Cíclope 3.0 - 20-06-23

Manuel Garrido Ibáñez-Estación de Arenillas-Febrero 1971.  Foto original de Ángel Yanguas, sobrino nieto de Luis Cernuda

Los puntos de fuga para que se originen algunas ideas de programas de radio son impredecibles.  Para esta edición de Cíclope 3.0, la del martes 20 de junio de 2023, fue la foto que sirve de cabecera para la entrada hoy del blog, esa instantánea de la que queda registrada quién es el hombre de la mochila, quién la hizo y fecha.  Manuel Garrido Ibáñez fue realizador y presentador de programas de radio en la mítica L.V.G.-F.M. en los años bisagra entre finales de los 70 y principios de los 80, espacios dedicados a la música Folk que tuvieron diferentes nombres: El Jardín Encantado por The Enchanted Garden de John Renbourn, El Patio de mi casa, o Sobre las Montañas por Over the Hills de Pete Seeger.  Es un reconocido especialista de dicho género de la Música, intérprete de instrumentos como la guitarra acústica y, sobre todo, el banjo.  Es integrante del grupo Nadzhir.  Cuando comencé la colaboración con Radio Tomares en el año 2014, Manuel Garrido realizaba el programa El Jardín Encantado en su versión siglo XXI, sin dejar de cultivar su amor y pasión por todo lo referido hacia el Folk.  Desde hace tiempo dejó los arriates del Jardín bajo la protección del Tiempo, detenido con la esperanza de volver un día.  Y precisamente eso es lo que inspiró al Cíclope, esa foto de él que muestra una figura en espera, esperando, como están los personajes de Samuel Beckett, Esperando a Godot, o cualquier otra causa o motivo, pero siempre en estado de espera.  De eso va la música de esta edición de Cíclope 3.0, de canciones que hablan de estar esperando, esperar, a la figura amada, al autobús, a que se tome una decisión, a que llegue el tren...  Vamos a comenzar, que el verbo tiene muchas vías de expresión y hemos encontrado unas cuantas que caben en 60 minutos, empezando por unos irlandeses llamados The Devlins.

Con sus armonías teñidas de acento irlandés ambientadas en melodías acústicas, los hermanos Colin y Peter Devlin (tercero y cuarto en la foto, contando desde la izquierda) iniciaron una labor musical asentada en Dublín, aunque habían nacido en la localidad de Newry, en el condado de Down, en Irlanda del Norte.  Su debut discográfico fue en 1993 con un disco titulado Drift producido por Daniel Lanois y grabado en el estudio de Lanois en Nueva Orleans.  Ya mostraron indicios de su capacidad para crear una melodía cargada de gancho, pero sería su segundo trabajo, Waiting, de 1997, el que definió el sonido de la banda proyectando su espectro musical, asentando al grupo como uno de los mejores proyectos llegados desde Irlanda.  A principios de 1999 ambos hermanos se mudaron a una antigua casa de campo en Kinsale, condado de Cork, para montar su propio estudio de grabación.  Desde allí siguieron trabajando hasta el año 2005.  Por ahora han dejado cuatro álbumes y no se ha vuelto a saber nada del grupo excepción hecha por la labor en solitario de Colin Devlin que entre 2009 y 2018 ha publicado dos álbumes.

Recuperamos a The Devlins con un tema del álbum de 1997, el que le da título al disco, Waiting.

Según el Diccionario, el gerundio 

es la forma no personal del verbo que expresa duración de la acción verbal; funciona como adverbio y como verbo.

Como verbo, lo vamos a conjugar ahora con una frase que parece sacada de un libro de texto para estudiar inglés: Estoy esperando, I am Waiting.

I am Waiting es el título de una de las canciones del LP Aftermath de los Rolling Stones que veía la luz en el mes de abril de 1966 con la portada de la foto a la derecha en su edición europea.

En los Estados Unidos la foto de la portada fue otra y el contenido también porque la versión europea contiene 14 cortes y la americana sólo 11.  El disco no convenció en algunos círculos tanto de la crítica especializada como de la audiencia en general, y eso que contenía una variedad importante de composiciones: la edición americana incluía el single Paint It Black, con la utilización del sitar por parte de Brian Jones de una forma original y creativa.  En el disco el grupo se definían como los muchachos "malos" del Rock 'N' Roll con canciones de actitud burlona hacia el mundo en general, Mother's Little Helper, y unas gotas ácidas de misoginia, Stupid Girl, Under My Thumb...  También temas como el isabelino Lady Jane donde Brian Jones utilizó el clavicémbalo, el dulcimer, para darle una sonoridad opuesta al perfil sucio, ritmanblusero que los cinco practicaban desde sus comienzos.

Como nos hemos situado en la década de los 60, en el Pop de aquellos años el verbo esperar se conjugó en multitud de ocasiones.  El 3 de diciembre de 1965 aparecía Rubber Soul de los Beatles conteniendo, entre otros gloriosos cortes, uno titulado Wait.

Si bien los Beatles estaban todavía apegados en gran medida a las canciones de amor, en Rubber Soul, las letras representaron un salto cuántico en términos de madurez y ambigüedades complejas.  Musicalmente también fue un salto sustancial, con intrincados arreglos de folk-rock que reflejaban la creciente influencia de Bob Dylan y The Byrds.  El grupo y el productor George Martin también comenzaron a expandir los parámetros instrumentales convencionales del grupo de rock, usando el sitar en Norwegian Wood (This Bird Has Flown) no como lo llegaría a manejar George Harrison en sus canciones hinduistas, sino más como un adorno fundamental, porque servía para dotar de una estructura más original al tema.  Una guitarra bajo fuzz persistente que genera ese sonido grueso y denso que tiene Think for Yourself y un piano hecho para sonar como un clavicémbalo en el intervalo instrumental de In My Life.  Tuvo el LP un trabajo de individualidades en el binomio Lennon/McCartney ya que comenzaron a crear identidades de composición separadas, cosa que no había ocurrido hasta el momento, y eso dio como resultado canciones muy buenas, buenísimas, como por ejemplo Nowhere Man, la primera canción de los Beatles en ir más allá de los temas románticos por completo.  George Harrison ya había mostrado sus dotes como compositor y en Rubber Soul aportó dos canciones singulares, Think for Yourself y If I Needed Someone, un corte al más puro estilo Byrds por las guitarras y las voces floridas.

