Cíclope 3.0 - 02-05-23 - Especial Joni Mitchell # 2

 

Cíclope 3.0 del martes 2 de mayo de 2023, primer martes de mes y por lo tanto Especial Discografía, en este caso concreto la segunda entrega del Especial Joni Mitchell.

Comenzamos su Especial en marzo, el martes día 7, y por el ímpetu con el que lo hicimos (una selección de canciones de sus cuatro primeros álbumes) parecía que fuésemos a terminar en cuestión de semanas.  El programa de hoy tendría que estar ocupado por el Especial Joni Mitchell Edición Número 3, pero la coincidencia del Martes Santo con el primer martes del mes de abril y, por consiguiente, las vacaciones de Semana Santa, nos han llevado a retrasar la numeración.  Así que hoy es la segunda entrega de dicho Especial y ha resultado más tranquila, menos presurosa que la primera, ahora con menos álbumes porque no hay que mostrar un espectro de presentación amplio como necesitaba la primera edición para comprender cómo y por qué esta compositora, cantante, instrumentista, escritora y pintora suena como suena: hay una constante policromía en sus composiciones, en los estilos y géneros que cruza dentro de una misma composición, porque es alguien extraordinariamente especial, porque hasta su forma de afinar los instrumentos no tiene nada que ver con la manera en que lo hacen los demás músicos.  En fin, las ganas de situar sus formas, su estilo, hizo que se abriera lo más posible el abanico de posibilidades para reseñar sus comienzos, entroncados con el Folk, para abrirse poco a poco a otros caminos de expresión siempre utilizando sus experiencias vitales como faro en la costa de las tormentas de las relaciones íntimas.  Desde Song to a Seagull de 1968, pasando por Clouds de 1969, Ladies of The Canyon de 1970 hasta el tremendo trabajo que fue, y es, Blue de 1971.  Mantiene la cadencia anual como ritmo para marcar la publicación de sus trabajos y la figura de Joni Mitchell va adquiriendo una dimensión cada vez más amplia.  Hoy empezamos situándonos en 1972 con la aparición de su quinto disco titulado For The Roses.

 

Blue, de 1971, es un LP que cuando se escucha por primera vez y miras la carpeta del disco, ves la foto y piensas que es una carpeta muy buena y que si tal que si pascual...  En otro momento, cuando vuelves a escucharlo, lo quitas del plato y lo metes en su funda, ya no la miras de la misma forma, máxime si has conseguido leer las letras de las canciones.  Y la tercera audición ya te rindes a los encantos de Blue porque es un disco donde los diferentes estilos que laten en sus canciones lo hacen único.  Parecía que después de eso ya no había más que aportar, nada más que decir, pero por fortuna no fue ni es así.

For The Roses no resulta ser sólo y exclusivamente un disco de transición en el que se prueba con diferentes formas, máxime porque ese tratar distintas maneras va a ser una marca de la casa Mitchell, no porque no consiga definir un estilo, un sonido, sino porque en ella convive la multiplicidad y se expresa a través de sus canciones que tendrán como base la exploración estilística y adquirirán una forma u otra dependiendo de lo que mejor les corresponda: cada canción tendrá su estilo, como si de un traje se tratara.  Perfiles Folk con guitarra acústica o piano, números de colores abiertamente jazzísticos, composiciones donde se cruzan ambos estilos, el Folk y el Jazz, dando como resultado interesantes híbridos.  Hasta puntos de fuga originados en el Rock, y otros que escogen el Pop, por unos instantes.  Siempre por supuesto con la temática infinita en las letras de sus composiciones de las relaciones humanas, sentimentales e íntimas y sobre la amistad.  Abrimos la selección con Cold Blue Steel and Sweet Fire, Frío Acero Azul y Dulce Fuego, un retrato de la adicción a la heroína de un amante y su necesidad de encontrar la dulce liberación de la droga a través del frío acero azul de la aguja.  Sus experiencias sentimentales están continuamente en la base de las letras de sus canciones no como una especie de exhibicionismo perverso, sino como una forma de sublimación.  Sus relaciones amorosas, de las que no habla directamente sino a través de simbologías, como por ejemplo la que mantuvo con el intérprete y compositor James Taylor entre 1970 y 1971.

De él, en la foto de la izquierda, habla la canción con la que hemos comenzado el programa, de su adicción a la heroína y de lo difícil que se volvió tratar con él.  Se quedó anímicamente rota Mitchell cuando Taylor puso el punto final a su historia de amor y pulsión de muerte.  Para hacer catarsis, sublimar todas esas emociones, escribió canciones como esta, Let the Wind Carry Me, que hace alusión a la necesidad de cambiar, de que el viento la arrastre y la deje estar en otro momento, en otro lugar.  Pero va a volver sobre el tema, va a volver a tocar su relación con Taylor en la canción tal vez más conocida de este quinto LP, el Single You Turn Me On I'm A Radio, Tú me enciendes, soy una radio, una evaluación de la frustración y la tristeza de un amante que es una celebridad y se enfrenta a los desafíos de la fama y la fortuna, cuando el éxito y la gloria llaman a su puerta y él se encuentra bajo la influencia siniestra del arco gravitatorio de su adicción a la heroína.  La alusión a James Taylor se repetía no como una idea obsesiva porque esta vez no trata sobre el dolor de perder un amor por culpa de las drogas y el dolor que conlleva, sino como una situación en la que la figura del amante recupera una cierta normalidad al encontrar a alguien que le ayuda a sentirse de nuevo en sí mismo, de ahí la figura de ser una radio que tú enciendes y cuya relación es la orilla a la que él llega tras navegar un océano obscuro y tenebroso.  La mujer que trazó el bucle de esa nueva relación estaba relacionada también con la música, fue Carly Simon.  Cuando esa unión se hizo realidad, Joni Mitchell cerró capítulo y siguió viviendo.  

