de ruido guitarrero como demostraban en el álbum de la derecha bautizado con el nombre de Bug y temas como el que entresaca el Cíclope: No Bones.  Después subirían, o bajaban, o se mantenían...  Dinosaur Jr. han construido una realidad basada en tres grandes bloques: los años 80, tiempo de ver la luz, organizar la energía, explayarse...; lo años 90, en los que desarrollan esos principios, discuten, se separan (nunca definitivamente), se toman tiempo cada uno (sobre todo Lou Barlow, que se dedica a proyectos personales y es sustituido, temporalmente, entre 1991 y 1998 en la guitarra bajo por Mike Johnson) y por fin el siglo XXI con el último bloque de tiempo en el que el trío vuelve a ser quien era, Mascis, Barlow y Murph, más poderosos que nunca con discos como Sweep It Into Space publicado en 2021.

J Mascis en este año 2024 realiza una incursión en solitario y publica What Do We Do Now, un disco de guitarras acústicas donde no olvida las guitarras eléctricas para unas canciones que llevan el sello Dinosaur Jr.  Un tema de este álbum para ilustrar la idea, I Can't Find You.  Cuando te crees que va a terminar la canción y todo indica que está resuelta con el sonido mullido de las acústicas entra la eléctrica y resuelve.

Ya que estamos con trabajos de elementos del trío, ahora le llega el turno a Lou Barlow.

Barlow, desde los años 80, ha estado saltando de Dinosaur Jr. a otros proyectos personales.  En realidad ha estado simultaneando desde el comienzo de la vida del Dinosaurio.  Uno de esos proyectos es el trío Sebadoh

Sebadoh (De izquierda a derecha)
Bob D'Amico, batería, Lou Barlow, bajo, guitarra, voz y Jason Loewenstein, guitarra eléctrica, voz, bajo

Sebadoh comienzan a grabar en 1988, el mismo año de la publicación del álbum Bug de Dinosaur Jr.  Eso significa que la influencia que ejerce Lou Barlow en su entorno cercano y lejano es amplia y atractiva.  Él ha estado activo en tres bandas donde ha dejado constancia de su buen hacer: Dinosaur Jr., Sebadoh y Folk Implosion.  Y hay otros proyectos donde Barlow ha estado presente pero para no extendernos mucho vamos a quedarnos con uno, con Sebadoh.

En el año 2019, la banda Sebadoh editaba el álbum titulado Act Surprised.  Estaban los tres músicos cuyas fotos están un par de párrafos más arriba, los mismos que ocupan el banco de la portada del disco.  Un corte para refrescarnos la memoria o para que los conozcas si no los habías escuchado antes.  El corte en cuestión es Medicate.  

Estamos enredando en el programa de hoy con las buenas vibraciones de algunos proyectos que han tenido prolongaciones en aventuras en solitario de sus miembros.  De Dinosaur Jr. hemos escuchado algo de las intervenciones de su guitarra bajo en otros ámbitos y también del guitarra y cantante de la banda, J Mascis.  Nos vamos a quedar ahora con Mascis colaborando, interviniendo en un disco no como guitarrista sino como batería.  Es la colaboración que realizó en el año 2001 en el segundo álbum de la compositora y cantante norteamericana Tiffany Anders.

Tiffany Anders se estrenaba en el año 1998 con un larga duración de perfil calmado.

Es hija de la directora de Cine independiente norteamericana Allison Anders, responsable de cintas como Gas, Food Lodging, de 1992, traducida en España como Área de servicio.  Allison se preocupó de que su hija, con 12 años, estuviera asistiendo a todo Concierto habido y por haber al que pudiera asistir.  La niña escuchó en vivo a las figuras principales del mundo musical internacional.  La madre consiguió que, cuando tuvo edad adulta,  grabara una maqueta y entrara a grabar un primer disco, Runnin From No Place To Nowhere.  Algunos amigos colaboraron como fue el caso de J Mascis que, en ese primer disco ni tocó la guitarra ni la batería, tan solo hizo voces de coro.

Después llegaría Funny Cry Happy Gift en 2001.  Aquí Mascis es donde tocaría la batería, incluso en la demo que grabó para intentar colocar la grabación en algún sello.  No hubo que buscar mucho, la misma discográfica que editó su primer disco, Up Records, le pareció bueno el material.  Quedaba grabarlo, bien y después encontrar una buena producción que envolviera el producto final.  Madre e hija salían del despacho donde habían mantenido conversaciones técnicas sobre todo lo relacionado con la industria fonográfica cuando, cosas del Destino, se cruzan con PJ Harvey.  Allison, la madre, admiradora acérrima de Harvey, la saluda y le presenta a la niña/mujer.  Le colocan la demo, su número de teléfono, adiós, adiós.  A ciencia cierta no se sabe quién llamó a quién, pero que Harvey se interesó, sí, es cierto.  Después de escuchar atentamente la demo, Harvey asistió a algunas actuaciones de la joven cantante y compositora.  Su relación se fue estrechando y Harvey finalmente le ofreció ayuda, si es que Anders necesitaba algo de ayuda porque estaba en el buen camino.  Anders le pidió a Harvey que produjera el futuro nuevo álbum, cosa que admitió confesando que había estado pensando en lo mismo pero que no quería ser demasiado directa y ofrecerse para el trabajo.  Las dos finalmente se pusieron a trabajar en Funny Cry Happy Gift en Hoboken, Nueva Jersey, donde lograron grabar todas las pistas del álbum en tan solo un par de semanas.  Además de contribuir al álbum como productora, PJ Harvey toca la guitarra eléctrica, el órgano, la pandereta y hace voces de coro.  De este álbum de Tiffany Anders nos quedamos con dos cortes: I See How Much Has Changed y Here I Forget.

Para cerrar esta edición de Cíclope 3.0 nos vamos a quedar con la productora del segundo disco de Tiffany Anders, la compositora e intérprete Polly Jean Harvey

A lo largo de su carrera, PJ Harvey ha ido desarrollando la obra poderosa de una de las compositoras más individuales e influyentes de la época que eclosionó con la aparición del Rock Alternativo.  Ha tratado temas tan variados como el sexo, la religión...  Ha tocado cuestiones políticas con una honestidad desconcertante, con humor negro unas veces, otras con un estilo teatral.  Con el tiempo, la música de Harvey se ha ido haciendo más matizada y ecléctica.  El año pasado,2023, veía la luz I Inside the Old Year Dying, una muestra más de su creatividad que sigue siendo incomparable.

Ella toca una larguísima lista de instrumentos y tiene la colaboración, entre otros, del músico, compositor y productor John Parish, con quien trabajó por primera vez cuando contaba 19 años, allá por 1988, en la banda que lideraba Parish, Automatic Dlamini.

De este último trabajo de Harvey vamos a escuchar un par de cortes: Lwonesome Tonight y A Child's Question, August.

Volveremos con ella en un futuro cercano.  Por hoy, terminamos.  Espero que te guste el programa.

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