Seguimos en los 60 y en concreto en 1965, año en el que publicaban The Kinks su segundo LP: Kinda Kinks.

El disco se grabó rápidamente y en medio de una gira mundial que los llevó hasta Australia en el transcurso del Año Nuevo de 1964-1965.  

En el espacio de dos sesiones frenéticas a fines de diciembre de 1964 y mediados de enero más una semana brutal en febrero de 1965, el grupo grabó 11 canciones para completar un LP que ya estaba destinado a contener Tired of Waiting for You, una canción producto del trabajo del verano anterior, retenido por el productor 

Shel Talmy para lanzar un sencillo con vocación de éxito.  El resultado final fue un  álbum que muestra un sonido mucho más sofisticado que el del primer disco, con una guitarra eléctrica de Dave Davies más baja de intensidad, inclusive cambió a acústica en un par de ocasiones.  Ray Davies comenzó a explorar aspectos de las emociones y la narración de historias que trascendían cualquier cosa en la producción anterior del grupo.  Por supuesto de este trabajo el tema que el Cíclope escoge, por su temática, es Tired of Waiting for You, Cansado de esperarte.

El verbo Esperar, transitivo o intransitivo, el adjetivo Esperar...en la Historia de la Música Popular se ha utilizado tanto como Baby, Love, Amor, Ella, Él, Ello...No siempre se traduce en relación al vínculo erótico/amoroso, a veces hace alusión a zonas más oscuras como es el caso que nos va a ocupar.

El 12 de marzo de 1967, y no de 1966 como digo en la locución del programa, veía la luz el primer LP de The Velvet Underground  titulado 

The Velvet Underground & Nico.  Del disco no voy a descubrir nada nuevo pero si está en el programa de hoy es porque contiene una canción que habla de esperar y esa canción es I'm Waiting for the Man, Estoy esperando al hombre.  La escribió Lou Reed y durante un tiempo y en ciertos círculos se la consideró un alegato gay por la letra cuando dice Estoy esperando a mi hombre, ese mi posesivo hizo sospechar de una relación amorosa pero no hay tal, no hay afinidad sentimental, el único nexo es comercial: un cliente espera a su camello para que le venda una dosis de heroína.  Eso es lo que cuenta la letra del tema escrito por Lou Reed en 1966, la historia de un hombre que viaja al barrio neoyorquino de Harlem, cerca de la intersección de la Avenida Lexington y la Calle 125, para comprar 26 dólares de heroína:

Estoy esperando a mi hombre. Veintiséis dólares en mi mano, hasta Lexington, 125. Me siento enfermo y sucio, más muerto que vivo. Estoy esperando a mi hombre.

Sobre la letra, Reed aseguró que era todo cierto, excepto el precio.

Otro tipo de espera implica la llegada o resolución de un acontecimiento como le sucedía a Elvis Costello en 1977, año de edición de su primer trabajo.

Ahora no recuerdo bien si el vinilo original tenía un tinte amarillo como fondo de la fotografía de Costello.  Me refiero a la edición española.  Tampoco hace que eso varíe la calidad de este álbum de debut.  Elvis Costello era tanto un Pub Rocker como un Punk Rocker y en ninguna parte eso es más evidente que en su primer disco, My Aim Is True, Mi objetivo es verdadero.  No es porque lo respalde Clover, un grupo de rock de San Francisco dirigido por Huey Lewis (no, no está colaborando en el disco), tampoco porque tenga el apoyo de The Attractions.  Es que su sensibilidad está tomada del Rock & Roll arrollador y la introspección folclórica de rockeros de pub, más la infusión de pura maldad y humor cínico, que es puro Costello.  Esa mezcla de sensibilidad e inteligencia hacen de esta colección de brillantes raíces rockeras un disco punk, un catálogo de interpretaciones nerviosas y canciones espinosas.  Probablemente, de todos los debuts del Punk clásico, este sigue siendo quizás el más idiosincrático porque no es catártico en sonido, solo en espíritu, lo que, por supuesto, significaba que podía tocar para una audiencia más amplia.  De este estreno de Elvis Costello nos quedamos con el corte Waiting For The End Of The World, Esperando el fin del mundo.

Ya que ha aparecido citada la ciudad de San Francisco ahora vamos a meternos en refriegas bélicas.  La Guerra, sea cual sea, deja a personas esperando el retorno del frente al hogar como en el hogar la vuelta de quienes se hayan ido, a la Guerra o porque hayan tenido que trasladarse porque se han quedado sin hogar.  El mundo Hippy arengaba con máximas como Haz el amor, no la guerra.  Hubo un movimiento pacifista que arraigó en diferentes doctrinas de las Artes y la música fue una de ellas.  Saltamos desde 1977 con Elvis Costello hasta 1969 con Donovan.

Donovan Phillips Leitch, conocido por su primer nombre, Donovan, es un compositor e intérprete escocés que sembró la década de los 60 y parte de los 70 con sus canciones de amor, psicodelia y paz.

En 1969 vio la luz el álbum Barabajagal, una colección de canciones en algunas de las cuales intervino la guitarra de Jeff Beck (1944-2023).

El disco incluye una composición que habla de la Guerra de Vietnam y es la titulada To Susan On The West Coast Waiting, A Susan que está esperando en la Costa Oeste.

Ya puestos en situación por la fecha de 1969...Woodstock, los hippies, la hermandad de las amistades...nos quedamos ahora con el debut de tres amigos, colegas de profesión, que se estrenaban ese año de 1969 con un LP bautizado con el apellido de cada uno, tal y como se identificó el proyecto mientras existió: Crosby, Stills & Nash.