El LP For The Roses contiene ramificaciones de sentimientos y emociones, no solamente de la vida a dos, también habla con ideas más abstractas de las imperfecciones y las complejidades de estar involucrado emocionalmente.  Decía hace unos momentos que el Jazz va a estar de nuevo presente como ya se insinuó en el álbum Blue.  Claro que para que haya una buena sintonía con lo jazzístico debe haber músicos alrededor que contribuyan a ello y es precisamente algo que Mitchell sabe hacer: pedir el favor a viejos colegas y amigos para que contribuyan con su colaboración a que esa semilla que está sembrada en su corazón de compositora germine y florezca.  Así se busca la participación de Wilton Felder,

saxofonista y guitarra bajo, foto de la derecha, uno de los fundadores del grupo de finales de los 50, The Jazz Crusaders

The Jazz Crusaders
Wilton Felder el primero por arriba

Tom Scott, saxofonista, compositor, arreglista, director de orquesta y líder estadounidense del grupo de jazz fusión de la costa oeste, The L.A. Express.

Tom Scott al saxo, a la izquierda Joni Mitchell.
The L.A. Express sería la banda que acompañó a nuestra protagonista en el álbum grabado en vivo Miles of Aisles de 1974, al que llegaremos dentro de muy poco

El lado más inclinado hacia el Rock tiene como representante a un viejo amigo, Stephen Stills, tocando la guitarra eléctrica en un tema, Blonde on the Bleachers, que no hemos seleccionado precisamente.  Otro músico que mantuvo una relación con Mitchell fue Graham Nash que toca la armónica en You Turm Me On I'm A Radio.

Mitchell con Graham Nash, con quien mantuvo una relación sentimental particularmente tóxica

Para cerrar todo lo relacionado con este quinto LP de Joni Mitchell, For The Roses, nos quedamos con el lado más disparatado de toda esta historia: la carpeta del disco.

Esta foto de la izquierda no es otra cosa que una prueba, la portada definitiva es la que aparece más arriba, con peor color porque trataron la instantánea de otra forma dando como resultado final unos tonos verdes desvaídos, todo muy alejado de un mundo ecológico que no llegaba a convencer mucho.  Pero la intención primera fue otra historia: la vocación natural de Joni Mitchell es la pintura, lo de la música fue algo accidental como ella misma llegó a explicar.  Las ilustraciones de las carpetas de sus tres primeros trabajos tuvieron diseños suyos realizados por ella misma.  El cuarto LP apareció con una magnífica foto suya en la portada, una instantánea debida a la cámara de Tim Considine.  El álbum For The Roses iba a tener como motivo principal de ilustración un dibujo de Mitchell hecho con tinta y rotulador que tenía el mismo título que el disco, pero presentaba un problema y era la temática: el dibujo presentaba un ramo de rosas que sobresalen del culo de un caballo, imágenes que simbolizaban los sentimientos de nuestra protagonista hacia la industria fonográfica.  No sé qué habría pasado hoy en día pero en 1972 eso fue impensable.  Uno de los fundadores del sello discográfico que distribuía los discos de Mitchell, Asylum Records, David Geffen dijo que vale, de acuerdo, que como broma muy bien pero hablando en serio, lo que querían era una foto de ella para ponerla como portada.  Mitchell les entregó esto:

En verdad fue un detalle ampliado de la instantánea, su figura más en primer plano.  Geffen dijo que muy bien, perfecto, pero con una condición: el trasero aparecería cubierto con una hermosa pegatina amarilla con el precio del LP.  Risas, carcajadas, buen rollo. Por cierto, ¿de quién era la foto? le preguntaron.  De Joel Bernstein, amigo de la artista.  ¡Ah, bueno!  ¡Bernstein!  Claro, responsable de fotos para algunas carpetas de Bob Dylan, Neil Young, David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash.  Que si la foto de ella desnuda ante el mar, de espaldas a la cámara, no tenía otra versión, querían saber.  Sí, sí.  Mitchell se la enseñó y Geffen contactó con Joel Bernstein.  Le encargó la portada y la foto interior de la carpeta del disco que era doble (la carpeta).  Geffen quería, si fuese posible, ocupar todo el interior de la funda del disco con la foto de ella desnuda mirando al mar.  El fotógrafo le mostró las diferentes tomas que había hecho y llegaron a la conclusión de que la mejor es la que utilizaron finalmente, quedando la portada como se conoce

y el interior así

Son 7 cortes los que seleccionamos de los 12 que forman el LP.  El último está inspirado por la figura de un gran Luis, Ludwig Beethoven.  El juicio de la Luna y las Estrellas, subtitulado Melodía de Ludwig, nos sirve para cerrar la audición de este For The Roses, el quinto álbum en la discografía de Joni Mitchell.  Y sin solución de continuidad pasamos al sexto LP, al álbum titulado Court and Spark, publicado en enero de 1974.

Joni Mitchell alcanzó su punto culminante, comercialmente hablando, con su sexto LP titulado Court and Spark, una hábil fusión, una vez más, de Folk, Pop y Jazz que se va a  erigir como su trabajo más vendido hasta la fecha.  Si bien es tan unificado y perspicaz como Blue, se aleja de la composición de canciones de perfil intimo y confesional hacia estudios de personajes evocadores, explorando los roles de la honestidad y la confianza en las relaciones humanas, tanto románticas como de otro tipo.  Canciones que ofrecen, por ejemplo, una mirada aguda y divertida sobre el entorno depredador de la escena de los bares de solteros, otras sobre los entresijos poco sutiles de la industria fonográfica.

Cuando el disco estuvo finalizado Mitchell ofreció una audición privada en la que estuvieron David Geffen y Bob Dylan.  Al parecer Dylan se quedó dormido aunque fue disculpado por nuestra protagonista que argumentó que, en realidad, Dylan lo que estaba haciendo era aparentar ser simpático, gracioso ante Geffen.

Algo muy importante como es habitual en los LPs que lleva grabados hasta el momento Mitchell son los créditos del disco, los músicos que colaboran.  Es impresionante la lista donde repiten más de un nombre.  En el área jazzística de nuevo intervienen Wilton Felder, saxo y guitarra bajo, que ya estuvo en el disco de 1972, al igual que Tom Scott; David Crosby, que estuvo como productor en el primer LP y que fue el que resaltó la importancia de la figura de Mitchell, aquí se encarga de hacer coros, al igual que un viejo compañero suyo y amante de ella, Graham Nash.  Los instrumentos no recaen en un sólo intérprete y así por ejemplo la guitarra eléctrica la manejan tanto Robbie Robertson, elemento fundamental del proyecto The Band, y José Feliciano que no canta sino que pone su ingenio con la eléctrica en un tema.