Dejaron un álbum como trío, el debut de 1969, y dos como cuarteto cuando se les sumó el cuarto apellido, Young.  Como Crosby, Stills, Nash & Young grabaron en estudio Déjà Vu publicado en 1970.  Como testamento sonoro dejaron el doble LP 4 Way Street en 1971.  Después, cada uno por su lado, como era habitual antes de reunirse.  Seguirían siendo los buenos amigos que siempre fueron, supieron armonizar sus voces y dejar hermosas canciones como la que recuperamos para la edición de hoy, Helplessly Hoping, Esperando sin remedio.

Si nos fijamos en la mitología hay varios casos de figuras que aguardan, que esperan el paso del Tiempo, por ejemplo Perséfone.

Proserpina, nombre romano
para designar a Perséfone, 
representada por el pintor y poeta 
Dante Gabriel Rossetti (1828-1882)

Perséfone, llamada Core antes de cumplir la mayoría de edad, en la mitología griega, es hija de Zeus y de la diosa Deméter.  Hades, hermano de Zeus y dios del Inframundo, se enamora perdidamente de la niña cuando esta se encuentra recogiendo flores, en concreto narcisos.  La rapta y tan solo consiente en devolverla cuando Deméter, dolida y preocupada por la desaparición de su hija, tras consultar a Zeus y recibir solamente evasivas y ninguneos, decide asolar la faz de la Tierra, secando los campos y arrasando las cosechas.  Al final, Zeus accederá a los deseos de Hades y permitirá que la niña vuelva junto a su madre hasta que cumpla la mayoría de edad, cumplido dicho Tiempo se desposará con Hades.  Deméter accede pero con una condición: Perséfone vivirá seis meses sobre la Tierra y otros seis en el mundo Interior de la Tierra junto a su esposo.  Perséfone, que no está enamorada de Hades, contará el paso de los días hasta poder volver al mundo de los vivos, donde la naturaleza florece en la Primavera, símbolo del retorno de la Vida a la faz del planeta.  Cuando descienda las escaleras del Hades para reunirse con su marido, llegará el Otoño y tras él, el Invierno.  Uno de los atributos de Perséfone es el fruto de la granada, cuyos granos ella va separando uno a uno, esperando volver al mundo de los vivos, esperando al otro lado de las puertas del Inframundo, donde revolotea un murciélago ciego.

Trazamos una línea imaginaria con un tiralíneas imposible y saltamos desde la atemporalidad de la mitología griega hasta la música de los tangos argentinos del siglo XX.  Alfredo Le Pera, letrista habitual de los tangos que cantó Carlos Gardel, y Gardel mismo, encargado de la música, escribieron piezas como Volver que dice en un fragmento:

Volver, con la frente marchita, 

las nieves del tiempo platearon mi sien.  

Sentir que es un soplo la vida, que veinte años no es nada, que febril la mirada, errante en las sombras, te busca y te nombra

Vivir con el alma aferrada a un dulce recuerdo que lloro otra vez.

Veinte años no es nada.  Veinte años son los que estuvo esperando Penélope la vuelta de su marido Odiseo en la obra de Homero La Odisea.  Mientras Odiseo, rey de Ítaca, está ausente por la Guerra de Troya, Penélope es pretendida por varios hombres, quienes se instalan en el palacio y de manera abusiva consumen su hacienda en banquetes, mientras esperan que la reina elija a uno de ellos.  Para mantener su castidad Penélope dice a los pretendientes que aceptará un nuevo esposo cuando termine de tejer un sudario para el rey Laertes, padre de Odiseo. Para prolongar el mayor tiempo posible esta tarea, Penélope deshace por la noche lo que teje durante el día.  Sin embargo, una mujer la delata, por lo que es obligada a concluir la labor, momento en el que Odiseo regresa y mata a los pretendientes.  La fiel Penélope se había pasado veinte años tejiendo, veinte años esperando.

Esta hermosa historia de tesón y esperanza ha alimentado las raíces de otras, por ejemplo es la clave de una canción de 1969 compuesta por Augusto Algueró y Joan Manuel Serrat.

Augusto Algueró, compositor, arreglista y director de orquesta, se encargó de la música, Joan Manuel Serrat de la letra, y así salió Penélope, la historia de una separación temporal entre una mujer y un hombre que, por circunstancias, tiene que abandonar el pueblo donde vivían y que se marcha con la firme determinación de volver un día.  Él se va y se lleva el recuerdo idealizado de la mujer amada, tan idealizado que lo guarda como si de una foto interior se tratase.  Él vuelve, ella le ha estado esperando en el mismo sitio, en el mismo banco, en el mismo andén de la misma estación de trenes...pero ha envejecido y él no reconoce al amor de su vida tras las arrugas y los colores desvaídos.  El mito del Ideal cae y se hace añicos.  Canción dolorosamente hermosa ganó la Medalla de Oro en el IV Festival Internacional de la Canción Popular  Río de Janeiro de 1969.

  

No podía faltar esa Penélope en una edición como la de hoy de Cíclope 3.0 donde estamos escuchando canciones relacionadas con la acción de esperar.  Sin lugar a dudas van a faltar un montón larguísimo de composiciones que no pueden entrar por falta de tiempo, sesenta minutos dan para un número concreto, las que puedan echarse de menos intentaremos recuperarlas en otra ocasión.  Estamos en la recta final del programa y nos quedamos ahora con una mujer que se vio sometida a un profundo dolor ya que perdía a dos seres queridos, esposo y hermano, en un corto período de tiempo.  Ella es Patti Smith.

Comenzó en 1975 con Horses y hasta 1979 grabó y publicó cuatro LPs, casi uno por año, con una separación de dos años entre Radio Ethiopia, 1976, y Easter, 1978.  En 1979 vio la luz Wave y no volvería a entrar en los estudios de grabación hasta 1988, cuando felizmente casada con el guitarrista Fred "Sonic" Smith, grababa el álbum Dream of Life, con el acompañamiento en la guitarra eléctrica de su marido, extraordinariamente calmado y sereno en comparación a lo que había hecho con la banda MC5.

Tras un prolongado retiro, Patti Smith volvió a la acción en 1996 con Gone Again.  Fue grabado después de sufrir la pérdida de su marido Fred Smith que murió el 4 de noviembre de 1994.  Poco tiempo después tuvo que enfrentarse a la inesperada muerte de su hermano Todd y del teclista de su banda, Richard Sohl.  Tres pérdidas tan grandes en tan poco espacio de tiempo que no sorprende que todavía esté explorando ese dolor en Peace and Noise, 1997, que siguió rápidamente al anterior, con un año de diferencia.  En este trabajo de 1997 Patti explora el envejecimiento y la crianza de los hijos, tratando de encontrar un lugar para su familia en el mundo moderno mientras acepta su rebeldía envejecida.

Antes de seguir con las canciones que nos quedan por escuchar, déjame que te cuente una anécdota relacionada con Todd Smith, el hermano fallecido de Patti.  Fue un incidente relacionado con Sid Vicious en 1978.

Uno de los momentos que marcaron la biografía de Sid fue la misteriosa muerte de su novia Nancy Spungen (1958-1978) de la que él resultó el principal sospechoso al no encontrar responsables o culpables.

Solo diez días después de la muerte de su ex pareja, el bajista de Sex Pistols intentó suicidarse dos veces.  A pesar de eso, prefirió que lo pusieran en libertad bajo fianza por la muerte de Nancy Spungen, y la noche del 9 de diciembre, decidió ir a ver a la banda glam-punk Skafish en Nueva York.

Todd Smith, amigo y colega de Skafish

trabajaba para la banda esa noche, vigilando el escenario en caso de que algún equipo fallara o que algo saliera mal.  En esa época,  Todd era el mánager de la gira de su hermana y estaba trabajando en el show como un favor para Skafish, ya que ella no estaba de gira en ese momento.  Según el líder de la banda, Jim Skafish, (en la foto, con las piernas estiradas) que relató esto que sigue a través de su blog, Sid Vicious se subió al escenario de cara al público.  Se volvió y miró a la banda.  Durante su presentación, comenzó a coquetear y a pellizcar a la batería de la banda, Tara.  

Todd estaba saliendo con Tara en ese momento.  Era muy frío, y no se puso para nada celoso, tan solo se acercó a Vicious, le pidió que se bajara del escenario y que esperara.  No se sabe a qué o qué tenía que esperar el caso es que en ese momento, Sid Vicious rompió una botella de cerveza en la cara de Todd, y pese a todo, la banda siguió tocando mientras que Todd tuvo que ser trasladado de urgencia al hospital y recibir varios puntos de sutura.  Volviendo unos segundos atrás, cuando se produce la agresión, James Alan Sohn, vocalista de la banda de los 60 The Shadows of Knight, y técnico de la mesa de mezclas esa noche, saltó al escenario y golpeó a Sid Vicious en la cara, arrastrándolo escaleras abajo.  En medio del desorden que se organizó, Skafish terminó su actuación.  Tras el altercado a Sid Vicious lo arrestaron y fue acusado de agresión por lo que lo enviaron a la cárcel de Rikers Island durante 55 días.  Lo sometieron a un programa forzoso de desintoxicación de heroína.  Una vez cumplida la condena sería puesto en libertad y, días después, lo encontrarían muerto.

Nos centramos en los últimos minutos de esta edición de Cíclope 3.0 donde se han ido enredando canciones que hablan de la espera de una forma explícita en los títulos y, por supuesto, en el contenido, y también otras que no hacen referencia en el nombre pero sí en lo que cuentan como es el caso que nos ocupa a continuación.

Roberto Sánchez Fransesch (RSFRANSESCH) ha sonado en otras ocasiones en Cíclope 3.0 porque su obra nos interesa y mucho.  Su producción, que es amplia, quedó re-organizada hará un año, cuando fue ampliando el contenido, a veces difuso por estar en diferentes soportes, de parte de lo que ha sido hasta el momento su actividad creativa.  Todo este trabajo organizativo tenía la meta puesta en un mejor acceso a través de las diferentes plataformas de reproducción para poder buscar y encontrar piezas suyas ordenadas dentro de directorios identificados con distintos epígrafes, por ejemplo el proyecto 900991, disponible en Bandcamp, en el que ha subido mucho material nunca mostrado antes o que sólo editó en forma de video musical en YouTube o Vimeo.  Son grabaciones aparecidas en formato EP, Mini-LP, Larga Duración o Single.  900991 incluye una serie de trabajos entre los que se cuentan el EP de cuatro canciones Alone que incluye el tema No me importa (lqqqs), una composición que en su parte central habla de esperar:

No me importa esperar y no me importa la espera.  No espero que entiendas que puedo esperar y no me importa la espera, pero no puedo esperar que entiendas que no me importa esperar porque sintonizo con tu voz igual que sintonizo con la tempestad.

El subtítulo de la canción, (lqqqs), es fácil de ubicar, así que te dejo que encuentres el significado.

Y así llegamos al final.

 

Porcupine Tree, la banda británica capitaneada por el guitarrista, compositor y cantante Steven Wilson, se encarga de cerrar esta edición.

En 1996, Porcupine Tree publicaban Signify, un álbum con todos los atributos del grupo sonando de forma y manera seductora.  El número de miembros ha sido siempre algo que ha ido cambiando.  Para la ocasión se reunieron cuatro músicos: Steven Wilson, obviamente, más 

  
Richard Barbieri en los teclados

Colin Edwin en la guitarra bajo

Y Chris Maitland en la batería

   

  

 

Comenzábamos el programa con una canción titulada Waiting, interpretada por The Devlins.  Terminamos con otro tema, homónimo, pero interpretado por Porcupine Tree.

La semana que viene volvemos con más música.  Espero que te guste el programa de hoy.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-20-06-23

Cíclope 3.0 - 13-06-23

Cíclope 3.0 del martes 13 de junio de 2023, programa que comienza asentado en las tierras queridas y amadas de Argentina por lo que lo primero que suena es un tango interpretado por uno de los bandoneonistas más grandes de la Historia, Aníbal Troilo.