La producción del LP estuvo realizada a medias entre Henry Lewy (1926-2006) ingeniero de sonido norteamericano que llegó a estar en unos 13 LPs de Mitchell, y ella misma.

Ocho cortes de un total de once es la selección que extraemos del sexto LP de Joni Mitchell titulado Court and Spark, aparecido en 1974.  El final se resuelve con 4 composiciones que escuchamos en dos bloques de 2 cada uno, uno primero con aire más jazzístico, Truble Child + Twisted, y el último, People's Parties + Same Situation, con formas entre el Folk y el Pop.  Así cerramos esta segunda entrega del Especial Joni Mitchell.

Espero que te guste el programa.

Enlace: https://www.radio.tomares.es/index.php/blog/ciclope-30-02-05-23

Cíclope 3.0 - 25-04-23 - Especial Joe Jackson # 2

 

Cíclope 3.0 del martes 25 de abril de 2023, edición dedicada a la segunda entrega del Especial Joe Jackson.

El programa va a estar ocupado principalmente por dos álbumes, uno de 1980 y otro de 1981.  Para empezar vamos a recuperar un trabajo que, en principio, se publicó sólo en territorio británico, una especie de regalo dirigido a sus fans ingleses.  Es el disco entre I'm The Man de 1979 y Beat Crazy de 1980, tuvo formato de EP, contenía tres tema y se le conoció por la canción principal titulada The Harder They Come

The Harder They Come (EP), se publicaba en junio de 1980.  El tema principal sería una versión de una canción original del músico jamaicano Jimmy Cliff, que firmó en 1972 esta composición que formó parte de la banda sonora de la película del mismo nombre, interpretada por él y dirigida por el director, también jamaicano, Perry Henzell.  El título original de la cinta, The Harder They Come, se tradujo en España como Caiga quien caiga.

Los LPs de Jackson serían debidamente reeditados en CD con el paso del tiempo, incluirían, como es habitual, material extra, bonus tracks, pero este EP no entraría en su discografía oficial, sí lo hizo en una antología que realizó el sello Universal pero si no recuerdo mal fue tan sólo el corte The Harder They Come.  Con él hemos iniciado la edición de Cíclope 3.0 de hoy para disponernos a escuchar unos cuantos temas de los dos álbumes que forman la columna vertebral del programa de hoy.  En el mes de octubre de 1980 veía la luz Beat Crazy, el tercer larga duración de nuestro protagonista que, una vez demostrados los valores sus credenciales comienza a ejercer algunos derechos en el contrato discográfico como por ejemplo el que no aparezca sólo su nombre y apellido en la carpeta del disco sino que se añada el término de Banda.  Se lo aceptan, y al igual que el EP con el que había entrado en la nueva década, su larga duración también estará firmado como Joe Jackson Band.  El título, Beat Crazy.

La portada del disco fue idea de Jackson pero quien la realizó fue Willy Smax cuyo nombre real es William McLellan, director de videos y documentales y artista visual.  El 5 de octubre de 1979 apareció I'm The Man, y con unos días de diferencia para cumplir el año, el 10 de octubre de 1980, vio la luz Beat Crazy.  La banda es la formación original, la misma que en los dos primeros álbumes: guitarra Gary Sanford, Graham Maby en la guitarra bajo y en la batería Dave Houghton.

Sería la última ocasión en la que trabajaron juntos, bueno, en verdad sería un adiós temporal porque volverían a reunirse en el año 2003, cuando grabaron el álbum Volume 4.  Pero ya llegaremos a ese álbum, por ahora nos quedamos con su tercer LP.  En este tercer trabajo, nuestro hombre expandió su mezcla de Power Pop y Punk para dar como resultado un álbum teñido de Reggae y Ska.

Jackson incluso se deja influir por la forma de la Poesía Dub del autor jamaicano Linton Kwesi Johnson (foto izquierda) y trae la política a la pista de baile; como en la mayoría de sus álbumes, Jackson cubre una amplia gama de temas aquí, incluidas las relaciones modernas, el feminismo, la vida de club y la periferia social.  Un esfuerzo importante es lo que se recoge en Beat Crazy.  Y sin embargo a nuestro protagonista no le gustó el resultado final.  Es cierto que fue una decepción, relativa, comercialmente hablando, que los singles extraídos del LP no escalaron las listas de éxitos ni de Gran Bretaña ni de los Estados Unidos.  Para que las ventas no resultaran tan llamativas en USA, se argumentó que no se habían realizado giras de promoción por allí.  En Inglaterra sí la hicieron y sin embargo no significó mucho.  Según palabras del mismo Jackson, 

intentamos cambiar un poco la fórmula sin saber muy bien cómo.  Tiene algunas cosas buenas, pero no es el canto del cisne triunfante de esta banda

El disco lo escribe él, en letra y música.  Se sienta a los teclados, canta, se encarga de los arreglos y como broche, hace las veces de productor.  Para que juzgues ese resultado final el Cíclope peina Beat Crazy y resalta 6 canciones de diferentes estilos.

Ahora entramos en el segundo disco que ocupa el programa, el cuarto LP de Joe Jackson que vuelve a retomar su nombre y apellido como garante de su trabajo.  El cuarto álbum de nuestro protagonista veía la luz en el mes de junio de 1981 y lleva por título toda una declaración de principios: Joe Jackson's Jumpin' Jive.

Si desmenuzamos un poco los conceptos, el Jump Blues fue un subgénero musical surgido del blues a finales de la década de los años 30 del siglo pasado en los Estados Unidos.  El sonido del blues se había ido urbanizando en una mezcla de blues clásico con letras humorísticas y ritmos heredados del boogie-woogie.

Louis Jordan y su banda se consideran los pioneros de este estilo, el cual tuvo mucha aceptación y al que llamaron Jump Blues.

Las bandas seguidoras de este estilo grababan desde blues más clásicos hasta baladas y piezas de música popular.  En general, la guitarra eléctrica perdió su relevancia a favor de una mayor importancia del piano o del saxofón.  Se trata de una música más bailable que el Blues, podría decirse que más profunda que el Swing y más intensa que el Jazz.  Este estilo se popularizó sobre todo durante los años 40 y es un precursor del Rock and Roll.  Hubo importantes músicos relacionados con el Jump Blues: Tiny Bradshaw (1907-1958), Roy Brown (1925-1981), Wynonie Harris (1915-1969), Big Joe Turner (1911-1985), Jimmy Yancey (1898-1951).  Quiero detenerme en dos figuras fundamentales en este campo, una ya la he citado, Louis Jordan, la otra es Cab Calloway.