Aníbal Carmelo Troilo, alias Pichuco, nacía en Buenos Aires, el 11 de julio de 1914 y fallecía el 18 de mayo de 1975.  Fue un bandoneonista, compositor y director de orquesta de tango argentino.  Durante su niñez, Troilo escuchaba tocar el bandoneón en los bares de su barrio.  A los 10 años convenció a su madre, Felisa, para que le comprara su primer bandoneón.  Felisa lo compró por 140 pesos de entonces, con un crédito que le permitió pagarlo en 14 cuotas de 10 pesos; pero luego de la cuarta cuota el vendedor desapareció y nunca reclamó el resto.  Con ese bandoneón, Troilo tocó casi toda su vida.  Lo hizo junto a figuras como Astor Piazzolla, que lo admiraba hasta la idolatría.  De Troilo recuperamos una grabación de 1967, un disco que recoge uno de sus interpretaciones más populares, Verano porteño.

Al comienzo de esta edición de Cíclope 3.0 vamos a estar en Argentina, en la Argentina más tradicional durante el tiempo que dura ese tango del gran Aníbal Troilo para pasar inmediatamente y sin solución de continuidad a la música que se hace en Argentina en pleno siglo XXI con un proyecto que se abre como el corazón de un caleidoscopio, ese proyecto recibe el nombre de Bajofondo Tango Club.

Ocho miembros conforman el seno de esta banda fruto de las ideas puestas en común de dos compositores e intérpretes: por un lado Gustavo Santaolalla (en la foto, quinto desde la izquierda) compositor argentino, guitarrista, cantante, ganador de un Oscar a la mejor banda sonora de películas por Brokeback Mountain y Babel en 2006 y 2007; la otra cabeza pensante es la de Juan Campodónico (en la foto, cuarto por la izquierda), guitarrista original de Uruguay, encargado de algunos elementos electrónicos como los samples y algunos instrumentos más.

Bajofondo Tango Club comienzan con el siglo XXI, hacen su primera incursión en la industria fonográfica en el año 2002 y a medida que fueron avanzando en el día a día fueron ampliando el colorido de su espectro musical.  Sin perder su identidad latina ampliaron las fuentes, entreverando todo lo que hacían con la música electrónica, con las posibilidades que les proporcionaba el eclecticismo musical que llevan enraizado en sus maneras y formas de componer e interpretar, tanto es así que se cambiaron el nombre y de Bajofondo Tango Club pasaron a llamarse Bajofondo solamente, ya que su estilo se había ampliado más allá del tango y lo que hacían podía perfectamente identificarse como música contemporánea del Río de la Plata.  Era el año 2007 y Bajofondo publicó el álbum Mar Dulce, un disco donde ese eclecticismo al que tendían se recogía en colaboraciones tan interesantes como la del bandoneonista japonés Ryota Komatsu, compositor e intérprete, original de la ciudad de Tokio.

La lista de colaboradores es amplia: aparece Elvis Costello poniendo la voz en un corte; Julieta Venegas canta en un tema que aparece según la edición del disco, dependiendo del país.  Ninguno de los dos están en la selección que hace el Cíclope de este trabajo de Bajofondo, escoge otras canciones como El Andén, interpretada por una española de Cádiz, de Jerez de la Frontera, llamada Mala Rodríguez.

María Rodríguez Garrido, alias Mala Rodríguez, fue la primera mujer en ganar un Grammy Latino por Mejor Canción Urbana y por Mejor Álbum Urbano en el año 2013.  Se convirtió en el rostro del género urbano y se posicionó como la líder femenina del rap con su voz flamenca y su poesía descarada.

De Bajofondo escuchamos unos tres cortes instrumentales y dos cantados, ambos por voces femeninas.  Tras la intervención de Mala Rodríguez nos quedamos con la de Lágrima Ríos.

Lida Melba Benavídez Tabárez, nacida en Uruguay, en Durazno, el 26 de septiembre de 1924 y fallecida en Montevideo, el 25 de diciembre de 2006, conocida como Lágrima Ríos, fue una cantante afrodescendiente uruguaya, que destacó en los cantos del candombe. Conocida también como La perla negra del tango y La dama del candombe, se dice que representa la más noble esencia del canto mestizo y negro.  Su voz era potente, como afirmaba ella misma: 

los negros tenemos las cuerdas vocales una pinta más gruesa que los blancos. 

Fue reconocida como la única cantante negra de tango rioplatense.  Alberto Mastra, cuyo nombre real era Hilario Alberto Mastracusa, guitarrista, compositor y cantante uruguayo, nacido el 9 de noviembre de 1909 y fallecido el 10 de abril de 1976, fue maestro de Lida Melba, integrándola en uno de sus tríos cuando ella contaba 26 años de edad.  Le comentó a Lida: 

Vamos a cambiarte el nombre, elige entre Armonía o Lágrima

Ella eligió Lágrima, porque las lágrimas no siempre son de tristeza, las grandes alegrías también nos hacen llorar.  Esa tarde, en su casa de la calle Durazno, bien al sur, las lágrimas fueron esa mezcla incierta al recordar a su madre, con la devoción que sólo un hijo criado en el amor puede profesar. Hace años que Lida del Río primero y Lágrima Ríos después, se constituyó en la voz femenina del candombe.  Candombe es el nombre genérico que reciben diferentes danzas de origen africano en Uruguay, y nace de la conjunción de los más de veinte pueblos africanos que fueron traídos como esclavos a esta región del cono sur.

Lágrima Ríos fallecía el 25 de diciembre del año 2006.  Antes le dio tiempo de grabar un tema original de Gustavo Santaolalla, titulado Chiquilines, que es precisamente el que escoge el Cíclope.

Y después de cinco cortes del álbum Mar Dulce de Bajofondo tomamos un ala delta y volamos desde la frontera entre Uruguay y Argentina hasta tierras británicas para quedarnos con la música de un hombre que firma su hacer musical con su apellido: Clark.