Louis Jordan, 1908 - 1975, fue un saxofonista, multiinstrumentista, compositor y director de orquesta estadounidense que fue popular desde finales de la década de 1930 hasta principios de la de 1950. Especializado en el saxo alto, Jordan tocó todas las formas del saxofón  así como el piano y el clarinete.  También era un cantante talentoso con un gran estilo cómico y lideró su propia banda durante más de veinte años.  Hizo un dúo con algunas de las estrellas más grandes del canto solista de su tiempo, incluidos Bing Crosby, Ella Fitzgerald y Louis Armstrong.  Jordan comenzó su carrera en las big-band swing jazz en la década de 1930, pero se hizo conocido como un innovador que popularizó el Jump Blues, un híbrido de Jazz, Blues y Boogie-Woogie derivado hacia el Swing, acelerado y orientado al baile.  Típicamente interpretada por bandas más pequeñas que constaban de cinco o seis miembros, las composiciones presentaban coros de voces gritadas y muy sincopadas y letras cómicas sobre temas urbanos contemporáneos. Hizo un cuidadoso énfasis sobre la sección rítmica de piano, bajo y batería y después de mediados de la década de 1940, esta mezcla a menudo se complementaba con una guitarra eléctrica.  La banda de Jordan también fue pionera en el uso del órgano electrónico.

Cab Calloway, 1907-1994, fue un cantante, compositor, director de orquesta y bailarín estadounidense.  Estuvo asociado con el Cotton Club de Harlem, donde era un artista habitual y se convirtió en un vocalista popular de la era del Swing.  Su forma de mezclar Jazz y Vodevil le valió elogios durante una carrera que abarcó más de 65 años.  Calloway fue un maestro del enérgico canto scat e impulsó una de las bandas de baile más populares de los Estados Unidos desde principios de la década de 1930 hasta finales de la de 1940, una banda que albergó figuras como el trompetista Dizzy Gillespie, entre otros músicos.  

Estos datos nos sirven como preámbulo para escuchar Joe Jackson’s Jumpin’ Jive, el disco que, con el paso del tiempo, ha demostrado ser uno de los proyectos más aventureros de nuestro hombre.  Publicado en junio de 1981, es una colección de versiones de versiones clásicas de Swing y Jump Blues de la década de los 40, temas interpretados originalmente por músicos como Louis Jordan y Cab Calloway.  El álbum es un crisol de composiciones que van desde la extravagancia de la Big Band hasta el Bop y la vibrante música Swing.  Los movimientos del LP en el Mercado reflejan su fama tanto en Estados Unidos como en Inglaterra, ocupando puestos de importancia en las listas de éxitos y en las de ventas.  Este LP destapa de lleno la astucia musical de Joe Jackson, sigue siendo uno de sus mejores discos porque no solo fue una idea novedosa, sino que revela la destreza musical de Jackson y su deseo de promover sus intereses en otras vías además del pop y las baladas convencionales.  Son 6 cortes los que resalta el Cíclope, comenzando con Jumpin' with Symphony Sid hasta una composición debida a Cab Calloway, Jumpin' Jive, epónimo del título de este álbum donde Jackson canta y toca el vibráfono, además de realizar los arreglos y producir el disco.  Se acompaña por un sexteto formado por Pete Thomas en el saxofón alto

Raúl D'Oliveira, trompeta

Nick Weldon, piano

Dave Bitelli, saxo tenor y clarinete

Graham Maby, bajo

Larry Tolfree, batería 

Los seis músicos que rodean la figura de Joe Jackson, además de tocar su o sus instrumentos, también hacen coros en un disco que resulta ser extraordinariamente vital y cuya escucha es un auténtico gozo.  Fue además una pieza muy importante para revitalizar el género y estilo musical que trata ya que después de este trabajo se produjo lo que se conoció como Resurgimiento Retro-Swing con bandas como Squirrel Nut Zippers, Big Bad Voodoo Daddy o Brian Setzer Orchestra entre otros.

Con Joe Jackson volveremos el último martes del mes de mayo, espero que te guste el programa de hoy.

Enlace: https://www.radio.tomares.es/index.php/blog/ciclope-30-25-04-23

Cíclope 3.0 - 18-04-23

Cíclope 3.0 del martes 18 de abril de 2023.  El espectro musical de esta edición refleja la acústica de sonidos armónicos, ruidos y alguna que otra disonancia.  Para comenzar nos quedamos con el bucle colorido conjugado por la guitarra y los teclados de Talking Dolphins, el proyecto en solitario desde marzo del año 2021 del compositor e intérprete Miguel Ángel Redondo.

Miguel Ángel como Talking Dolphins 

publicaba 4 singles en el año 2021 basando el sonido en un intercambio creativo entre teclados y guitarras (española, acústica, eléctrica) además de incluir voz cantando tanto en inglés como en español.

El 7 de junio de 2022 Talking Dolphins hacía una nueva entrega, un single con el tema We Are The Real Power que nos sirve hoy como punto de fuga para sumergirnos o elevarnos en espirales de música electrónica elaborada con instrumentos analógicos o digitales.

Amplio catálogo de ambas características llegó a manejar nuestro próximo invitado, Hiroshi Yoshimura.

Hiroshi Yoshimura, nacido en Yokohama, Japón el 22 de octubre de 1940 y fallecido en la misma ciudad el 23 de octubre de 2003, fue un compositor y diseñador de sonido japonés, pionero en la música ambiental.  Durante el último año de la Segunda Guerra Mundial comenzó a estudiar música, el piano en concreto.  Tenía 5 años de edad.  Siendo adolescente cayó bajo la influencia de compositores como Toru Takemitsu y John Cage.  En 1964 se graduó en la Escuela de Letras, Artes y Ciencias II de Waseda bajo el hechizo creativo del movimiento Fluxus.  A lo largo de su carrera de varias décadas, permaneció activo componiendo para una variedad de proyectos que iban desde instalaciones de arte hasta cine, y luego se desvió hacia la nueva composición clásica e incluso también hacia la música de downtempo.  Además de enseñar ingeniería y diseño industrial en la Universidad de Chiba, ayudó a marcar el comienzo de una nueva generación de diseñadores de sonido a través de su trabajo en el Kunitachi College of Music Design.

Yoshimura trabajó en la integración de música ambiental que combinó diseño gráfico y sonoro. Realizó poesía visual y trabajó en la construcción de diseño de sonido para TOA, el famoso fabricante japonés de amplificadores, procesadores de señal, mezcladores, micrófonos y altavoces, mientras trabajaba en su propio arte en su tiempo libre.  En 1972 fundó el grupo de música por computadora Anonyme.  Cayó bajo el hechizo de la música ambiental de Brian Eno durante la década de 1970, porque reflejaba sus propios descubrimientos sonoros y atmosféricos centrales.  Su icónico álbum de debut, Music for Nine Postcards, fue lanzado en 1982 en Sound Process.  Originalmente se grabó en casa con un Fender Rhodes y un sintetizador analógico como demo para reproducirlo en el Museo de Arte Contemporáneo de Hara.  Más tarde, el álbum se subtituló Wave Notations 1 y se lanzó como la primera de la serie histórica pero de corta duración Still Way (Wave Notation 2).

Después de su muerte por cáncer en 2003, el legado de Yoshimura perdura a través de extensos proyectos de reedición y lanzamientos póstumos como es el caso de su álbum Music for Nine Postcards, publicado en 1982 y que hoy recuperamos en su reedición del año 2017 extrayendo dos cortes.

Música dotada de una calma elaborada.  De la música de Yoshimura a los paisajes etéreos de las composiciones planantes de ProtoU.

ProtoU es el proyecto de una mujer en solitario, 

Alexandra Puzán (foto de la izquierda) 

también conocida como Sasha Puzán.  Es original de la ciudad de Kiev, Ucrania.  Su apellido lo adopta a raíz de contraer matrimonio con el músico, también ucraniano, Oleg Puzán.  Alexandra/Sasha, como ProtoU graba en solitario, encargándose de todos los instrumentos.  Ha realizado álbumes en colaboración con otros músicos como por ejemplo el compositor e intérprete original de Irán, Mehdi Saleh, conocido por su alias artístico Alphaxone, que ha sonado por aquí en el programa en otras ocasiones.  De ProtoU nos quedamos con dos trabajos, uno firmado en 2022, titulado Memory Alpha y de este en concreto el corte que le da título al álbum, y el otro tema sacado del disco Anomalies de 2019.

 

 

De Ucrania, aprovechando el viento calmado que sopla por la termosfera, nos trasladamos a través de la música planante hasta nuestra piel de toro.  Para ser más exactos nos proponemos descender hasta Almería para encontrarnos con un compositor e intérprete que sabe, y mucho, de lo que es desarrollar paisajes sonoros.  Me refiero a un músico veterano: Juan Manuel Cidrón.

Este alquimista del sonido, vino al mundo en Almería en 1957 y fue bautizado como Juan Manuel Pérez González.  Como alias artístico usa su nombre y el segundo apellido de su madre, Cidrón.  Es un pionero de la música electrónica española, lamentablemente un tanto desconocido en su propio país.  Estudió Magisterio, carrera que abandonó por su interés por la música, centrando sus estudios en el solfeo y en el piano, instrumento de base para entrar en el mundo de los teclados, de los sintetizadores.  En el verano de 1976, con 19 años, comienza la praxis de la música formando parte de un grupo, Nirvana (no, no tiene que ver nada con la banda de Kurt Cobain), después, junto al músico Paco Palenzuela, formaría el dúo Hipokeymenon, referencia de la música almeriense.  Sus comienzos parten de bases de música planante con la marcada influencia de la Escuela electrónica de Berlín: Tangerine Dream, Klaus Schulze...  En solitario, como Juan Ma Cidrón, debuta discográficamente con la serie de tres álbumes titulados Sonidos para acciones I, II y III publicados entre 1989 y 1993, en los que incluye referencias a temas, personajes o espacios almerienses: Cabo de Gata, el desierto de Tabernas, Sierra de los Filabres...

 

Su música se basa en esencia en los sonidos de los sintetizadores modulares y un impresionante repertorio de instrumentos analógicos.  Tiene composiciones que oscilan entre cuestión de minutos hasta sobrepasar la hora.  Es capaz de actuar en auditorios pequeños o en el altar mayor de una iglesia, reflejo de su multiplicidad creativa.  En esta edición de Cíclope 3.0 rescatamos su parte más ruidosa, con un trabajo publicado el 30 de diciembre del año 2010 titulado Electrodoméstico.  

Enmarcado dentro de lo que se denomina Música Industrial, 

Electrodoméstico es un trabajo que recoge el sonido de 12 aparatos cotidianos que van desde un calentador a un secador, una batidora o un calentador, una lavadora o un frigorífico.  Primero hizo un ensayo sobre 20 aparatos pero algunos, por su textura para generar sonidos, los fue desechando, hasta que la criba final dejó los 12 que se recogen en el disco.

Para realizar la grabación ha ido grabando cada electrodoméstico en distintos momentos de su funcionamiento, y con un procesador de sonido, Cidrón manipuló y alteró los ruidos.

De este trabajo nos quedamos con dos electrodomésticos: la tostadora y el secador.

Con Juan Manuel Cidrón volveremos en próximas ediciones de Cíclope 3.0, ahora, en este deambular sonoro electrónico, escuchamos otra forma de organizar el ruido, la música Techno en una dimensión dentada y experimentaloide como la que trae el dúo Pan Sonic.