Nacido en St. Albans, Hertfordshire, Inglaterra, Christopher Stephen Clark comenzó a hacer música en su adolescencia y también experimentó con la construcción de su propio equipo musical. Después de estudiar en St. Albans School, fue a la Universidad de Bristol.  Cuando aún era estudiante, llamó la atención de Warp Records al presentarse en una fiesta del sello discográfico en diciembre de 2000 como Chris de St. Albans.  En abril siguiente, hizo su debut en el sello como Chris Clark para seguir, a partir de entonces, firmando todo lo que hizo con su propio apellido, Clark.

¿Es el músico solitario que lo hace todo?  No tanto.  Desde que comenzó ha participado en proyectos audiovisuales con otros creadores.  Ha compartido espacio y lugar con Massive Attack, Depeche Mode...  No vive aislado en una torre de cristal.  Genera habitualmente sus composiciones él solo, pero después interactúa con otros.  Su forma de componer, los resultados de lo que hace, son difícilmente clasificables.  Es la primera vez que escuchamos a Clark aquí, en Cíclope 3.0, no va a ser la única porque es un hombre con una riqueza muy interesante y regresaremos a él en otra ocasión.  Hoy vamos a barajar algunos temas de dos álbumes suyos, uno aparecido este año 2023, el 26 de mayo y titulado Sus Dog; el otro, publicado el 26 de marzo de 2021 con el nombre Playground In A Lake, fue el primero que editó con el prestigioso sello discográfico alemán Deutsche Grammophon.  Las incursiones de Clark en la composición musical y moderna se adaptaron a la complejidad y amplitud de su música.  Playground in a Lake recoge una visión de la devastación ecológica y sus secuelas, combinando sonidos dispares (folk, elementos orquestales y experimentos electrónicos antiguos de los años 70) convirtiéndolo todo en algo global, original.  En sus momentos más introspectivos este trabajo refleja la belleza de los espacios abandonados por la gente durante mucho tiempo.  Para crear una declaración tan masiva, Clark reclutó una gran cantidad de artistas entre los que se encuentran

 

Chris Taylor, batería de la banda Grizzly Bear

Yair Elazar Glotman, músico israelí
encargado del contrabajo

Oliver Coates al violonchelo

La violinista 

Rakhi Sing

Por último, probablemente el colaborador más llamativo, Nathaniel Timoney, la voz del niño de coro de 12 años que flota a veces de forma inquietante por los diferentes cortes donde interviene.

En esta edición de Cíclope 3.0 nos centramos más en su último trabajo y del disco del año 2021, Playground in a Lake (portada en la foto de la derecha) entresacamos tan solo un corte pero volveremos a él en otra ocasión.  Hoy, fundamentalmente, suenan temas pertenecientes a su álbum publicado el 26 de mayo pasado, titulado Sus Dog.

Si algún productor pudiera incorporar su voz a su música de manera innovadora, ese sería Clark.  Ha utilizado las voces de otros en su trabajo con un efecto sorprendente y en su último trabajo, la adición de su voz no resta valor a la complejidad de su trabajo. Clark aprovecha la oportunidad para expresarse de una manera nueva y uno se pregunta por qué no ha hecho esto antes, el utilizar su voz.

Sus Dog es un trabajo ecléctico, rico, donde se vuelve a dar la intervención de colaboradores importantes cuya importancia es más cualitativa que numérica:

Richard Spaven, batería, compositor y productor británico, trabaja compartiendo su saber hacer.  Spaven  es un músico cuya obra y colaboraciones dan para unos cuantos programas.  El álbum de Clark tiene una participación brillante de un colega suyo de profesión y amigo: Thom Yorke.

Yorke realiza diferentes cometidos en el disco: productor ejecutivo, guitarra bajo y voz.  Canta en un corte solamente pero deja su impronta, siempre atractiva e interesante.  Son tres temas los que escoge el Cíclope de Sus Dog y uno de ellos, Medicine, cuenta con la intervención directa del vocalista de Radiohead.  

Precisamente con Thom Yorke terminamos hoy el programa, con uno de sus proyectos posteriores a la existencia de Radiohead como es la banda The Smile.

De izquierda a derecha: Tom Skinner, batería, Jonny Greenwood, guitarra y Thom Yorke, guitarra bajo y voz.  The Smile publicaban el 13 de mayo de 2022 el álbum A Light For Attracting Attention, su único trabajo hasta el momento.

Al principio fueron un trío formado por Greenwood, Yorke y Nigel Godrich, que había sido productor de Radiohead.  No era de extrañar que las primeras veces que se escuchó al grupo la sensación que se recibía era la de estar escuchando a los Radiohead.  Pero es que esa emoción continuó después, con la participación de Skinner en la batería.  Pero, insisto, no es raro porque entre Yorke y Greenwood recaía fundamentalmente el sonido y la arquitectura de las composiciones de Radiohead.  Como el tiempo no nos da para más, nos quedamos con un tema de este disco de The Smile.  La intención era escuchar algo del proyecto anterior de Thom Yorke, Atoms For Peace, y cerrar con esta banda, pero no es posible.  La próxima vez que suene Yorke los recuperaremos, pero por hoy no hay tiempo para más.  Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 06-06-23 - Especial Joni Mitchell # 3

Joni Mitchell ante una audiencia amplia

La edición de Cíclope 3.0 del martes 6 de junio de 2023 está dedicada a la tercera entrega del Especial Joni Mitchell.  Nos ocupamos hoy de dos LPs: uno doble, grabado en vivo; el otro de estudio.  Empezamos, siguiendo la línea cronológica, con el álbum doble titulado Miles of Aisles.

Miles of Aisles es un LP doble que se publicaba en el mes de noviembre de 1974.  Recoge varias actuaciones en vivo de ese mismo año grabadas en diferentes lugares y fechas: el 2 de marzo en Berkeley Community Theatre, el 4 del mismo mes en Dorothy Chandler Pavilion, y entre el 14 y 17 de agosto en The Universal Amphitheatre de Los Ángeles.  La foto de la portada fue tomada en el Pine Knob Music Theatre en Clarkston, Michigan.