Mika Vainio (1963-2017) izquierda e Ilpo Väisänen, cuando comenzaron a principios de la década de los 90 en su Finlandia natal, se hacían llamar Panasonic.  Además, no eran tan solo dos miembros, eran tres con Sami Salo, lo que ocurre es que como trío sólo grabaron un álbum, Vakio, en 1995.  Tras la grabación y alguna que otra actuación, Salo se marcha y entonces es cuando se convierten en dúo publicando el trabajo Kulma, firmado en 1997.  El estilo Techno, denostado por una parte de la audiencia, apoyado por otra, daría frutos distintos y variados.  Por un lado el Techno de formas y contenidos cercano al Pop; de otro, el Techno más experimental, minimalista, área en la que nuestros protagonistas finlandeses tuvieron mucho que decir.  Fue una de las exportaciones más activas y conocidas del techno underground experimental de Finlandia, y la primera en alcanzar elogios a nivel internacional.  Persiguiendo los bordes dentados del techno minimalista y hardcore, Panasonic se ganó una asociación duradera con la música industrial y el ruido a través de la incorporación de herramientas eléctricas fabricadas por ellos mismos.  Mientras juntaban equipos de estudio a partir de piezas de repuesto y desechos analógicos antiguos, la búsqueda de Panasonic de lo no probado en el techno fue su modus operandi compositivo.  Hicieron música electrónica basada en el baile con el máximo impacto hecho con un mínimo de detalles extraños.  Después de ganar elogios por trabajos tempranos como los dos primeros que hemos nombrado, el dúo realizó colaboraciones con artistas como Alan Vega.  Pero no todo iba a ser suerte, elogios y buen hacer...  Tras la aparición de Kulma, en 1997, se acabó la paz porque el proyecto recibe una sonora y desagradable denuncia: Panasonic, el gigante de la fabricación japonesa, les exige sin demora alguna que se cambien el nombre porque Panasonic es nombre registrado, marca registrada.  La única solución que encontraron fue la que consistía en quitar una letra, la A que une Pan y Sonic.  Hecho.  Pero hay derecho a la pataleta: el álbum siguiente, el que firmaban en 1999 fue bautizado con el simple nombre de A, la letra perdida de su nombre.  Sami Salo había dejado el proyecto a partir del segundo disco.  Se había marchado para entrar a formar parte del Ejército, y no había posibilidad de una ampliación inmediata con miembros nuevos añadidos a la idea original, así que a Ilpo Väisänen y Mika Vainio no les quedó otra que presentar la misma marca de techno furtivo y pasivamente agresivo del primer disco pero con un sonido más completo y pensado.  Recuperamos dos cortes de su música, uno perteneciente al álbum Kulma, de 1997, y otro del disco de la discordia por el nombre del proyecto ya registrado, trabajo bautizado con la letra A, de 1999.

Kulma - 1997

A - 1999

Pan Sonic se separaba en el año 2009.  Un año antes, en 2008, pasaron por Sevilla con motivo de la décima edición del Festival Audiovisual Zemos98.  Fue en el Teatro Central el 26 de marzo de 2008, en un doble concierto audiovisual en el que compartieron escenario con el artista japonés Ichiraku Yoshimitsu más conocido por su proyecto Dora Video, que consiste en él tocando la batería, máquina de video en ristre, y video manipulado por computadora.  Una audiencia devota asistió ensimismada a la actuación de Pan Sonic, que llenó la sala con el armazón techno minimalista, su hardcore contundente y su manipulación extrema del ruido.  Sentado en la primera fila estaba un músico admirador de todo el producto final de aquella maquinaria, ese músico era Roberto Sánchez Fransesch.

RSFransesch

En el mes de noviembre del año pasado, 2022, sonaba aquí por primera vez en el programa la música de Roberto S. Fransesch, desde hace un tiempo conocido por las siglas de su nombre y primer apellido seguido del segundo, RSFRANSESCH.  Te recuerdo que hablamos de un compositor de música, pero también de un escritor y de un pintor, y de un diseñador de imágenes trenzadas con música.  Este hombre de actividad caleidoscópica no es nuevo en el campo de la creatividad multidisciplinar.  Desde la década de los 90 estuvo involucrado en varios proyectos, colaborando con grupos y músicos, tanto en grabaciones como en producción.  La primera muestra de RSFransesch en solitario fue el proyecto …larder…; después llegaría …dot….  Bajo dicho nombre creó el álbum Hypnotic, música electrónica cercana al minimalismo, composiciones con textos que se van desenrollando como una serpentina de frases que quedan colgadas en espacios entre notas musicales...  Como dice él mismo en una composición: El mundo es una flor...pero yo soy alérgico.  Hypnotic fue publicado en el año 2001 en el sello discográfico independiente Indoor, propiedad de Paco Cruces, Paco Trilita.  El disco, que fue reeditado en streaming por el propio Fransesch el pasado 10 de enero, contiene temas instrumentales como Building Holes y otras composiciones con voz como Las máquinas... (Lo humano).  Quería haber profundizado un poco más en las formas de RSFransesch, sobre todo algunas composiciones atonales para piano, pero no tenemos tiempo para más.  Volveremos en breve con él, por hoy nos despedimos.

Espero que te guste el programa.

Enlace:

https://www.radio.tomares.es/blog/ciclope-30-18-04-23

Cíclope 3.0 - 11-04-23

Fotograma de la película El Maquinista de la General interpretada por Buster Keaton y dirigída por él y Clyde Buckman en 1926 

Cíclope 3.0 del martes 11 de abril de 2023, una edición que, nada más comenzar, muestra una inclinación clara y transparente hacia el arrebato apasionado por la música porque pienso que nadie con una sensibilidad marcada puede permanecer indiferente ante una declaración de euforia como tiene la canción con la que empezamos: All Day and All of The Night.  Firman The Kinks.

The Journey es el título de la última antología publicada de la banda dirigida por Ray Davies y que resulta ser una compilación nada usual por varios motivos.  Primero, la selección se ha llevado a cabo consultando a los tres miembros supervivientes de la formación original, es decir, los hermanos Davies, Ray y Dave, y Mick Avory, batería de The Kinks desde que comenzaron hasta 1984.

Avory habla de tres canciones de The Kinks que, en su opinión, nunca han tenido el reconocimiento debido: All Day and All of The Night, uno de los primeros éxitos del grupo firmado en 1964 y con el que hemos entrado al programa de hoy; She's Got Everything, un tema de 1968 y No More Looking Back de aquel álbum de 1975, Schools Boys in Disgrace.  La antología The Journey está disponible en varias configuraciones diferentes: 2CD, 2LP, Digital y HD Digital.  Las canciones seleccionadas abarcan desde 1964 hasta 1975 y se dividen en cuatro categorías diferentes: 

1 - Canciones sobre convertirse en hombre, la búsqueda de aventuras, encontrar una identidad y una chica

2 - Canciones de ambición cumplida, sabor amargo del éxito, pérdida de amigos y el pasado que vuelve y te muerde el trasero

3 - Días y noches de un alma perdida, canciones de arrepentimiento y reflejo de tiempos más felices

4 - Un nuevo comienzo, un nuevo amor, pero ¿de verdad has cambiado realmente?  Todavía atormentado por la búsqueda y la chica.

En la edición de vinilo estas cuatro categorías están ocupando cada una de las caras del doble LP, cosa que no se encuentran en las otras ediciones, CD y archivos de audio.  Sobre una posible reunión de The Kinks, Avory no lo ve muy factible entre otros motivos porque su relación personal con Dave Davies no es precisamente cordial.  ¿Qué opinan los hermanos Davies al respecto?  No conozco sus opiniones porque no tengo conocimiento de ninguna entrevista realizada al respecto, así como por qué motivos han escogido las canciones que hayan seleccionado.  Las mezclas, debidamente remasterizadas, no han resultado una infamia, algo demasiado habitual cuando se toman los masters originales y se digitalizan no sé con qué oído.  El sonido de este The Journey Part 1 es limpio, brillante, sin querer hacer de nuevo lo que ya estaba hecho y bien hecho.  El disco suena extraordinariamente bien y nos recuerda que es la primera entrega de lo que se sabe serán dos entregas, al menos en principio. La parte 1 ha visto la luz el 24 del pasado mes de marzo, la segunda se publicará a lo largo de este 2023.

De The Kinks nos pasamos a unos admiradores de la banda británica, un grupo que para conmemorar los 40 años de la publicación del LP The Kinks Are The Village Green Preservation Society se bautizaron como The Village Green Experience, proyecto capitaneado por un músico que admiramos en Cíclope 3.0, el guitarrista, cantante y compositor Jose Casas.

Esto es algo que ya se ha comentado en este blog pero que no está de más recordarlo: The Village Green Experience son Jose Casas, guitarras y Coros; Julio Zabala, teclados y coros; Álvaro Márquez, guitarra bajo; Tony Gavilán, batería y coros.  A los miembros de Jose Casas y la Pistola de Papá se les suma Dani Kinda, voz solista y guitarra acústica.  Entre julio y agosto del año 2008 grabaron 4 composiciones, hicieron 4 versiones de ese Village Green Preservation Society de The Kinks: Do you remember Walter?, Big Sky, Starstruck y Village Green Preservation Society.  El disco veía la luz el 9 de agosto de 2009, con producción de Jose Casas.  Recuperamos hoy ese Do you remember Walter? de los Kinks en versión de The Village Green Experience.  Llegaría el cambio, el proyecto Jose Casas y la Pistola de Papá se rebautizaban como Casas y La Pistola y aquí es donde quiere llegar el Cíclope porque CLP están de vuelta con Sin norte, primer sencillo, tarjeta de presentación y videoclip, adelanto de su esperado nuevo trabajo Padrino Buffalo 3, que pondrá fin a la trilogía de EPs que lleva el nombre de Padrino Buffalo.  En ese tema adelanto del nuevo EP, han contado con la participación de Pablo Cuevas, cantante y guitarrista de Los Fusiles, que se une a la voz de Jose Casas.  Sin Norte ha sido producida por el grupo y es una canción que tiene las buenas formas de las composiciones habituales de Jose Casas, o lo que es lo mismo: tiene la marca de la casa.

También en este año 2023 se espera nuevo trabajo de este grupo, Izquierdo y Los Acoples.

Izquierdo y Los Acoples existen como tales desde el año 2017.  Álvaro Izquierdo, primero por la derecha en la foto, es uno de esos casos de creatividad incombustible, que compone, canta y toca desde hace mucho, mucho tiempo y que seguirá haciéndolo porque para él, crear, es tan natural como respirar o parpadear.  Los Acoples existen desde 2017 aunque han pasado por diferentes formaciones en las que el miembro común ha sido Álvaro.  Actualmente son, siguiendo el sentido de la fotografía de izquierdo a derecha, Domingo Díaz, guitarra bajo, Epi Malpaso, guitarra eléctrica, Manuel Eskazena, batería, José Antonio Álvarez "Guti", guitarra eléctrica, y Álvaro Izquierdo, voz, guitarra y motor de la banda.  

Álvaro está interrelacionado, por su labor creativa, con Jose Casas, ambos veteranos  en la escena sevillana de la música y copartícipes de otros proyectos donde han estado juntos como fue el caso de Helio, un proyecto punto de fuga importante desde el que surgieron a su vez otras ideas y proyectos.  Con Álvaro tenía una especie de deuda, me explico: el EP Geometría de una bomba, aparecido en 2021, me lo manda si no fue recién salido sería muy poco tiempo después.  Coincidimos en el entierro el año pasado de Benito Peinado y me comenta si me llegó a mandar el EP.  Claro que sí, lo tengo, le dije.  Estoy con el disco pendiente de programarlo, etcétera, etcétera.  Efectivamente lo programo, lo tengo formando parte del contenido de una de las ediciones de Cíclope 3.0, y el programa no se emite porque no llego a grabarlo a tiempo, por esos motivos de confusión que conoces: que me equivoco de fechas, que estoy en otro día de la semana del que en realidad es, que pienso que es jueves y es sábado, que tengo que darle forma al programa que se emite la semana que viene, que tengo tiempo…sí, sí...¡y un jamón!, es sábado, cuando me doy cuenta es lunes pasado el medio día, y el espacio se emite el martes, al día siguiente.  No me da tiempo, hay que sustituirlo y el contenido que estaba a punto para ser grabado se queda en pausa porque el espacio siguiente es un Especial (no sé si el primer martes de mes, si el último...) y tengo que cambiar las fechas.  Hago el ínclito cambio, pero el contenido, las canciones, las corto y las pego...¿dónde?  en una especie de Limbo irreal que no cuaja y el archivo que guarda los audios se pierde entre listas de espacios emitidos y canciones de interés para programar.  Todo está ordenado excepto el desorden de un rincón de la memoria donde espera a ser emitido un EP titulado Geometría de una bomba firmado por Izquierdo y Los Acoples que veía la ñuz en 2021.  Sin embargo estaba convencido de haber puesto su música en Cíclope 3.0 hasta que en la edición de hoy reconozco el rastro de aquel despiste y devuelvo los temas a su lugar, es decir, a ser escuchados.