Esta fue la primera gira de Mitchell con músicos de apoyo ya que antes de esto, generalmente había actuado en solitario.  Quienes formaron la línea de soporte fueron los integrantes del grupo de Jazz Fusión The L.A. Express,  capitaneados por Tom Scott, saxofonista, compositor, arreglista y director de orquesta que ya habían aparecido en los créditos de su anterior álbum de estudio, Court and Spark.  Miles of Aisles es una colección de 18 canciones, versiones bastante sencillas de temas de los primeros cinco álbumes (antes de Court and Spark ) de las que, para una buena parte de la audiencia, las mejores son aquellas en las que Mitchell canta acompañada solo por su propia guitarra acústica o piano.  Se considera que es más capaz, tanto vocal como emocionalmente, de navegar por los sutiles picos y valles de su material inicial.  El álbum fue producido por nuestra protagonista.  

De este trabajo doble vamos a escuchar 8 cortes, algunos formando un tándem de dos canciones hechas una, otras solas y alguna cantada a medias con la complicidad del público como es el caso de Circle Game.  De los 18 cortes hay dos composiciones nuevas: Love or Money y Jericho.  Esta última la retomaría para hacer la versión de estudio que incluiría en el álbum Don Juan's Reckless Daughter de 1977.  Pero a ese disco llegaremos en su momento, por ahora nos quedamos con la versión en vivo de Jericho.

Del álbum de 1974 pasamos al del año siguiente, 1975, al LP titulado The Hissing of the Summer Lawns

The Hissing of Summer se publicó en noviembre de 1975, un año justo después de Miles of Aisles.  El álbum continúa con el sonido influido por el Jazz del álbum Court and Spark, al tiempo que presenta un material más experimental.  Mitchell sigue utilizando la guitarra acústica y el piano pero aquí va a manejar el sintetizador de forma prominente.  Los colaboradores para colorear ese perfil jazzístico van a ser, una vez más, los miembros de la formación The L.A. Express y The Jazz Crusaders, con la presencia en ambos combos del teclista Joe Sample (1939-2014); Larry Carlton, guitarrista californiano relacionado con The Crusaders, que también aparece en los créditos junto con apariciones de respaldo ya habituales en las grabaciones de Mitchell como es el caso de James Taylor, David Crosby y Graham Nash, estos tres últimos haciendo coros y en el caso de Taylor, tocando además la guitarra.

Los textos de muchas canciones del álbum se centran en temáticas que giran en torno a las experiencias de las mujeres, como enfrentarse a las normas patriarcales o las frustraciones con la vida suburbana.  Al igual que con muchos de sus álbumes ella misma creó la portada, en este caso una pintura que representa a un grupo de hombres que llevan una gran serpiente superpuesta sobre los suburbios de Beverly Hills.   La propia casa de Mitchell se puede ver a la derecha de la pintura, con un coche aparcado fuera.

El ingenioso sonido jazz-pop que desarrolló en Court and Spark llevaría a Mitchell a un territorio más aventurero en este The Hissing of Summer Lawns.  Al tema The Jungle Line se le atribuye la primera canción lanzada comercialmente que incluye una muestra con una grabación en bucle de percusión del grupo africano Drummers of Burundi, antes de que Peter Gabriel mostrara interés por la música étnica africana.  De alguna forma Joni Mitchell se anticipó a trabajos de Gabriel, de Paul Simon o de Sting.  La producción, una vez más, corrió a su cargo.

De este LP de noviembre de 1975 nos vamos a quedar con cuatro cortes porque no nos caben más en esta edición, pero volveremos con The Hissing of Summer Lawns para escuchar más temas en el próximo Especial Joni Mitchell que será en el mes de julio.

Espero que te guste el programa.

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Cíclope 3.0 - 30-05-23 - Especial Joe Jackson # 3

 

La ciudad de Nueva York hoy en la foto de cabecera de esta entrada porque es la protagonista de las composiciones del disco que nos ocupa esta edición de Cíclope 3.0, la del martes 30 de mayo de 2023, dedicada a la tercera entrega del Especial Joe Jackson.

Jackson había comenzado en la industria fonográfica con las formas libres del Punk y la New Wave en sus dos primeros LPs, había tocado diferentes estilos dentro del Rock como el reggae, el ska en el tercero.  Con el cuarto disco se bañó en los ritmos sincopados del Swing y el Jump Blues de la década de los 40 y con el quinto trabajo, el que nos ocupa hoy titulado Night and Day, abría una cara más en su poliedro creativo acercándose con una música Pop de miras altas a maneras de expresión que le acercaban a compositores que han estado con un pie en el academicismo y otro en la música popular.  Pero vamos a dar un paso atrás, vamos a situarnos en el Tiempo.

1982 siempre será conocido como el año en que los punks adquirieron clase, o al menos cuando Joe Jackson y Elvis Costello , rivales por el título de Angry Young Man reinante en Gran Bretaña, decidió que no eran solo rockeros, sino realmente compositores en la Tin Pan Alley.  Ambos se habían dado a conocer antes de 1982, pero Night and Day de Jackson, publicado en junio de 1982 e Imperial Bedroom de Costello en julio del mismo año anunció al mundo que ambos eran compositores serios, muy alejados de los punks clamorosos y los new wave simples.  En retrospectiva, las ambiciones de estos dos jóvenes de 27 años (ambos nacidos en agosto de 1954, con solo dos semanas de diferencia) parecen un poco grandiosas pero las cosas son como son.

Imperial Bedroom de Costello, con el paso de los añós, se ha ganado una reputación más fuerte, más seria que Night and Day de Jackson, que fue un álbum mucho más popular, escalando puestos en las listas de Estados Unidos hasta el número cuatro, gracias al Single Steppin' Out.  Night and Day tuvo un mayor éxito porque es más accesible que Imperial Bedroom, no mejor.  El disco de Costello es una obra oscura, densa, por momentos difícil de seguir, que pide del oyente una atención específica.  Night and Day maneja unas formas más accesibles en una primera escucha, nos resulta más familiar, se sigue con soltura.