Cinco cortes componen este EP titulado Geometría de una bomba, y de los cinco nos quedamos con dos: Tú vencerás y Junto a la estación.  Particularmente este segundo corte es mi favorito de este disco, principalmente por las guitarras.

Nos vamos a ir situando en la recta final del espacio de hoy.  Al menos desde el punto en el que nos encontramos se puede ver la línea del horizonte que resuelve los sesenta minutos que tenemos por delante.  Desde este momento hasta el cierre nos vamos a situar en tierras irlandesas.

No es la primera vez que suenan en Cíclope 3.0 el grupo de la foto de la derecha.  Es Fontaines D.C., quinteto irlandés asentado en Dublín a los que le seguimos los pasos desde que comenzaron en 2019.  Llevan cuatro álbumes en su haber (3 de estudio y uno grabado en una actuación en directo) y nos tienen atrapados por su buen saber hacer.

Skinty Fia es su tercer álbum de estudio y con un par de canciones que no habían sonado aún nos vamos a quedar.  Son Roman Holiday y I Love You.

La visión de Irlanda relacionada con el Rock nos sirve para quedarnos con el perfil del mismo pero mezclado con el Folk como fue el caso de The Pogues.

Al demostrar que el espíritu del Punk podía vivir en la música folclórica tradicional irlandesa, The Pogues fue una de las bandas más radicales de mediados de los años 80.   Dirigidos por el feo Shane MacGowan , cuya voz incomprensible y arrastrada a menudo disfrazaba la pura poesía de sus canciones, The Pogues eran innegablemente políticos.  No solo muchas de sus canciones estaban explícitamente a favor del liberalismo de la clase trabajadora, sino que el sonido salvaje y alocado de su Folk con inyecciones de Punk era implícitamente radical.  Además tenían también un sentido del humor perversamente retorcido.  

Los primeros tres LPs de la banda, Red Roses for Me, Rum Sodomy & the Lash y If I Should Fall from Grace with God, fueron ampliamente elogiados tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos y en 1988 se habían ganado un número considerable de seguidores de culto en ambos países.  Sin embargo, el estilo de vida sombríamente romántico y derrochador de MacGowan , que fue tan clave para su espíritu y éxito, finalmente resultó ser su propia ruina.  A finales de la década, había caído profundamente en el alcoholismo y la adicción a las drogas, lo que obligó a la banda a despedirlo si querían sobrevivir.  The Pogues, que habían comenzado en 1982, continuaron sin él a principios de los 90, tocando para una audiencia que se reducía lentamente antes de disolverse finalmente en 1996.

Para recuperar el sonido del grupo vamos a extraer un corte del segundo LP publicado en 1985 y titulado Rum, Sodomy and the Lash.

El disco contó con un diseño llamativo debido a Frank Murray (1950-2016), cantante irlandés ocasional y manager de The Pogues entre 1985 y 1991.  Para realizar la portada del disco tomó como base el cuadro La balsa de la Medusa de Théodore Géricault.  Murray distribuyó entre las figuras de la balsa el rostro de algunos miembros del grupo y resaltó, con unas gafas oscuras, la cara del productor del álbum que fue, nada más y nada menos, que Elvis Costello.  

El primer LP de The Pogues, Red Roses for Me, de 1984, fue un debut que tuvo como resultado final una grabación demasiado fina, delgada, incorpórea.  Sin embargo esos matices son los que puso del revés la producción de Costello, porque consigue recoger todo el sudor, el fuego y la alegría enojada que tenía la banda.  El mismo Costello afirmó: 

"Vi que mi tarea... era capturarlos en su ruinosa gloria antes de que algún productor más profesional los jodiera…”

El grupo contó con un miembro femenino en sus filas, la guitarra bajo y cantante Cait O'Riordan que es quien precisamente interpreta la canción que recuperamos de The Pogues de su segundo álbum, un tema tradicional titulado I'm A Man You Don't Meet Every Day.  La canta de una forma tan serena y con tanto gusto que no es de extrañar que Elvis Costello se enamorara de ella y que se casaran, durase la historia de amor lo que durase porque, como dijeron la Fernanda y Bernarda de Utrera, "no hay ninguna flor que dure dos primaveras".

The Pogues, con su Folk Rock (aunque el tema haya sido más folk que rock) nos han servido de puente entre el Rock irlandés de Fontaines D.C. y el Folk de nuestros últimos invitados del programa de hoy, la banda Lankum.  

Los hermanos Ian y Daragh Lynch (segundo y tercero desde la izquierda) formaron la primera encarnación de la banda a principios del año 2000, interpretando una mezcla de canciones tradicionales junto con sus propias composiciones con un estilo claramente folk-punk.  Haciendo un guiño a su apellido llamaron a la banda Lynched y, tras sumar a los miembros Cormac Mac Diarmada y Radie Peat, lanzaron su álbum de debut, Where Did It All Go Wrong, en 2013.

Como grupo folclórico tradicional de cuatro miembros combinan armonías vocales en un repertorio que abarca canciones humorísticas, canciones callejeras del Music-Hall de Dublín, baladas clásicas de la tradición de los viajeros, melodías de baile tradicionales irlandesas y estadounidenses, y su propio material original.  Pasaron varios años actuando como Lynched, pero la banda decidió que ya no continuarían con el nombre debido a la asociación inevitable pero no intencionada de la palabra con la práctica racista del linchamiento.  El nombre Lankum proviene de la balada False Lankum, cantada por el viajero irlandés John Reilly Jr. y decidieron rebautizarse a partir de 2017.

Con Lankum vamos a cerrar el programa de hoy y lo hacemos recuperando dos canciones de dos álbumes suyos.  La primera es una canción del disco publicado el 27 de octubre de 2017 titulado Between the Earth and the Sky.  Es una composición de origen alemán titulada Peat Bog Soldiers, Soldados de la turbera, firmada por el poeta Johann Esser (1896-1971) y el actor de teatro, cine y televisión Wolfgang Langhoff (1901-1966).  Está cantada a capela entre los 4 miembros de la banda.

El último corte que escuchamos es una larga composición de 10 minutos, un tema tradicional titulado The Wild Rover incluido en su álbum de 2019 The Livelong Day.

Así terminamos esta edición de Cíclope 3.0, con la esperanza puesta en que te guste el programa.

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