Night and Day veía la luz el 25 de junio de 1982.

Los créditos están formados con la intervención de músicos que ya habían trabajado con Jackson en el estudio y en directo, como Graham Maby al bajo, en la foto anterior.

Sue Hadjopoulos, en la foto de la derecha, además de manejar un amplio espectro de instrumentos de percusión también se encarga de la flauta y de hacer coros.

Otro percusionista es Larry Tolfree, que también había trabajado ya con Jackson.  En esta ocasión Tolfree además de los timbales y algún que otro elemento de percusión se encarga de la batería.

Hay un par de músicos de los que no se tienen fotografías, son el percusionista Ricardo Torres y el violinista Ed Rynesdal que participan, cada uno, en dos cortes del disco.  

La música y los textos de las canciones pertenecen a Jackson excepto TV Age, con letra de nuestro protagonista y música escrita entre él y el guitarrista Steve Tatler, en la foto siguiente

Del piano, piano eléctrico, órgano, sintetizador, saxofón alto, vibráfono, componer la música, escribir las letras y cantar como voz principal, de todo eso se encarga Joe Jackson.

Night and Day, como su nombre indica, está dividido en dos partes, Noche y Día: la cara A corresponde a la Noche, la cara B, al Día.  Este es un aspecto curioso porque ambas son igualmente nocturnas y diurnas, el lado diurno más reflexivo y la parte nocturna más animada.  En el andamiaje y tornillería de la obra están las presencias de tres figuras de la música, el compositor Cole Porter (1891-1964),

el compositor, pianista y director de orquesta George Gershwin (1898-1937)

y el saxofonista Charlie Parker (1920) -1955)

que interpretó precisamente una composición de Cole Porter titulada Night and Day.  

Tras la publicación de Joe Jackson's Jumpin' Jive en 1981, problemas de salud y sentimentales lo mantuvieron apartado de la escena durante unos meses.  Se divorcia de su mujer, Ruth, se traslada a Nueva York y es allí donde trabaja teniendo como punto de fuga la ciudad de los rascacielos, empapándose del ambiente de la gran ciudad, de los compositores e intérpretes que admira.  Hasta la portada del disco es un homenaje a la metrópolis.  El disco se grababa entre los meses de enero y febrero de 1982 y se publicaba el 25 de junio de ese año.  Las letras de las canciones hablan de temas que están en la calle, en la cabeza de la gente, por ejemplo Real Men trata de la cultura gay de la ciudad a principios de la década de 1980.  Y el trabajo mezcla diferentes estilos, como es la ciudad de Nueva York, mezcla y mestizaje: Jackson, toma de aquí y de allá, estructuras de música latina, estructuras clásicas de Porter, de Gershwin, ritmos modernos como el reggae, el ska, y sale un trabajo que triunfa, comercialmente, a la misma vez en Estados Unidos e Inglaterra.  Pero todos esos adornos elegantes en las composiciones, en el diseño de la carpeta del disco, según los grandes popes de la Crítica Musical son evidentes en la superficie, que es el problema con el disco: la superficialidad. Todo está estilizado, con la sensación de eclipsar la escritura, lo cual es un poco irónico considerando que Jackson se esfuerza claramente por ser un compositor sofisticado cosmopolita en este álbum.  La mezcla de ritmos latinos, trompetas y pianos de jazz, sintetizadores elegantes y melodías pop llamativas se siente asombrosamente como una noche bulliciosa y deslumbrante en la gran ciudad.  No hay diferencias marcadas entre el lado nocturno y diurno, hay una fiesta que unifica el espíritu del trabajo, es decir que crea un estado de ánimo y lo mantiene muy bien. Donde decepciona, según los críticos, es en la sustancia de las canciones, porque aproximadamente la mitad de las composiciones tienen más que ver con el sonido que con lo que dicen.  Se pusieron trascendentales los popes de la música.

La producción recayó sobre el mismo Jackson, a medias con David Kershenbaum, el que fue productor de sus dos primeros LPs.

El programa lo abrimos con el tema que se publicó como segundo Single, Breaking Us in Two, primer corte de la cara B y por lo tanto el primero del lado diurno.  Seguimos con la canción que se utilizó como tarjeta de presentación del LP, Real Men, también en el lado Día.  Pasamos al corte Cancer y nos va a faltar uno para completar la cara B, Día.  Será el el tema A Slow Song, que suena al final, como cierre de esta edición.

La cara A, Noche, la vamos a escuchar como si de un sólo tema se tratase.  Los cinco cortes que la forman no tienen separación entre uno y otro, funcionan como una suite y como tal he preferido respetarla para que puedas apreciar tal y como lo ideó Jackson.  Comienza con Another World, le sigue Chinatown, T.V. Age, Target y termina con Steppin' Out.

Night and Day se publicó en 1982, en 1997, el sello A&M donde Jackson publicó sus discos, lanzó un CD remasterizado digitalmente fabricado en Europa.  En 2003, el mismo sello lanzó una edición de lujo remasterizada a partir de las cintas maestras originales.  Esta edición, publicada con la misma portada que la de 1982, incluye un segundo disco con seis demos, cinco pistas de la banda sonora de la película homónima Mike's Murder de 1983 (el álbum que sigue en la discografía a este Night and Day) y cinco pistas del álbum doble en vivo de 1988, Live 1980/86.

De este último nos vamos a quedar con dos temas en vivo incluidos en la edición de Luxe de Night and Day , la versión a capella de Is She Really Going Out With Him? de su primer LP más el tema que le daba título a dicho disco, Look Sharp!  Así, más A Slow Song, el corte que faltaba para terminar la  cara B o Día, cerramos el programa por hoy, la tercera entrega del Especial Joe Jackson que espero que te haya gustado.

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